sábado, junio 28, 2014

Los premios para Jazmines de Lídice

Gladys Prince se consagró con "Jazmines en el Lídice"
Nunca sospechó Karin Valecillos que su pieza teatral  Jazmines en el Lídice recibiría durante la temporada 2013-2014 cuatro galardones: el primer Premio de Dramaturgia Isaac Chocrón, los Premios Municipales de Teatro de Caracas en los renglones de Mejor Producción y Mejor Obra y más recientemente el galardón de Mejor Dramaturgia de la Asociación Venezolana de Critica de Teatro (Avencrit), cuerpo colegiado que yo presido. Y por si fuera poco, la  primera actriz Gladys Prince también recibió sendos galardones por su rol protagónico, el Municipal y el de Avencrit.
¿Qué tiene  Jazmines en el Lídice  para conquistar tantos galardones? ¿Por qué no le programan una temporada de varias semanas en los teatros de Fundarte? ¿Por qué ahora será llevada al cine? Son varias preguntas que los lectores se podrán hacer y hasta manifestar sus opiniones o respuestas, mientras tantos nosotros recordamos que se trata de una coproducción  de la fundación Esperanza Venezuela, de carácter artístico, social y apolítico, la cual apuntaló el trabajo de la agrupación Tumbarrancho, correctamente dirigido por Jesús Carreño, con música original de Abiram Brizuela y las estremecedoras actuaciones de Gladys Prince, Omaira Abinadé, Rossana Hernández, Patrizia Fusco, Samantha Castillo y Tatiana Mabo.
LIDICE
Y como de violencia se escribe, conviene precisar que, en el noroeste de Caracas, existe, desde 1943, la urbanización Lídice para rechazar el exterminio que hicieron los nazis de los casi dos mil habitantes de ese pueblo checoslovaco, porque se rebelaron contra la opresión fascista.
Y es ahora, en esta segunda década del siglo XXI, gracias a la magia del teatro, en nuestro Lídice hay una casa, la morada de Meche, donde crecen en porrones unos jazmines. Ella hace seis años perdió en manos de la violencia a su hijo Raúl. Sus hijas Anabel y Dayana, a quienes también mataron a sus vástagos, tratan de persuadir a la madre de que se mude a otro lugar porque anda suelto el asesino de Raúl.
La obra se desarrolla cuando ellas junto, a la vecina Yoli; Aída, abogada y amiga de la casa; y  Sandra, la viuda de Raúl, se reúnen con Meche para convencerla de marcharse. Sin embargo, ella está arraigada a su comunidad, pues, pese al dolor, ha encontrado en la pérdida de su hijo un vínculo con otras madres y siembra jazmines como quien cultiva esperanzas.
Eso es  “Jazmines en el Lídice”, realista y estrujante teatro basado en testimonios de 54 madres que perdieron a sus hijos, ellas ahora se protegen y luchan desde Esperanza Venezuela. Muestra, pues, la vida de seis venezolanas quienes encontraron una manera de salir adelante por encima de la tristeza de haber perdido a sus hijos. La pieza pretende ser un punto de partida para recuperarnos como sociedad y evitar que esas tragedias continúen repitiéndose.
HERMOSO MENSAJE
Nosotros estamos plenamente convencidos que  Jazmines en el Lídice  es una manera pulcra y sensible, además de altamente creativa, de acercarse desde lo humano al universo de esas venezolanas, quienes encontraron una manera de salir adelante por encima de la tristeza, y cuyas sus historias son punto de partida para recuperarnos como sociedad. Es también un hermoso homenaje a las mamas que se yerguen y prosiguen luchando por la vida. Se realiza sobre la peligrosa cuerda floja del melodrama lacrimógeno y convence plenamente porque esa realidad que plasma no es ajena al público.
¡Nadie puede decir ahora que el teatro contemporáneo criollo está de espaldas a la realidad en que vivimos!
Premios 2013
Durante el Día Nacional del Teatro,  La Asociación Venezolana de Críticos de Teatro entregó a los artistas merecedores del Premio de la Crítica Avencrit 2013, el sábado 28 de junio, a las 11 AM, en la Sala Rajatabla. También decidió otorgar sendos Premios Especiales para Carlos Márquez  y Tania Sarabia  por sus dilatadas trayectorias profesionales. Los ganadores, en la categoría de Teatro para Adultos, fueron: Mejor director  Costa Palamides (Tierra santa).Mejor productor  Carlos Scoffio (Rondó Adafina).Mejor productora Sonia Whitman (Rondó Adafina). Mejor actriz  Gladys Prince (Jazmines en el Lídice). Mejor actor  José Gregorio Martínez (El hombre más aburrido del mundo). Mejor actriz de reparto Samantha Castillo (Jazmines en el Lídice). Mejor actor de reparto Jorge Palacios (El gigante de mármol). Mejor dramaturgia   Karin Valecillos (Jazmines en el Lídice). Mejor maquillaje Jesús Hernández (Un enemigo del pueblo). Mejor vestuario Joaquín Nández (Un enemigo del  pueblo). Mejor iluminación Víctor Villavicencio (Tierra Santa). Mejor escenografía Rafael Sequera (Bajo tierra). Mejor música original Nacho Huett (Un enemigo del pueblo).TEATRO PARA NIÑ@S: Mejor actriz Deymar Oropeza  (¿Quién nos vendió la luna?). Mejor actor Elvis Chaveinte (Mi amiguito Frankenstein). Mejor Director Oswaldo Maccio (El día que cambió la vida del señor Odio). Mejor dramaturgia Manuel Manzanilla (¿Quién nos vendió la luna?). Mejor productora Teatro La Bacante (El día que cambió la vida del señor Odio). Mejor productora María Eugenia Romero (El día que cambió la vida del señor Odio).
54 mujeres
 La fundación  Esperanza Venezuela, integrada por las madres de las víctimas de la violencia cainítica que azota a Venezuela se organizaron y salieron a las calles caraqueñas para mostrar las fotografías de las 54 mujeres que perdieron a sus descendientes  en manos del hampa o de enloquecidos policías. Singular modo de pedir paz y reconciliación que demuestra la firme voluntad de luchar para impedir más muertes. Ellas le ponen la cara a la esperanza para buscar  el fin de esa violencia que amarga la cotidianidad de esta Tierra de Gracia, violencia que diezma a la juventud pero que arremete contra la sociedad en general.
414 años
Antes de la llegada de los españoles a la que sería después Venezuela, los indígenas o aborígenes   desarrollaban algunas manifestaciones teatrales rudimentarias, tales como pantomimas y la representación simbólica de fenómenos naturales. Pero lo que se tiene como basamento y determina que se decrete el 28 de junio como el Día Nacional del Teatro en Venezuela, se remonta al año de 1600 y el mismo se registra en el Libro de Actas del Cabildo de Caracas, donde se inscribe la solicitud para presentar una comedia. El decreto de la celebración oficial pertenece al presidente Carlos Andrés Pérez, quien durante su primer mandato firma esta resolución: el 13 de junio de 1978.



