miércoles, agosto 29, 2012

Internet y twitter apoyan al teatro


El twitter y la internet son valiosas herramientas electrónicas que apuntalan al desarrollo del teatro. Aquí en Caracas ha beneficiado a High, el espectáculo que presentan en el teatro Trasnocho, desde hace siete meses, así nos lo reconoció el director y actor Luis Fernández.
Y esa utilidad del twitter y la internet para la promoción del arte teatral tambien lo destaca el diario El Tiempo,de Bogotá, en su edición del 29.9.12
Afirma la publicación colombiana que el twitter es la nueva realidad de la difusión del teatro en el mundo, así se estimula el mercadeo de las tablas, y Bogotá no está exenta del fenómeno. Aunque en la ciudad apenas el 13,49 por ciento de los bogotanos usa twitter, los gestores culturales entendieron que el antiguo boca a boca para dar a conocer las obras también ocurre hoy en Internet. Una de las experiencias colombianas es la de Casa Ensamble, donde crearon la 'Sala tuitera', un espacio designado especialmente para recibir a los tuiteros con más de 3.000 seguidores, que puedan generar opinión sobre las obras. Ellos escriben a @casaensamble y, si cumplen esos requisitos, son invitados a la obra que se presente en esa sala.
También allí han experimentado con el 'teatro tuiteado'. En una de las secciones, el catch de improvisación El club del tropel, los tuiteros proponen temas que terminan siendo interpretados o improvisados por los actores, y durante la obra se proyectan los más ingeniosos. En otra de sus piezas, Encadenados, pusieron conexión wi-fi en la sala y pidieron a los tuiteros que, entre acto y acto, hicieran críticas de la obra.
Su apuesta se acerca a la del teatro español El Alfil, que creó la 'tuitbutaca', un lugar, al final de la sala, donde se puede tener un teléfono inteligente o un iPad prendido y tuitear sobre la obra mientras los actores hacen lo suyo.
El Teatro Nacional, por su parte, comenzó su estrategia de redes desde el 2009 y hoy tiene más de 24.000 seguidores en Twitter y 20.000 en Facebook. Además de promocionar sus obras, le apuntan a acercar a los actores con el público a través de twitcams y a permitir que los seguidores los acompañen en el camerino.
Víctor Solano, experto en redes sociales, asegura que se observan dos escenarios. "Uno, que es el básico, en el que las compañías involucran redes como instrumento de invitación o información; pero otro, más interesante, cuando las convierten en instrumentos para la construcción colectiva e incluyen a públicos que participan desde la sala o fuera de ella".
Para los teatros, el objetivo es atraer públicos jóvenes que se puedan convertir en los asiduos espectadores del futuro, y llamar su atención con las herramientas que les da la red.
Sin embargo, algunos críticos hablan de que es una 'fiebre' peligrosa. "Los públicos se han convertido ya en el epicentro del sistema escénico, de la misma manera que hace tres décadas lo fueron la creación y la producción", escribió Jaume Colomer, coautor del libro Marketing de las artes escénicas.
No obstante, las búsquedas de acercar la tecnología a la difusión del teatro no se detienen. Ya está de moda, en otros países, incorporar códigos QR a los programas de mano o a los carteles de las obras de teatro y enlazarse con Google Maps, para ubicar a los espectadores durante los festivales.
Aquí, en Bogotá,  la mayoría de las compañías tienen su propio canal en YouTube y algunas se han atrevido a pasar en streaming fragmentos de una obra, pero todos coinciden en que aún falta mucho para que se pueda ver una a través de redes.
En Caracas, como lo escribimos antes, y como ahora lo comenta el crítico Joaquín Lugo,en el diario Talcual (29.08.12), más allá de la publicidad tradicional, aquella que se aprovecha de la Red para difundir la cartelera teatral caraqueña ha tenido gran auge en los últimos años gracias al uso de la Internet.
Uno de los sitios web más representativo es: vayaal- teatro.com . En él se puede encontrar información acerca del teatro para adultos, para niños, algunas presentaciones en el interior y otros espectáculos escénicos. Además, cuenta con diferentes secciones, como Galería teatral, Historia de nuestras salas y otros espacios para el reportaje y la crítica teatral, así como también una serie de guías sobre las escuelas de teatro, danza, talleres y concursos.
Mucho más reciente es la presencia de alteatrosi.com , otra iniciativa web que difunde la cartelera de Caracas. En este sitio, se destaca la búsqueda por día, género, teatro o general; e incluye las secciones Teatros, Concursos y Galerías.
Como parte de la divulgación del Festival de Teatro de Caracas se creó el sitio "Puro Teatro Ccs" (tea- troccs.org.ve ), un espacio que se ha convertido en el medio para conocer las presentaciones en el centro y oeste de la ciudad.
Otros sitios de mayor amplitud son hoyquehay.net y tuparadacultural.com. Ambos poseen un apartado dedicado a la información teatral que comparten con otras áreas para el entretenimiento y el ocio.
Por otro lado, la publicidad que se realiza a través de las redes sociales también compite con la tradicional, debido a la gratuidad del servicio, sin descontar que es necesario tener acceso a una conexión a Internet.
Siendo la red social de mayor presencia a nivel mundial, Facebook es la más utilizada para la difusión teatral en Venezuela. La creación de perfiles, grupos y eventos sirven para estar al tanto de lo que se está realizando. Los jóvenes creadores, y algunos de vieja data, ha utilizado los grupos: Teatreros y Cómplices del teatro, para hacer publicidad a su trabajo.
La segunda red en importancia es Twitter, en la que casi todos los espacios y grupos teatrales tienen perfiles.Asimismo, se han aprovechado los blogs con sitios emblemáticos como ommproduccion.jimdo.com y caracas- dosmascaras.blogspot.com. Debo resaltar que todos los sitios web y los blogs, tienen presencia en facebook y twitter. En cambio, la red Google+ no ha tenido una incidencia importante.
Por último, dice Lugo que el auge de los teléfonos inteligentes ha facilitado el acceso a la información. Con las redes sociales a la mano, una mejor calidad de navegación móvil y el desarrollo aplicaciones descargables, el teatro que se realiza en Venezuela está más cerca de sus potenciales espectadores. Falta que ellos se decidan a asistir.
No menciona el colega Lugo a este blog, con varios años en la red y con más de 300 mil visitantes interesados,pues,  en nuestras opiniones e informaciones.También usamos el twitter y dos periódicos caraqueños para presentar nuestras entrevistas y críticas,porque todavía lo impreso tiene su magia o valor.


