El miedo de “Oscuro, de noche”

PABLO GARCÍA GÁMEZ, AUTOR TEATRAL

 Oscuro, de noche, el próximo espectáculo de la Compañía Nacional de Teatro será estrenado  el 27 de septiembre de este agitado 2018, bajo la dirección de Carlos Arroyo y con el elenco estable de la CNT, una empresa cultural del Estado venezolano, creada hace 34 años, bajo la égida de Isaac Chocrón. Mientras tanto, su autor, el dramaturgo caraqueño Pablo García Gámez (22 de septiembre de 1961) prosigue cosechando premios o reconocimientos a su labor creativa, la cual realiza desde hace 25 años en Nueva York, donde, precisamente, acaba de conquistar el Premio HOLA. Él, desde el bureau neoyorquino de Queens, donde reside, informa:

-Incluyendo el HOLA de este año, llevo 13 premios: seis HOLA, dos ACE, dos Proyecto Asunción, un ATI, un Abniel Marat (de FUERZAFest) y mi Apacuana, otorgado por el venezolano Ministerio del Poder Popular para la Cultura a través de la CNT. “Como dato anecdótico, junto con Oscar Colón, figura del teatro hispano, quien ya no está con nosotros, tuve el privilegio de ganar el HOLA por vez primera en 2007 cuando la organización de periodistas y críticos profesionales decidió crear un reconocimiento para la dramaturgia; también fui el primero en ganar el ACE en ese rubro. Otro dato anecdótico: desde el 2014, cada año he ganado el HOLA.

¿Para qué los premios?

Recibir un premio es una manera de aceptación colectiva.  Es la posibilidad de que la pieza cause curiosidad: ¿Sobre qué trata El Gos, la obra por la cual me dieron el HOLA?  Solamente puedo decir que el premio abre caminos, reafirma ante el colectivo que eres dramaturgo, que tu obra posee algún interés.  En cuanto a la forma de las piezas, en mi caso sucede algo particular: la frecuencia con los que los he recibido estos dos últimos años acepta, y creo que hasta avala, la existencia de obras “raras”.  “Raras” en el sentido de mi preocupación, y diría ansiedad, por el tiempo y por la libertad del actor y de la actriz en el proceso creativo así como la idea de que el público esté inmerso en esos mundos.  “Raras” porque son escritas por una voz desde la alteridad.  En el caso del Premio Apacuana, significa que Venezuela está ahí, conmigo; que seguiré mostrando a Caracas en mi interpretación de su imaginería, por eso Oscuro, de noche.

¿Cómo sobrevive en USA?

Enseño en la Universidad de la Ciudad de Nueva York como profesor adjunto. Mis áreas son español, literatura latinoamericana y cultura iberoamericana. Además, manejo las relaciones comunitarias de Teatro Círculo.

¿Agenda de actividades inmediatas?

El 20 septiembre presento Cariaquito Morao en un festival de monólogos, Monologando Ando, organizado por la agrupación Fénix USA y que se llevará a cabo en The Producers, un espacio modesto con varias salas de teatro en la calle 43 y Octava Avenida, e Manhattan.  Cariaquito Morao es una versión de ¿Y qué es Nueva York? que hace poco presentaron en Caracas dos teatreros integrales: el jovencito Dámaso Nieto bajo la dirección del veterano Andy Pérez, como parte de la programación para celebrar los 50 años de la Escuela Juana Sujo… ¡Qué honor!  En esta oportunidad, aquí en Nueva York, lo interpreta César Augusto Cova y la dirige este servidor.  César Augusto es un actor con muchos recursos, con muchas ganas de hacer quien ganó mi respeto al entregarse en cuerpo y alma a El Gos: su premio HOLA es más que merecido.  Me “lanzó” dirigiéndolo porque es un texto muy querido, que significa mucho por muchas razones: es el primer texto que escribí en la ciudad, en el que trato de explicarme Nueva York, en el que conjuro las voces de autores que han guiado la dramaturgia venezolana contemporánea.

¿Qué pasa con Oscuro, de noche?

Ya vi un ensayo especial, durante el pasado mes de julio que me hizo el elenco de la CNT, en el teatro Alberto de Paz y Mateos, comandado por Arroyo y fue maravilloso todo aquello. Solo espero poder regresar para ver el montaje culminado y en su estreno oficial. Quiero ver a esos 13 personajes criollos con una historia común y ordinaria, ambientada en Caracas. Una historia, que como lo dice el payaso, un circense personaje que funge de presentador, encarnado por Andy Pérez), le tenemos miedo. Mucho miedo, Mucho miedo que nos llegue pasar. Miedo de estar en ese singular escenario-ciudad y que a uno de nosotros le toque vivirla…o morirla. Porque cuando nos toca…toca.

¿Qué espera de Oscuro, de noche? ¿Vendría a Caracas para su estreno?

Después de haber visto ese ensayo, solo espero de los actores la precisa irreverencia creativa, que jueguen con las distintas situaciones. Y por el lado de los espectadores, que les motive a comentar, criticar, reflexionar. Espero que decidan la definitiva fecha del estreno para dar una tarjetazo y comprar mi pasaje. No puedo dejar de disfrutar esa ocasión con una obra mía, montada a lo grande, en mi ciudad natal.

¿Se ha asimilado a la cultura de USA o practica la cultura del gueto?

De practicar, practico la cultura del gueto, de guetos o para matizar, del margen, de la periferia.  Estar envuelto en teatro y en estudios del performance me abrió un horizonte sobre la cultura hispana.  Gueto se refiere a esos meta conceptos, a coletazo poscolonial, a películas de acción filmadas en el Bronx.  Todos los días llega gente de paises latinoamericanos y dicen, con mucha ingenuidad y poca modestia que, por primera vez, la ciudad tendrá teatro en español.  Pues, Nueva York tiene una arraigada historia de cultura hispana: por solo dar unos datos, ya desde el siglo XIX se publicaban textos en español, grupos de teatro hispano representaban sus obras en el Apolo (el famoso teatro de Harlem), el primer festival de teatro popular latinoamericano se realizó en Nueva York.  La ciudad cuenta con autores en español de primera línea que por diversas causas -una de ellas es que son del gueto- son poco conocidos en América Latina.  Se tergiversa la historia, se intenta borrar manifestaciones culturales que están ahí. Espero que Oscuro, de noche pueda venir a esta urbe, para que se hagan comparaciones de sus diversas facetas. Para que vean así la historia de Kenny Javier Barrios, aquel muchacho caraqueño que matan para robarle una motocicleta y todo lo que se desencadena, en una sociedad temerosa o miedosa.