El silencio tiene memoria

Lo estrenaron en la UCAB y ahora lo muestran en Santa Fé
Por ahora seguirán presentándose en el Teatro Santa Fe los viernes y esperan viajar  a Miami durante el venidero octubre. Esos son los planes de Virginia Aponte y su AGOteatro, la veinteañera agrupación profesional de exalumnos de la Universidad Católica Andrés Bello, quienes insisten en mostrar un  espectáculo, bien actuado y de amargo rotulo  poético. Este Memoria  del silencio es vital e importante para el ahora de Venezuela y América entera, porque replantea un descarnado análisis desde la  razón, la sinrazón  y los sentimientos de las existencias de quienes viven o vivieron el proceso revolucionario de Cuba, iniciado aquel 1 de enero de 1959.
Memoria del silencio es el testimonio de las hermanas Lauri y Menchu, separadas por la revolución. Una, a los 18 años, va a Estados Unidos para seguir a su amado Robertico, y la otra se queda en La Habana por estar con su adorado Lázaro. Después de 40 años, cuando ya no tienen a sus caballeros,  se  reúnen y materializan sus historias vividas desde experiencias tan distintas que podrían parecer irreconciliables. Tal reencuentro les permite soltar fantasmas  creados durante cuatro décadas de silencios y martirios, y es así cuando se preguntan si conocieron la felicidad, o si todos fueron sueños o espejismos fugaces. Y cuando despiertan  deben proseguir su ruta hacia la salida, tras admitir que fue engaño o equivocación, pero al menos vivieron y conocieron ramalazos del amor. ¡Existencialismo a la cubana!
Memorias del silencio es una estrujante versión, adelantada por Virginia, de la novela homónima de  Uva de Aragón sobre hechos que ella vivió y sufrió, quien además la puso en escena para que la encarnaran Soraya Siverio, Lucrecia Baldasarre, Carlos Domínguez y Unai Amenabar, todos patéticamente entregados a sus pensados y sentidos roles humanos.
Hacía muchos años que no veíamos correr lágrimas de verdad ni contemplábamos el húmedo sudor de cuatro seres, empeñados  en enseñar con sus personajes dos amargas historias de soledades y desatinos, donde la realidad solo se recupera en pocos momentos: cuando devoran sendos helados de chocolate en platillos metálicos, o bailan los cálidos ritmos cubanos.

Con Memorias del silencio continúa Virginia Aponte suscitando y proponiendo urgentes reflexiones sobre temas trascendentales para la comunidad caraqueña, como son la necesidad del encuentro y el afecto. Ninguna otra artista adelanta tal proeza y Venezuela se dará cuenta de tan valiosa acción cultural cuando sus artífices se marchen a otros destinos. Ella (llegó de La Habana hace unos 50 años) no se muda ni deserta todavía. Y menos ahora que ha producido y exhibido este espectáculo, que no es exaltación ni anatema, sino dolorosos y lacrimógenos testimonios de dos hembras que se descubren abusadas y solitarias. Hay millones de féminas quienes  se preguntan el por qué y el para qué de tantos desatinos con  ellas y sus familias por ideologías que aún son irreconciliables.

jueves, junio 26, 2014

Avencrit premia al teatro venezolano

"Bingo" es una de las obras en la cartelera teatral caraqueña
La   Asociación Venezolana de Crítica Teatral  (AVENCRIT)   entregó los 21 premios   y reconocimientos  especiales,   en su  segunda  edición,  correspondiente   al  año  2013,  en un acto celebrado   durante el   Día Nacional del Teatro, el sábado 28  de  junio, a las 11:00  am.,   en  la  sede  de la Fundación Rajatabla,  ubicada  en el  Edificio  Rajatabla,  Plaza Morelos entre el Teatro Teresa Carreño  y UNEARTE.
 El  premio AVENCRIT, reconocimiento que creado por  la Asociación Venezolana de Crítica Teatral para destacar la labor desarrollada en las artes escénicas, premió,  en  esta oportunidad, en  veintiún   renglones, a los actores, directores, productores, diseñadores, dramaturgos, y técnicos,  tanto  en  teatro para niños como en teatro para adultos.
  El jurado integrado por Edgard  Antonio  Moreno Uribe, Carlos Herrera, Luis Alberto Rosas, Joaquín Lugo,  Bruno Mateo y Walter de Andrade,  miembros de la directiva de AVENCRIT, personas dedicadas a la crónica, crítica, reseña y difusión del quehacer teatral en medios digitales e impresos del país,  acordó  la  entrega del Premio Especial AVENCRIT  a la   actriz  Tania Sarabia   al  actor  Carlos Márquez. 
AVENCRIT- presidida  por  Edgard  Antonio  Moreno Uribe, periodista de dilatada trayectoria en la crítica teatral, columnista en los diarios Últimas Noticias y La Voz, y autor del elespectadorvenezolano.blogspot.com- es una organización que tiene como principal objetivo agremiar a críticos, escritores, periodistas, dramaturgos y creadores en general dedicados al impulso e investigación de las artes escénicas nacionales

