Festival de teatro venezolano del sur

 “La maravillosa idea de producir el primer encuentro de Festivales de Teatro en el Sur de Venezuela, refleja el espíritu de unidad de quienes durante años hemos estado cultivando las artes teatrales en nuestro estado Bolívar y todas las otras regiones venezolanas”, dijo el  artista Federico Espina, coordinador general de dicho evento, el cual se realizará en Ciudad Guayana, del 23 de julio de junio al 6 de julio, con la participación de 32 elencos representativos de 12 estados, además del caraqueño Distrito Capital, con la actuación del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que comanda Alfredo Caldera.

Puntualizó  Espina que este  monumental y primer festival de teatro  creado para los habitantes de Ciudad Guayana,  se ha logrado “gracias a las alianzas estratégicas  de la Fundación Jau-Jau y su XXII Festival Estudiantil en el municipio Piar, la Asociación Civil Taller de Teatro y Títeres Retablo con su VII Festival Itinerante de Teatro del estado Bolívar y la agrupación Trapecio con su X Festival Nacional de Teatro en Guayana,  todos pertenecientes y miembros activos de la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela “.

Destacó Espina que este evento, el cual ha contado con el respaldo  de la Alcaldía Socialista Bolivariana del  Caroní y la Compañía Nacional de Teatro, está “enmarcado en el Bicentenario de la batalla de San Félix, acontecimiento histórico de una importancia significativa para  el proceso independentista de Venezuela, ya         que desde Guayana se liberó a Venezuela y América”,  y hace parte de los festejos por el Dia Nacional del Teatro, el próximo el 28 de junio , y es parte de las actividades en el aniversario de Ciudad Guayana, y es también un homenaje que le hacemos al dramaturgo, actor, director y maestro del teatro venezolano Fernando Acosta, oriundo del estado Zulia”.

TRES AUTORES DE VALOR

 Para la inauguración  de este primer encuentro , el viernes 23 de junio han sido programados las funciones de  los espectáculos Lo que la guerra nos dejó de Cèsar Rengifo, Dos de amor de Jose Gabriel Núñez y ¿Donde esta enterrado Colòn? de Cèsar Rojas, la esperada producción de la Compañia Nacional de Teatro. Son piezas destacadas de esta trilogía de dramaturgos venezolanos.

Es importante señalar que “en el marco del evento, el Consejo Nacional de la Red Nacional de Teatro y Circo realizará su tercera reunión del año y tendrá entre los puntos a tratar el lanzamiento del Tercer Congreso de Teatro, en la quinta república, la cual poseerá como marco filosófico el análisis antropológico de la cultura venezolana en vía a la consolidación de un lenguaje del teatro venezolano, latinoamericano y caribeño, subrayó Espina.

COLÒN

El espectàculo ¿Dónde está enterrado Colón, escrito y dirigido por César Rojas (58 años), contando con las actuaciones de Trino Rojas, Nitaly La Cruz, Kala Fuenmayor, Ana de Sousa  y Kelvin Zapata, es una producción de la Compañía Nacional de Teatro, que despues ahora temporada en el teatro Nacional de Caracas, a partir del venidero 15 de julio. Revela Rojas que ¿Dónde está enterrado Colón?  es la historia de “un par de hermanitos que han quedado huérfanos y deambulan en las playas de El Tirano, en Porlamar, quienes venden frutas del mar para sobrevivir, mientras siguen juntos. Entonces conocen a una pareja caraqueña, Teresa y Miguel, que llegaron a la isla para solucionar sus asuntos maritales, y quienes se dan cuenta que pudieran ser la solución para el hambre y la ausencia de sus padres a la pareja de muchachos, pero los caraqueños descubren la tumba donde está enterrado Cristóbal Colón, y el pueblo decide que hay que matarlos para que nadie se entere de ese secreto. Los encierran en la casa del Tirano Aguirre para aniquilarlos con fuego, pero la niña los ayuda a huir y se escapa con la pareja en pos de una vida mejor; de una oportunidad… y el varón se queda, se convierte en activista de hotelería y sale adelante mientras espera el reencuentro con su hermanita. Y diez años después, van a encontrarse como se prometieron cuando se separaron, pero antes de que ella aparezca, el joven tiene que contar la historia ocurrida”. Apunta Rojas que durante el año 2004, Fundarte hizo un concurso de teatro sobre la temática adolescente y “yo tuve la oportunidad de presentar dos piezas de teatro: Los pantalones al revés y ¿Dónde está enterrado Colón?  Con la primera me gané el primer premio del concurso y la segunda conquistó la mención de honor. Estos textos ya fueron publicados por Fundarte y ahora la CNT me invita a dirigir”.

El hombre de la rata

Terminan las funciones de El hombre de la rata en la sala Rajatabla.