Caracas alista Festival de Teatro 2012


El teatro venezolano ha sido, es y será revolucionario. Sus artistas, los dramaturgos y su oceánico público así lo han demostrado a lo largo de 412 años, aunque en ocasiones surgen detractores y enemigos encubiertos que tratan de asfixiarlo, de quitarle espacios, de desviarle los recursos del Tesoro Nacional que le pertenecen por ser una crítica manifestación cultural, y hasta han pretendido matar por hambre a sus hacedores. El teatro venezolano no es complaciente, ni frívolo, ni tampoco tarifado, ni servil; prefiere comerse las migajas del banquete antes que deshonrarse.
Hasta ahora nadie ha podido hacerlo claudicar ni desaparecer de los escenarios y el boom del mal llamado teatro comercial es muestra de como sus creadores si pueden sobrevivir gracias a la imaginación pero sin claudicar en su filosofía de denuncia contra las injusticias, contra los desatinos de los gobiernos y siempre en contra de las exclusiones. La comedia aparentemente sosa o banal tiene un veneno dirigido contra el poder, porque el teatro es arma revolucionaria y por eso le temen o pretenden ignorarlos los llamados “poderosos”.
El teatro siempre ha estado en la acera del frente pero sin poner en tela de juicio su amor patrio.
Teniendo en cuenta esto, tanto los teatreros y las autoridades de la Alcaldía de Caracas y el Gobierno del Distrito Capital organizan y ponen en marcha eventos publicos, como sucedió el año pasado, con el Primer Festival de Teatro Caracas 2011 (FTC 2011), del 11 al 25 de noviembre, con la intervención de 80 agrupaciones y sus 600 actores para realizar más de 160 funciones en 13 salas, ocho espacios públicos recuperados y 30 espacios comunitarios.
Ahora, Fundarte, el brazo cultural de esas dos entidades políticas, anuncia el Segundo Festival de Teatro de Caracas 2012 (FTC 2012) se realizará del 24 de noviembre a l9 de diciembre en 22 salas. La inauguración tendrá tres desfiles, los cuales recorrerán las avenidas Sucre y México, y el Boulevard de Sabana Grande, y han de concluir en Plaza Sucre, Plaza Los Museos y Plaza Venezuela, respectivamente. Y la programación en las salas comenzará el sábado 24 de noviembre.
Se espera que participen 80 agrupaciones de todo el país y que realicen 160 funciones (dos presentaciones por cada grupo o elenco). Se utilizaras dos horarios (5PMy 7PM). El costo del boleto para las funciones será de 20 bolívares. Se efectuaran no menos de 20 actividades paralelas en las parroquias y espacios publicos,las cuales consistirán en experiencias libres (performances, happening, etcétera)
Se están organizando unas 100 actividades académicas que contemplarán foros, seminario, encuentros y talleres. Además inaugurarán sendas exposiciones sobre vestuarios y fotografías alusivas al movimiento teatral.
En la plaza Diego Ibarra se instalará el espacio Ciudad Teatro, que consistirá en un variopinta feria de bienes,culturales,librerías y conciertos.
Ya veremos que trae esta nueva muestra del arte escénico nacional,mientras por ahora están recibiendo en Fundarte las respectivas carpetas de las agrupaciones interesadas en participar.

sábado, agosto 25, 2012

Cajita de Arrayanes 2012


El Teatro Universitario para Niños El Chichón, dirigido por su fundador Armando Carías, se alió con la Compañía Nacional de Teatro para realizar cinco funciones de la excelente comedia musical Cajita de Arrayanes, texto y música de Lutecia Adam y Alecia Castillo, en el Teatro Nacional (cuatro) y el Teatro Catia(una).
 Cajita de Arrayanes (UCV, 1988) replantea, una vez más, la inteligente utilización del teatro para la vital formación de los valores cívicos en la niñez venezolana. Tarea que ejemplarmente ha adelantado El Chichón durante sus 34 años de labores. Y la cual alcanza un hito con este montaje, que también es una hermosa evocación de la memoria del malogrado poeta Aquiles Nazoa (17.05.1920/25.04.1976), ya que la autora Adam usa sus exquisitos poemas y sus anécdotas hasta componer un perfecto guión que es cantado por sus 12 interpretes, acompañados con un acoplado  y bien sonoro sexteto.
La obra plasma la saga del ratón Aquiles y su contagioso amor por la poesía y cómo, gracias a ésta, logra salvar de la desesperanza a los otros ratones de la colonia donde vive ante  las tristes tardes frías. Pero Cajita de Arrayanes es también un canto a las cosas más sencillas de la naturaleza, a las mariposas, a las laboriosas hormigas, al mastranto, a los cochinos…a la poesía misma, como lo demostró ese poeta que exaltó y dignificó a las muñecas del trapo.
Su metáfora, visualmente melosa y preñada de idílicas imágenes campesinas, destinada a los niños y sus progenitores,  acentúa el valor de la poesía, el trabajo y muy especialmente la solidaridad que no es otra cosa que aprender a amar a los unos y a los otros, como lo predica el Nazareno, y la necesaria cooperación con sus semejantes, hasta comprender y disfrutar que amar y cooperar  no son excluyentes, sino todo lo  contrario. El ratón poeta dice cosas como esta: “Una sola mano nunca hará el socialismo”.
Según Hans-Thies Lehmann, “el teatro no es político por su contenido, sino porque está hecho de un modo político”, como acontece con Cajita de Arrayanes, donde coexisten los ratones y los gatos y hasta trabajan juntos para sacar adelante su comunidad, usando la cabeza y sobre todo el corazón para apuntalar el bienestar del futuro.
El espectáculo gira en torno a un Tío Vivo o un Carrusel, alegoría de la vida rutinaria de la colonia  de ratones que trabajan la tierra, conviviendo con maravillas que no se detienen a admirar, con pájaros cuyos cantos no disfrutan, con hormigas que no les asombran y con mariposas cuyos colores no tienen tiempo de apreciar, hasta  que el ratón Aquiles les cambia para siempre la rutina... y se marcha dejándoles la enseñanza de creer y predicar  la solidaridad.
La música repotencia la anécdota y unifica la puesta en escena que busca reivindicar, el valor de la poesía como fuente  generadora de vida, de esperanza y de futuro, que es ahora. ¡El Chichón y la CNT avanzan!
Conforman el elenco María Alejandra Tellis, Eliécer Paredes, Miling Cabello, Dewis Durán, Rita Fernández, Alejandra Mancilla, Valentina Fagundez, Mariana González, Génesis López, Andrea Silva, Cesar Guarisman, Wahari Meléndez, Morelba Domínguez y María Isabel Quintero, junto a los músicos Néstor Viloria, Javier Marín, Jesús Milano, Jorge Villarroel, Juan Manuel Sánchez y Pedro Marín. Por su parte la dirección coreográfica está a cargo de Carmen Violeta Pérez; dirección cocal y arreglos vocales Julia Carolina Ojeda; dirección musical Néstor Viloria; puesta en escena y dirección general de Armando Carías bajo la producción general de la Compañía Nacional de Teatro.
Esta es la cuarta temporada de Cajita de Arrayanes. La primera a los diez años de El Chichón, después a los 20 y luego a los 25.La obra se ha presentado en escenarios de Maracaibo, Valencia, Barcelona, Morón y en Caracas en la UCV (Sala de conciertos y Aula Magna),Teatro Cadafe, Teatro Municipal y Nacional. Se preestrenó hace 24 años en la antigua  Sala Prisma. Viajó a Colombia a los Festivales de Pereira y Medellín y en el histórico Teatro "Jorge Eliecer Gaitán", en Bogotá. Es, pues, un clásico del teatro infantil venezolano.
Con esta producción, enmarcada dentro del “Proyecto Teatro Para todos los venezolanos 2012”, la Compañía Nacional de Teatro ofrece la posibilidad a niños, niñas y adolescentes de acercarse a una dramaturgia llena de valores propios que nos caracterizan como país y que realzan nuestras costumbres e idiosincrasia.
26.08.12