Temporada del año 2013
Mejor director
Costa Palamides
Tierra santa
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Mejor productor
Carlos Scoffio
Rondó Adafina
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Mejor productora
Sonia Whitman
Rondó Adafina
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Mejor actriz
Gladys Prince
Jazmines en el Lídice
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Mejor actor 
José Gregorio Martínez
El hombre más aburrido del mundo
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Mejor actriz de reparto
Samantha Castillo
Jazmines en el Lídice
……………………………………
Mejor actor de reparto
Jorge Palacios
El gigante de mármol
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Mejor dramaturgia 
Karin Valecillos
 Jazmines en el Lídice
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Mejor maquillaje
Jesús Hernández
Un enemigo del pueblo
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 Mejor vestuario
Joaquín Nández
Un enemigo del pueblo
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Mejor iluminación
Víctor Villavicencio
Tierra Santa
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Mejor escenografía
Rafael Sequera
Bajo tierra
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Mejor música original
Nacho Huett
Un enemigo del pueblo
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Mejor actriz
Deymar Oropeza 
¿Quién nos vendió la luna? (espectáculo para niñ@s)
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Mejor actor
Elvis Chaveinte
Mi amiguito Frankenstein (espectáculo para niñ@s)
……………………………………..
Mejor Director
Oswaldo Maccio
El día que cambió la vida del señor Odio (espectáculo para niñ@s)
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Mejor dramaturgia 
Manuel Manzanilla 
¿Quién nos vendió la luna? (obra para niñ@s )
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Mejor productora
Teatro La Bacante
El día que cambió la vida del señor Odio (espectáculo para niñ@s)
………………………………………………..
Mejor productora
María Eugenia Romero

El día que cambió la vida del señor Odio (espectáculo para niñ@s)

"Bingo" por los 414 años del teatro

Aura Rivas y Francis Rueda en el espectáculo de Román Chalbaud
Con un sentido homenaje al desaparecido maestro Eduardo Gil, la lectura del Manifiesto oficial del día a cargo de la joven falconiana Adriana Alvis, el lanzamiento del Anuario Digital de Coproducciones 2013 del CNT y presentaciones teatrales en los 24 estados, el Centro Nacional de Teatro conjuntamente con la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela celebrará este 28 de Junio del Día Nacional del Teatro.
La fecha, que conmemora el quehacer teatral de creadoras y creadores en nuestro país, fue establecida  oficialmente en 1978 en recuerdo a la solicitud para escenificar un espectáculo teatral en Caracas ante el Cabildo el 28 de junio de año 1600.
Para conmemorar tan importante fecha para el sector el Centro Nacional de Teatro prepara un homenaje a las 5:00 pm en el Teatro Simón Bolívar de Caracas, a quien fuera una de las figuras más importantes del teatro venezolano de este siglo: El maestro Eduardo Gil ( 1943-2014) cuyos aportes van desde la creación del Taller Experimental de Teatro TET, la dirección del Teatro Universitario y el Instituto Universitario de Teatro IUDET hasta la refundación de la antigua Compañía Nacional del Teatro dando paso a lo que hoy es el actual Centro Nacional de Teatro, un órgano de carácter verdaderamente nacional bajo su lema “El Teatro es encuentro con la gente”.
El homenaje será seguido por una función a las 6.00 pm de la obra teatral  Bingo  escrita por Román Chalbaud y dirigida por Costa Palamides con las actuaciones de las primeras figuras Aura Rivas, Francis Rueda, Gladys Prince, Vito Lonardo y Ludwing Pineda.
Así mismo, en el marco de esta fecha, el CNT realizará en lanzamiento oficial de su Anuario Digital 2013, un documento que registra toda la actividad teatral de la institución incluyendo las Coproducciones con Agrupaciones Nacionales, lo que constituye un valioso aporte para la historia del teatro nacional destacando el hacer de sus protagonistas: las y los artistas.
En este día el Ministerio del Poder Popular para la Cultura celebra el teatro de la nueva Venezuela, con la firme convicción de seguir trabajando para nuestro pueblo ofreciendo un arte escénico que sea fiel a la lucha por conseguir un ser humano renovado en su espíritu de hermandad y de justicia.
Actividades en los 24 estados
Obras de teatro, exposiciones, foros, teatro de calle, títeres, son algunas de las opciones para disfrutar del teatro en su día; Estas actividades se desarrollarán en el territorio nacional a través del accionar de la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela.
Entre las actividades estará las realizadas en la Sala Teatro La Barraca del estado Bolívar iniciando a las 7:00 pm con la Lectura de Manifiesto, seguida de presentación del Centro Internacional del Nuevo Teatro con la obra Un ramillete de cursilería y culminando con la presentación del Grupo Par e Impar Tertulia Teatral en los Espacios Cálidos Fundación La Barraca a las 8:30 pm.  
En el estado Táchira a las 9:00 am se activaran mesas de trabajo en la Casa Steinvorthplenaria; se realizará un Toma Circense en el Paseo Don Chocho Corrales de 1:00 a 2:00pm;  También se realizará una Toma Circense en el Paseo Don Chocho Corrales de 1:00 a 2:00pm; desde a las 4:00 hasta a las 6:00 pm en la Escuela Regional de Teatro se dará una función de G.T.L. Ricardo Acosta “Telira”. A las 6.00 pm se ofrecerá una función de  Fresa , coproducción del CNT del 2013 junto al grupo Incinerador Teatro en la Casa Steinvorth y finalmente, a las 8:00 pm en el Transhumante Teatro se presentará Pareja abierta de la Fundación Canta Rana de Colombia. 
En Falcón se realizará el II Encuentro Nacional de Payasas Narizotadas con el Acto de Clausura Show de Payasos en la  Concha Acústica a las 7:00 pm.
A esa misma hora, pero en el Atenero Rubén Ismael Padilla en Punto Fijo se realizará un homenaje a Vicente Hernández con  Sonidos del Mar  de Teatro Espejo; Y en la Concha Acústica de Coro a las 7:00 pm una Entrega de Reconocimiento a figuras del teatro falconiano  por su trayectoria teatral.
A las 5:00 pm se realizará un Desfile Teatral y Circense en el Paseo Monseñor Iturriza;    Y finalmente, en el Corredor Vial de la Avenida Manaure se hará una Toma Teatral con la Proclama Escénica: Estatuas, Títeres, Zancos, Monólogos y Sainetes; el acto será a las 9:00 pm.
Varias agrupaciones en el estado Monagas realizarán presentaciones y actos celebrando esta fiesta nacional: La Fundación Temacat dará una función de  Estatuas Ancestrales  en la Casa de la Cultura; la Fundación Tocuchi presentará funciones de  Los Exploradores  en la Biblioteca “Julián Padrón” y  Payasadas  en IMCULMAT a las 2:00 y 5:00 pm respectivamente; la Fundación Labrecha  presentará dos obras ese día:  Claroscuro  y Estatuarte , organizada por la Misión Cultura, en LN. Francisco Isnardi  y LN. “La Gran Victoria”. Por su parte,  Titiritadas de la agrupación Septiembre7 Laboratorio y organizada por Misión Cultura, se presentará en el Sector Ruiz Pineda a las 5:00pm;  Mimos  del Teatro Comunitario (TEACOM) se presentará en la Casa de la Cultura Inicita Aceituno también a las 5:00 pm. Por último, también en la Casa de la Cultura Inicita Aceituno, las fundaciones Demisión Integral y  Fundación Kirie  presentarán una pieza de danza y  Mis Días en Paita  (coproducción 2012 con el CNT) a las 6:00 y 7:00 pm respectivamente.
En el estado Portuguesa a las 9:00 am en la Casa de la Cultura Carlos Gauna, se estará presentado la obra  Compañeros de viaje  de la Compañía Regional de Teatro, también se entregará reconocimientos a 30 jóvenes que están incursionando en el teatro por parte de la Casa de la Cultura; además, se entregará la orden “Vencedores de Araure” a la Casa de la Cultura Carlos Gauna por su 49 años y Rafael Ordoñez, cerrando con una presentación del grupo musical Wuazabara.