Otro César Augusto a la conquista de Nueva York

César Augusto Cova Burguera,actor.

Otro venezolano allende las fronteras debuta en este blog. Es el actor César Augusto Cova Burguera (Valencia, 13 de septiembre de 1989), quien acaba de ganarse un codiciado premio HOLA, en Nueva York, por sus actividades teatrales y desde allá nos cuenta que nació en la clínica Ceija.

“A pesar de todo soy caraqueño de corazón y le ligo a los Navegantes del Magallanes y todavía aguanto el chalequeo de Valencia ciudad de las naranjas dulces y los hombres caballerosos” A la muestra un botón y que lo digan los que han tomado su jugo de naranja después de bajar el Casupo”. 

Estudió en Caracas. “En el Instituto educacional Aquiles Nazoa me dieron la formación primaria y algunos credos de vida. Creo en el amor y en el arte como vías hacia el disfrute de la vida perdurable. Me gradué de bachiller en el Agustiniano Cristo Rey de Santa Mónica y conservo intactas las memorias de sus salones y sus profesores. El profesor Evelio me dijo, una vez:You’re a big man dreaming on the moon. Y por eso ahora afirmo que Cristo Rey es luz y guía de mi juventud. Por más sueños que tuviera yo mi madre siempre me aconsejo de no dejar la Universidad Santa María, así que me gradué de Comunicación Social, lleno de sueños, fue una época muy interesante y la carrera universitaria me regaló oportunidades de trabajo únicas, tal es el caso de mi gran amigo Adrián Geyer, quien un día me invitó a trabajar en cine e hice junto a él la foto fija y el detrás de cámara de varias películas venezolanas como Piedra, papel o tijera y Azul y no tan rosa. Entre otras vivencias universitarias destaco mis pasantías en LA MEGA Estación “A la cuenta de 3” y en Onda la súper estación “Un Mundo Perfecto”; esas fueron sin duda las mejores experiencias de mi vida universitaria”. 

“Cómo buen capricorniano son persistente en mis metas y por es luego de la Universidad Santa María decidí estudiar actuación en el Stella Adler Studio Of Acting en Nueva York. Cuanta necesidad había en mí de dedicarme a un estilo de vida que me permitiera ser brutalmente honesto y creativo. “Crecer es la más profunda y verdadera necesidad de cualquier ser humano que dice yo quiero ser actor”, me enseñó Stella Adler .

¿Cómo llega al teatro?

Al teatro llegue tarde pero no a destiempo. Tenía 24 años cuando entré al Gimnasio de Actores con Matilda Corral y bastó un momento privado de Howie, personaje de la obra Rabbit hole para darme cuenta lo poder ilimitado de la imaginación, cuanto quería hacer teatro y toda la tarea que tenía. Así que empecé por leerme todas las obras de Henrik Ibsen y Antón Chekhov, tarea que aún no he terminado.

¿Qué espectáculos teatrales hizo en Caracas?

Humor y Amor de Aquiles Nazoa me llevó una vez al teatro Municipal de Caracas. 

¿Por qué el salto a Nueva York?

Pablo García Gámez tiene unas líneas fabulosas que describen en su   monologo Nueva York era una Quimera. Para mí, también, Nueva York era la estatua de la Libertad, la 5ta avenida y la vía Broadway de los teatros. Nueva York era una hermosa tarjeta postal. Nueva York era un sueño y la ciudad me ha concedido otros. 

¿Cómo ha sido su proceso de adaptación? 

El proceso ha tomado su tiempo y su trabajo. Las circunstancias y decisiones de vida me han traído hasta Nueva York pero uno de los sentimientos más constante es el desarraigo. Me ha tomado varios años vencer las barreras del idioma especialmente con textos clásicos como Shakespeare pero  I speak the speech... trippingly on the tongue.

 ¿Qué trabajos teatrales ha realizado hasta ahora, en Nueva York?

 He participado en espectáculos como Otra Historia de Pedro Monge Rafuls, Luz Negra de Álvaro Menen Desleal, El último Selfie de Fernando Azpúrua, El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina, Ana en el Trópico de Nilo Cruz, Comedia de la tradición en la amistad de María Zayas y Soto Mayor, El Gos de Pablo García Gámez, La Ronda de Arthur Schnitzel, entre otros montajes. 

¿Premios ganados?

Este año me otorgaron el premio ACE, de la Asociación de Cronistas y Espectáculos de Nueva York, como mejor actor drama por mi trabajo en la obra Otra Historia de Pedro Monge Rafuls. Dos Premios HOLA (Hispanic Organization for Latin Actors) uno por El Burlador de Sevilla (2016) y el más reciente Mejor Actor de Reparto en la obra El Gos de Pablo García Gámez (2018). En el 2017 recibí un premio LATA (Latin Alternative Theater Awards) como mejor actor característico por el personaje del ciego en la obra Luz Negra.

¿Qué proyectos madura o cómo está su agenda de trabajos?