Nada mejor en estos difíciles tiempos que revisar las obras de los grandes poetas dramáticos venezolanos para abrevar sus enseñanzas y reemprender el camino en la dura cuesta que implica subir la escalera de Jacobo. Porque todos ellos, hondamente comprometidos con su país, buscaron nuevas formas de expresión artística que estuvieran a la par de la apertura que en todos los órdenes traía la convivencia democrática nacida de la caída del dictador Marcos Perez Jiménez  y el surgimiento  de una tambaleante estructura sociopolítica.

Y como la ha escrito el profesor José Leonardo Ontiveros, ellos, César Rengifo, Isaac Chocrón, José Ignacio Cabrujas, Rodolfo Santana Gilberto Pinto,  Román Chalbaud y José Gabriel Núñez, demostraron con sus piezas teatrales estar muy hondamente comprometidos con  Venezuela y lo exhibieron y nunca desertaron,  desde el primer y el segundo Festival Nacional de Teatro (1959 y 1961), eventos caraqueños que se convirtieron en cañones de doble fuelle para acelerar el necesario  y reivindicativo cambio, el cual no ha cesado a pesar de unos cuantos cantos de sirenas.

Dichos autores expresaron sus visiones del mundo a través del realismo en sus distintas variantes, bien fuese realismo subjetivo, crítico e histórico. Auténtico lenguaje escénico idóneo y eficaz para cuestionar política y socialmente al sistema donde, todavía, germina, una incipiente democracia que propugna los valores de libertad e igualdad.

Esos dramaturgos escribieron sus obras desde ese nuevo modelo democrático, que en la práctica no lo es del todo, y lograron que emergieran nuevos discursos teatrales acordes a los nuevos tiempos que se vivían. Las fórmulas escénicas del pasado, como el sainete costumbrista y los melodramas burgueses, fueron desestimados para darle paso a nuevas estrategias que permitieron expresar, en al área de la realidad imaginaria, una nueva visión del mundo y del entorno. Una tarea que ha sido abordada además por las nuevas generaciones y hay que hacer hincapié en ese compromiso asumido públicamente.

GILBERTO PINTO

Recordamos a Gilberto Pinto (Caracas, 1929/2011) porque su producción dramatúrgica está impregnada y cargada de profunda y mordaz crítica social, política e histórica. Dejó leer y luchó para representar  no menos de 19 piezas, como El rincón del diablo, El hombre de la rata, La noche moribunda, Los fantasmas de Tulemón, El  confidente, Pacífico 45, La guerrita de Rosendo, La muchacha del blue jeans, Gambito de dama, Lucrecia, La visita de los generales y El peligroso encanto de la ociosidad, entre otras. Y muere sin estrenar su pieza Mark Crossman regresa a casa, sobre los soldados gringos que pelearon en Vietnam.

Ahí es donde hay que destacar a Gilberto Pinto, quien se decantó por un teatro de tesis y de corte dialéctico que le sirvió para sus fines políticos hasta que culminó su periplo existencial, tras desarrollar novedosas estrategias escénicas   para cuestionar, fustigar y mostrar las imperfecciones del poder y del establishment político venezolano imperante en el momento de escribir sus obras.

Durante sus años mozos, durante la compleja década de los 50, cuando participó activamente en la lucha popular contra la dictadura perezjimenista, recordaba que “hacíamos teatro contestatario en el día y en la noche nos entregábamos a las actividades políticas. Hacíamos graffitis y repartíamos proclamas y propaganda. Y todo ese grupo estaba en una lista negra. Éramos Rafael Briceño, Héctor Myerston, Humberto Orsini y Román Chalbaud, entre otros. La llegada de la democracia no cambió nada: siguieron la torturas, los asesinatos, las represiones y hasta que afortunadamente, vino una pacificación, pero antes mataron a César Trujillo y Oswaldo Orsini entre otros”, nos lo contó una semana antes de su muerte.

Pero Gilberto Pito sigue vigente y resulta hasta controversial como lo demuestra la reposición escénica de su legendario monologo El hombre de la rata, en la sala Rajatabla. Es una producción del grupo Las tres gracias, actuada por el psicólogo Ángel Pelay, dirigida por Sheila Colmenares y bajo la producción de Vanessa León.

Este unipersonal, escrito en el año 1963, refleja la convulsionada sociedad venezolana de los 60 y 70; hace una profunda crítica social y política para aquel entonces. Actualmente la agrupación teatral Las Tres Gracias retoma la obra desde una visión contemporánea a través de una puesta en escena dinámica, inteligente e interactiva que envuelve al espectador en diversas atmósferas y emociones que pasan rápidamente del llanto a la risa hilarante, de la nostalgia al sarcasmo, dejando a su paso un cúmulo de preguntas y dando la alerta de que hay que mirarnos vivir. “Con esta obra la agrupación apuesta a darle voz a los autores de la dramaturgia nacional y sorprendernos de la vigencia de sus obras”, acota el correcto intérprete Pelay.