  
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sábado, junio 21, 2014

Andy Ramirez y Abdón Villamizar

"Bingo" de Román Chalbaud prosigue en la escena venezolana
Los personajes teatrales son eternos en los escenarios. Y los seres humanos pueden  aspirar a esa inmortalidad, atribuida a los dioses, cuando un escritor los materializa en sus obras. Eso lo enseñó Isaac Chocrón Serfati cuando apuntaló la fundación de la Escuela de Artes de la UCV, en 1978.
Román Chalbaud lo ha demostrado con Bingo y así rescató para la eternidad a un inmigrante venezolano. Y yo lo hice con otro trashumante criollo en El fantasma de Bonnie. Ellos realizaron en Nueva York sus ciclos vitales y ahora desde la escena predican sus luchas por la libertad y el amor.
Las fantásticas sagas de los habitantes neoyorquinos inspiraron a Chalbaud, en los años 80, y es desde el pasado 26 de abril que Bingo convoca a los caraqueños  con el espectáculo creado por Costa Palamides.  No pretende dar recetas para aprender a vivir. Plasma una ficción ambientada en un apartamento, durante un día invernal, y centrada en latinoamericanos, dispuestos a divertirse jugando al bingo y para ello contratan a un misterioso visitante: el venezolano  Andy Ramírez (encarnado magistralmente por Ludwig Pineda).
Lo que ocurre deja sin aliento al público porque cada uno de esos seres, crea  una densa atmosfera erótica, no solo visual y verbal, sino que suscitan interrogantes porque quieren conocer más y más de todos ellos, sobre sus orígenes y sus etapas anteriores. Chalbaud rompe lanzas y reitera, por intermedio de esos personajes como la andropausia  y la menopausia no asesinan el instinto sexual, el cual es tan  fuerte como el instinto de la sobrevivencia, y  que todos ellos usan como elixir para una juventud momentánea y mantenerse activos.
Otra faceta de la pieza es el lenguaje utilizado: el cual va de lo agresivo a lo amoroso, porque todos ellos demandan afecto y ayuda para sobrevivir. Y no podía faltar una denuncia política: la miserable explotación a que es sometido el inmigrante, quien tiene  que hacer de payaso para subsistir o recibir una cama o un pan como recompensa.
Este Bingo, que es una pieza cosmopolita, quizás la mejor obra que Chalbaud ha escrito, seguirá muchas semanas en cartelera.
Nosotros en la metrópolis neoyorquina,  durante los 80, conocimos al  tachirense dramaturgo y director teatral Abdón Villamizar, quien murió en la mañana del 27 de mayo de 2014, tras vivir ahí  los últimos 52  años  de  su  ruta existencial, pero no él pudo verse en el montaje de El fantasma de Bonnie, estrenado en 2011 por el director Dante Gil en la Sala Rajatabla y después mostrado en España y otros países con las actuaciones de Ulises Acosta y Henry Pantoja.Participo en el Primer  Festival de Teatro de Caracas, organizado por Fundarte.
Nuestro Abdón mora en un apartamento caraqueño donde es visitado por un discapacitado, en silla de ruedas, quien lo acosa a preguntas porque necesita hacer una tesis sobre Carlos Giménez y graduarse en Unearte. Eso no es más que un pretexto del visitante Anthony para conocer al  veterano escritor y profesor, quien alista un viaje sin destino para huir de sus fantasmas,  como el de su doberman Bonnie que lo acompaña hace años. 
En la sala Rajatabla se materializó tal interesada amistad entre los solitarios seres quienes aceptan conocerse y probar si pueden compartir sus cargas existenciales hasta que el hastío o la vida los vuelva a desunir.