Longanizo


Dios solo aprieta pero no ahorca y es por eso que los mejores homenajes son recibidos y disfrutados mientras vivimos. Lo asume y lo dice  el dramaturgo Néstor Caballero, precisamente cuando conquista el Premio Nacional de Teatro 2012 y además le montan y hacen temporada, en el Celarg, con  una de sus obras más desgarradas, como es Longanizo, sobre Simón Bolívar, El Libertador, según la creativa puesta en escena lograda por Dairo Piñeres y la estremecedora actuación del joven Alexander Rivera.
OBRA
El máximo galardón de las artes escénicas criollas es para Néstor Caballero porque reúne una treintena de obras de comprobada calidad, las cuales conquistaron no menos de 34 galardones, dentro y fuera de su amada Venezuela. Él mismo montó Longanizo en el Fortín del Zamuro de Ciudad Bolívar, en 1988;luego lo estrenaron en el Teatro San Martín de Caracas y fue suspendido por un accidente que sufrió el actor Sebastián Falco durante la primera función. Lo representaron en Portugal con un intérprete de raza negra. Hay varios grupos de teatro popular, no profesional, que lo han exhibido a lo largo y ancho de Venezuela. El Teatro Profesional Estable de Maracay lleva más de 100 funciones y lo tienen en su repertorio. Otro montaje, muy importante para el momento y que aún están viviendo por la exclusión, ha sido el logrado por los indios Mapuches, en Chile. “Me  enterneció aquello porque lo único que pedían de entrada era algo de beber o de comer, para luego de la obra quedarse conversando sobre ella. He ahí el teatro en toda su función social de reflexión”, acota el autor. Y el más reciente espectáculo es el del grupo Séptimo Piso.  
El monólogo Longanizo recrea los postreros días del Libertador Simón Bolívar, quien ante el llamado de la muerte, evoca los episodios más significativos de su existencia. En este unipersonal se utilizan diversos recursos del psicodrama para plasmar al hombre débil y delirante acosado por los recuerdos. El público se enfrenta a un ser de carne y huesos y quien sobre todas las cosas no es infranqueable, un héroe desmitificado. Tras mucho luchar con su pasado, este Bolívar evoca los fantasma de sus grandes amores: María Teresa del Toro, a quien idolatró toda su vida; Manuela Sáenz, quien despertó en él una pasión desenfrenada, y a la joven Ana Lenoit, la última mujer que buscó antes de morir.
 En síntesis, Longanizo es un relato escénico que da vida al Bolívar impetuoso, rebelde, que ofreció toda la fuerza de su espíritu por la libertad de la patria y de un continente, para quedar colmado de desolación y tristeza al final de su vida. El Libertador se muestra sensible ante el apodo que sus detractores colombianos habían usado para referirse a él,  Longanizo, como una manera de aludir a sus antecedentes mestizos; pues en la Plaza Mayor de Bogotá vivía un pobre hombre, un demente que vestía casaca azul, con muchísimas condecoraciones, andaba descalzo alrededor de la plaza dando  arengas en una lengua extraña….y a quien le pusieron el nombre de “Longanizo”. 
MONTAJE
El grupo teatral Séptimo Piso celebra sus 17 años de vida artística con la puesta en escena de Longanizo. Su director Dairo Piñeres admite que este trabajo escénico  representa un reto en su carrera para lo cual ha contado con un actor que es uno de los más talentosos de la nueva generación y un equipo artístico que trabajaron creativamente para un espectáculo, donde la historia sobre Bolívar y sus últimos momentos son una aventura hacia lo mágico maravilloso.
Piñeres se muestra irreverente con el Bolívar de mármol o bronce y lo desnuda incluso para mostrar buena parte de los sufrimientos vividos a lo largo de su heroico periplo, apuntalado en la poética prosa de Caballero y en la estremecedora caracterización que aporta Rivera. Son menos de 60 minutos de violencia visual y verbal para enseñar que sí hubo un hombre que desafió al destino y a todos los dioses y aunque pereció en su batalla dejo una secuela de libertad, en la cual persisten millones de latinoamericanos desde hace más de 200 años.
Para Néstor Caballero, hombre parco en sus valuaciones sobre trabajos ajenos, este Longanizo le resultó “maravilloso” por la audacia del joven Piñeres y la enternecedora entrega del ya primer actor Alexander Rivera. Las luchas por el mejor teatro y la libertad no cesan y menos ahora con estas juventudes, reiteramos nosotros.
DRAMATURGO 2.0
Néstor Caballero  –su nombre legal es Néstor Martínez Caballero (7 de julio de 1951)- nació en Aragua de Barcelona, Anzoátegui.  Escritor y guionista, docente y definitivamente un teatrero de lujo Ha escrito y publicado más de 30 obras. Otras de sus piezas son: La última actuación de Sarah Bernhardt, Las bisagras o Macedonio perdido entre los ángeles, Con una pequeña ayuda de ms amigos, El rey de los araguatos, Los taxistas también tienen su corazoncito, Si naciste sin corazón en el pecho, Musas, Míster Juramento y Las lunas de Maisanta, entre otras. Escribió la novela Naranjas Dulces, publicada por Monte Ávila Editores Latinoamericana. Guionista de la película Huelepega, dirigida por Elia Shneider. Escritor y guionista de la película Maisanta, dirigida por Román Chalbaud (preproducción). Sus piezas han sido representadas en Venezuela, Cuba, Colombia, Argentina, República Dominicana, Estados Unidos, Alemania, España, Canadá, Brasil, México, Perú, Francia e Irán. Se considera un dramaturgo 2.0 y es por eso que casi toda su producción está disponible, para los dispuestos a pagar los derechos de autor, en la web: nestorcaballero.com.
26.08.12

sábado, agosto 18, 2012

Siamesas caraqueñas


Verónica y Valentina, gemelas xifópagas (unidas por el tronco), son patéticos personajes creados por el dramaturgo José Antonio Barrios Valle para que su excelente obra Las siamesas...una y parte de la otra, plasme convincentemente el periplo vital de tales hermanas a través de la micro síntesis de sus existencias, su fraterna relación de amor-odio y la torturante incapacidad para vivir independientes.
Las siamesas (cuatro piernas, dos brazos, dos cabezas y un tronco común) desencadenan con su imagen y desempeño teatral toda una sensación de agobio paralizante y generan la conmiseración en el espectador sensible al reconocer que esos seres, incluso con características más traumáticas, han existido y suscitaron angustias entre sus familiares y las comunidades, precisamente porque la medicina no puede hacer nada para separarlas sin quitarles la vida.
Se trata de un inesperado y estremecedor espectáculo, coordinado por  William Cuao, bien actuado por Gladys Prince y Verónica Cortez, el cual hace temporada en la Sala Experimental del Celarg.
Verónica y Valentina, según el autor, fueron abandonadas por los dueños del circo, para el cual trabajaron toda su vida, porque están “pasadas de moda”. En un lugar ignoto, estas mujeres enfrentan a su destino incierto, confrontando además, de manera urgente, puntos de vista y objetivos opuestos, lo cual desencadena un conflicto trepidante cuya resolución es, sin duda, sorprendente.
Barrios Valle no escribió Las siamesas...una y parte de la otra para exhibir un circo dentro del teatro, ni tampoco pretendió crear un sainete que divierta a la audiencia con las peripecias de tan exóticos personajes. Lo que hizo, y esto es notable e inédito dentro de la dramaturgia venezolana, fue  proponer una reflexión sobre los avatares psicológicos, biológicos y sociales de seres como los logrados en la escena, apuntalados además por una fina y creativa  producción general, asumidas por estas actrices, respetables guerreras teatrales, y su equipo.
El autor va más allá de lo que puede transmitir el espectáculo físico y recomienda a la audiencia pensante que analice ese acontecimiento teatral como metáfora sobre la cotidianidad de todos los seres humanos-tengan o no esa rotunda anomalía física-y detecte los problemas de conducta consigo mismo y con los demás, todos nacidos del absurdo egoísmo y la competencia insana, por no pensar jamás en el devenir y su final inevitable como seres humanos. Ejemplarizante metáfora, original y didáctica sobre lo que significan las relaciones humanas en los diversos ámbitos en que se planteen.
Siameses somos todos y tal cosa no se acepta porque amarga admitir que adentro tenemos un rival, con quien chocamos y hasta se generan conflictos o conflagraciones.
Ejemplar propuesta estética, la cual solaza al verla lograda por unos meritorios artistas que lucharon hasta alcanzar y ubicarse en un sitial destacado, en esa cesta de cangrejos como es el actual contexto teatral venezolano, donde la mayoría de los productores optan por escenificar textos foráneos o plagiar piezas consagradas, al tiempo que hay un sórdido mercado de la carne con los elencos actorales. Por supuesto que todo se sabe y después vendrán las explicaciones que sirven para enredar más las cosas y demostrar una vez más que artistas mediocres no trascienden jamás.
Ni Gladys, ni Verónica, ni José Antonio están en esa cesta, menos mal. Y por eso pueden caminar con la frente en alto.






