sábado, noviembre 30, 2013

Hamlet se vengó

Una nueva y adiestrada generación actoral exhibe Ciane, como, lo demuestran estos contemporáneos Laertes y Ofelia.
Este cuento teatral es sencillo y estremecedor como lo demuestran sus palabras y acciones. Son los malditos cuernos de una reina y la conspiración que la adultera pone en marcha por casarse con el hermano de su esposo rey, tras un rocambolesco complot para asesinarlo. Es la tragedia íntima que arrincona a Hamlet, joven príncipe heredero, cuando descubre todo y opta ejecutar una venganza que se lleva por delante a su novia y todos los demás miembros de tan disoluta corte. Y aquella carnicería humana culmina con una gran catástrofe general en ese reino europeo, sometido a una invasión extranjera para imponer la paz, se supone, en medio de los funerales de esa dinastía de malévolos políticos. ¡Las moralejas sobran o son obvias!
Sobre esa obra teatral, Hamlet (1589), se han escrito asombrosos ensayos o investigaciones, nosotros asumimos todo lo que suscribe Harold Bloom, quien en su ensayo  Shakespeare, la invención de lo humano  afirma que es la máxima obra de la literatura imaginativa occidental. Texto centrado en la venganza del enloquecido príncipe,  el cual ha sido usado por casi todos los teatreros para definirse y adoptar una posición ante el mundo que les corresponde o eligen vivir, porque la trágica saga de ese hombre joven ante la traición de su madre y su tío  no es otra cosa que la teatralización de la comedia humana, siempre ambivalente y dividida entre el bien o el mal.
El más reciente montaje caraqueño de  Hamlet  fue un éxito estético y de audiencia durante la temporada 2012 en el teatro Trasnocho. Era una producción del grupo Skena, dirigida por  Armando Álvarez, quien hizo un espectáculo muy contemporáneo usando la versión de  Ugo Ulive.
Y ahora para cerrar la temporada 2013 irrumpe en la sala Rajatabla la agrupación Ciane (Centro de Investigación Artística Nueva Escena), creada hacia el año 2003 por Soraya Orta y Peggy Bruzual, inteligentes y trabajadoras artistas quienes parieron y criaron, teniendo en contra a todos los oráculos, su técnica Danza de altura, o Teatro de altura,  opinamos nosotros,  en la cual fusionan la danza, el teatro físico, la acrobacia y los zancos hasta lograr una sola disciplina multihíbrida. Todo eso implica formar o capacitar intérpretes que más allá de ser bailarines, actores, acróbatas o zanqueros, son comediantes integrales que utilizan elementos de extensión corporal como herramientas dentro de sus diferentes creaciones. No hay otra agrupación que se les asemeje y son, por supuesto, únicos con lo que hacen, lo cual es plausible en medio de este contexto venezolano donde se copian mal hasta las técnicas foráneas.
Este  Hamlet, que firma Soraya  y produce Ciane, centrado en un texto sin cortes, es un impactante trabajo teatral sin desperdicio, de vanguardia criolla y ambicioso con su propuesta visual e intelectual, el cual  que estará en cartelera de la sala Rajatabla hasta el 1 de diciembre, como para que se mueran de envidia los incrédulos ante el nuevo talento histriónico que este país produce.
Con un elenco de más de 20 intérpretes en escena, este Shakespeare de Ciane le propone a los espectadores venezolanos  “una reflexión sobre la descomposición moral” presente en todos los niveles de la pirámide social, el cual cobra una estrujante vida por intermedio un alucinante juego escénico combinado con actores en zancos y entregados a exultantes acrobacias circenses, danza, música en vivo y grabada, y pirotecnia festiva en medio de círculos de fuego.
 “Traer a nuestros días un clásico de la historia literaria universal, nos lleva a reflexionar sobre la corrupción moral” indica la directora Soraya Orta, quien a partir de esta premisa materializa un espacio extra cotidiano y activo, una atmósfera que se pasea entre lo juglaresco y trágico de los personajes  y que usa  “la fisicalidad” de sus intérpretes, para abordar contemporáneamente al grandioso texto shakesperiano. Son dos horas de un estremecedor ritual donde no solo los actores  sudan y se emocionan, sino que los espectadores están presenciando como se derrumba un régimen carcomido por la corrupción, porque el príncipe insiste y destruye toda esa corte o ratonera demasiado pequeña para atraparlo, porque el regresa voluntariamente a ella  para matar y morir matando.
  Este  Hamlet  de CIANE  propone un espectáculo  lúdico que va desde los cuerpos semidesnudos a la sonoridad  de las palabras dichas y cantadas. Todo eso en el reino de Elsinor añejado, bélico y cargado de energías tan potentes como sublimes: el amor, la pasión, la duda, la traición, la lujuria, la amistad, la avaricia son recreados a través del hierro perenne de la escenografía y de los zancos que se convierten en piernas de carne y hueso para construir esa ciudad  metafórica de Shakespeare, como ha dicho y mostrado la directora Soraya.
La directora Soya demuestra fehacientemente  la vigencia de  la pieza.  Su contemporáneo Hamlet encontró traiciones y desesperanzas, enfrentó, batalló y los pensamientos se convirtieron en reflexión universal, en “verdades que aún se encuentran en las paredes de las prisiones del deshonor”. Ella materializa su discurso escénico con todo su bagaje cognitivo, severa preparación física, preciso dominio escénico y espacial, una depurada creatividad juvenil  de los actores, además del elemento sorpresa íntimamente ligada a la puesta en escena: la llegada de un ser muy contemporáneo,  el invasor andrógino y perverso, Fortimbras.
Hay que subrayar que la importancia de los textos shakespereanos, en especial Hamlet está dada por la interpretación que se haga de ellos, por la creatividad de los actores y las puestas en escena imaginativas, porque de lo contrario es literatura dramática muerta. El montaje de Ciane rescata toda la advertencia de Shakespeare sobre las maldades del poder y sus nefastas manipulaciones que le quitan vida y amor a la gente joven y a todos quienes creen que el poder es lo único importante de la vida misma.
 Talento nacional

El conmovedor elenco está integrado por Pedro Pineda, veterano actor de Rajatabla,Martín Astudillo, Oliver JaramilloScarlett JaimesDavid Abad, Ramón GolizYurahy Castro, Jota LealRufino Dorta, José SánchezDevinson FerrerMarcos DíazYehisson GarcíaCarlos Valiente,  Badyr Paracuto, Cristóbal MendozaCrisbel GuzmánJhonny Torres, Antony MoretaAlba Barazarte, Carlos Valiente, Luigi Lobig, Yehisson García, Alba Barazarte, Ivamary Lozada, Badyr Paracuto, Cristóbal Mendoza, Oliver Jaramillo, Marcos Díaz, Yehisson García y Kathy Colina.Todos bajo la preparación física y dirección general de Soraya Orta; trabajo vocal de Cristóbal Mendoza y Yurahy Castro; preparación de músicos y cantos de Cristóbal Mendoza; diseño de iluminación de Peggy Bruzual; diseño de vestuario de Rufino Dorta; realización de máscaras de Crisbel Guzmán, Devinson Ferrer y Carlos Valiente; montaje y manejo de aéreos de Soraya Orta; pirotécnica  de Ciane y  producción general  de Peggy Bruzual.