Teatro como transformador social

"La  lechuga verde" es uno de los espectáculos del grupo Teatro Nueva Era
El autor y director Romano Rodriguez no está por ahora en los escenarios ni en la brega artística venezolana, pero aquí en Caracas prosigue trabajando la agrupación Teatro Nueva Era, la cual él fundó, hace un cuarto de siglo, como lo recordamos al ver y aplaudir el espectáculo  Sur o no ser, de J.A. España y Jenifer Gásperi, recientemente en la Sala Rajatabla.
La socióloga y teatrera  Jenifer Gásperi informa que Teatro Nueva Era ha continuado con el legado de su  fundador Romano. “Para mí, como directora actual, la esencia del grupo se ha mantenido durante los 25 años de trayectoria artística de la compañía. Tuve la dicha de estudiar con Romano en los talleres del Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas y formarme con él, antes de su partida del país por razones personales y profesionales, y participar en los últimos proyectos que llevó a escena durante los años 1997 y 2000, fecha en la cual Teatro Nueva Era pasa a ser dirigida por Natali Serrano y es en 2003 cuando  comienzo a estar a la cabeza del proyecto. En un principio, nos mantuvimos muy apegados a las piezas, la técnica y la estética del fundador del grupo, posteriormente, comenzamos con nuestra búsqueda artística, manteniendo los lineamientos establecidos y, particularmente, la línea adolescente y juvenil que había desarrollado Teatro Nueva Era”.
-¿Ha evolucionado Teatro Nueva Era?
-Creo que a partir de esta búsqueda, logramos encontrar una estética propia que, si bien, se vincula con la propuesta inicial de la agrupación, ha tomado un matiz que responde tanto a la época que nos tocó vivir como a la formación y los intereses de cada uno de los miembros que han pasado por la compañía. Los integrantes de Teatro Nueva Era siempre han sido artistas muy jóvenes, en formación profesional y con intereses diversos, esto ha permitido una diversidad de perspectivas que, en el proceso creativo, resultan muy provechosas. En principio, la integración de estudiantes de Artes, Diseño, Sociología, Economía y Comunicación, ofrecía un abanico de interdisciplinaridad que se plasmaba en los proyectos artísticos y en la gestión del grupo. Posteriormente, esos estudiantes crecieron dentro de la compañía e hicieron que ésta creciera con ellos, siempre manteniendo la “mística del grupo teatral”, de la experimentación y la formación como Compañía; aspecto que no nos parece muy sólido en la actualidad de nuestro país, resulta más frecuente encontrarse con actores que trabajan independientes con distintos grupos teatrales.
Actualmente, dice Gásperi, “mantenemos en repertorio las piezas de Romano de corte adolescente y juvenil, como  Pechos de niña, la cual obtuvo una destacada participación en el año 2012 en el Festival de Teatro Adolescente Vamos que Venimos (Buenos Aires, Argentina) y posteriores presentaciones en Caracas y De melocotón a rojo alucinante que se ha mantenido sólida en temporadas y en proyectos de Responsabilidad Social y Prevención, con importantes alianzas en el área preventiva. Además de eso, seguimos apoyando la dramaturgia nacional joven. Dentro del grupo, existe el interés y la experimentación en dramaturgia, varios de los miembros actuales nos interesamos y hemos participado en la creación de textos para ser llevados a la escena, con temáticas actuales que nos mueven. José Alejandro España, quien ingresa al grupo en 2007, ha llevado la batuta en la dramaturgia del grupo y escrito más de 12 piezas en el ámbito de formación de nuestros talleres y para los proyectos profesionales de la Compañía. Creemos en el teatro como transformador social y como transformador del individuo y partir de esto, surgen nuestros actuales proyectos. Nos interesa la perspectiva política y social a la cual tenemos acceso desde las artes escénicas y nos comprometemos con esos temas”.
El mundo que ven
Según la directora Gásperi, de sus conversaciones  con J.A. España, brotan los proyectos artísticos de Teatro Nueva Era. “Soy socióloga y eso determina en gran medida la manera en la que veo el mundo, como decía una profesora en Argentina, atiendo bastante a mis obsesiones y tengo el privilegio de contar con un compañero de creación que también las atiende y, además, escribe. Casi siempre nos reunimos y discutimos las cosas que nos interesan de lo que está ocurriendo, porque están ocurriendo muchas cosas dentro y fuera de nosotros y es de eso de lo que nos gusta hablar en las tablas. Al dar talleres y estar muy cerca de los niños y adolescentes, hay temas que suenan más o que vemos más, y tratamos de investigar sobre eso. Luego de la fase de investigación, nos volcamos a la escritura del texto, por lo general liderada por   España y posteriormente a la fase de conceptualización y diseño, en la cual tomo el liderazgo como directora. Cada uno tiene un espacio de creación según su formación, habilidades e intereses, por ejemplo, María V. se ha formado en diseño y confección de vestuario; Juan Carlos en dirección técnica e iluminación; Stefanie en producción, escenografía, dibujo y pintura; Gustavo se enfoca en la producción y Roberto, además de apoyar en dramaturgia, se encarga de la prensa del grupo. Igual, esta estructura no es muy rígida y, como mencionaba, podemos cambiar de roles según lo amerite el proyecto. Lo que si nos resulta sumamente enriquecedor es que el proceso creativo se realiza en conjunto, con muchas reuniones creativas y con mucho aporte en todas las áreas. La selección del elenco comienza en casa, todos los miembros del equipo se interesan por la actuación y se forman en esta área, me arriesgo a decir que yo soy la menos interesada en actuar. Y tenemos un elenco bastante amplio que provienen de nuestros Talleres de Formación o de proyectos anteriores que nutren de una manera maravillosa los proyectos escénicos.
Nueva Era del siglo XXI
La agrupación Teatro Nueva Era de este siglo XXI la integran: Jennifer Gásperi (directora y productora), José Alejandro España (dramaturgo, actor y productor),  María Verónica Landaeta (actriz),  Gustavo Cedeño (actor y productor), Juan Carlos Lara (director técnico y actor),  Stefanie  Schaefer (productora y actriz) y Roberto Lahoud (actor y prensa).Todos creen en la integralidad de los profesionales del teatro y buscan la rotación inicial de los artistas, sobre todo en proyectos estudiantiles como los que surgen en los talleres impartidos por la compañía. Luego de explorar las diversas áreas en la producción teatral, incentivan la formación de los artistas en las áreas de interés a través de talleres, dentro o fuera de las fronteras del país.