Machos de bares en Miami


Indira Páez, escritora y dramaturga, divorciada y madre de Oriana  y Nicolás, da su batalla existencial como venezolana de 45 años en Miami. Y desde el pasado viernes 17 le exhiben su reciente pieza Hombres de bar en bar en EL BAR, sitio emblemático y maravilloso en Coral Way, tipo cabaret concert.
 Hombres de bar en bar está basada en sus experiencias como divorciada y disfrutando la soltería después de tantos años de casada. “Allí, abordo cinco personajes masculinos y cuento la anécdota desde sus puntos de vista. Entrevisté a muchos hombres para escribir la obra, intenté ponerme en los zapatos masculinos, para captar su visión de la vida y de las relaciones de pareja, que es en definitiva el tema que me mueve. El hilo conductor es una mujer, pero los conflictos giran alrededor de estos cinco hombres deliciosos”, reitera la Páez.
-¿Cuantos años y obras en Miami?
-Tengo cuatro años y medio en Miami. Llegué en enero de 2008. Desde que me instalé me han escenificado: Mujeres de par en par que es una recopilación de textos míos; Sonrisa vertical, una suerte de bohemia teatral y Amanecí como con ganas de morirme, una pieza de 2002. Hasta ahora, no había estrenado acá, porque no había escrito nada desde 2007. Mi vida estaba enfocada en mi mudanza, en la cantidad de cambios personales que he sufrido (y gozado) en los últimos años. Apenas ahora retomo la escritura teatral, con renovada pasión. En total, he escrito unas 12 piezas, entre infantiles y de adultos. No me considero una dramaturga productiva. Supongo que no tengo suficiente tiempo... ¡o cerebro! Trabajo en Telemundo desde el 2010, gracias a Dios... y al venezolanote Roberto Stopello. Escribo para la página web www.telemundo.com y soy dialoguista para los estudios. He estado en el equipo de escritores de las teleseries Relaciones peligrosas y Rosa diamante. Amo mi trabajo y la telenovela es otra de mis grandes pasiones. 
-¿Cómo anda el movimiento teatral en Florida?
-La movida latina es rica, variada, multicultural y amplia. Además, cada vez se ve menos la sectorización del teatro en términos de nacionalidades. He trabajado con cubanos, colombianos, mexicanos, argentinos, venezolanos, nicaragüenses, boricuas y pare de contar. Jamás he sentido discriminación ni nada por el estilo. Al contrario. Hay venezolanos que han abierto la puerta para otros: Beatriz Urgelles (hija de Thaelman, excelente productora teatral) es una incansable luchadora por el teatro de nuestra ciudad. Manuel Mendoza es indomable, una máquina de producir éxitos. Raúl González como socio de Manuel ha despertado mucho interés en las tablas. Miguel Ferro también ha sido una figura muy importante en la producción de obras emblemáticas como A 2,50 la cubalibre (dirigida en su estreno acá por Roberto Stopello). Elaiza Irizarry ha hecho una labor titánica en el área de teatro para niños y jóvenes, tanto en español como en inglés. Creo que todos ellos han permitido que otros venezolanos pudiéramos colarnos en el panorama teatral miamense, históricamente  regido por nuestros colegas cubanos, que obviamente son mayoría en esta región. Aparte de las producciones locales, siento que cada vez hay más obras venezolanas que vienen a presentarse acá, con un éxito increíble. Luis Fernández, Mimí Lazo, Elba Escobar, Luis Chataing y muchos otros, han venido con sus espectáculos y han alcanzado llenos rotundos. Mariela Romero este año produjo un festival de monólogos, con la colaboración de Martha Pabón. Y así, muchos otros.  Cada vez se abren más espacios escénicos. Uno de los movimientos más interesantes que a mi parecer ha habido en los últimos años, es la instalación del Microteatro, una iniciativa del Centro Cultural Español, el cual permite disfrutar de obras cortas en temporadas rotativas, con muestras de todas partes del mundo. Es una suerte de minifestival teatral permanente. Una maravilla.
El derecho de autor
Sobre el plagio de obras teatrales y el desconocimiento de los derechos de autor, Indira Páez afirma lo siguiente: “La propiedad intelectual es una de las propiedades más difíciles de defender. Es un territorio amplio, y muchas cosas caben. En lo personal me considero bastante generosa con mis textos. Escribo cuadros, monólogos, y la gente los "corta", los "cose" y los "pega" como quiere. A veces me entero, otras no. A veces he visto obras escritas por mí y no las reconozco. Están plagadas de palabras soeces, groserías, descontextualizadas, muy alejadas del texto original. He tratado de vivir tranquila con eso, porque entiendo el teatro como un acto de amor y de desprendimiento. Disfruto el placer de escribir. Luego, lo que suceda con esos textos, no me pertenece. No hago teatro por dinero, ni por fama. Es sencillamente un acto íntimo de catarsis y terapia, desahogo y confesión. Un desnudo, un despojo. Siempre he creído que la escritura me ha salvado de la locura y de la depresión. Entonces, cuando alguien decide montar un texto mío, me alegra, me honra, pero no tengo control alguno. Esa es la verdad. Sin embargo, hay actores, productores, directores, que llegan al extremo de sentirse los dueños de la obra. Eso me parece sencillamente un acto de confusión, porque las ideas y las palabras son el único capital de quien escribe. Mis obras son mis hijos. Son la herencia de Oriana y Nicolás. Es todo lo que les he podido dar hasta ahora. No tengo posesiones materiales. Así que las letras es todo lo que quedará de mí el día que deje este mundo. Ni los productores, ni los actores, ni los directores, pueden adueñarse de las palabras que salieron de la cabeza de un autor. Quienes estrenan una obra, a veces se sienten "dueños" de ella para siempre. Y no es así. No estoy de acuerdo. La exclusividad tiene límites temporales y territoriales y la cesión de derechos es un acto de amor del autor, que termina cuando y como el autor lo decide. Es lo único sobre lo cual el autor tiene control, porque el autor no controla ni la dirección, ni la adaptación, ni las actuaciones, ni las interpretaciones libérrimas de sus textos. Sin embargo, y dentro del marco de la ley, los autores pueden decidir cesar un contrato de exclusividad si siente que sus textos han sido desvirtuados, por ejemplo. En fin, creo que, no hay dinero en el mundo que pague un derecho de autor infinito o una exclusividad eterna, mucho menos un plagio, un robo o una copia. Las palabras, son de quien las necesite, sí. Pero pertenecen al que las creó. Es mi humilde opinión”.