Chicago 2013

El trabajo y el talento que le pone a lo que hace, colocan a Luis Fernández en un lugar importante del teatro vernáculo, provocando la natural envidia de los mediocres que no hacen nada,sino medrar.
Luis Fernández insiste en convertirse en otro zar del teatro venezolano y lo hace con densos montajes para atrapar espectadores y agriarles la cena a los periodistas y críticos en general, pero con el reconocimiento de la audiencia. Ya lo hizo, durante las temporadas de 2012 y 2013, con High de Matthew Lombardo, trepidante drama sobre drogas, aberraciones sexuales y el rol hipócrita de la Iglesia Católica. Y ahora acaba de adaptar, coproducir, actuar y dirigir Chicago, el musical, rocambolesca saga de unas mujeres delincuentes, programado en el Teatro Teresa Carreño, teniendo a Eduardo Marturet como director de la Simón Bolívar Big Band Jazz.
  Como él lo considera,  Chicago, el musical  muestra como es la ambición y el ansia de gloria de gente sin talento que recurre al escándalo y al titular de prensa sensacionalista para figurar. Aborda el tema, siempre vigente, del periodismo sin ética,  basado en el chisme diario, y expone en última instancia lo vergonzosa que es la especie humana cuando esta alienada por el capital. Advierte, como lo dice su personaje Billy Flynn (al cual encarna de gran manera), que el mundo es un circo. “Hay que darle al público un show que genere histeria y se olvidarán de sus miserias. Cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia. Y todo esto además con el mejor sarcasmo, con música maravillosa y mucho brillo”.
Ambientada durante la época de la Ley Seca, cuando estaba prohibido vender  bebidas alcohólicas en Estados Unidos (1920  y 1933),  Chicago, el musical es una comedia, con canciones y coreografías  de John Kander y Fred Ebb, libreto de Bob Fosse  y el propio Ebb; debutó en Broadway en 1975 y se mantuvo en cartelera hasta 1977. Pero desde 1996 prosigue en  el circuito teatral de Nueva York. Está basada en la obra teatral homónima, de la periodista Maurine Dallas Watkins, quien se inspiró en crímenes que ella reseñó para The Chicago Tribune. Su argumento, en síntesis, es una muestra de la corrupción del sistema judicial y al concepto de "criminales estrellas”. ¡Pero ideológicamente es otra cosa!
Muestra como es la sociedad estadounidense y las de otros países. No deja títere con cabeza y en ocasiones  se  torna misógina, pero final todo resulta ser un circo, pues el marido cornudo de una de las protagonistas es un clown, a quién el público venezolano identificó humorísticamente con Popy, el payaso aquel de RCTV, felizmente encarnado por Basilio Álvarez.
De las actuaciones hay que resaltar a la ya legendaria Natalia Martínez y a la señora Mirtha Pérez, que cantó y actuó como nunca.
Catherine Pintos y Alfredo Pereira son los coreógrafos responsables de un puñado de artistas del movimiento quienes pudieron conmover a la audiencia por su virtuosismo, a pesar que les correspondió hacerlo sobre una escenografía no apta precisamente para bailar.
En síntesis, es el fastuoso espectáculo que creó el director Fernández lo único que hizo atractiva  aquella representación de un texto que ideológicamente está superado o al menos en Venezuela se lucha para mandarlo al museo de la historia, por la dignificación que aquí se ha propuesto de las mujeres y por la cual ellas batallan intensamente.

miércoles, noviembre 27, 2013

Bogotá presenta mejor teatro del mundo

Con una alucinante programación irrumpe el XIV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, en una nueva versión donde Brasil  será el País Invitado de Honor. Obras de circo, cabaret, musicales, espectáculos de gran formato, danza, infantiles, clásicos, reconocidos directores, las grandes compañías, las propuestas más innovadoras y mucho, mucho teatro caracterizan a esta nueva versión que subirá el telón, del 4 al 20 de abril de 2014. Salas, parques, calles, el Coliseo El Campín, el Palacio de los Deportes y el Estadio de Techo La Equidad, se vestirán de fiesta, alegría y color para brindarle un carnaval a Bogotá y un motivo de orgullo a toda Colombia. Porque en este Festival “Todos tenemos que ver”.
 Más festivo que nunca, vestido de los colores nacionales donde prima el rojo pasión, de fiesta, amor y alegría, esta nueva versión del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá estrena una poderosa imagen diseñada por Miguel Otálora, una banda sonora oficial compuesta por Iván  Benavides y Herbey Marín, una moderna página web diseñada por Anthropologic y toda una plataforma digital de venta en línea, para que artistas, amigos, abonados, periodistas y todos los colombianos puedan agendarse desde ya para el evento teatral más grande del mundo, sin hacer filas, desde la comodidad de nuestras casas y asegurando los mejores puestos.
 Con una delegación de siete obras de sala, 1 batucada, otras de calle y el Gran Concierto, Brasil es el País Invitado de Honor de esta nueva versión. Así, el musical Gonzagão, la leyenda, obra inaugural, La dama del mar, de Bob Wilson para el SESC, con adaptación de Susan Sontag; Maravilloso, Till, la saga de un héroe muerto, El jardín, Toda desnudez será castigada, del laureado director Antunes Filho, y Amores sordos, conforman la muestra teatral brasileña. A esta se une la comparsa del Carnaval de Río, “Os Negões”, que abrirá el desfile inaugural y presentará un concierto en la Plaza de Bolívar.
 Y esto es solo el comienzo, porque también nos encontraremos con maravillosos montajes de distintas partes del mundo como el circo contemporáneo “La Veritá”, de Danielle Finzi Pasca, que tiene entre sus sorpresas un telón original de Dalí; el cabaret “Limbo”, de Strut & Fret, de Australia (los mismos de “Cantina”); el Ballet Flamenco de Cecilia Gómez que regresa para presentarnos Cupaima, Homenaje a Chavela Vargas; el tango aéreo de la compañía argentina Brenda Angiel Aerial Danza que presentará 8cho; de Finlandia la WHS nos trae el impactante montaje multimedia Partir. Islandia nos hará soñar con un novedoso Romeo y Julieta de la compañía Vestuport y el grupo Carte Blanche de Noruega nos hará aplaudir con la imponente Corps de Walk.
 Reconocidos directores como Shen Wei quien representando a Estados Unidos traerán la sensual obra de danza Folding/ Consagración de Primavera; Wajdi Mouawad (el mismo autor de Incendios), vendrá actuando y dirigiendo la contemporánea pieza francesa Solos; el español Lluis Pasqual llega con El caballero de Olmedo; el inglés Declan Donnellan vuelve a unirse con el Festival Chejov de Moscú para presentarnos La Tempestad; Tomaz Pandur nos hará vibrar nuevamente con Medea; el controversial coreano Lee Youn Taeknos trae Bodas de sangre y Peter J. Wilson llega con El niño dragón, un gran montaje de la Chinesse Children ArtsTheatre, para toda la familia.