sábado, junio 14, 2014

Penitencia gay internacionalizada

En La Habana se mostró una joya del teatro gay venezolano
¡Se hizo el milagro después de cuatro intentos! El grupo Teatrela pudo exhibirse con su espectáculo Penitentes durante los días 30 y 31 de mayo y 1 de junio en el Centro Cultural Bertolt Brecht, de La Habana. A su regreso lo mostraron en el teatro Bolívar, de Caracas, durante  los días 5 y 6 de junio, para  cerrar así un ciclo con una de las piezas más importantes del dramaturgo Elio Palencia (Maracay, 1963) contra la homofobia, la cual fue estrenada durante la temporada 2008.
TRES HOMOSEXUALES
Hay que subrayar que  Penitentes, tanto el texto como su montaje,  no pretende ser  la reconstrucción policial del asesinato del sacerdote católico Jorge Piñango Mascareño (Barquisimeto, 1959) en una habitación del caraqueño hotel Bruno, el 22 de abril de 2006. Las investigaciones forenses y policiales que esclarecieron las causas de la muerte del religioso (asfixia mecánica y hematomas en la región occipital y nasal) y además identificaron al supuesto criminal (Andrés José Rodríguez Rojas), inspiraron al dramaturgo para que pergeñara su oportuna, estrujante y valiente pieza. ¡Pero siempre la realidad será superior que la ficción escénica!
Es, eso sí, una estrujante ficción teatral que se logra por la creativa y excelente dirección de Costa Palamides y con las convincentes actuaciones de Ludwig Pineda, Delbis Cardona y José Gregorio Martínez, tres generaciones actorales de gran valía.
Costa Palamides, venezolano de padres griegos y  el motor del grupo Teatrela, desató con Penitentes, una polémica que no cesa por su tema corrosivo y desgarrador, porque está inspirado, innegablemente, en la saga de la muerte del cura católico y las extrañas circunstancias en apareció su cuerpo. Con  Penitentes  buscó y logró enfrentar al público con una realidad que los estremeciera, porque ahí se revisó la posición del individuo frente a una sociedad castradora, engavetada, homofóbica o, en todo caso, hipócrita.
Más allá de la tolerancia a la diversidad sexual está el cómo esa conducta sexual es tratada por el Estado, las iglesias y/o cultos religiosos y los medios de comunicación, a pesar que las normas constitucionales son muy claras…pero no se cumplen. Basta que surja un crimen con visos de diversidad sexual para que este sea enfrentado con retóricas fascistoides o de amarillismo político o de regresión a la edad de piedra.
INTOLERANCIA E INDIFERENCIA
 Penitentes   revisa crudamente la intolerancia y la indiferencia de varios sectores de la sociedad venezolana, teniendo como punto de partida a tres perspectivas de la homosexualidad que se entrecruzan por la fuerza de sus pasiones. Ahí están: un religioso, un estudiante y un chulo, cuyos destinos se atarán para siempre en la noche de un sábado cualquiera en una caraqueña discoteca gay y remata en una cárcel para pagar la penitencia que impone la justicia y la sociedad.
 El espectáculo, cargado de acción dramática y en medio de una trepidante atmósfera de discoteca, plasma una historia de revelaciones y confesiones de alta tensión que vuelven añicos una cantidad de tabúes y falsas moralidades de la sociedad venezolana. En este montaje se cuidó que el público -colocado en los cuatro costados de  un  escenario central- revisara la intolerancia que existe contra todo lo que manifieste diversidad sexual, una alucinante suma de la ignorancia contra todo lo que sea divergencia, y plasma en la escena el miserable e inhumano mundo en que se debaten los tres personajes del drama: una víctima, el asesino y otro que conocía íntimamente al religioso.
No hay por parte del autor ni del director un abuso de la temática ni exceso en la argumentación. Todo se limita a mostrar las acciones físicas plasmadas en sobrio juego coreográfico, pero suficientes para deducir las acciones de los personajes reales y sus respectivos dramas, al tiempo que se usa un lenguaje concreto. La obra con un ritmo vertiginoso de música de discoteca sumerge al espectador en varios espacios y tiempos contados de manera casi cinematográfica y cuenta con el vestuario de Omar Borges y escenografía de Valentina Herz.
 Todo está utilizado para teatralizar como esos seres humanos están condenados de antemano por una sociedad que no permite salirse de la norma religiosa que apuntala a las leyes de un Estado, que no es laico, y que sí castiga con la muerte, a pesar de que está prohibida la pena capital, no sólo ese tipo de violaciones o excesos de las conductas sexuales contrarias a las normas religiosas.
En Venezuela, como en otros países americanos, abundan los crímenes sexuales porque sus victimarios expían así sus culpas, de origen mítico religioso, y hasta que no se supere ese hondo problema cultural, matar mujeres, prostitutas, homosexuales, lesbianas, travestidos y transexuales, está permitido, aunque las leyes digan todo lo contrario.
PREMIOS
Penitentes, que   lleva más de 100 funciones, es una de las piezas más exitosas y premiadas del repertorio de Teatrela y ha participado en los Festivales Nacionales e Internacionales de Caracas y Guanare y en varias salas de la capital. Ganadora de cinco premios municipales de teatro en el 2008 y del galardón del Ministerio de la Cultura del mismo año, lleva a escena el caso real del cura ultimado en un hotel de la capital después de una noche tempestuosa, todo desde una poetización de la realidad y por supuesto desde una visión que denuncia el comportamiento de la sociedad  y los medios de comunicación. 
PRIVILEGIOS
 Elio Palencia admite que nuestro contexto social es poco significativo el éxito de un dramaturgo, pero aun así está feliz porque tiene en cartelera a tres de sus obras más preciadas: PenitentesTierra Santa   y  Mátame mamá.  “Creo que soy un privilegiado, pero esto es por algunos días, porque después salen de cartelera”, comenta con satisfacción  y recalca que gracias a los compromisos emanados por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través del Convenio Integral de Cooperación Cultural Cuba- Venezuela,  y el apoyo del Centro Nacional de Teatro, la agrupación caraqueña Teatro de Repertorio Latinoamericano (Teatrela) pudo viajar a La Habana, al cuarto intento.