miércoles, agosto 15, 2012

Carias reaparece con Cajita de Arrayanes


Armando Carias, legendario teatrero venezolano, creador y artífice fundamental del grupo El Chichón, la más importante institución productora de espectáculos para niños y niñas  (además de sus acompañantes adultos) que ha existido en Venezuela, está de regreso. Y lo hace con la Compañía Nacional de Teatro para dirigir la producción Cajita de Arrayanes, una mágica fábula llena de magia, color y poesía escrita por Lutecia Adam con música original de Alecia Castillo. Las funciones tendrán lugar en el Teatro Nacional los días 18, 19, 25 y 26 de agosto;sábados y domingos a las 3 pm; y el domingo 02 de Septiembre. también a las 3 pm, en el Teatro Catia.
Para Carías (Caracas, 1952),Cajita de arrayanes es la obra de teatro infantil que expresa con mayor sensibilidad y tino poético la venezolanidad, desde la óptica de sus valores de identidad, cultura y tradiciones” .
La obra plasma la historia del Ratón Aquiles, de su amor por la poesía y cómo, gracias a ésta, logra salvar de la desesperanza a los otros ratones de la colonia donde vive. Edificada como metáfora de vida, Cajita de Arrayanes es un canto a las cosas más sencillas, a las mariposas, a las laboriosas hormigas, al mastranto, a los cochinos…a la poesía.
Sus autoras, Lutecia Adam (creación literaria) y Alecia Castillo (creación musical); interpretan con hondo arraigo, respeto y amor, el alma de los personajes de una historia sencilla, pero profunda, inspirada en la vida y andanzas de uno de nuestros más queridos y admirados poetas: Aquiles Nazóa.
Toda la obra gira en torno a un Tío vivo o carrusel, alegoría de la vida rutinaria de esa colonia de ratones que trabajan la tierra, conviviendo a diario con maravillas que no se detienen a admirar, con pájaros cuyos cantos no disfrutan, con hormigas que no les asombran y con mariposas cuyos colores no tienen tiempo de apreciar.
Solo Aquiles, el ratón poeta, defensor de cochinos y de causas perdidas, percibe y goza la magia de ese lugar del que sus compañeros de colonia, solo saben sacar papas y granos.
Será necesario que la apacible rutina de los campos se vea alterada por la tormenta y que ese carrusel pierda su brillo y su alegría, para que los ratones acudan al despreciado poeta, quien les hará descubrir que la palabra también alimenta y, lo más importante, que ellos la llevan dentro de sí, en su Cajita de Arrayanes.
La argumentación se apoya en sonoridades de inconfundible acento venezolano: valses, merengues, joropos, romanzas, serenatas, arrullos; interpretada con cuatro, guitarra, mandolina, bajo y percusión, que junto a la puesta en escena permiten lograr el objetivo de la obra: reivindicar el valor de la poesía como fuente generadora de vida, de esperanza y de futuro.
Conforman el elenco: María Alejandra Tellis, Eliécer Paredes, Miling Cabello, Dewis Durán, Rita Fernández, Alejandra Mancilla, Valentina Fagundez, Mariana González, Génesis López, Andrea Silva, Cesar Guarisman, Wahari Meléndez, Morelba Domínguez y María Isabel Quintero, junto a los músicos Néstor Viloria, Javier Marín, Jesús Milano, Jorge villarroel, Juan Manuel Sánchez y Pedro Marín.
Por su parte, la dirección coreográfica esta a cargo de Carmen Violeta Pérez; Dirección Vocal y arreglos vocales Julia Carolina Ojeda; Dirección Musical Néstor Viloria; Puesta en escena y dirección general de Armando Carías bajo la Producción General de la Compañía Nacional de Teatro.
MEMORIA
Armando Carias salió jubilado de la UCV en el año 2007 y eso también significó dejar la dirección de El Chichón. Sobre esa etapa, el artista recuerda que durante esos 29 años se hicieron más de 100 montajes. Su primer espectáculo se mostró el 7 de octubre de 1978, cuando se estrenó Pluf el fantasmita de la autora brasileña Maria Clara Machado
-¿Valieron la pena esos 29 años en el teatro infantil?
-Seria muy pretencioso de mi parte aceptar que uno ha sido importante. Uno en el teatro infantil no debe pretender formar espectadores para el mañana, porque esa es una forma de minimizar el rol del teatro para niños y del creador sino del propio niño. Los niños son importantes ahora y para el futuro, pero esos niños tienen que ser felices hoy. Eso de que el teatro infantil forma al espectador del mañana es una gran subestimación y una falta de respeto al creador que trabaja para niños. El teatro para niños es fundamentalmente para hacer feliz al niño ahora . El teatro para niños es un fin en si mismo y no es un transito hacia otro estadio.
-¿Fue útil El Chichón para la comunidad?
-El Chichón no solo fue escuela, fue liceo y universidad del teatro infantil. El grupo creó y convocó a las Primeras Jornadas de Discusión sobre el Teatro Infantil y las Primeras Jornadas sobre el Cuento Infantil, eventos que reunieron a los más destacados creadores y promotores de ambos géneros. De allí surgieron sendas publicaciones que son referencia académica para el estudio del teatro y la narrativa dirigida a la niñez.
-El Chichón inauguró en Venezuela el teatro infantil político, expresión que reivindicó y asumió como la línea ideológica dentro de su trabajo. Tú vas a la biblioteca de la Escuela de Artes o del Instituto Universitario de Teatro y todas las tesis de grado sobre teatro infantil tienen a El Chichón como referencia. Más allá de eso, el número de actores, actrices, diseñadores, dramaturgos, coreógrafos y promotores que han pasado por el grupo se pierde de vista.
-Eso, por hablar de teatro, pero si nos extendemos a otras actividades, nos encontraremos a cientos de ex-chichones ejerciendo como médicos, abogados, ingenieros y cualquier otra profesión. Eso también es dejar escuela, porque significa que el teatro se insertó en la vida de estas personas durante su estancia universitaria y esa es una de las funciones fundamentales de un grupo estudiantil. En una encuesta que se hizo hace unos años entre los estudiantes, el grupo más conocido en la UCV, por encima del propio Orfeón Universitario, era El Chichón.