Según Pelay, su personaje Ismael Peraza es un divertido loquillo que con el pasar del tiempo se ha escapado de una realidad que le resulta insostenible. Se transforma en vagabundo y huye vehementemente de la hipocresía, de la manipulación y de las máscaras sociales que lo atormentan.

El espectáculo transcurre en una plaza pública a plena luz del día. Ahí Ismael Peraza, hombre de aspecto desaliñado, en su imperiosa necesidad de satisfacer sus ganas de hacer pipí busca un urinario, desesperado por su situación decide orinar en la plaza, pero se percata de que está siendo observado por muchos ojos (son aquellos del público que se encuentran a oscuras), esto da pie a Ismael para contar su vida, su transcurrir por la escuela de filosofía, su vida conyugal, su lucha con la rata (símbolo diverso de las realidades humanas), sus locuras y hasta su propia muerte. Pensando reflexivamente a través de sus experiencias, Ismael al final del día se dice a si mismo que un mundo mejor es posible, pero que hay que luchar hombro a hombro para conseguirlo y quizás algún día nos liberaremos de la angustia. .

 En El hombre de la rata podemos advertir como Gilberto Pinto aborda el teatro de tesis o teatro didáctico como fórmula recurrente para estructurar su universo dramático. Un hombre siente que una rata, la cual de manera abrupta se ha hecho gigante, lo acosa constantemente. Es un ser esquizofrénico, trastorno que le produce una serie de perturbaciones obsesivas. Una de esas obsesiones radica en su persistente idea de que una rata lo amenaza con aplastarlo. Un personaje con signos claros de deformidad, se encuentra desde el comienzo de la obra en un gran estado de tensión. Su constante deseo de orinar es producto de toda la podredumbre que existe a su alrededor y la única manera de poder desintoxicarse es a través de acto fisiológico de la micción:

Pinto aborda en esta obra el tema del hombre acorralado en una sociedad unidimensional; realiza una radiografía del hombre moderno inserto en una sociedad de consumo y aburrido de vivir una vida completamente absurda. Utilizando como lenguaje escénico el expresionismo: estructura paradigmática estética del entorno, configuró una obra donde la temática del caos, de la destrucción y de la muerte, recursos a todas luces expresionistas, se amalgaman con elementos de carácter filosóficos. Fustiga a los postulados de Descartes, preceptos a su juicio que han condicionado negativamente al ser humano al presentarnos una falsa armonía del mundo contemporáneo. Desmonta mediante un acerado humor negro el principio racionalista del Cogito, ergo sum y ofrece una contranota que transita por el camino del existencialismo sartreano (existo luego pienso) y de la dialéctica hegeliana, considera Ontiveros.

Este montaje de El hombre de la rata se presentó en el Festival Internacional de Teatro de Caracas en abril del 2014 y desde entonces ha estado presente en diversas temporadas de importantes salas caraqueñas y en diversos festivales en el interior del país.

Humor, amor y venganza en Chacao

Para estos tiempos, un tanto complejos, no esta mal  recordar y hasta disfrutar porque existen emociones y realidades, al fin y al cabo sentimientos, que todavìa impulsan a los seres humanos sin excepciones, los cuales  serán escenificados, el domingo 25 de Junio, a partir de las 4:00 pm, sobre las tablas  del Teatro Municipal de Chacao, con la presentación de la Gala De Opera: “Humor Amor y Venganza”, de la mano de los destacados solistas Génesis Moreno, Soprano; Claudia García, Mezzo-Soprano; Reinaldo Droz, Tenor; Iván Cardozo, Tenor; Franklin De Lima, Barítono; Luis Sarmiento, Bajo; jóvenes quienes, en su mayoría, pertenecen al Conservatorio Simón Bolívar e igualmente algunos  forman parte del coro  de El Sistema.

Esta Gala que  organiza  el Instituto Italiano de Cultura, recreará  escenas de tres  famosas óperas, fundamentales, como: Cosí Fan Tutte de W.A. Mozart, Lucia de Lammermoor de Gaetano Donizzetti y Rigoletto de Giuseppe Verdi, respectivamente.

 Vale destacar que la puesta en escena,  a cargo de Miguel Issa, tendrá un  carácter minimalista e íntimo, en la cual  cantantes e instrumentistas formarán parte de un gran cuadro  complementado con videoartes y elementos que simbolizarán  cada una de las escenas a representar.

 La música  ha sido encomendada  a  la Sinfónica Juvenil Evencio Castellanos, que  pertenece  al Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, bajo la dirección del maestro Alfredo Rugeles.

TRAMA PLENA DE VIVENCIAS

 El título de esta gala lírica se refiere  a cada una de las óperas: el humor en: Cosí Fan Tutte, ópera bufa, tercera y última de la trilogía italiana del genio de Salzburgo,  con libreto de Lorenzo Da Ponte, que constituye   una comedia seductora y erótica de un engaño amoroso entre dos parejas,  una apuesta que hacen los caballeros sobre la fidelidad femenina.