Además grandes estrellas internacionales como los argentinos Cecilia Roth y Darío Grandinetti, nos harán delirar con Una relación pornográfica y grandes compañías como el Thalia Theatre de Alemania; la Needcompany de Bélgica; el Teatro Lliure de Barcelona, el Teatro Chaillot de Francia, el Gecko Theater de Inglaterra, el Teatro Cinema de Chile y la Handspring Puppet Company de Sudáfrica, que dará que hablar con su versión de Ubú y la comisión de la verdad interpretada por marionetas gigantes, han confirmado su asistencia.
 América Latina estará representada, además de Brasil, por Argentina, Chile, Perú, México y Venezuela. Colombia hará parte de este encuentro teatral con 30 grupos de sala y 15 de calle, además de las tres coproducciones La voz de Víctor Quesada, de Exiliados Teatro; Matando el tiempo de Jorge Hugo Marín, de La maldita vanidad, y El último de los Átridas de Mapa Teatro.
 Por séptima ocasión vuelve VIA, la Ventana Internacional de las Artes escénicas, creada por el FITB que para esta versión contará con la gestión de Ciculart/RedLat Colombia. Y como un evento de lujo, en el marco del XIV FITB, se realizará por primera vez en Latinoamérica ISPA: International Society for the Performance Arts, el encuentro más prestigioso de gestores de los teatros y eventos más poderosos de las artes escénicas. Talleres, clases magistrales, conferencias y encuentros con directores, dramaturgos y artistas conformarán los eventos especiales organizados por La Escuela del Festival, que para esta ocasión ha organizado en simultánea el I Encuentro de Nuevas Dramaturgias y un Seminario de Pirotecnia y Música.
 Cinco continentes, 26 países, Brasil como Invitado de Honor, 40 obras internacionales de sala, 30 compañías colombianas en sala, 3 coproducciones, 23 grupos de teatro de calle, 24 eventos académicos, 18 salas, 15 parques metropolitanos,  4 espacios no convencionales, el Palacio de los Deportes, el Coliseo El Campín, el Estadio de Techo-La Equidad,  dos Desfiles Inaugurales, un Gran Concierto, la Carpa Cabaret, VIA: Ventana Internacional de las Artes Escénicas, una Gran Clausura en el Parque Simón Bolívar, alrededor de 300 funciones en sala, 1200 artistas y millones de espectadores le darán vida al XIV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá que, del 4 al 20 de abril de 2014, llenará de orgullo a todo el país colombiano. Porque en esta fiesta ¡Todos tenemos que ver!


50 premios para cine venezolano por ahora

"Pelo malo" esta batiendo récord de galardones.
El cine venezolano sigue consolidándose en plazas internacionales. El pasado fin de semana, la película Pelo malo, dirigida por Mariana Rondón, se alzó con dos Astor de Plata a la Mejor dirección y Mejor guión en el 28° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en Argentina. Además, la cinta logró el premio a la Mejor dirección en la 25° edición del Festival Internacional de Cine de Viña del Mar, en Chile, por “elaborar un tratamiento cinematográfico audaz, que asume riesgos, y por adoptar un punto de vista original para aproximarse al problema de la intolerancia, la marginalidad y la incomunicación”.
Por su parte, en el viejo continente, el largometraje venezolano La distancia más larga, ópera prima de Claudia Pinto Emperador, ganó el Premio del Público en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, en España, y recibió un reconocimiento especial por parte del Instituto Pablo Neruda.
 Asimismo, la película Esclavo de Dios, del joven realizador Joel Novoa, obtuvo "La llave de la libertad" (galardón que otorgan los internos del Centro Penitenciario de Huelva), y el Premio Manuel Barba al Mejor Guión de la Asociación de la Prensa en el mencionado certamen cinematográfico de alcance iberoamericano.
Con estos reconocimientos, el cine venezolano acumula 50 premios internacionales con participaciones en 159 festivales durante el 2013, entre los que se incluyen cuatro galardones en festivales de categoría A (validados por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos FIAPF): el Premio Glauber Rocha para La distancia más larga en el Festival Internacional de Cine de Montreal, en Canadá, la Concha de Oro otorgada a Pelo malo en San Sebastián y dos premios en Mar del Plata, respectivamente.
Al cine criollo le queda camino por recorrer en festivales internacionales durante este 2013. Las películas Pelo malo Piedra, papel o tijera, competirán en la Sección Oficial del concurso Largometraje de Ficción del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba, a realizarse entre el 5 y el 15 de diciembre. También se suman La distancia más larga y Azul y no tan rosa en la categoría de Ópera Prima y varios cortometrajes y documentales en las categorías competitivas y muestras del certamen caribeño.
Pelo malo de Mariana Rondón, también participará en el Tertio Millennio Film Fest, en Roma, el Marrakech International Film Festival, en Marruecos y cerrará su recorrido en el International Film Festival of Kerala, en la India.
También se incluye la participación de las películas venezolanas Bolívar, el hombre de las dificultades, dirigida por Luis Alberto Lamata y Brecha en el silencio, de los hermanos Luis y Andrés Rodríguez, dentro de la programación del Festival de Cine Latinoamericano de la Casa de la Cultura de Ecuador, en Quito, evento que se llevará a cabo del 11 al 22 de diciembre.
Y, por supuesto,la mano del Estado venezolano está detrás, algo que no se puede silenciar o ignorar en estos tiempos cuando se quiere tapar al Sol con un dedo, decimos nosotros. 