sábado, agosto 11, 2012

Siamesas abandonadas


Imagínese por un instante, que usted está pegado o unido a otra persona en un solo cuerpo y que todo lo tienen que hacer es compartido, desde algo elemental como la conversación hasta lo complejo que son las relaciones sexuales. ¿Esa imagen le produce una intensa sensación de agobio y encadenamiento, cierto?
No se asuste, porque eso ocurre en el teatro y desde el pasado jueves se exhibe en la Sala Experimental del Celarg el Celarg. Se trata de Las siamesas…una y parte de la otra, pieza que escribió José Antonio Barrios Valle (22 de julio de 1964),  y la cual es dirigida por William Cuao y con Gladys Prince y Verónica Cortez, las actrices que dan vida a las siamesas.
Es la  historia de Verónica y Valentina, siamesas que fueron abandonadas por los dueños de un circo, en el cual trabajaron toda su vida, porque estaban “pasadas de moda”. En un lugar desconocido, estas mujeres se enfrentan a un destino incierto, confrontando, de manera urgente, puntos de vista y objetivos opuestos lo que dará lugar a un conflicto escénico trepidante  cuya resolución será, sin duda, sorprendente.
 El autor Barrios Valle explica que escribe para que los personajes que están en su  interior puedan ser escuchados. “Siento que al escribir teatro los personajes que salen de mí o se me presentan, pueden tomar el cuerpo del actor y vivir mientras dura cada función. Se materializan y expresan sus inquietudes. Persigo o anhelo ser escuchado especialmente a través del montaje de mis obras”.
SUEÑO DEL DRAMATURGO
-¿De dónde salen Las siamesas… una y parte de la otra?
-Está pieza surge de un sueño que tuve, después de haber visto un documental sobre el mundo de los siameses, me desperté asustado pensando que era un siamés pegado a otro y comencé a escribir un borrador de la obra donde desarrolle el tema de las diferencias, el porqué se discrimina, se agrede o se le teme al que es diferente y por supuesto se reflexiona sobre ese tipo de relaciones humanas donde no se puede vivir juntos pero tampoco separados del otro. El humor negro es el eterno acompañante de esta trama, la cual está estructurada bajo el género de comedia absurda.
-El humor dentro del absurdo es una característica de su teatro… ¿A qué se debe eso?
-Pienso que a través del humor el mensaje que se quiere trasmitir llega mucho mejor al público, claro no un humor barato y chabacano sino todo lo contrario: un humor que además de divertir genere una reflexión crítica ante alguna situación. En mi caso particular, en mis piezas, abunda el humor negro, quizás un poco acido a veces, siempre dentro del absurdo ya que eso es lo que predomina en nuestro entorno.
-¿Qué otros temas trata en su teatro?
-Hasta ahora me han interesado temas como el absurdo en las relaciones humanas dentro del entorno urbano, la incomunicación, los dramas de algunos personajes históricos y la intolerancia en todas las relaciones sociales.
MERCANTILIZADO EL TEATRO
-¿Cómo encuentra al actual movimiento teatral caraqueño?
-Entre el ayer y el hoy del teatro venezolano, yo creo que ha cambiado radicalmente, yo comencé actuando en los 80 y había como más magia dentro del teatro, inclusive la gente veía el teatro como algo que tenía influencia en la vida cotidiana de la gente, ahora, aún cuando eso pueda seguir de alguna manera, el circulo se ha restringido un poco. Esa pasión de descubrir cosas, que esas ideas incluso influyan en el medio ambiente, pues no es tan grande actualmente, porque inclusive el teatro ya no es teatro, es espectáculo.
-Un espectáculo que además se ha mediatizado un poco y en el que simplemente la estrella de televisión viene a hacer su pantomima en un escenario. La gente simplemente va al teatro, no a ver una obra, no a ver una actuación, sino a ver lo que ve todos los días en una pantalla de un televisor. Todo el mundo tiene la posibilidad de montarse en un escenario y eso tiene su público pero yo creo que debería haber un equilibrio desde una pieza teatral como nosotros la entendemos formalmente y eso otro que es el espectáculo, el vodevil, el divertimento por el divertimento.
-Todos tienen derecho, pero el equilibrio ahora no se da, la gente va a ver simplemente a la estrella de televisión, entonces yo me digo a veces, que es preferible que se queden en su casa sintonizando el televisor, porque para qué se van a movilizar si lo que van es a ver lo mismo que ven en sus casas. Entonces, uno se pregunta en qué momento pasó eso. A lo mejor también es porque los creadores no han sabido estimular a ese público para que vaya y llene la sala. Quizá haya un poco de culpa en los mismos creadores, también creo que es la mercantilización de las ideas, la mercantilización de la vida, la gente ha pasado a ser un producto, un producto más que se compra y se vende, entonces lo que tiene más publicidad es la estrella de televisión, lo otro, lo que no se conoce, quizá para ellos no existe.
LA NOVIA ES MI HIJO
El hijo mayor de mi vecina  María Antonia Valle explica  que “mis obras de teatro hasta ahora son: La Cotufa no baila más, que ganó el Premio de Dramaturgia Fundarte 2006.¡Qué bodas tienes tú!/ Cursillo pre-matrimonial para parejas indecisas. Rasputín en Caracas. El sitio, triunfadora en el Concurso CASA de Dramaturgia Venezolana 2008, en Londres; también tuvo mención especial en el Premio Municipal de Literatura/ dramaturgia 2008 y mención especial en el Concurso Marita King 2008. Mi reino por un sueño... una cuerda tensa a punto de romperse, que ganó el Premio de Dramaturgia Gilberto Pinto de la Casa Nacional de las Letras Andrés Bello 2008; también seleccionada en el Concurso Muestra Nueva Dramaturgia Venezolana de la Fundación Rajatabla. El árbol de las ratas. La anaconda del sótano tres. Curduvare.  Los entierros de Tuñame. También se añade el monólogo La novia viuda.  Y cierra con ocho piezas mínimas: De la Carraca a Palo Verde... un metro para Miranda, seleccionada y traducida al francés para presentarse en Paris-Francia, en el IV. Festival de Teatro Festheveparis 2011. El año del perro, Punto y coma, Pañito blanco para el altar, Doble despecho... ese bolero ya no es para ti, La novia es mi hijo, Me sacó la piedra y Barajita repetida no llena álbum.






Chocrón y sus acompañantes


No se ha cumplido un año del mutis de Isaac Chocrón Serfaty y sus obras están presentes en los escenarios, gracias a “la familia elegida”, como él llama a sus amigos, quienes se niegan a ver desaparecer las mejores de sus creaciones teatrales en el túnel del olvido y para evitar eso, por ahora, han organizado lecturas dramatizadas con algunos de sus textos,  coordinadas  por la Escuela de Arte de la UCV, y hasta montajes de Asia y el Lejano Oriente, en CorbancaBOD, y El acompañante, en la sala Cabrujas de Chacao, por ahora.
Asia y el Lejano Oriente, dirigida por Federico Pacanins, y con un elenco de 11  universitarios y estudiantes de teatro, fue un suceso de público, por la sobriedad del espectáculo y las entregas actorales, además del ácido contenido de la obra, el cual alude  a ciertas clases sociales que deciden vender su país a empresas extranjeras y recibir sendos y jugosos cheques, a cambio. El Nuevo Grupo la estrenó  en 1967 y la repuso la Compañía Nacional de Teatro, según la puesta en escena creada por Román Chalbaud, durante la etapa inaugural en aquel 1985. Pacanins con su versión escénica acentúa como se consuma la venta de un país por el contubernio de intelectuales y políticos, quienes cansados de tantas desgracias sociales, consecuencias del desgobierno o la mala gerencia, buscan ponerle precio a su nación con la esperanza de resolver sus problemas personales.
Ahora se puede conocer y disfrutar de la  sobria producción del grupo Amarcorteatro con El acompañante, en la sala Cabrujas. Estrenado durante la temporada 1978 en  la sala José Félix Ribas por José Ignacio Cabrujas -quien dirigió a Lucio Bueno y América Alonso- es una comedia sobre las vicisitudes de Estela, supuesta cantante de ópera, refugiada o retirada en Maracaibo, quien requiere de los servicios de un acompañante en el piano para ensayar y exhibir su repertorio. José Lara acude a la casa de la vocalista sin sospechar lo que podría pasar entre esos seres para quienes la soledad es un pesadilla cotidiana que solo la disipa, momentáneamente, el licor y el sexo, y regresa después a torturar las existencias de quienes no tienen otros horizontes, sino repetir lo del día anterior.¿Sisifo?
Chocrón Serfaty (Maracay, 25 de septiembre de 1930/Caracas, 6 de noviembre de 2011)  cáustico dialoguista, hace una mágica radiografía del mundo intimo de los artistas por intermedio del drama doméstico de Estela y las soluciones eróticas que logra en su vida, hasta que se encuentra con José Lara, quien repite guiones de cine  violento, pero al final ella vence y optan por representar fragmentos de  exquisitas tragedias operáticas.
Fue grato ver la reposición del 2012 donde la profesora María Teresa Haiek y al joven actor Domingo Balduci reviven los verosímiles personajes chocronianos que recuerdan como algunos seres humanos no solo son cultos, sino que deciden vivir pasiones que los pueden hundir o hacer felices. La dirección, cuidadosa de Daniel Mago, logra un grato y educativo espectáculo.
Por ahora la chocromanía está viva y por ahí amaga mi pieza ¿Amas?  con personajes que serán fáciles de identificar para los conocedores o todas unas revelaciones para el público en general.