Por su parte, el amor, estará representado  en  Lucia de Lammermoor , sin duda la obra maestra de Gaetano Donizzetti, con libreto de Salvatore Cammarano. Es un drama trágico, en el cual   la unión de los dos amantes parece imposible. Lucia es el amor frustrado, la rivalidad entre las familias, el matrimonio forzado, el parricidio, la demencia y finalmente el suicidio, sólo con la muerte podrán ver sus deseos cumplidos. Considerada el ápice del romanticismo belcantista. Y la venganza, se escenificará en Rigoletto, una de las tres óperas pertenecientes a la famosa trilogía verdiana,  junto a El Trovador y La Traviata. Basada en la obra  El Rey se Divierte  de Víctor Hugo, adaptada por Francesco Maria Piave. Un intenso drama de pasión, engaño, amor filial y venganza. Esta ópera ofrece una combinación perfecta de riqueza melódica y fuerza dramática.

Todo este espectàculo  es posible por la producción general de  Milvia Piazza, una trabajadora “todoterreno”, de las pocas que aún quedan.

El teatro, otro punto cardinal para Venezuela

Ha sido difícil la actividad teatral para los artistas en Caracas, durante los últimos tres meses, pero los telones han subido y bajado para el público que audazmente salió a buscar ese esparcimiento pensante. Recordamos esto porque en la exótica región sur de Venezuela se alistan para realizar un evento que aquí envidiamos. Un puñado de teatreros son, pues, los culpables de como la indomable libertad  de los escenarios generará reflexiones en esas tierras tan preñadas de historias y riquezas. Durante varias semanas tendremos otro punto cardinal para nuestras almas: el teatro del sur.

FESTIVAL DEL SUR

 “La maravillosa idea de producir el primer encuentro de Festivales de Teatro en el Sur de Venezuela, refleja el espíritu de unidad de quienes durante años hemos estado cultivando las artes teatrales en nuestro estado Bolívar y en todas las otras regiones venezolanas”, dijo el  artista Federico Espina, coordinador general de dicho evento, el cual se realizará en Ciudad Guayana, del 23 de junio al 6 de julio, con la participación de 32 elencos representativos de 12 regiones, además del caraqueño Distrito Capital, con la actuación del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que comanda Alfredo Caldera.

Puntualizó  Espina que este  monumental y primer festival de teatro  creado para los habitantes de Ciudad Guayana,  se ha logrado “gracias a las alianzas estratégicas  de la Fundación Jau-Jau y su XXII Festival Estudiantil en el municipio Piar, la Asociación Civil Taller de Teatro y Títeres Retablo con su VII Festival Itinerante de Teatro del estado Bolívar y la agrupación Trapecio con su X Festival Nacional de Teatro en Guayana,  todos pertenecientes y miembros activos de la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela “.

Destacó Espina que este evento, el cual ha contado con el respaldo  de la Alcaldía Socialista Bolivariana del  Caroní y la Compañía Nacional de Teatro, está “enmarcado en el Bicentenario de la batalla de San Félix, acontecimiento histórico de una importancia significativa para  el proceso independentista de Venezuela, ya que desde Guayana se liberó a Venezuela y América”,  y hace parte de los festejos por el Dia Nacional del Teatro, el próximo el 28 de junio , y es parte de las actividades en el aniversario de Ciudad Guayana, y es también un homenaje que le hacemos al dramaturgo, actor, director y maestro del teatro venezolano Fernando Acosta, oriundo del estado Zulia”.

TRES AUTORES DE VALOR

 Para la inauguración  de este primer encuentro , el viernes 23 de junio han sido programados las funciones de  los espectáculos Lo que la guerra nos dejó de Cèsar Rengifo, Dos de amor de Jose Gabriel Núñez y ¿Donde esta enterrado Colòn? de Cèsar Rojas, la esperada producción de la Compañía Nacional de Teatro. Son piezas destacadas de esta trilogía de dramaturgos venezolanos.

Es importante señalar que “en el marco del evento, el Consejo Nacional de la Red Nacional de Teatro y Circo realizará su tercera reunión del año y tendrá entre los puntos a tratar el lanzamiento del Tercer Congreso de Teatro, en la quinta república, la cual poseerá como marco filosófico el análisis antropológico de la cultura venezolana en vía a la consolidación de un lenguaje del teatro venezolano, latinoamericano y caribeño, subrayó Espina.