 Ahora trabajo en dos proyectos: Unos cuantos piquetitos, un texto de Layla Rippol, dramaturga española, sobre la violencia doméstica, Donde un hombre mata a su esposa a golpes y testifica que sólo fueron unos cuantos piquetitos. Es una producción de Teátrica y Alfombra Teatro dirigida por Gemma Ibarra. Simultáneamente trabajo junto a mi gran amigo Pablo García Gámez quien me dirige en su monólogo Cariaquito Morado. Participaremos en un festival de unipersonales llamado Monologandoando. El texto es sencillamente maravilloso y trata de un actor venezolano que se muda a Nueva York con ambiciones de ser noticia de primera plana y para eso se prepara con sus mejores monólogos en los cuales se incluyen Los ángeles terribles de Chalbaud, La máxima felicidad y La revolución de Chocrón, Acto cultural y El día que me quieras de José Ignacio Cabrujas y La empresa perdona un momento de locura de Rodolfo Santana. Pablo García Gámez invita a un verdadero viaje teatral en cada uno de sus textos. 

 ¿Cómo llega hasta donde esta ahora o quienes la han ayudado o colaborado?

Llego con la perseverancia y las ganas de mejorar cada día. De buscar lo más importante en escena que es la verdad. Ese siempre ha sido mi norte y ese camino creo yo que nunca se acaba. Sin duda he tenido el absoluto e innegable apoyo de mi familia especialmente  de Rosa Burguera, que dios me la cuide y me la bendiga, del teatro hispano en Nueva York   Directores cómo Leyma López, Fernando Then y Edgar Mozoub. La actriz Zulema Clares, el actor Sandor Juan, Pablo García Gámez, Manolo García Oliva y Carlos Navedo. Repertorio Español, Teatro Sea, HOLA, GOTA. 

¿Nostalgia o usa el retrovisor existencial?

 Trato de visitar cada año a Venezuela y pareciera que se aleja el día de volver. Pero aún guardo la promesa de hacer teatro en mi país. Le debo un show case al Gimnasio de Actores. Este año tuve un pequeño personaje en una película dirigida por Hernán Jabes Jezabel, basada en la novela de Eduardo Sánchez, Rugeles. Venezuela, mi país, a veces te da regalos inesperados.

Preparan más funciones de Las esquinas de Caracas

José Gregorio Magdaleno, uno de los activistas del teatro comunitario.

El popular proyecto de Teatro Comunitario Las esquinas de Caracas no se ha detenido, por el contrario sigue con muchos bríos, según nos lo declara José Gregorio Magdaleno, uno de los guías.

¿Qué programa tienen para estos meses?

Por supuesto que seguimos en la lucha cultural y es por eso que, en primer lugar, mantenemos la obra, Las esquinas de Caracas, durante estos meses, específicamente desde septiembre hasta diciembre del presente año; para ello nos estaremos presentando en algunos teatros como el propio Teatro Alberto de Paz y Mateo, sede de la Compañía Nacional de Teatro CNT, la institución que nos acompaña y apoya, o la sala CANTV, donde funciona uno de los núcleos del Taller Comunitario Las Esquinas de Caracas. Para ello seguiremos ensayando la obra y además realizando actividades formativas con los participantes, hay que recordar que inicialmente es un proyecto que parte de talleres de formación. Igualmente estaremos preparando un trabajo especial para fin de año atendiendo las fiestas decembrinas que siguiendo la filosofía original del proyecto estará enfocado en las costumbres citadinas de esa época festiva.

¿Qué nuevas esquinas caraqueñas van a trabajar?

Justamente, estamos reuniéndonos, el cuerpo de monitores, el equipo ejecutivo y directivo, con José Luis León y Laura Meza a la cabeza, para revisar,  qué nuevo material se incorporará  a la obra o si más bien se desprende un trabajo teatral con otras características formales. En todo caso, siempre será partiendo de las tradiciones caraqueñas, las cuales abarcan también por ejemplo, la gastronomía o la música.

¿Cuál es la agenda de trabajo en las actuales comunidades o las que se añadan?

Después de presentarnos en días recientes en el Auditórium del Instituto Aeropuerto Internacional de Maiquetía IAIM y de las exhibiciones en el Teatro Nacional por el aniversario de Caracas, tenemos un breve receso, para proseguir en este septiembre con los ensayos de la obra. En nuestro caso, el Núcleo de Parque Central, trabajamos en La Rampa, Sala de Teatro, principalmente los días miércoles. Se agregan otros días dependiendo de los compromisos adquiridos. Regularmente se realizan actividades como ejercicios corporales, de respiración y propiamente de actuación. En esta tarea me acompaña Osleyda Pérez.

Es importante señalar que los participantes de este núcleo son todas personas adultos mayores, es decir, personas en su mayoría mayores de 60 años y que poseen poca experiencia teatral previa. Por ello, el trabajo actoral está dirigido, en primer lugar, a lograr que puedan expresarse en el teatro, y en segundo lugar, adecuar el trabajo a sus potencialidades y realidades. Por ejemplo, una de las potencialidades que descubrimos fue la disposición y capacidad para el canto y la música. De hecho Las esquinas de Caracas como obra, tiene un gran peso musical. Así mismo vemos que ellos poseen un ritmo diferente de trabajo, dada sus particulares condiciones físicas, que por ser diferentes no son menos productivas. De alguna manera la experiencia de vida que poseen los hace ser más eficientes en la escena.

La agenda de trabajo, además de las actividades regulares como las antes mencionadas, se encuentra en plena construcción.

 ¿Qué comentarios han recibido?

La recepción del público ha sido maravillosa. Aunque es claro que el objeto del proyecto no es producir un espectáculo profesional con las exigencias que ello demanda, sí existe, igualmente, una clara intención de abordar el hecho teatral con la responsabilidad y el compromiso que el público o el espectador requiere. Se trata de guardar un equilibrio justo en ese sentido. El proyecto en primer lugar busca facilitar un tejido social mediante la atención de una población que necesita ser escuchada, sentirse útil, demostrar sus capacidades productivas y creativas, y en ese espacio nos encontramos no solo con adultos mayores, sino también con jóvenes y niños que desean iniciarse en el teatro o personas con condiciones especiales.

Por otra parte, tratamos de brindar un trabajo que le dé al público un poco de amor por su ciudad, recuperar la calidez perdida de nuestras calles o plazas, o acercarnos al conocimiento de nuestra historia mediante la música, el humor y los sentimientos, en un ámbito con mesura artística.