La máxima felicidad 2014

Un trío de seres empeñados en buscar el amor
¿Qué tiene Isaac Chocrón Serfati (Maracay,1930/Caracas, 2011) cuyas piezas están en los escenarios a escasos tres años de su mutis? Hay miembros de su familia elegida haciendo temporadas para difundir su sabiduría, la cual ahora es necesaria. Es por eso que en Madrid montaron Animales feroces  (1963), mientras en la argentina Córdoba hacen temporada con La máxima felicidad (1975).
Y por si fuera poco en Caracas recién salió de cartelera Los navegaos  (2006)  y ya   alistan Asia y el Lejano Oriente (1966),  La revolución  (1971) y  Mesopotamia  (1980) para tomar los escenarios y cerrar así este año chocroniano,  pero antes hay que disfrutar de la más reciente versión de  La máxima felicidad, ¡Donde se le evoca y predica  su sapiencia!
En la Sala Santa Fe, con La máxima felicidad  debutó el conocido productor Nelson Lehmann como director, apuntalado por el consagrado comediante Gonzalo Cubero y los promisorios actores Mayte Parías y Jornell Ariza, todos apoyados por Carlos Scoffio en la producción general.
La tarea de Lehmann se apoya en las interrelaciones de los actores, labor nada fácil, porque sus personajes están sobrecargados por estereotipos sociales y aun en el encierro donde viven (un pequeño apartamento), están presentes “el-que-dirán” o “el infierno” que Jean Paul Sartre, en Huis clois o No Exit, pone en los otros o en ellos mismos. Y destacan sutiles atmosferas románticas y las aburridas ceremonias del egoísmo humano. ¡Están presentes la pugna entre la juvenil belleza y la fea  vejez cobarde!
Caracas  se escandalizó en 1975 con el  estreno de La máxima felicidad porque Chocrón, desde el teatro Alberto de Paz y Mateos, advertía que el amor perfecto o verdadero era el de tres, el trio, y lo plasmaba entre un maduro Pablo (homosexual), y los jovenes Leo (bisexual) y Perla (promiscua), además embarazada por “tal desatino”. Subrayaba que el amor es necesario “al extremo” para poner a prueba ese extraño triangulo, donde el compromiso y el respeto son sus principales honradeces para enfrentar al futuro incierto…y la eventualidad de la muerte, irónicamente, solo los acerca más, los impulsa a vivir con plenitud. Este triunvirato ensaya con errores y aciertos un nuevo y radical modelo de familia…porque ellos buscan desesperadamente la máxima felicidad.
No era fácil digerir lo que Chocrón proponía pero el tiempo ha actualizado ese afán que no cesa en buscar y conservar el amor a toda costa y sin detenerse ante el acierto y el error, aunque salgan complicaciones como los hijos, biológicos o adoptados. El amor es  el vellocino de oro a conquistar. Un amor sin rotulo, como lo poetizaba Oscar Wilde y por eso se sacrificó.
La obra no receta cómo plantear la familia, pero si es una fuerte apuesta al experimento de ese nada tradicional trío. La máxima felicidad recuerda, eso sí, que los humanos deben luchar para hacer felices a sus congéneres y así  alcanzar lo que les corresponde.


  

sábado, junio 07, 2014

25 años del coronel macondiano

Un miserable rancho de hojalata  para el coronel, su mujer y el macondiano gallo de pelea
Pocos creyeron en la factibilidad de tal proyecto artístico. Fueron muchas las voces agoreras que advertían la inminencia del fracaso estrepitoso. Pero el tesón y la tozudez de William López y  Carlos Scoffio impulsaron el carromato teatral  y se dio el milagro: la memorable y oportuna reposición del montaje El coronel no tiene quien lo escriba, tal como lo concibió Carlos Giménez hace 25 años con su Rajatabla, con otro elenco,por supuesto.  
Pero ahora, con el remontaje, que con justicia firma Pepe Domínguez, en su primera etapa hizo 13 funciones (cuatro en la  sala  Bolívar y 9 en el Teatro Municipal de Chacao)  suficientes, por ahora,  para impactar a nuevos espectadores o quienes aún quieran refocilarse y meterse una vez  más en esa única máquina del tiempo que es la memoria, como es nuestro caso.
¿Qué cuántas veces disfruté de  la puesta original y las reposiciones que hicieron con Germán Mendieta? No sé, perdí la cuenta porque no hay manera alguna de acumular tantas emociones estéticas y las reflexiones políticas que generaron aquellas representaciones.
 El coronel… ,de este intrincado 2014,  nuevamente estruja el alma al contemplar a una mujer y un hombre unidos hasta más alla de la muerte por su fracaso existencial, tras sepultar al hijo asesinado durante una riña de gallos y quedarse solos con la casa -mísero rancho de hojalata- hipotecada y la pensión que nunca llega. Dos seres para quienes la dignidad es una coraza  contra el horror de que ya no tienen  futuro, porque, como lo escribió Giménez, sumergirse en el  texto teatralizado de  El coronel… es introducirse en el drama de la irredenta sociedad latinoamericana, donde fracasan los arquetipos revolucionarios y todo no pasa de ser una fiebre de múltiples colores que devora a sus habitantes en medio  de un canto coral a la desesperanza. Ahí se materializa lo que produce la esperanza fallida y la ilusión rota ante promesas no cumplidas, por esos asaltos a la honestidad y los pactos de muerte.
No le fue fácil al repositor director Domínguez armar el elenco y adiestrarlo.  Contó con veteranos como Aura Rivas, Miriam Pareja y Francisco Salazar entregados  a plasmar a los desesperados ancianos y los  diestros Gonzalo Velutini, Marco Alcalá, José Sánchez y una desafiante Loly Sánchez. Apuntalados en una nueva generación de comediantes empeñados en no fracasar. Y todos dentro del  mágico rancho de Rafael  Reyeros
¿Eran anarquistas el atrevido teatrero Giménez y el escritor Gabriel Garcia Marquez? No sé. Ambos coincidieron en su amarga reflexión sobre este continente y por eso el espectáculo teatral no deja títere con cabeza, ni Dios se salva de su diatriba contra todo lo establecido.
El coronel no tiene quien le escriba en esta resurrección del 20014  busca ahora una sala para reiterarles a los venezolanos que deben derrotar a la expoliación de su riqueza y rescatar su esperanza traicionada y así vivir como seres humanos  y alcanzar  la felicidad. 