Brasil es gran monstruo del teatro

"Agreste" del brasileño Newton Moreno se representó durante la temporada caraqueña de 2013
El diario El Tiempo,de Bogotá publicó hoy esta crónica, la cual por interés especial de este blogero republicamos aquí.
De manera recurrente, Brasil se ha convertido en una referencia de milagros sucesivos, y, desde las artes escénicas, invitadas de honor al Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá del 2014, este “impávido coloso”, como lo denomina su himno nacional, presenta un rico panorama, tan múltiple y diverso como es este país-continente.
Basta decir que tan solo en São Paulo se estrenan 650 montajes durante el año, y que en Río de Janeiro existe una cartelera teatral muy activa, que compite en calidad y cantidad con el teatro paulista. Otras ciudades como Brasilia, Londrina, Curitiba, Porto Alegre o Belo Horizonte también pueden presumir de su actividad teatral, con festivales reputados a nivel internacional y su permanente actividad.
De hecho, Brasil es sede de varios certámenes teatrales internacionales al año. Uno de ellos es el Festival Mirada, evento bienal que cuenta en su equipo de curadores con el colombiano Ramiro Osorio, cofundador del Iberoamericano de Bogotá y director del Teatro Mayor.
En cuanto a asistencia de espectadores, el año pasado, un estudio del Target Group Index (que pertenece a la empresa de investigación Ibope) arrojó que el 11 por ciento de la población de las capitales de nueve estados brasileños (São Paulo, Río de Janeiro, Porto Alegre, Curitiba, Belo Horizonte, Salvador, Recife, Fortaleza, Brasilia) frecuenta ir a este tipo de espectáculos.
Por otro lado, Eduardo Tolentino, director artístico del grupo Tapa, aseguró en una entrevista que en São Paulo asisten a teatro entre 200 y 300 mil personas. Esta ciudad tiene una de las carteleras más movidas del país, con más de 120 salas de teatro.
Amparados por una doble vía de financiación, mediante convocatorias públicas o con patrocinio privado a través de la Ley Rouanet (un mecanismo de exención fiscal para actividades culturales), el teatro brasileño más innovador ofrece una amplia gama de posibilidades, entre las cuales se presentará en Bogotá un panorama que intenta dar cuenta de esa perspectiva, aun siendo conscientes de la inabarcable realidad de la alta calidad de decenas de grupos que fueron considerados.
Brasil en Bogotá
El centro de atención más evidente es, justamente, el más veterano de los directores: Antunes Filho, creador del CPT (Centro de Pesquisa Teatral), una referencia en la escena nacional, por su longevidad y contemporaneidad, pero también por su labor formativa.
Con producción del Sesc, uno de los paradigmas de la producción cultural de Latinoamérica, en el 2012 realizó su octavo montaje de Nelson Rodrigues, Toda desnudez será castigada, que se presentará en el festival bogotano.
La pieza tiene la marcada característica de su teatro, que hace referencia a universos y atmósferas míticas, sus ‘actores-fetiche’, brillantes intelectualmente pero que saben del protagonismo del cuerpo en la visión del director, y sobre todo, la conexión con las corrientes de pensamiento contemporáneo.
La dupla Rodrigues-Antunes es una marca fundamental del teatro brasileño contemporáneo, y encabeza esta visión que se propone de la tradición y modernidad de la escena actual en ese pais, como eje de la programación del Festival Iberoamericano. 
Otros nombres serán:‘Gonzagão, la leyenda’
Este espectáculo musical, ganador del Premio Shell 2012 a Mejor Música y Mejor Producción, con texto y dirección de João Falcão, hace un viaje musical por la trayectoria de Luiz Gonzaga (1912-1989), uno de los mitos nordestinos de la música brasilera y de los más grandes exponentes del forró.
El montaje cuenta, a través de unas 40 canciones, la historia de Gonzagão, sus amores y desvelos, elevándolo a la altura del mito.
‘Til, saga del héroe tuerto’
El Grupo Galpão es una de las compañías más importantes de la escena brasilera, y viejo conocido de nuestros festivales. Creado en 1982, el grupo desarrolla un trabajo riguroso en sala y calle, teniendo como característica ser un grupo de actores que invita a directores, en este caso a Gabriel Villela, con quien han realizado sus montajes más exitosos.
Entre estos están Romeo y Julieta, con el cual el grupo participó en más de 40 festivales internacionales. El lenguaje de esta compañía crea un teatro que puede dialogar con la tradición del teatro popular brasilero, y con el discurso erudito, que consigue una fuerte comunicación y empatía con su público.
Teatro de este siglo
Amores sordos. Considerada una de las principales referencias del teatro contemporáneo brasileño, el grupo Espanca! fue fundado en el 2004, en Belo Horizonte. Cuenta con un repertorio de obras con texto original escritas por Grace Passô durante los procesos de creación colectivos y ya obtuvieron los principales premios de teatro brasileños.
‘Maravilloso’. Escrito a partir de dos referencias fundamentales: El Fausto, de Goethe, y el Carnaval de Río de Janeiro. Maravilhoso trabaja el dilema fáustico en relación al carnaval carioca, la ciudad del joven dramaturgo Diogo Liberano, con sus contradicciones, amores y desamores. La pieza es dirigida por Inez Vianna.
El jardín’. Cia Hiato, de São Paulo. Dirección y dramaturgia de Leonardo Moreira. El público es distribuido en tres espacios diferentes y su visión resulta inevitablemente determinada por esa distribución.
El escenario de cajas es construido y reconstruido en escena, creando mundos imaginarios que va transformando los momentos ya vistos en lagunas. Cia Hiato expresa, en lo estético y en la dramaturgia, el acto creativo que significa rememorar.
El Sesc de São Paulo
La dama del mar. El ya mencionado Sesc, invitado especial, asume proyectos de riesgo, bajo la dirección de Danilo Santos de Miranda. El último es un, texto de Susan Sontag basado en el clásico del autor noruego Henrik Ibsen.
Fue escrito en 1998, y en él la autora reduce el número de personajes y estructura la pieza alrededor de los temas que ella considera centrales en el siglo XIX, especialmente el universo femenino.
El montaje del estadounidense Bob Wilson en Brasil, con un elenco nacional que trae grandes nombres de la actuación como Lígia Cortez, Ondina Castilho, Bete Coelho y Helio Cicero, propone una visión que matiza el universo de Ibsen con las propuestas estéticas del director y la autora.
Este es el panorama de un teatro que refleja un concierto de voces, un diverso ramillete de poéticas, de sofisticadas experimentaciones formales, reflexiones sobre la herencia del canon europeo, la exploración de duras realidades, los abusos del poder y el yugo de estereotipos culturales.
Teatro de texto, teatro del cuerpo, teatro de calle, teatro para niños, es algo de lo mucho que ofrece la dinámica y variada escena brasileña contemporánea, de la que apenas se puede dar cuenta con los seis espectáculos que se presentarán, y con los que siempre quedaremos en deuda.
Grandes hitos del teatro de Brasil
La primera referencia de este arte fue el padre Anchieta y su labor de catequesis jesuítica; el primer dramaturgo reconocido fue Martins Pena, quien escribió comedias de costumbres en los albores del siglo XIX. Pero, realmente, el teatro brasileño es joven, y se construye día a día, como el país.
El teatro contemporáneo se liga a la vida y obra de Nelson Rodrigues, ese “ángel pornográfico” como él mismo se denominó, nacido en Recife y carioca de corazón, retratista de la sociedad de Río de Janeiro a la que espiaba por el ojo de la cerradura desde su “óptica de fabulista”, como a él le gustaba denominar su trabajo.
Periodista, apasionado del fútbol –el Fluminense era su pasión–, es la referencia fundamental del teatro en Brasil.
De hecho, para celebrar el centenario de su nacimiento, el año pasado, se realizaron decenas de montajes en todo el país, con lo que el teatro brasileño tiene antecedentes históricos muy recientes, y sus protagonistas pueden narrar su devenir en primera persona.
En 1964, sobrevino el golpe militar y se generó una hegemonía de la censura. Se consolidó un teatro de resistencia a la dictadura, desde los grupos más comprometidos, como el Arena y el Oficina, de São Paulo, y el Opinião, de Río, hasta los dramaturgos como Gianfrancesco Guarnieri, Augusto Boal, Alfredo Dias Gomes, Oduvaldo Vianna Filho y Plínio Marcos.
Autores de comedia, como João Bethencourt, Millôr Fernandes, Lauro César Muniz y Mário Prata siguieron el mismo camino. Un enorme número de obras de teatro fueron declaradas en interdicción.
Con el estreno de Macunaíma, trasposición de la ‘rapsodia’ de Mário de Andrade, en 1978, Antunes Filho asumió la creación radical del espectáculo, en la cual participan nombres como Gerald Thomas, Ulysses Cruz, Aderbal Freire-Filho, Eduardo Tolentino de Araújo, Cacá Rosset, Gabriel Villela, Márcio Vianna, Moacyr Góes, Antônio Araújo, Enrique Dias, Márcio Abreu, entre otros, alcanzando, en temporadas recientes, un equilibrio que hace de la escena brasileña una de las más ricas del mundo.
Como en el resto de América Latina, el trabajo de grupo es una de las características de su sistema de producción escénica, prueba de ello es la existencia continuada de colectivos teatrales que llevan varias decenas de años de trabajo, como Ornitorrinco, de Carlos Rosset; ‘los jodidos privilegiados’ de Antonio Abujamra, que pasaron por Bogotá y Manizales; el Teatro da Vertigem, de Antônio Araújo, que impactó en anteriores ediciones de nuestro Festival con sus montajes en iglesias, hospitales, cárceles, hoteles abandonados y hasta en el lecho del río Tiete, que cruza el centro de São Paulo.
OCTAVIO ARBELÁEZ