Creo que esa combinación visual, niños, jóvenes y adultos mayores, impacta al público cuando ven a distintas generaciones, 30 artistas en escena, compartiendo en un escenario. Desde niños de diez o doce años hasta adultos de más de 80 años, todos con una gran vitalidad escénica. Hemos vistos a los nietos de los actores y actrices ver asombrados y emocionados a sus abuelos cantando o bailando en el teatro. Incluso tenemos actores y actrices en la actualidad que se sumaron emocionados al proyecto luego de ver la anterior versión de la obra el año pasado. Personalmente he aprendido mucho de ellos, especialmente de su vitalidad y fe ante la vida.

¿Dónde funciona la base operativa de este movimiento?

En este momento en los diferentes Núcleos o Espacios de trabajo hay actividad. En los espacios de la Escuela de Teatro César Rengifo, bajo la guía de Andrea Hernández y Gerónimo Reyes, en el centro de Caracas, en horarios diferentes a los de clase, por supuesto; en los espacios de CANTV, bajo la responsabilidad de Reynaldo Rivas y en La Rampa, Sala de Teatro, en Parque Central. El año pasado además funcionamos en el Teatro La Alameda en San Agustín. En este momento se está evaluando y trabajando para abrir nuevos talleres en espacios que lo hagan posible.

En nuestro caso, La Rampa, los participantes provienen de diferentes lugares de la ciudad de Caracas, incluyendo dos personas que provienen de Los Teques, además del propio Parque Central. Es importante señalar por supuesto el acompañamiento y apoyo de la Compañía Nacional de Teatro CNT, encabezado por su director general Carlos Arroyo y su equipo de Producción y Gestión, institución que ha creído en la importancia de este proyecto comunitario.

Medida por medida o las mujeres virtuosas

Shakespeare a la venezolana y con calidad.

Sentado en el regazo de mamá vi mi primer espectáculo teatral. Habíamos huido desde Palmira porque se peleó con su marido. Resolvieron sus problemas; él era un buen hombre, se casaron después y a lo largo de más de medio siglo criaron y educaron -además de mí- siete varones, y una hembrita, a quien bautizaron Laura, como ella. Años después, al comenzar mi adolescencia, le pedí a mi madre que ampliara los detalles de aquella ceremonia con música y actores que habíamos visto en el teatro Colón de Bogotá, durante los años 50; era una opereta sobre Genoveva de Brabante, casta esposa vilipendiada por un canalla mayordomo. Aquello me gustó por todo lo que ella dijo y me marcó para siempre: la lucha por las mujeres y todos los demás seres desvalidos o perseguidos injustamente.

Mi hermana Laura me llamó el sábado 25 de agosto, a las 7:43 AM, para darme la fatal noticia. Mamá había muerto, a sus 93 años, tras una larga enfermedad, en Nueva York, a donde no pude viajar para estar algunas horas a su lado, porque no hubo visa disponible. ¿El teatro nutre a la vida o la vida se nutre del teatro?

Registro esto tan íntimo y personal porque ese pasado sábado, ahora inolvidable por la definitiva ausencia de mamá Laura, después de las 11 AM, fui  a ver el montaje Medida por medida, una pulcra versión de Federico Pacanins, productor ejecutivo además, dirigida muy bien por José Tomás Angola y actuada ejemplarmente por Antonio Delli  como el  Duque, Sandra Yajure era  Isabella, la hermana de Claudio, Gerardo Soto como el Gobernador de Viena, Ignacio Marchena, José Antonio Barrios, Rafael Gorrotochegui, Brixio Bell, Salvador Pérez  Castro, Andrea Miartus, Silvia de Abreu, Andrés Sierra,  Edgar Sibada, Zahir Mora, Federico  Moleiro.  Y como el correctísimo trovador, Juan Carlos Grisal.

Pero este montaje no habría podido llegar a puerto seguro si además de la cuidadosa dirección de los actores, adelantada por Angola Heredia, no  contara con un bien sincronizado equipo técnico que trabajó con empeño y dedicación, como lo hizo la talentosa Fabiola Neri con la ayuda de Elizabeth Yrausquín; con el aporte del estupendo profesional  Manuel Troconis, mientras que el diseño y la realización escenográfica es otra contribución del maestro Freddy Belisario,  y no podía faltar el talento para la multimedia y el mapping, precisamente de uno de los mejores en Venezuela, como lo es José Martínez. Todos bajo la batuta de ese gran productor, que es Carlos Silva. Una producción de fino lujo y depurada calidad profesional. Un ejemplo más para estos difíciles tiempos.

EL ABUSO CON LAS MUJERES

Medida por medida  es una de las piezas shakepereanas favoritas de Harold Bloom, quien precisamente durante estos días  debe haber  revisado todos sus escritos y especialmente la participación de los personajes femeninos,  porque se ha incrementado  el interés informativo y social sobre el abuso hacia las mujeres, desde que Hollywood los visibilizara a través de la campaña #METOO en las  redes sociales y en la entrega de los Globos de Oro, con una gala teñida de negro y convertida en un espacio para la reivindicación de un trato digno e igualitario bajo el lema 'Time's Up' , como reseñan los periódicos españoles, especialmente.

La decisión de hacer Medida por medida   en este momento para Venezuela fue del productor ejecutivo y versionista Federico Pacanins, quien es un hombre no solo de la música y el teatro, sino que lo es del arte integralmente. Por su formación académica, es abogado, le interesaba sobre manera el tema de la justicia. Y ahí ha fijado su posición como intelectual venezolano que se respeta.