COLÒN

El espectàculo ¿Dónde está enterrado Colón, escrito y dirigido por César Rojas (58 años), contando con las actuaciones de Trino Rojas, Nitaly La Cruz, Kala Fuenmayor, Ana de Sousa  y Kelvin Zapata, es una producción de la Compañía Nacional de Teatro, que despues ahora temporada en el teatro Nacional de Caracas, a partir del venidero 15 de julio. Revela Rojas que ¿Dónde está enterrado Colón?  es la historia de “un par de hermanitos que han quedado huérfanos y deambulan en las playas de El Tirano, en Porlamar, quienes venden frutas del mar para sobrevivir, mientras siguen juntos. Entonces conocen a una pareja caraqueña, Teresa y Miguel, que llegaron a la isla para solucionar sus asuntos maritales, y quienes se dan cuenta que pudieran ser la solución para el hambre y la ausencia de sus padres a la pareja de muchachos, pero los caraqueños descubren la tumba donde está enterrado Cristóbal Colón, y el pueblo decide que hay que matarlos para que nadie se entere de ese secreto. Los encierran en la casa del Tirano Aguirre para aniquilarlos con fuego, pero la niña los ayuda a huir y se escapa con la pareja en pos de una vida mejor; de una oportunidad… y el varón se queda, se convierte en activista de hotelería y sale adelante mientras espera el reencuentro con su hermanita. Y diez años después, van a encontrarse como se prometieron cuando se separaron, pero antes de que ella aparezca, el joven tiene que contar la historia ocurrida”. Apunta Rojas que durante el año 2004, Fundarte hizo un concurso de teatro sobre la temática adolescente y “yo tuve la oportunidad de presentar dos piezas de teatro: Los pantalones al revés y ¿Dónde está enterrado Colón?  Con la primera me gané el primer premio del concurso y la segunda conquistó la mención de honor. Estos textos ya fueron publicados por Fundarte y ahora la CNT me invita a dirigir”.

El teatro de Caracas no baja el telón

Juan Carlos Ogando, Carla Muller y Ramphis Sierra en El traje del muerto

La aguda e inédita crisis sociopolítica venezolana no ha detenido la actividad teatral en Caracas y es por eso que han programado y avanzan con el festival Corto y variados, novedoso y variopinto espectáculo, el cual reúne seis obras cortas, de 20 minutos cada una, que se presenta en una sola función diaria (de jueves a domingo), hasta el 2 de julio, en el Teatro Escena 8 de Las Mercedes.

“Este experimento” de Cortos y variados, según lo denomina su organizador, el productor José Manuel Ascensao, permite ponderar montajes como El reto, Las amantes presidenciales Los trajes del muerto, Quedé loca por bocona, Afuera y Chicas venganza, escritos y dirigidos por Johnny Gavlovski, Carmelo Castro Fernando Martínez y Arnoldo Maal, Yanosky Muñoz, José Simón Escalona y Angélica Escalona y Dairo Piñeres.

Estos espectáculos, de los cuales vimos cinco, porque Chicas venganzas no se presentó el sábado 3 de junio, permitieron conocer argumentos, muy venezolanos además,  y detalles de sus montajes y las respectivas caracterizaciones, según lo reseñamos a continuación:

EL RETO 

Texto denso, metasífico,dirían algunos, porque es una investigación muy profesional de su autor, el psicólogo Gavlovski, sobre  orígenes y  límites del mal y el bien, materializados con una pareja de caballeros, vestidos  cual alienados oficinistas  contemporáneos, que cuidan un archivo: uno es Gabriel, el bien (cual ángel Gabriel) y el mal, o sea Lucio o Lucifer. Es un agudo análisis sobre esos seres de carne y hueso que al final se deciden comerse una manzana, después de una alucinante tarea física para quedarse con el control de los archivos. Por supuesto que el contenido de esta mini pieza es de características filosóficas y suscita rechazos o aceptaciones, según el estado de ánimo y la cultura del espectador. Las actuaciones, encomendadas a Gabriel Blanco y José Manuel Ascensao son impactantes, especialmente el segundo.

LAS AMANTES PRESIDENCIALES

 Se dice que al lado de un gran hombre hay siempre una gran mujer, bien sea esposa o amante o concubina. Es por eso que la historia íntima de los gobernantes venezolanos es digna de novelas, telenovelas y teleteatros, además de peliculas. Ahora, bajo el formato de alta comedia, se presentan las anécdotas amatorias de cuatro controversiales Presidentes de Venezuela: José Antonio Páez y Cipriano Castro, de la tercera república; Carlos Andrés Pérez y Jaime Lusinchi, de la cuarta república. Gracias a la investigación y al trabajo de creación dramatúrgica de Carmelo Castro (sobrino nieto de Cipriano Castro), quien logra mostrar lo que ha sido el queridaje en la institución familiar venezolana, a todo nivel, se escenifican cuatro sagas de igual número de mujeres que acompañaron a esos machos poderosos y significaron su fuerza o su perdición en sus mundos íntimo. Hay que subrayar que las cuatro damas estuvieron a la altura de sus circunstancias y fueron útiles, aunque la sociedad las denigró. Ahí, pues, desfilan,  desde Barbarita, la amante de Páez, hasta Cecilia Matos, que después Pérez la hizo su esposa legítima,   además de “La Chanito”, la concubina de Castro, y Blanca Ibáñez, también desposada por Lusinchi.

Es el mejor texto de investigación y el trabajo actoral más ambicioso, resuelto por Maga González y Carlos Dugarte con sus interpretaciones bien diferenciadas.