sábado, agosto 04, 2012

Chalbaud dirige "La planta insolente


Quien persevera vence y por eso Román Chalbaud  Quintero,ya coordina la etapa final de la preproducción de su película número 21: La planta insolente, un largometraje de época histórica para la Villa del Cine, cuya fecha de inicio del rodaje, hasta ahora, es el  próximo 24 de septiembre y el cual deberá concluir  durante el mes de noviembre, “tras una parada obligatoria por las elecciones presidenciales  del 7 de octubre”, recuerda el famoso cineasta.
Sobre cuáles serán las primeras tomas de su filme “altamente comprometido con la historia de Venezuela”, Chalbaud Quintero (Mérida, 10 de octubre de 1931) no reveló  mayores detalles, porque tiene que decidirlo con el equipo de producción y en función de los llamados a rodaje para los actores. “Esta película la solicitó el presidente Hugo Rafael Chávez Frías  durante el estreno de mi película Zamora, tierra y hombres libres, en el año 2009, en un acto celebrado en el teatro Teresa Carreño. Ya tenía el guion de Luis Britto García. Y es ahora que nos disponemos a su filmación para que La planta insolente  la podremos  mostrar a los venezolanos en marzo”.
-¿Qué trata o aborda La planta insolente?
-Recuerda, primero, que Cipriano Castro se mantuvo como jefe del Estado venezolano desde octubre de 1899 hasta el 19 de noviembre de 1908, cuando su vicepresidente, Juan Vicente Gómez, implantó una dictadura mientras él se encontraba fuera del país, para someterse a un delicado tratamiento médico. Durante su gobierno enfrentó diferentes intentos de golpe de Estado y defendió la soberanía nacional, al vencer un plan de invasión liderado por los ejércitos navales de cuatro imperios europeos, además del norteamericano.
-Nuestra película está centrada en  la vida del general Castro y en especial el desafío de ese venezolano a las potencia imperiales de principios de siglo XX, cuando amenazaron invadir a Venezuela y pusieron sus barcos de guerra frente a nuestras costas. El guión es maravilloso y la saga de Castro será contada con detalles, pues es bueno que todo el mundo la conozca. El guión se remonta a 1899, cuando Castro sale de los estados andinos y llega a los pocos meses a Miraflores en Caracas, donde toma el poder.
PROCLAMA
Chalbaud explica que en el transcurso de la película se tocarán diversos puntos álgidos como el ocurrido en 1902 cuando se propicia la invasión de los acorazados ingleses, alemanes, holandeses e italianos que bombardearon a La Guaira, Maracaibo y Puerto Cabello, por una deuda externa que tenía el país y allí se destaca la actitud nacionalista de Cipriano, y su famoso discurso: “¡Venezolanos! ¡La planta insolente del extranjero ha profanado el sagrado suelo de la patria!”.
Fueron esas palabras expresadas por Castro en su proclama, las cuales han trascendido como una denuncia antiimperialista; además de ser un llamado a la conciencia nacional para el resguardo de la patria. Ante este hecho, Castro, líder de la Revolución Liberal Restauradora, hizo público el atropello que estaba viviendo el país, adoptando una postura digna en defensa del territorio venezolano.
-¿Por qué fue ese bloqueo? 
-El guionista Luis Britto García ha dicho que Venezuela no fue bloqueada porque se hubiera endeudado: era parte de una conjura para repartirse el país y para instalar intereses y enclaves militares británicos, alemanes e italianos en el Caribe, en las cercanías del Canal que se proyectaba abrir por Panamá. Así las potencias europeas probaban hasta qué punto podían desafiar la Doctrina Monroe y expandirse con colonias en América del Sur. Como fallaron debieron librar entre ellas la I Guerra Mundial que les costó nueve millones de muertos. 
ESCENARIOS
El director Chalbaud explica que viajarán por varias ciudades venezolanas para representar algunas escenas principales. "Vamos a viajar a Maracaibo para grabar en el Castillo San Carlos, posteriormente iremos a Puerto Cabello y en Coro recrearemos muchas escenas de la Caracas de aquella época", comenta.
"Hay mucha gente que desconoce la historia real, cómo sucedieron los acontecimientos, y otra gente que cree cosas que los enemigos de Castro dijeron. Es decir, él no era un ser fuera de serie, tampoco todo lo que hacía era perfecto, pero hay que destacar el nacionalismo y la manera como luchó contra fuerzas extranjeras, cinco imperios, por ello es un ejemplo revelador", señala.
53 AÑOS DE CINE     
Román Chalbaud Quintero comenzó su  carrera como director de cine a los 28 años y ahora al acercarse a sus 81 estará rodando su película 21: La insolente plata. Antes entregó: Días de poder (2011), Zamora, tierra y hombres libres (2009), El Caracazo (2005), Pandemonium, la capital del infierno (1997), El corazón de las tinieblas (1990), Cuchillos de fuego (1989), La oveja negra (1987), Manon (1986), Ratón de ferretería (1985), Cangrejo II (1984), La gata borracha (1983), Cangrejo (1982), Bodas de papel (1979), El rebaño de los ángeles (1979), Carmen, la que contaba 16 años (1978), El pez que fuma (1977), Sagrado y obsceno (1975),La quema de Judas (1974), Cuentos para mayores (1963) y Caín adolescente (1959).
ELENCO DE PELÍCULA 21
Los personajes y los actores asignados son: Cipriano Castro: Roberto Moll. Doña Zoila de Castro: Juliana Cuervo. Manuel V. Romero García: Alexander Solórzano. Manuel Matos: Leónidas Urbina. Tello Mendoza: Hans Christopher. Mocho Hernández: Félix Landaeta. Preso Eterno: Julio Mota. José Marroquín: Costa Palamides. Oficial Martínez: Marcos Alcalá. Beata: Aura Rivas. La Ruperta: Antonieta Colón. Antonio Paredes: Alfredo Medina. López Baralt: Vito Lonardo. Jorge Bello: José Luis Montero. Gumersindo Rivas: Luis Pérez Pons. Doctor Revenga: Antonio Cuevas. Miguel Guerrero: Dimas González. Carcelero: José Luis Márquez. Barbero: Armando Volcanes. Telegrafista: Alberto González. Mr. Russell: Erik Evall. Ministros de Cipriano Castro: Frank Silva, José León, Carlos Delgado, Jorge Canelón y Emiliano Molina. Se siguen haciendo casting para muchos personajes que todavía faltan. El jefe de casting es Jorge Canelón. Música original: Federico Ruiz. Edición y Dirección de Efectos Especiales; Julio García. Dirección de Fotografía: Tony Valera. Productor: Manuel Pérez. Asistentes de dirección: Kellys Navas y Alejandro Paredes. Dirección de Arte: Rita Abreu.