El director Angola Heredia considera que en Medida por medida el meollo dramático versa sobre la imposibilidad de que la justicia humana pueda alcanzar eso que llamamos la verdad. La hipocresía, la falsedad, en cuanto hablamos de las pasiones y la moral, nos hace muy débiles para juzgar en otros, delitos a los que somos propensos por nuestra esencia carnal. “Esta obra le apasionaba a Pacanins desde hacía años, tanto que enfrentó su versión escénica manteniendo un gran rigor. La obra sigue teniendo sus cinco actos, dura 2 horas y media, con un intermedio de 10 minutos. Pero atendiendo muy de cerca la lectura crítica que de ella hizo el poeta W. H. Auden, propone unos afeites menores y de estilo, en donde suprime ciertas reiteraciones de trama, muy de Shakespeare para que los espectadores de su época no se perdieran, y esto agiliza el ritmo sin sacrificar trama. También sirvió de catalizador entre las muchas traducciones de que se valió. Como sabemos las traducciones de Shakespeare son en sí mismas nuevas obras. Es imposible mantener y recrear en español la belleza plástica y la melodía de los versos yámbicos en inglés”.

Entonces el versionista Pacanins, afinando su oído de melómano ensambló las mejores traducciones y las más cercanas al espíritu original de la obra, modulándolas y atemperándolas a nuestro presente.  Esto no significa, sin embargo, que los diálogos se hayan "venezolanizados", simplemente plantea una lectura más casual y comprensible, sin desantender la poesía y la musicalidad. Creemos que Pacanins logró un trabajo muy cercano a lo que Shakespeare originalmente escribió, apunta Angola Heredia y nosotros reiteramos.

Nosotros disfrutamos como nunca por la limpieza del texto, por la sencillez de la puesta en escena y la fluidez del cuento teatral, sin importar la extensión del tiempo escénico. Algo que no es frecuente en nuestro actual teatro exprés, que se está haciendo a pesar de todo. ¡Bravo!

No hay que olvidar que hacia el año 1603, William Shakespeare escribió  Medida por medida, donde cuenta la historia de Isabella, una joven que intenta salvar a su hermano del castigo de la justicia cristiana, condenado a muerte por haber fornicado con su novia y haberla dejado embarazada, pese a que ambos desean casarse. 

En su intento por detener la ejecución, Isabella se encontrará con los envites del poder, con la corrupción moral y política, viéndose reducida a una mera mercancía en trueque, ya que, alternando la comedia con el drama, constituye una clara denuncia de la hipocresía social y del abuso sobre la condición femenina. La máxima autoridad, el Duque de Viena, se va de vacaciones para probar a su más severo empleado y segundón, Angelo, quien turbado por la belleza, la inteligencia y la inocencia de la joven, trata de hacerle ceder su virtud a cambio de la vida de su hermano. Y no será el único, porque también el Duque, cual el Califa de Bagdad, pero ahora convertido en monje cristiano, regresa e inicia un cortejo de seducción en donde la voluntad de la fémina queda totalmente olvidada.

Para el especialista Bloom esta Medida por medida es una reflexión sobre la justicia y por su título hace referencia a la hebrea ley del Talión. Ahí se propone una reflexión sobre la conveniencia de aplicar la ley de modo estricto o racional, y también hace un repaso crítico a los males de las sociedades ejemplificándolo con las relaciones entre sexo y poder .Y es una obra por y favor de los mujeres, no queda duda alguna.

Medida por medida fue estrenada en Venezuela en 1980, en la Sala Alberto de Paz y Mateos, de la mano de Antonio Constante y el Nuevo Grupo. La versión estrenada en ese entonces, bajo la firma de Charles Marowitz, autor, crítico y director de teatro norteamericano, muchos años vinculados a Peter Brook y a la Royal Shakespeare Company.  Su adaptación de Medida por medida, dicho por el propio Marowitz, pretendía cambiar el sentido de la obra. Se concentraba en la agresión sexual sobre Isabela y sus implicaciones morales para la justicia.

El espectáculo Medida por Medida ¡más feminista no podía escribirlo ni hacerlo el mismo Shakespeare! , se presenta en el teatro de la Asociación Cultural Alexander Humboldt, en San Bernardino, durante dos fines de semana más.

Un millón de aplausos para la CNT

El teatro de la CNT se mostró en seis ciudades venezolanas.

La Compañía Nacional de Teatro (CNT) recorrió una parte del país venezolano en una gira especial con la pieza del elenco estable Baño de damas, original de Rodolfo Santana y dirigida por Aníbal Grunn, desde el 9 hasta el 19 de agosto por los estados Miranda, Aragua, Carabobo, Cojedes, Yaracuy y Lara. Este desplazamiento por los selectos escenarios de Los Teques, Maracay, Valencia, San Carlos, San Felipe y Barquisimeto fue catalogada por la mayoría de sus espectadores como divertida, pero con temas polémicos que invitaron a la reflexión, “nada de teatro banal y comercial”, subrayaron.

Sobre  lo que significa esta primera gira de   Baño de damas, las primeras actrices Aura Rivas y Francis Rueda, además del primer actor Gustavo Meléndez, recordaron que  con sus interpretaciones  y, como es lógico,  las de todos los otros miembros del elenco, se le rindió homenaje a la mujer  venezolana, se le hizo una oda al comportamiento femenino en sus diferentes facetas, pero al mismo tiempo fue denunciado el machismo que sigue manteniendo acorralado a las féminas en Latinoamérica y gran parte del mundo sin importar su condición social o económica.

Para Aura Rivas, a quien la encontramos muy entusiasmada por la activa participación de los públicos que los vieron y aplaudieron, manifestó estar muy satisfecha de los hechos. “Yo he ido muchísimas veces al interior de nuestra república, y se cómo se compartan los espectadores, no puedo olvidar que con la CNT, en anteriores administraciones, llevamos ese hermoso montaje que era Pedro Navaja y el público enloqueció. La gente, hoy por hoy, está muy informada, gracias a la prensa y la televisión, y nos preguntaron muchas cosas sobre el teatro que se está haciendo en Caracas. Algunos nos preguntaron, insistentemente cuando regresaríamos. En San Felipe, especialmente, fue tal la avalancha de público que no pudo ingresar a la sala, que tuvimos que regresar para hacer otra función, a instancias de la gobernación del estado Yaracuy.