domingo, noviembre 24, 2013

Otros tres premios para "Pelo Malo"

El cine nacional está de plácemes, porque la directora venezolana Mariana Rondón se alzó  durante  este fin de semana con tres galardones. El sábado 23 de Noviembre obtuvo sendas preseas Astor de Plata: a la Mejor dirección y al Mejor guión, por su  película Pelo Malo en el 28° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Argentina. En este evento (Categoría “A” reconocido por la FIAPF) se encontraba la actriz Samantha Castillo (Marta), quien recogió los reconocimientos en nombre de Mariana. Y conquistó otro premio como la mejor directora  en el Festival Internacional de Cine de Villa del Mar,en Chile, este domingo 24 de noviembre. ¡Tres premios en un solo fin de semana!
 El filme cuenta la historia de Junior, quien tiene nueve años y el “pelo malo.” Él se lo quiere alisar para la foto de la escuela, y así verse como un cantante de moda, lo que crea un enfrentamiento con su madre Marta. Mientras Junior busca verse bello para que su mamá lo quiera, ella lo rechaza cada vez más. Finalmente, él se verá obligado a tomar una dolorosa decisión.
 Antes de finalizar el año 2013, Pelo Malo sigue en su ruta por otros festivales internacionales de cine, estos son: Torino Film Festival en Italia, luego estará en el Tertio Millennio Film Fest en Roma; en el Marrakech International Film Festival donde el realizador Martin Scorsese asistirá como presidente del jurado.
 Finalmente, Pelo Malo también estará presente en el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de la Habana y culmina su recorrido de este año por certámenes internacionales en el International Film Festival of Kerala, India.
 Pelo Malo se estrenará en Venezuela el 16 de Mayo de 2014 y además, ya tiene garantizada su distribución comercial en España a través de Abordar Casa de Películas, en  Francia con Pyramide Distribution, en Suiza con Look Now! y  en Brasil por Esfera Filmes; en Venezuela será distribuida por Blancica. 
 La película Pelo Malo cuenta con el reconocimiento de Fundaciones como: World Cinema Fund- Berlinale (Alemania) - Global Film Initiative (USA); además del apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, CNAC (Venezuela) y del Programa IBERMEDIA. La película es una coproducción entre Venezuela, Perú, Alemania y Argentina.


Reconocimientos hasta la fecha:

  • Mejor película caribeña en el Festival de Cine de Puerto Rico 2013
  • Mención Especial Premio Sebastiano, otorgado por GEHITU, asociación LGTB del país vasco: “porque refleja el rechazo violento y la incomprensión de una madre hacia su hijo por miedo a que no sea heterosexual."
  • Mención Especial Premio Signis, concedido por la Asociación Católica Mundial para la Comunicación: "Por la denuncia de la soledad en una sociedad cerrada, empobrecida y machista