Carlos Giménez vive

El director repositor del máximo espectáculo de Carlos Giménez: Pepe Domínguez B.:
Carlos Giménez hizo mutis el 27 de marzo de 1993 pero sus espectáculos teatrales prosiguen en los escenarios venezolanos y del mundo. Gracias a Francisco Alfaro y William López, en la presidencia de Rajatabla  y de varios directores repositores, no han salido de escena montajes como  Tu pais está feliz  (Antonio Miranda),  Bolívar   (José Antonio Rial),  Señor Presidente  (Miguel Ángel Asturias) y más recientemente El coronel no tiene quien le escriba (Gabriel García Márquez).
A raíz de la reciente temporada de El coronel no tiene quien le escriba, con 13 funciones en el teatro Bolivar y el Teatro Municipal de Chacao, y en vísperas de una programación más larga, entrevistamos a Pepe Domínguez, el director repositor.
-¿Que lo lleva a convertirse en el repositor oficial de Carlos?
-Hubo otros antes que yo: Daniel López repuso  El Coronel… (1995) y Roberto Stopello  Bolívar (1998). En ambos estuve involucrado como productor y actor. En  el 2002, Francisco Alfaro me invita a traer a escena una nueva versión de  Señor Presidente. Dudé en un principio, pero ante la insistencia y la promesa de colaboración de muchos de los integrantes del primer elenco, nos atrevimos a penetrar en la mente creadora de Carlos y la estrenamos en la Sala Rajatabla durante el Festival Internacional de ese año. La pieza se mantuvo a sala llena seis meses e hicimos varias presentaciones internacionales. Luego vendría el reto de Tu país está feliz, que diera nacimiento al grupo y se mantendría durante tres años en diferentes carteleras teatrales tanto a nivel nacional e internacional. La obra de la que muchos dicen marca un antes y un después en el teatro venezolano, Carlos la fue variando y remodelando a lo largo de esos años; no había videos, sólo los recuerdos frágiles de algunos protagonistas y los apuntes de dirección facilitados por Antonio Miranda.  Con la ayuda de Xulio Formoso, Paco Alfaro y muy especialmente de Juan Pagés logramos mostrar “el espíritu del 71”, que luego, e imitando un poco a Carlos, fuimos remodelando en los casi cuatro años de presentaciones en Caracas y el interior del país. Sólo en Cumaná hicimos 30 funciones. Y ahora la prueba de fuego: El coronel no tiene quien le escriba. En un principio no era mi intención dirigirla; quería actuar, pero al final William López y Carlos Scoffio insistieron en darme la batuta y se lo agradezco, porque ha sido una experiencia singular: he vuelto a reunirme y mantener largas tertulias con  grandes amigos: Carlos, Pepe, Paco y Germán.
- ¿Cómo se remonta un espectáculo de Carlos?
-Con oficio y estudio, no sólo del trabajo de Carlos, sino de las raíces de la estética gimeniana. El haber vivido la experiencias y el proceso de creación de muchos espectáculos de Rajatabla, con y posteriores a él, pero marcado con su sello y disciplina. A raíz de la partida del maestro tuve la oportunidad de organizar los archivos del grupo y allí descubrí mucho material no sólo del proceso del grupo sino también de los inicios de Carlos Giménez en Córdova con la profesora Castañeda y las influencias lorquianas, sus primeros viajes a Europa, su recorrido siendo casi un adolescente por Latinoamérica hasta llegar a Manizales y luego a Caracas. Materiales de  La Orgía, reflexiones y escritos inéditos, tu libro  Carlos Giménez, tiempo y espacio, entrevistas y discusiones con tantos y tantos artistas que tuvieron la dicha de trabajar con este egregio creador. Hay en especial una conversación con su hermana Anita Llanos, llena de sorpresas, del Carlos niño y el artista adolescente. que me marcaron mucho y me descubrieron entre visillos su forma de interpretar la vida a través de la poesía escénica .
-¿Tiene vigencia la estética de Carlos?
-Basta con ir al teatro y ver la reacción del público al final de una función de  El coronel no tiene quien le escriba  para responder a esa pregunta. Recuerdo las palabras de un joven director de teatro (hoy uno de nuestros más prolíficos creadores): “He aprendido más de teatro con este espectáculo que en cinco años de estudios en…”. La estética de Giménez es como esos vinos añejos: el tiempo los hace aún mejores. Por eso me molesta que algunos “eruditos”  critiquen el mantener con vida su trabajo para el conocimiento de nuevas generaciones  o el redisfrute de las viejas ¿Cuál es la diferencia entre un dramaturgo y un director? ¿Por qué lo escrito si y la imagen no? Mientras pueda, mantendré palpitando el arte gimeniano y estimularé a otros para que la continúen, hasta que sea el público quien la calle.
Trabajo positivo
Pepe no cree que su trabajo como repositor lo haya anulado. “Al contrario, me ha enriquecido de manera sustancial y revalorizado mis conceptos del espacio y el tiempo. No es casualidad que luego de la reposición de   Señor Presidente  lográramos trabajos como  Buñuel, Lorca y Dalí  o  En un lugar de la Mancha, con un discurso muy propio y de una factura bastante aceptable o luego de  Tu país…  llevar a escena obras como  Plenilunio en la casa del dolor  o  Cuando quiero llorar no lloro  donde me atreví a indagar sin prejuicios en una teatralidad esencialmente mía. ¡Que no he aprendido! Podría escribir una tesis. Giménez era un creador lleno de recursos; nada dejaba al azar. Sus montajes son muy cerebrales, estudiados; obsesivos en sus formas, de un rigor geométrico, un equilibrio perfecto y sobre todo de un gran conocimiento de la plástica. Pero todo, absolutamente todo, tiene un objetivo (signos, símbolos), un orden sintagmático, que cumple no sólo la función de poetizar la realidad, sino que persigue en el espectador visualizar su entorno, sus raíces, presentar lo feo como bello para impactar sus sentidos y despertar su razón. La obra de Carlos es tan nuestra, tan latinoamericana, tan desnuda a la vista que tú no sabía si observabas al hombre mirando la vida a través de una ventana, o eras tú quien contemplabas esa vida a través de una ventana”.
No es panfleto
El texto   de   El coronel no tiene quien le escriba   fue revisitado e interpretado con imágenes y frases de   La hojarasca,   Los funerales de la mama grande   y esa atmósfera penumbrosa y mágica  de  Cien años de soledadEl coronel y su esposa, además del médico, no tienen nombres, son símbolos de sectores de la sociedad colombiana  o latinoamericana, pero Agustín, así como otros personajes claves de la anécdota, tiene  nominativos. No es panfleto. Es una sobria y amarga reflexión sobre la historia de un viejo militar retirado que pudo lucrar con la revolución en la cual participó, pero  quien optó por ser honrado y esperar una pensión. Es una denuncia  sobre la desidia de los gobernantes empeñados en tener  en condiciones  similares al más salvaje e inhumano esclavismo a sus ciudadanos. Veinticinco años después de su estreno en el Teatro de la Ópera de Maracay y el Festival de Spoletto, volvió para inaugurar el teatro Bolivar y el Festival de Teatro de Caracas.