QUEDÉ LOCA POR BOCONA

 Basada en hechos reales y existenciales de un personaje del mundo LGTBI caraqueño, el escritor y director Yanosky Muñoz crea una historia un tanto inverosímil, pero cuyos actores le dan una gran dimensión escénica, donde el cuento pasa a un segundo plano y se destacan así sus performances individuales. Esta pieza merece ser reescrita y podría convertirse en un espectáculo redondo, donde el periplo existencial del joven gay tiene más fuerza y trascendencia. Yanosky Muñoz se inspiró en casos sonados de la farándula, política y la vida cotidiana de amigos cercanos para llevar a las tablas esta comedia, que cuenta con la actuación estelar de Ángel David Díaz y su “Sancho Panza”, pero más delgado, Ramphis Sierra.   

EL TRAJE DEL MUERTO

 Adam, excéntrico millonario fanático de objetos del más allá, tiene una pelea con su hija que mantiene separada o en ruinas a la sociedad familiar, a causa de su afición por los objetos embrujados. Adquiere un supuesto fantasma que lo atormenta, y lo persigue hasta llevarlo a la muerte. Escrito por Fernando Martínez, bajo la dirección de Arnoldo Maal y Fernando Martínez, es un espectáculo que debe ser depurado, especialmente su texto, y dejar que los trucos teatrales sean más apreciados y degustados por el público. Tiene un primer actor como Juan Carlos Ogando, secundado por la bella Carla Müller.

AFUERA 

Otra vez José Simón Escalona rompe esquemas y se atreve con el monólogo de Marquito, quien decide contar como salió del closet y lo hace de manera didáctica y sin cortapisas. Este un texto hace parte del espectáculo Raros, que no ha sido escenificado aún, donde se revelan los dramas de personajes venezolanos, de carne y hueso, afectados por sus peculiares orientaciones sexuales. Es una bofetada a la hipocresía machista, que ha abusado de él. El humor escénico resulta de sus rocambolescas peripecias para conjurar su inusitado y extraordinario culo y el drama se ve representado irónicamente, en la misma provocación que emancipa sus extravagantes nalgas. El personaje revela facetas de su vida en un intento de auto exorcismo, de desfachatez para equilibrar su soledad y lo que busca es "liberarse del culo".  Si la obra deja sin aire al espectador pacato, la performance actoral de Víctor Hugo Gomes es asombrosa, un trabajo perfecto de este comediante, conducido por Angélica Escalona. 

César Rengifo traducido al griego

La Embajada de la República Bolivariana de Venezuela en Grecia presentó hoy, viernes, 9 de junio, el libro en idioma heleno Lo que dejó la tempestad de César Rengifo durante un acto realizado en el Poems & Crimes Art Bar-Librería, en la calle Aghias Irinis 17, Monastiraki, de Atenas.

El Embajador de Venezuela, Farad Fernández, conversó sobre las contradicciones políticas, sociales y económicas de la sociedad venezolana que desembocaron en la Guerra Federal de Venezuela y que se hallan reflejadas en la vasta producción teatral de César Rengifo. Esta pieza teatral refleja una nueva visión del pasado nacional venezolano. Una verdadera deconstrucción del proceso histórico, en una metamorfosis donde la historia aparece ahora constituida por las manos anónimas de los sectores populares, verdaderos forjadores de la edificación histórica. Y es que para César Rengifo, “lo teatral rige toda convivencia humana de todas las sociedades y va ensamblado a las necesidades expresivas del hombre”.

César Rengifo nació en Caracas el 14 de mayo de 1915, fue pintor y representante del realismo social en la pintura venezolana, considerado además como uno de los dramaturgos latinoamericanos más prolíficos del siglo XX. Ideológicamente, a Rengifo, se lo ubica en la corriente denominada como realismo socialista. Se caracteriza por representar y difundir tanto las problemáticas sociales como las costumbres sociales a través del arte.

Lo que nos dejó la tempestad es un drama de tipo político escrito en 1961 y es el símbolo de la universalidad de César Rengifo y llega a Grecia cómo la primera obra de este autor traducido de manera oficial al idioma heleno.  Es la obra más conocida y representada de César Rengifo (1915-1980), no sólo por ser parte fundamental de su Trilogía-Mural sobre la Guerra Federal (junto con las obras Un tal Ezequiel Zamora  y Los hombres de los cantos amargos), sino por la riqueza trágica de su personaje central, Brusca, quien vaga enloquecida por horizontes llameantes, clamando por los ideales perdidos del federalismo zamorano.