Rajatabla y su teatro subversivo



El mutis del actor y gerente Francisco “Paco” Alfaro (26 de julio de 2011) cerró el segundo ciclo  del grupo Rajatabla (28 de febrero de 1971), creado por Carlos Giménez y quien lo condujo con fiero amor hasta el 27 de marzo de 1993, tras  ubicarlo en el cenit de las artes escénicas venezolanas y latinoamericanas por la creatividad y cantidad de sus montajes.
“Paco” asumió la conducción del Rajatabla II  y aplicó lo aprendido de Giménez: “El teatro no debe dar fórmulas, ni soluciones; debe, eso sí, estimular las preguntas del espectador con espectáculos comprometidos con la dura realidad del país donde vivimos". No era fácil hacer funcionar la institución, muchos leales huyeron y quedaron los indispensables para salir adelante, a lo largo de los siguientes 18 años. Ahí está la bitácora de sus logros, suficientes para admitir que el espíritu de Tu país está feliz todavía tiene fuerza y público. ¡Rajatabla no se rajó durante su gerencia!
Actualmente, el productor William López (José Rosario López) gerencia al Rajatabla III y durante el primer  año de su gestión es prudente: respeta  lineamientos generales de la programación que dejó “Paco”, regulariza salarios de la agrupación (15 personas) y adelanta proyectos originales, como es la producción del desopilante montaje Muerte accidental de un subversivo latinoamericano, versión guerrera de Rodolfo Santana (Caracas,1944) sobre  la obra Muerte accidental de un anarquista, original de Darío Fo (Italia, 1926), que presenta en la sala Rajatabla, dirigido por Rufino Dorta.
 Muerte accidental de un subversivo latinoamericano por su  aguda crítica, en clave de farsa, al sistema de justicia burgués nos retrotrae al Rajatabla de Giménez, cuando ese “huracán argentino” cuestionó al Estado capitalista con espectáculos como Señor presidente, La muerte de García Lorca y Bolívar. Ahí se ridiculiza al sistema policial de un país neofascista, donde para reprimir a las fuerzas progresistas que desafían al régimen de turno, inventan culpables, siempre inocentes, para demostrar que el control social es severo y eficaz, hasta que encuentran a un supuesto loco que los ridiculiza, pero los muertos no resucitan todavía y los agentes policiales simplemente “cumplieron con su deber”, ayudados por los cómplices medios de comunicación.
La muerte de Giménez dejó al Rajatabla sin brújula estética, pero gente buena como José Domínguez y ahora Rufino Dorta han dado la batalla para mantener arriba  a la institución y ahora Muerte accidental de un subversivo latinoamericano es muestra contundente que si se puede remontar la empinada cuesta de la calidad, gracias a su brillante juego actoral y la audaz y creativa propuesta escénica, bordeando a la Comedia del Arte, tal como la vimos y disfrutamos.
Rufino Dorta se aventuró y logró lo que pedía Carlos Giménez:”no hacer de la creación individual un hecho aislado, una sorpresa sin sentido”. Lo ayudaron las depuradas actuaciones de Gerardo Luongo, Ángel Pájaro, Heriberto Garcés y Juan Carlos Becerra, mientras que Adriana Bustamante debe pulirse para estar a la  altura de sus colegas.

¿Qué pasará con Rajatabla III, o con Rajatabla a secas, en los años venideros? Sólo Dios lo sabe y esperamos verlo si él nos lo concede. Lo único seguro es que hay toda una generación variopinta de nuevos comediantes, formados a lo largo de 21 cursos intensivos del Taller Nacional de Teatro, quienes descubrieron al arte escénico en ese pequeño edificio de ladrillos rojos, ubicado en el patio trasero de la ahora Unearte y al lado del monumental Teatro Teresa Carreño, desde hace 38 años. ¡Todos ellos continuarán su camino de capacitación y profesionalización porque el futuro es hoy!

jueves, agosto 02, 2012

La homofobia mata mientras amanece


Aquí en su país pocos lo representan pero ya en Estados Unidos de América llega a un escenario de California. Se trata del dramaturgo Víctor Vegas (Barquisimeto,1967), quien lleva varios años en España. Su obra Mientras amanece (While it downs) se estrenará en Estados Unidos de América este viernes 3 de agosto;la dirección corre a cargo de Juan Parada y la producción es de Off The Tracks Theater, Gerardo Dávalos y Markus Herrera son los responsables de dar vida  a los personajes de Paul y Theo. El lugar es Off The Tracks Theater & Gallery. 5068 Valley Boulevard, Los Angeles, California, 90032.
Mientras amanece es la historia de Paul, un vendedor de equipos de computación, casado y con dos hijos, quien despierta en un motel de carretera en compañía de Theo, un inmigrante ilegal. Los hombres no se conocen y tampoco saben como terminaron acostándose, pero Theo le revela que hicieron el amor y que la pasaron muy bien. Paúl no acepta lo ocurrido y mata a su desconocido compañero de cama. Dos mundos, dos realidades, dos maneras de vivir se estrellan en este drama poético de Víctor Vegas. Y todo pasa mientras amanece .
Mientras amanece se estrenó el 24 de agosto de 2007, en la Sala Principal del Teatro San Martín de Caracas, con las actuaciones de David Villegas y William Escalante en los respectivos roles de Theo y Paul. La producción corrió por cuenta del Teatro San Martín de Caracas y Texto Teatro. La dirección estuvo a cargo de Gonzalo Cubero.
-¿De donde salió esa pieza: lectura de un periódico o un cuento que te echaron?
-La idea de la pieza se me ocurrió a finales de 2005. Por entonces quería escribir sobre la intolerancia. Como sociedad veníamos de vivir unos años difíciles en los que la polarización política y social había alcanzado un punto álgido. Además, por aquellos días se produjo una ola de intensos disturbios de origen racial que sacudió e incendió la ciudad de París por casi dos semanas. Éstas y otras anécdotas leídas en la prensa de entonces me sirvieron de excusa, como suele ocurrir la mayor de las veces en el teatro, para tocar los asuntos que me interesaban tocar en la pieza.
-¿Esta temática de la homofobia no le ha inspirado más piezas?
-No. En aquella oportunidad el tema de la homofobia me interesó como parte de la larga lista de discriminaciones con las que convivimos a diario en nuestras sociedades. En esa lista entran también el racismo, la xenofobia, el genocidio, los nacionalismos y el bullying, asuntos que son tocados en la obra. Toda discriminación conlleva en el fondo algún tipo de intolerancia. De hecho, como ya te he dicho, el tema que me interesaba explorar al escribir la obra era precisamente la intolerancia.
-¿Qué satisfacciones le dejo el montaje en Caracas?
-¿Qué puedo decirte? Aquel montaje fue mi debut en el circuito profesional. ¡Te podrás imaginar! Ya había estrenado otras de mis piezas, pero de manera amateur y con mi propio grupo de teatro. Entonces yo era un adolescente y dirigía todos los montajes que hacíamos en el grupo. Gonzalo Cubero , con quien ya había trabajado en el montaje del Proyecto Padre (el primero de los tres que se realizaron), que organizó y produjo en el Teatro San Martín, me permitió participar como asistente de dirección en el montaje de mi pieza. Algo que le agradeceré eternamente. Trabajar como asistente de dirección en estos dos espectáculos me permitió ensanchar mi visión como dramaturgo. Ver trabajar al director y a los actores durante los ensayos, asistir a sus respectivos procesos creativos, fue una experiencia profundamente enriquecedora. Escribir teatro y hacer teatro son dos cosas distintas. Tener la oportunidad de hacer ambas cosas es sin duda un privilegio. Aprendí muchísimo de Gonzalo y desde luego de David y William. Los tres fueron muy generosos conmigo. Creo que conformamos un buen equipo y que todos quedamos muy satisfechos del resultado obtenido con nuestro trabajo.
-¿Es el primer montaje en USA de su pieza?
-Sí. Bueno, en realidad es el primer montaje que se hace de esta pieza desde su estreno en el Teatro San Martín de Caracas.
-¿La hacen en inglés y qué futuro o temporada le han planteado?
-Aún cuando la pieza ha sido traducida al inglés, el montaje será en español. En un principio Juan Parada, director del montaje y miembro fundador de la agrupación Off The Tracks, que lo produce, tenía pensado hacer el montaje en español con subtítulos en inglés. Su idea era darle la oportunidad a la obra de llegar a más público. Sin embargo, al final tuvo problemas de presupuesto y el espectáculo será sólo en español. Aunque al parecer Juan no ha desistido de su idea original y piensa en próximas representaciones incluir los subtítulos en inglés. Esta primera temporada en su sala se extenderá hasta el 8 de septiembre. Después, según me ha comentado, Off The Tracks tiene intenciones de llevar el montaje a otras salas y festivales de teatro.