sábado, noviembre 23, 2013

Hugo Kogan

Con Hugo Kogan se mantiene la tradición del buen teartro argentino
Algún día se tendrá que investigar cómo ha sido, y aún continúa, la presencia de la cultura argentina en  Venezuela, especialmente el accionar de sus teatreros en Caracas y  su innegable influencia en el desarrollo de las artes escénicas desde mediados del siglo XX. Se tendrán que publicar los resultados de esos estudios, muy importantes para alimentar la historia del teatro contemporáneo, el cual cada día que pasa es más multisápido.
Mientras llega ese ensayo historiográfico, hay que recordar que al finalizar la década de los 40 se instaló Juana Sujo, quien entre otras cosas fundó una escuela, que ahora lleva su nombre y la cual funciona desde hace 64 años. Y desde entonces la presencia sureña no ha cesado y es por eso que hace semanas vimos y aplaudimos -ya nuestra mano zurda tiene más vida- al actor y director argentino Hugo Kogan tras una increíble performance con la obra Potestad, de Eduardo Pavlovsky, en el Teatro San Martin, y después lo disfrutamos en una charla con el público, mayoritariamente  estudiantes.
 Potestad, que la habíamos visto representada por el rioplatense Teatro del Secadero, volvió ahora a  Caracas con Kogan para denunciar la injusticia y las atrocidades cometidas en la Argentina dictatorial, una puesta en claro de la historia de esa nación, una revancha histórica teatral sobre siete años de ignominia militarista que convirtieron a la patria de Carlos Giménez y Juan Carlos Gené (teatreros legendarios que también dejaron obra en Venezuela: Rajatabla y el GA 80)  en un campo de exterminio, del cual salieron las masas populares para negociar una primavera democrática, por la vía del voto,  la cual lleva 30 años, hasta ahora. 
En menos de 50 minutos, Kogan plasma uno de los episodios más patéticos de la dictadura argentina, cual fue el robo de los bebes de los enemigos de los milicos, para lo cual el actor maneja con destreza todo tipo de registros dramáticos, capaz de la carcajada y el sobrecogimiento más extremos, además de mantener muy bien la tensión de la obra. Ahí, como lo señalado la crítica sureña, la mueca, el gesto social, el transformismo ideológico, el cambio de registro, no son asignaturas que se aprueban sin estudio.   Si había un actor para Potestad, era Hugo Kogan, pues   Potestad requiere de un actor sólido, capaz de llenar el espacio físicamente, cambiar de ritmo, de voz, de actitud y de emociones.
Kogan, durante su  entusiasta charla con los espectadores, puntualizó como gracias a que el teatro  se estudia y se practica desde la escuela primaria, sus compatriotas crecen amando tal disciplina artística y además desarrollan la imaginación y avanzan  en un proceso de socialización básico para su devenir, “porque antes de formar actores, hay que formar personas”.

Este ejemplar artista ha dicho que todo esa masa de dinero que se gasta en armas para matar, él la gastaría “en las distintas expresiones artísticas y no tengas la menor duda que este mundo de hoy, tan convulsionado sería un mundo totalmente distinto”. Genio y figura de un artista argentino combatiente

Mujeres y otras traiciones

Sánchez y Boffill en la nada complaciente comedia
 Hablando de mujeres y traiciones  de Luis Carlos Boffill  es una comedia didáctica, bien actuada, sobre la convivencia de dos hombres: uno, macho por los cuatro costados, y otro gay, travestido además. Es la saga de  Clemente y Jorge, quienes comparten un apartamento, a pesar de sus respectivas formas, tan diferentes, de ver la  vida. Se presenta en el Celarg.
ENALTECER LO FEMENINO
Boffill explica que Hablando de mujeres y  traiciones  surgió porque hace un par de años, “una empresa me pidió un espectáculo para el 8 de marzo con motivo de la celebración del Día Internacional de la Mujer. Por eso inventé a Clemente, aquel latinoamericano que justifica sus excesos y carga de culpas a las mujeres, sin considerar los sacrificios que hoy día ellas hacen, sabiéndose combinar como amas de casa, madres, profesionales, etcétera. Y en sus historias con ellas recreo muchas situaciones que pasan a diario en cualquier país latinoamericano, más aún en Venezuela, donde, desde mi llegada de La Habana, oigo como enaltecen a las mises de  los concursos de belleza, quienes, sin quitarles méritos, no pienso sean la imagen de la mujer venezolana, pues, más allá de la belleza que las caracteriza, son emprendedoras, luchadoras, capaces y demás calificativos que argumenta y manifiesta mi obra. Quise combinar o confrontar  al machista Clemente con el transformista Jorge, muy adrede y premeditado, sabiendo que quien solicitaban el espectáculo, era una agrupación gubernamental; quise resaltar que todos cabemos en un espacio si basamos nuestras directrices en el respeto y la tolerancia. Y en este caso, el homosexual, aun hoy día, sigue siendo el ente de una comunidad cuestionada y discriminada por la homofobia. Una vez cumplido el compromiso, la aceptación fue inmediata. Fue muy elogiada y Producciones C&E me pidió revisarla y agrandarla. Para aquella ocasión no pasaba los 40 minutos, pues fue lo negociado con quienes me contrataron. Por eso me tome la tarea de enaltecer su dramaturgia y hacer cambios, entre los que incluyen la selección musical y un montaje más teatral y menos show, como lo fue en su primera presentación”.
-¿Qué busca con un espectáculo, donde hay un duelo verbal entre un travesti y un machista?
- Enaltecer a la mujer venezolana de hoy día. Lo capaces que son, profesionales, madres solteras, que ya son menos las que se dejan abusar por la violencia de género en sus hogares, que son mucho más que bellas mujeres aptas para concursos de belleza.
Pero luego de la revisión dramatúrgica, quise exponer mucho más aún. Clemente, personaje que yo además encarno, tuvo cuantas mujeres quizo y pudo,  además tiene un hijo, Alexander; sigue viviendo su vida loca, más aun luego del golpe sentimental que le sufrió con una interesante mujer, Crisol. Jorge (felizmente resuelto por Luis Miguel Sánchez) vive del mundo nocturno, que es sinónimo de tragos, bailes, diversión, sexo, promiscuidad, etcétera. Sin embargo, ambos están absolutamente solos y solo se tienen a ellos. Se aman, aunque jamás pasará nada, pues, los deseos carnales no existen entre ellos; es amor noble y desinteresado. Sin embargo, aun siendo tan diferentes en criterios y ópticas de vida, pueden convivir, caben en el mismo espacio, porque hay respeto, tolerancia y amor.
GAYS CONFLICTUADOS
-¿Sabe lo complicado que suele ser el público cuando la presentan una obra de temática gay que no es para burlarse de los personajes sino para mostrarlos como seres humanos conflictuados?
-Lamento mucho cuando alguien trata el tema de la homosexualidad como una oportunidad para la mofa en el marco de la comedia. De hecho, no solo como dramaturgo, sino como director y actor, es de Clemente, el macho vernáculo de mi obra, de quien me río, por su ignorancia, conducta y criterios anacrónicos y prejuiciados. Aunque también logro justificarlo porque humanos somos todos. No creo en el malo más malo, ni en el bueno más bueno. Todos tenemos de ángeles y demonios. Pero no acepto que sea precisamente el gay, el monstruo oportuno para la burla. Peor aún si pretendemos ser una sociedad no excluyente, como lo proclama la Carta Magna
Entre los teatreros se manejan códigos muy distintos: hay quien dice escribir para el público, pues a él se debe. Hay quien dice escribir para ser feliz con sí mismo. El que maneja la taquilla como prioridad o el que no le importa más que el amor al arte. 
En mi caso, pienso en lo que quiero y me mueve escribir y luego en lo que podría gustar o no en el público, pues hay espectadores para todos, y lo que a unos gusta a otros disgusta. Lo cierto es que tenemos un compromiso moral como teatreros, el cual no va únicamente con el simple disfrute de lo que el público demanda, de ser así, ¿cuándo educamos?, ¿cuándo sembramos cultura? o ¿cuándo invitamos a la reflexión? 
-¿Por qué usa un gay travestido y no un gay más discreto y con menos plumas?
-Tengo otras obras donde el gay no es un característico transexual o transgénero o transformista. En Rechazos, por ejemplo, el gay es un matón delincuente que nadie cree que sea gay. En esta obra, quise mostrar la experiencia de muchos casos que se conocen sobre muchachos que viven de la fonomímica en shows nocturnos, y que inhumamente son agredidos, burlados, abusados, incluso por sectores policiales. De paso, muchos son juzgados como seres que detestan a la mujer, o cómo demonios de la mala vida. Jorge es ejemplo de muchos transformistas que viven en la decencia, y créeme, hasta conocí un chico que vive del show nocturno y es heterosexual, casado y con hijos. No es gay, ama su trabajo y lo que hace. La intención nunca fue ser esquemático con Jorge más que con Clemente. Pero existen, ahí están. Jorge no abusa de lo afeminado en su conducta, incluso su canción justifica lo teatral y no el show característico de quienes viven del trabajo fonomímico transexual.
Ficha técnica