Se puede decir que esta obra se acerca puntualmente a los postulados de la tragedia helénica no sólo por la aparición de héroes y coro, sino por la capacidad de entender “La Polis” a través de la obra y lucha que los personajes teatrales establecen en escena. Brusca, es un compendio elocuente y temible de Hécuba, Casandra y Andrómaca, una madre trágica y demente, “troyana” y “bacante” a la vez, perdida y diezmada en la tempestad de una guerra fratricida, colmada por heridas incurables, verdades desgarradoras y alucinaciones proféticas. Sin embargo, al igual que en las grandes heroínas griegas, la esperanza de un mundo mejor y el ansia de cambio movilizan una desmesurada agonía que nos deja una huella profunda de conmiseración, que sin duda alguna, nos purifica y transforma. Tal era el cometido buscado por los grandes trágicos en sus obras y César Rengifo con Lo que dejó la tempestad   consigue ese mismo objetivo con una profunda humildad, no exenta de grandeza.  

La presentación de este libro se realiza en el marco del Festival heleno-iberoamericano de literatura en Atenas (http://www.lea-festival.com/es/lea-fest/) y en colaboración con la editorial Gkonis.

Cortos y variados para que el teatro no cese

En Escena 8 de Las Mercedes hay una alternativa

Por supuesto que la actual crisis sociopolítica venezolana no tiene puntos de comparación con la que vivió y sufrió España a lo largo de tres años. Durante esa Guerra Civil Española (1936-1939) se escenificaron en la zona republicana (la gubernamental, de tendencia izquierdista y centrada en Madrid) diversos tipos de espectáculos teatrales claramente diferenciados, que tenían unas circunstancias muy distintas de representación. Por un lado, estaba el teatro producido en el frente de batalla, con una extrema economía de medios, que se caracterizaba por una relación directa con las necesidades de la conflagración (donde hubo descarada intervención extranjera) y una función formativa sobre el público. Y un teatro con mayores aspiraciones estéticas, representado en las salas de las grandes ciudades y que tenía como principal objetivo canonizar momentos fundacionales de la épica del pueblo, presentando una imagen idealizada de los combatientes. La censura para los contenidos y las básicas formas de actuación imperaron como es obvio en la zona gubernamental y también en el sector rebelde o nacionalista.

Recordamos esas características del teatro que se hacía en la zona republicana española, a manera de información, ya que ante la compleja situación sociopolítica que vive y sufre Venezuela, y especialmente en Caracas, el teatro no se ha detenido  y es por eso que  han programado y avanza  el festival Cortos y variados, novedoso y variopinto espectáculo que reúne seis obras cortas, de 20 minutos cada una, el cual  se presenta en una sola función diaria (de jueves a domingo), hasta el 2 de julio, en el Teatro Escena 8 de Las Mercedes.

Además, y esto hay que reiterarlo, las otras salas caraqueñas exhiben sus montajes y hasta hacen funciones gratuitas bajo el rotulo de Teatro en Resistencia. Y hay, como es natural, un descenso notable en las taquillas porque el público piensa dos veces antes de salir a la calle, precisamente de noche y con muchos chicos malos sin controles en las calles.

Cortos y variados, “este experimento” según lo denomina su organizador, el productor José Manuel Ascensao, permite ponderar montajes como El reto, Las amantes presidenciales Los trajes del muerto, Quedé loca por bocona, Afuera y Chicas venganza, escritos y dirigidos por Johnny Gavlovski, Carmelo Castro Fernando Martínez y Arnoldo Maal, Yanosky Muñoz, José Simón Escalona y Angélica Escalona y Dairo Piñeres.

Estos espectáculos, de los cuales vimos cinco, porque Chicas venganzas no se presentó el sábado 3 de junio, permitieron conocer argumentos, muy venezolanos además,  y detalles de sus montajes y las respectivas caracterizaciones, según lo reseñamos a continuación:

EL RETO 

Texto denso, metasífico,dirían algunos, porque es una investigación muy profesional de su autor, el psicólogo Gavlovski, sobre  orígenes y  límites del mal y el bien, materializados con una pareja de caballeros, vestidos  cual alienados oficinistas  contemporáneos, que cuidan un archivo: uno es Gabriel, el bien (cual ángel Gabriel) y el mal, o sea Lucio o Lucifer. Es un agudo análisis sobre esos seres de carne y hueso que al final se deciden comerse una manzana, después de una alucinante tarea física para quedarse con el control de los archivos. Por supuesto que el contenido de esta mini pieza es de características filosóficas y suscita rechazos o aceptaciones, según el estado de ánimo y la cultura del espectador. Las actuaciones, encomendadas a Gabriel Blanco y José Manuel Ascensao son impactantes, especialmente el segundo, porque su personaje luciferino es más humano y creíble. Hay, pues, una tarea muy aguda por parte del director, el mismo Gavlovski. Creemos que es una obra en creación y que puede llegar a otros estadios teatrales.