 Aura  admite que no es fácil realizar una gira por las ciudades del interior venezolano, por los costos y por la logística que exige cada montaje, pero cree que la CNT se arriesgó y salió hacia adelante ante el impacto que tuvo en cada una de las poblaciones. ”Ojala se pueda repetir, por lo menos dos veces al año. Todo depende, como es lógico, de los presupuestos. Fue maravilloso ese millón de aplausos que recibimos”, puntualizó.

 Francis Rueda considera que esta gira de Baño de damas fue muy productiva y hermosa. Además hacía años que el interior no se veía un espectáculo de la CNT, salvo las administraciones anteriores, las de Chocron y Pantelis Palamides. Nos encontramos con gente nos vieron en aquellos tiempos y nos presentaron a sus esposos y sus hijos. Fue encontrarnos con valiosas familias venezolanas habidas de teatro””

 Francis, venezolana por los cuatro costados y muy comprometida con el proceso en que está inmerso el pais, cree que las autoridades culturales del pais, como el ministerio de Cultura que actualmente comanda Ernesto Villegas, deben sumar esfuerzos, con otros ministerios para llevar más teatro a las comunidades del interior del pais, “es necesario y oportuno hacerlo, así como la CNT lo hizo también lo pueden hacer otras instituciones, en danza, por ejemplo. En medio de las crisis el talento debe superar los obstáculos”, enfatizó.

Observó Francis que muchas de las edificaciones teatrales que utilizaron están casi abandonadas y carecen de las comodidades básicas para los espectadores y el público, “pero nos dejamos deprimir por eso y trabajamos con mayor gusto, como es el caso del Teatro de la Ópera de Maracay, el cual que rivaliza con Caracas, por su rigor profesional y su capacidades.”

 Comentó que entre el público  conoció a mucha gente  que le pidió talleres de formación artística,  “porque la gente joven y hasta los mismos adultos  quiere hacer su teatro  y así contar sus historias y no tener  que venir a Caracas para capacitarse. Conocí, incluso, gente que por primera vez veía un espectáculo teatral y quedaron, por supuesto, impactada y agradecida. Yo nunca había podido palpar y conocer a una audiencia como esta y llevo no menos de 40 años en las lides teatrales. Los artistas debemos mirar hacia el interior de nuestro país, no podemos dejarlo abandonado".

 Considera Gustavo Meléndez que es muy importante todo lo que vio en esta su primera gira con la CNT. “Llevaba no menos de 17 años sin recorrer esas hermosas ciudades donde nos aplaudieron. Imposible olvidar a ese público, tan receptivo y ansioso, vi gente que pedía autógrafos y tomaba fotos con Francis Rueda y Aura Rivas, entre las otras actrices, porque las recordaban por sus trabajos en cine o en televisión”. Considera que al público le impactó la temática de Baño de damas, especialmente porque ahí se alude a los diversos prototipos de familia que existen Venezuela, pero el público no se quedó solamente en la anécdota general de la pieza, sino que incluso, fue más más allá del cuento teatral. Creo que si es importante que la CNT haya retomado este acercamiento con las comunidades y lamento que no pudimos conversar   con algunas de la agrupaciones teatrales que existen en esas ciudades”.

La Nonna reaparece en Guanare

Desde Guanare, donde el teatro nunca se detiene gracias al talento y la capacidad de trabajo de su gente y su público, anuncian el estreno de La Nonna. Aníbal Grunn encarna al legendario personaje protagónico y es el quien nos advierte, algunas cosas que los caraqueños, o los venezolanos, debemos saber.

¿Por qué eligieron La Nonna?

La Compañía Regional de Teatro de Portuguesa, es fundamentalmente una compañía de teatro de repertorio. Este año se cumplen exactamente diez años que estrenáramos por primera vez esta maravillosa obra del dramaturgo argentino Roberto Tito Cossa, y nos pareció pertinente remontarla. Nos vimos en la necesidad de modificar el elenco original, como así también hacerle algunos cambios al espacio escénico. Pero en esencia, la obra es la misma, con el mismo agudo y profundo sentido crítico y social. Por otra parte, mucho público que la habían visto aquella primera vez nos decían: "¿Cuándo reponen La Nonna? Y tú sabes que el público es quien manda. Es la oportunidad y es el momento de hacerlo.

 No hay que olvidar, como afirman en Internet, que La Nonna se estrenó el 12 de agosto de 1977 en el teatro Lasalle de Buenos Aires, durante un período caracterizado por la inestabilidad política y social argentina. La Nonna supo salvar esa barrera gracias a su estilo simbólico y reflexivo, en el que subyace su carga crítica, y además consiguió una gran acogida en las representaciones que se realizaron de ella. Es una pieza teatral de gran transcendencia y eso lo conocen algunos venezolanos.

¿Cómo fue ese proceso de montaje en Guanare?

En principio con el rigor y la disciplina que caracteriza a la CRTP. Este elenco, mucho más maduro y con más experiencia, fue encontrándose con un texto divertido, grotesco, ácido y casi absurdo. Fueron desentrañando cada texto, cada mirada, cada gesto y ayudándome muchísimo, ya que yo, después de muchísimos años, iba a actuar y dirigir al mismo tiempo. Eso sí fue complicado para mí y para ellos. Pero somos un equipazo y todo iba fluyendo maravillosamente en cada ensayo. Nos armamos de paciencia y sobre todo de solidaridad. Yo había escenas que bajaba o las dirigía desde la habitación de La Nonna, pero lo más asombroso y divertido era verme dirigiendo vestido de mujer y con la pañoleta negra en la cabeza. Toda una experiencia.

¿Cuántas funciones han programado en la primera temporada?

El estreno está pautado para el jueves 6 de septiembre y hasta el domingo 23, un total de diez funciones que podrían prorrogarse si el público lo pide.

¿Cuándo la traen a Caracas?

Está en nuestros planes una gira nacional que incluiría Caracas, por supuesto. Con ese fin se ha montado. Tú sabes que nos gusta mucho presentarnos en Caracas y hacer temporadas. No creo que podamos hacerlo este año, ya que el semestre está lleno de actividades, pero es muy posible que arranquemos el año con esa sorpresa.