Dramaturgia y dirección de Luis Carlos Boffill, quien además se manifiesta como compositor musical y solista vocalista en el personaje que defiende actoralmente, Clemente,  un machista, fanático del equipo del Magallanes y quien lleva la historia junto a Jorge, transformista gay que vive del show fonomímico que interpreta Luis Miguel Sánchez. Boffill para poder llevar la dirección e interpretación conjuntamente, contó con el apoyo de Sarai Pérez. El diseño de luces lo hizo junto a Yolmar Roa y contó con el apoyo de Producciones C&E, destacando la faena artística y general de Luis Guillermo González y Yomaira Molina.

jueves, noviembre 21, 2013

Teatro venezolano del 2013

Gladys Prince es la actriz que engalana la portada de  nuestro libro, dedicado además al grupo Tumbarrancho por su histórica pieza "Jazmines en el Lídice" de Karin Valecillos, ganadora del Premio Isaac Chocrón de Dramaturgia 2013
Salió de la imprenta el libro 27 de nuestra colección Teatro 2013 Apuntes para su historia en Venezuela, el cual reune comentarios y entrevistas sobre la actividad reseñada entre  septiembre de 2012 y agosto de 2013.Son 370 páginas para un total de 154 artículos.Una muestra de como nuestros artistas sí trabajan.
A manera de editorial publicamos este articulo, El año 13, donde afirmamos que el teatro venezolano ha sido, es y será revolucionario. Artistas, dramaturgos y su oceánico público así lo han demostrado a lo largo de 413 años, aunque en ocasiones surgen detractores y enemigos que tratan de asfixiarlo, de quitarle espacios, de desviarle los recursos del Tesoro Nacional que le pertenecen porque además son una crítica manifestación cultural, y hasta han pretendido matar por hambre a sus hacedores.
El teatro no es complaciente, ni frívolo, ni tampoco tarifado, ni servil; prefiere comerse las migajas del banquete antes que deshonrarse. Hay que recordar, que Rómulo Betancourt liquidó a tres teatreros- el actor César Burguillos y los estudiantes Oswaldo Orsini y Reinaldo García -.quienes participaron en aquellos revoltosos alzamientos contra su régimen, pero el teatro no feneció ni siquiera ante el plomo de las pistolas adecas y copeyanas, como lo decía el dramaturgo Gilberto Pinto.
Hasta ahora nadie ha podido hacerlo claudicar ni desaparecer de los escenarios y el boom del mal llamado teatro comercial es muestra de como sus creadores si pueden sobrevivir gracias a la imaginación pero sin claudicar en su filosofía de denuncia contra las injusticias, contra los desatinos de los gobiernos y siempre en contra de las exclusiones. La comedia aparentemente sosa o banal tiene un veneno dirigido contra el poder, porque el teatro es arma revolucionaria y por eso le temen o pretenden ignorarlos los llamados poderosos.
El teatro siempre ha estado en la acera del frente pero sin poner en tela de juicio su amor patrio.
En medio de ese complejo panorama de incertidumbres y contradicciones para la sobrevivencia del arte escénico, desde finales del año 2011, en Fundarte, la mano cultural de la Alcaldía de Caracas y el Gobierno del Distrito Capital, han planificado y materializado sendas muestras del teatro contemporáneo, ese que estaba en la cartelera o en las despensas de los teatreros, y fue así que pusieron en marcha  al Festival de Teatro Caracas 2011 (FTC 2011) y el Festival de Teatro  Caracas (FTC 2013).
Esas salas no cerraron durante este crucial año 2013, salvo durante el duelo nacional por la siembra del Presidente de la República Bolivariana de Venezuela, Hugo Rafael Chávez Frías, y  sus programaciones posteriores han servido para que las nuevas generaciones y algunas veteranas se exhiban ante la comunidad, gratis o con una módica entrada. Son tres años modélicos de gestión gubernamental fundamentales para el desarrollo de las artes escénicas. Y ya alistan el festival para el 2014, el  cual tendrá una importante presencia internacional dentro de una agenda de 100 espectáculos.
Durante este 2013 se intensificó la presencia de la generación del relevo, formada en Unearte y en los talleres de Rajatabla, entre otros, con lo cual las artes escénicas, públicas y privadas, siguen vigorosas. Casi al cierre de la temporada, el Poder Ejecutivo dispuso la creación del Movimiento César Rengifo, destinado a incrementar las actividades teatrales en las escuelas y los liceos, al tiempo que la Compañía Nacional de Teatro se ha transformado en Centro Nacional de Teatro, con lo cual una buena parte de las producciones escénicas estarán  baja la égida del Estado.
El teatro ha sido, pues, pan de los ciudadanos y alegría para sus artistas, especialmente por la mayor presencia de textos de autor venezolano en los escenarios, como son algunas cuantas piezas de César Rengifo, Rodolfo Santana, Román Chalbaud, Elio Palencia, Luigi  Sciamanna y Karin Valecillos, entre otros, al tiempo que el conspicuo teatro comercial, con nutrida participación de autores foráneos o versiones criollas, le roba fuego al cielo para incendiar sus escenarios y convencer a sus clientes, quienes tienen que pagar sin chistar por lo que les ofrecen.
Llega el 2014 y el teatro por supuesto no desaparecerá.
Esta publicación se logra por la valiosa colaboracion del editor Mario Trujillo y de los amigos de la empresa Queiroz,con Douglas Palumbo y Ángel Seoane en el sopòrte técnico.