LAS AMANTES PRESIDENCIALES

 Se dice que al lado de un gran hombre hay siempre una gran mujer, bien sea esposa o amante o concubina. Es por eso que la historia íntima de los gobernantes venezolanos es digna de novelas, telenovelas y teleteatros, además de peliculas. Ahora, bajo el formato de alta comedia, se presentan las anécdotas amatorias de cuatro controversiales Presidentes de Venezuela: José Antonio Páez y Cipriano Castro, de la tercera república; Carlos Andrés Pérez y Jaime Lusinchi, de la cuarta república. Gracias a la investigación y al trabajo de creación dramatúrgica de Carmelo Castro (sobrino nieto de Cipriano Castro), quien logra mostrar lo que ha sido el queridaje en la institución familiar venezolana, a todo nivel, se escenifican cuatro sagas de igual número de mujeres que acompañaron a esos machos poderosos y significaron su fuerza o su perdición en sus mundos íntimo. Hay que subrayar que las cuatro damas estuvieron a la altura de sus circunstancias y fueron útiles, aunque la sociedad las denigró. Ahí, pues, desfilan,  desde Barbarita, la amante de Páez, hasta Cecilia Matos, que después Pérez la hizo su esposa legítima,   además de “La Chanito”, la concubina de Castro, y Blanca Ibáñez, también desposada por Lusinchi.

La intimidad y la fuerza femenina logra atrapar al espectador en lo que representa "el queridaje como institución", donde la mujer que acompaña al poderoso puede ser su fuerza o su perdición; y subraya que la mujer con su sexo puede hacer y deshacer hasta a un país. 

Es, para nosotros, el mejor texto de investigación y el trabajo actoral más ambicioso, resuelto por Maga González y Carlos Dugarte con sus interpretaciones bien diferenciadas. Ahí está el germen para un texto más amplio o una teleserie, tras vencer los obstáculos legales.

QUEDÉ LOCA POR BOCONA

 Basada en hechos reales y existenciales de un personaje del mundo LGTBI caraqueño, el escritor y director Yanosky Muñoz crea una historia un tanto inverosímil, pero cuyos actores le dan una gran dimensión escénica, donde el cuento pasa a un segundo plano y se destacan así sus performances individuales. Esta pieza merece ser reescrita y podría convertirse en un espectáculo redondo, donde el periplo existencial del joven gay tiene más fuerza y trascendencia.

  Ahí está, por ahora, Adrián, un varón de clase media, que sueña con ser famoso y pertenecer al mundo del espectáculo, quien cuenta las peores situaciones por las que ha pasado en su vida a consecuencia de no quedarse callado cuando es oportuno  y dejar que las cosas fluyan por sí solas. "Somos dueños de lo que callamos y esclavos de lo que decimos", este dicho él jamás lo ha tenido claro y es entonces cuando conoceremos cada uno de los enredos y problemas donde se verá envuelto el protagonista. Yanosky Muñoz se inspiró en casos sonados de la farándula, política y la vida cotidiana de amigos cercanos para llevar a las tablas esta comedia, que cuenta con la actuación estelar de Ángel David Díaz y su “Sancho Panza”, pero más delgado, Ramphis Sierra. Hay talento pero falta pulirlo.

EL TRAJE DEL MUERTO

 Adam, excéntrico millonario fanático de objetos del más allá, tiene una pelea con su hija que mantiene separada o en ruinas a la sociedad familiar, a causa de su afición por los objetos embrujados. Adquiere un supuesto fantasma que lo atormenta, y lo persigue hasta llevarlo a la muerte. Escrito por Fernando Martínez, bajo la dirección de Arnoldo Maal y Fernando Martínez, es un espectáculo que debe ser depurado, especialmente su texto, y dejar que los trucos teatrales sean más apreciados y degustados por el público. Tiene un primer actor como Juan Carlos Ogando, secundado por la bella Carla Müller.

AFUERA 

Otra vez José Simón Escalona rompe esquemas y se atreve con el monólogo de Marquito, quien decide contar como salió del closet y lo hace de manera didáctica y sin cortapisas. Este un texto hace parte del espectáculo Raros, que no ha sido escenificado aún, donde se revelan los dramas de personajes venezolanos, de carne y hueso, afectados por sus peculiares orientaciones sexuales. Es una bofetada a la hipocresía machista, que ha abusado de él. El humor escénico resulta de sus rocambolescas peripecias para conjurar su inusitado y extraordinario culo y el drama se ve representado irónicamente, en la misma provocación que emancipa sus extravagantes nalgas. El personaje revela facetas de su vida en un intento de auto exorcismo, de desfachatez para equilibrar su soledad y lo que busca es "liberarse del culo".  Si la obra deja sin aire al espectador pacato, la performance actoral de Víctor Hugo Gomes es asombrosa, un trabajo perfecto de este comediante, conducido por Angélica Escalona.

Más allá de las valoraciones o evaluaciones de cada uno de los montajes que integran a Cortos y variados, hay que resaltar el hecho cultural como tal, el que hayan logrado reunirse y generar un espectáculo que contribuye a drenar los sinsabores de Caracas en estos días. Felicitaciones para todos ellos y que viva el teatro, el único lugar donde el hombre puede pensar o soñar en libertad.