¿Cuál es el elenco?

El elenco es el elenco estable de la CRTP: Mercy Mendoza, Wilfredo Peraza, Evis Cuellar, Giuseppe Fischetti, Emilger Arroyo y Carlos Moreno. Ah, bueno y yo en doble rol, director y actor. La escenografía es de Manuel Manzanilla, el diseño de luces de Kelynson Berríos y la asistencia de dirección de Rosangélica Sánchez  Esta vez hemos incluido en la parte técnica a dos alumnas de nuestro y taller de formación actoral: Jhessika Betancourt y Emili Valladares.

Razones blindadas de Cervantes,Kafka y Vargas

Un espectáculo inolvidable.

El teatrero Luis Bernal insiste en producir, dirigir, actuar, promover y hacer temporadas con su estremecedor espectáculo La razón blindada, el cual presenta actualmente en la Sala La Viga del Centro Cultural Chacao.

Este Bernal, nacido en el tachirense San Cristóbal y quien desde aquel año 1972 está sin reposar por los avatares de su existencia, ha buscado ser útil a la patria y su familia por intermedio del esmerado cultivo de las artes escénicas. En el Taller Nacional de Teatro (fundado por Carlos Giménez en el mejor momento de su huracanada existencia aquí en Caracas) se hizo teatrero hace más de 20 años y ahora, al frente de su agrupación productora “Con los pies en las tablas”, repone ese poético texto del teatrero argentino Arístides Vargas (Córdoba, 1954) sobre sendos quijotescos personajes.

Esta es la segunda vez que vemos este montaje, después de haberlo ponderado el año pasado en el Teatro San Martín, de Artigas. Y ahora prosigue con el mismo valioso equipo humano que ha logrado armar, como lo es el primer actor Salomón Adames, con la asistencia de Demis Gutiérrez y el soporte escenográfico creador por Armando Zullo: dos monstruosas sillas que se convierten en celdas y muros para impedirles soñar.

Calificada como un poema dramático para exaltar el poder liberador de la imaginación y como forma de resistencia a la represión, La razón blindada está basada en la vida real de “Chicho”, hermano de Vargas, otra víctima de la dictadura argentina, y toma ideas y conceptos de El Quijote de Miguel de Cervantes y La verdadera historia de Sancho Panza de Franz Kafka.

Se ha elaborado una especie de libreto o guión sobre la supervivencia de dos presos políticos, de esos que a mala hora pululan en este balcanizado continente: De la Mancha y Panza, quienes se encuentran a las tres de la tarde de cada domingo, el único día   que se pueden ver en el patio de la cárcel, para tratar de representar una historia que les permita “liberarse” a través de la imaginación del encierro al cual fueron sometidos. Ambos sobreviven en el inframundo que representa la prisión a la cual fueron condenados injustamente. Ellos se entregan a un ritual con sus personajes entregados al frenesí de la locura real o imaginaria donde la ficción y la realidad deben cohabitar para que la vida sea posible. Ya que la creación de un mundo paralelo al infierno diario hace posible la salvación, ha dicho el mismo Bernal, quien encarna a Sancho Panza.

Ya Arthur Miller recordó, en una ocasión menos dramática que la plasmada en la escena actual, que el teatro es el único lugar que tiene el hombre para vivir y soñar en libertad, aunque en La razón blindada todo es más patético y hasta lacerante. Los “dos privados de libertad” física se salvan porque sueñan con el amor, hacen teatro y esperan que llegue la justicia. No puede haber amor sino hay justicia, dijo el poeta Juan Liscano años ha, quien, precisamente, predicó “que los poetas tenemos que seguir envenenando las cosas reales del mundo para que no las olviden los hombres del poder, quienes andan siempre entre sus cifras, sus monedas, sus novedades o sus máquinas”.

En La razón blindada se sufre con estos seres humanos sometidos a un castigo brutal e injusto, donde se desprende el terror que nos imponemos con las desgracias a las que nos sometemos y la grandeza que nos pueden dejar los momentos más degradantes de nuestra existencia.

Cabe destacar que estos dos antihéroes de Arístides Vargas sobrellevan humillaciones y derrotas, pero se empecinan en retener el espíritu lúdico, el afán de aventuras. Van de la llanura manchega a la Patagonia, cruzan montes y ríos para arribar al páramo andino… pasan el “túnel intangible” y con la frágil pero imbatible fuerza de aquellos presos políticos, exiliados, rebeldes- que conservan la ternura, la risa, y la pasión por jugar y crear- historias para alcanzar la libertad profunda; esa utopía que todos parecemos perseguir alguna vez.

Es, sin lograr dudas, un espectáculo agotador, que atrapa al público y prácticamente lo hace parte de sus lacerantes vivencias, lo cual se logra por la veracidad de sus actuaciones y por la intensidad y la dinámica de la puesta en escena.

De La Mancha, personaje creado por el primer actor Salomón Adames, es aquel caballero sediento de aventuras y desbordante pasión por su Dulcinea, loco-lúcido, manchego, patagónico o tropical, que por encima de su origen geográfico, es el paradigma del idealista. Un Quijote que confunde cárceles con paraísos y desiertos, y que se exilia en la sinrazón, en ese extraño desorden que no hace mal a nadie pero que ayuda profundamente a vivir. Mientras que Panza,​encarnado sobriamente por el actor y director Luis Bernal, representa a la perfección la dualidad entre el personaje literario y el creador de historias coexistentes en él. Dos personajes muy expresivos y convincentes capaces de hacer reír, llorar, sufrir por ellos y con ellos hasta el final de la obra.

Esta puesta en escena de Bernal se caracteriza por su depurada sencillez y por la autenticidad de las actuaciones y la escenografía –un par de sillas que se convierten en rejas y en otros marcos básicos para apuntalar las acciones actorales- es una especie de tercer personaje, metálico en su esencia pero hermosamente útil y hasta “frágil”. Un gran aporte de Zullo.