sábado, noviembre 16, 2013

México aplaude teatro venezolano

El dramaturgo Elio Palencia (Maracay, 1963) sigue cosechando éxitos internacionales. Ahora en Ciudad de México  le representan dos de sus textos más afamados: Penitentes y Arráncame la vida. No se hará rico, pero él cuenta que le da una satisfacción inenarrable y además “es un avance positivo para todo el teatro venezolano poder cruzar las fronteras”.
-¿Que ha pasa con sus obras en México?
-A partir del entusiasmo que por mi texto Arráncame la vida tuvo la primera Actriz Teresa Selma, quien desde los años 60 desarrolla su carrera entre Venezuela y México,  se propició su producción con un Centro Cultural de Teatro Independiente llamado El Foco, pequeña sala del Distrito Federal, con un trabajo sostenido y un público, mayoritariamente joven, en notable aumento. Para mí ha sido una sorpresa que –dentro del modesto perfil de la escena alternativa- el montaje haya sido muy bien valorado tanto por la crítica y acogido por los espectadores, al punto de alcanzar recientemente las cien funciones. Su director, el también actor Wilfrido Momox, se interesó por leer otros materiales escritos por mí y decidió emprender el proyecto de Penitentes, estrenado recientemente. Ya veremos de qué manera es recibido.
-¿Cómo llegaron sus textos a esos teatreros y por qué decidieron montarlas?
-Como he dicho antes, a partir de Teresa Selma, a quien en una estadía aquí, la Fundación Rajatabla había sugerido mi texto para que se lo llevara a México y lo hiciera. Indudablemente, ayudó el hecho de que ambas piezas están publicadas, una por la Fundación El Perro y la Rana y la otra por Ediciones CELCIT, al igual que en el sitio web que mantengo desde hace varios años (www.eliopalenciadramaturgia.com) desde donde bajaron Penitentes tanto Momox, como la gente del Grupo Barón, de Querétaro, que hizo un interesante montaje hace un par de años. En cuanto al por qué decidieron montarlas, supongo que, como suele suceder con colectivos y directores, les han parecido estimulantes para trabajar escénicamente y porque han coincidido, tanto con sus planteamientos éticos y estéticos, como con sus posibilidades y expectativas de producción.
-¿Cómo son sus acuerdos con ellos?
-Básicamente, iguales a los que establezco con los grupos venezolanos que se han interesado tanto en Caracas como en otras ciudades del país. Este año se han montado: La Quinta Dayana en Amazonas, Carabobo y Aragua; Camino a Kabaskén en Táchira, Como Dios manda en Miranda y Portuguesa. Lo único que  pido es el fundamental respeto a la esencia de la propuesta textual, el diálogo para cambios o adaptaciones que pueda generar la dinámica de montaje y, dado que se trata de colectivos independientes, la cesión solidaria de derechos atenida simplemente al mínimo porcentaje establecido de liquidación de taquilla, si hubiere explotación comercial o venta de funciones a instituciones públicas o privadas. Es decir: si hay beneficios se comparten, si no, todos nos arriesgamos y disfrutamos el goce del proceso artístico y de ponerlo al servicio de un público.
- ¿Explicaron las características de los montajes?
-No. En general, no es algo que me preocupe tanto como el entusiasmo y la identificación que les haya producido el texto para llevarlo a escena. Establezco, más bien, una confianza basada sobre todo en la experiencia artística del grupo y sus creadores, pues valoro y respeto mucho la libertad del arte del director. Además, me parece muy enriquecedor ser sorprendido por una lectura o interpretación que, en ciertos casos, puede hacerme descubrir elementos, valores, debilidades o posibilidades que, al momento de escribir, no había contemplado o no había hecho conscientes.
-¿No son las primeras obras suyas que salen de la frontera?
No, Penitentes fue montada por un grupo latino en Nueva York (Fenix-USA), también en Panamá (Teatro La Quadra) y en Puerto Rico (El Corralón de San Juan). También se han hecho lecturas dramatizadas en Miami y de Arráncame la vida en Nueva York. No ha dejado de ser sorpresivo en el sentido de que siempre he pensado que el teatro que he escrito ha surgido de un imaginario donde la venezolanidad o lo local ha sido predominante. Es muy grata la confirmación de que encuentren empatía en creadores de América Latina y el Caribe, eso da cuenta de aspectos comunes en cuanto a miradas, historia, características sociales, personajes, estéticas, público, etc.   
-¿Piensa viajar para verlas?
-¡Pensar, claro que lo pienso! Hasta si me montan en un pueblito perdido en el Amazonas, tengo el deseo y la curiosidad por presenciar cómo otros interpretan lo que he escrito. Pero la cosa no es sencilla, y no por falta de voluntad de quienes  montan o mía, sino porque, entre otras cosas, estos grupos no suelen contar con los recursos para permitirse llevar a un autor. Pasaje y estadía tal vez signifiquen un tercio del costo de una producción, por ejemplo, y entre pagar a actores, escenografía o aviso de prensa y permitirse un tiquete de avión, la decisión está clara. Además, el bajo perfil del teatro no necesariamente comercial en nuestra sociedad, no hace tan accesibles los intercambios publicitarios o los apoyos institucionales. Sucede aquí también, e incluso, en el Teatro Alternativo de España, por ejemplo. En año pasado, estando de vacaciones en Ciudad de México pude ver el montaje de Arráncame la vida y fue todo un regalo disfrutar de su sobriedad y rigor, así como de ver y oír a la gran Teresa Selma encarnando a la maestra de Puerto Cambur. Pero lo hice con mis medios. Aunque, nunca se sabe, no hay que perder la esperanza ni descartar que las excepciones se den, de vez en cuando y, como en los casos del deporte o la música, surja la posibilidad de ir.  Otros textos
 Informa Elio Palencia que están preparando dos montajes de Habitación independiente para hombre solo. Uno de teatro académico, como trabajo de egreso de la Escuela Juana Sujo, bajo la dirección de Arnaldo Mendoza; y otro, con carácter profesional, para el próximo año, con propuesta del joven director Orlando Alfonso. También está previsto un musical para el público infantil Miniña, una yegua de otra tierra, que fue seleccionado entre los ganadores de la III Muestra de dramaturgia Nacional, convocada por la Fundación Rajatabla. Tengo entendido que el próximo año será producida por Williams López con dirección de Vladimir Vera, un creador emergente cuyas propuestas escénicas le han entusiasmado mucho.