Con un tono, lúdico, algunas veces trágico y otras veces humorístico, La razón blindada mantiene cautivada la atención del espectador de principio a fin, en sus intensos 80 minutos de representación.

Y tenemos que reconocer, parafraseando al inolvidable Carlos Giménez, que Bernal es un auténtico comunicador moderno, insertado y profundamente comprometido con los tiempos que vivimos en esta América, y es, ante todo, un promotor del futuro. Él podía dedicarse a cualquier otra actividad teatral con piezas “más digestivas” y le iría “comercialmente” muy bien, pero lo suyo es el teatro comprometido, de honestos contenidos, más nada. ¡Un acto existencial muy respetable en estos tiempos!

Cayito Aponte taxista

Memorable actor y todo un señor venezolano.

Se marchó. Culminó su jornada y aquí lo queremos recordar con la última nota que escribimos sobre uno de sus trabajos teatrales. Es nuestro homenaje para un señor actor.

Aquel 16 de febrero de 2013 publicamos:

José Ignacio Cabrujas afirmaba que Cayito Aponte era uno de los mejores actores del mercado teatral durante la década de los 80 y hasta soñó invitarlo a participar en uno de sus proyectos. Eso nunca se consumó en la escena…ni el espacio ni los tiempos venezolanos lo permitieron jamás.

Y recordamos esa anécdota, relatada sensiblemente por la productora y autora Iraida Tapias, porque hemos visto y disfrutado con la gran performance que Cayito Aponte desarrolla en el unipersonal Los taxistas también tienen su corazoncito, excelentemente escrito y bien puesto en escena por Néstor Caballero (1951) y Vladimir Vera (1978), respectivamente, en la sala experimental del BOD, donde hace temporada. 

A Los taxistas también tienen su corazoncito lo vimos por vez primera, hacia 1989, en la sala Horacio Peterson, con el actor Omar Gonzalo, bajo la égida de Rubén Rega. Pero Caballero, quien nunca queda satisfecho con lo que le revelan sus piezas desde la escena, siempre revisa y reescribe sus textos en pos de una perfección mayor, tal como lo hacía su amigo Rodolfo Santana, pero sin caer en el “obricidio”. Volvió a sumergirse en los meandros de Los taxistas también… y de ahí sacó otra obra, la cual tampoco será la definitiva, y se la entregó a la productora Jorgita Rodríguez para que la hiciera espectáculo.

Jorgita Rodríguez, pequeña de estatura, pero ambiciosa en sus proyectos, almorzó con el publicista y crítico Douglas Palumbo y el postre fue la invitación para que Cayito Aponte se involucrara en el montaje; este, por supuesto, a sus 78 años no tiene miedo- nunca lo tuvo- al trabajo artístico y más si lo que le proponen le gusta o lo ha vivido. ”Le eché pichón, tras devorarme sus páginas”, dijo después en charla con la prensa.

Es así que Los taxistas también tienen su corazoncito, en versión 2013, inició otra vez su periplo teatral, para enseñar lo que siempre fue: una hermosa y desgarrada historia de amor con final trágico; la parábola existencial del modesto taxista Rubén Sarmiento y la revolucionaria comunista Milagros Daza, otra saga digna de ser llevada al cine, ese que indaga en el pasado para rescatar las claves de nuestra historia democrática.

Rubén Sarmiento entra a escena con una maleta  y busca, en  un semi abandonado  taller mecánico, los restos de su taxi ”Pepón”, y ahí, en un santiamén, tras crear la básica ambientación, se desgrana su historia, apuntalada con la música venezolana de siempre, que va desde el 17 de octubre de 1945, en El Nuevo Circo, vísperas del derrocamiento del general presidente Medina Angarita, hasta la muerte de su esposa Milagros Daza, en los aciagos meses de 1962, tras evocar a Betancourt, Gallegos, Pérez Jiménez y el legendario Pedro Estrada, a quien le hizo una carrera al Palacio de Miraflores.

Caballero toma la historia venezolana y la ficciona para que su prédica ideológica y la metáfora estremezcan al público, las cuales en esta ocasión anudan las entretelas de los espectadores por la rigurosa composición del Rubén logrado por Cayito, utilizando la panoplia de un comediante que usa cuerpo, voz y su cansancio para crear tan hermoso espectáculo.

Cayito, veterano de muchas lides teatrales y operáticas, utiliza todos los recursos aprendidos y crea, esa es la verdad, a un ser de carne y hueso, enamorado de su país y enloquecido por los amores de la comunista Milagros, a quien conoció porque la llevó a las veredas de Coche en una Navidad que jamás olvidará.

Deberían los profesores de actuación de Unearte, o de alguna de las escuelas de teatro que hacen vida en Caracas, solicitar de la productora Jorgita Rodríguez una clase de actuación con Cayito, porque así, en caliente, podrían aprehender de las técnicas y de los trucos que Cayito Aponte usa, además del mágico uso que hace de su aparato foniátrico. Él, por supuesto, estará feliz de ser tomado en cuenta por “los nuevos pichones” que tiene el arte escénico criollo.

El autor Néstor Caballero, por supuesto, sigue revisando los textos escritos, casi una veintena, y adelantando otros, además de una novela.

El teatro comunitario caraqueño está en escena

José Luis León

El teatro comunitario caraqueño se tomó las salas tradicionales de Caracas y por eso recién se mostró en la esquina de Cipreses y en La Guaira. Y por lo vientos que soplan ya incluso alistan la programación de fin de año. El teatrero y operador José Luis León cuenta aquí lo que está pasando y para lo cual los espectadores deben irse preparando.

¿Cómo surge este movimiento de teatro de las comunidades caraqueñas?

En el año 2016 desde la Red de Teatro y Circo del Distrito Capital, una instancia organizativa y de planificación en beneficio del teatro en Venezuela, se planteó algo que no es nuevo en nuestro país, pero que considero no se le ha dado el justo valor, el desarrollo de un movimiento teatral comunitario, allí nace el Taller Comunitario Teatral “Las esquinas de Caracas”, de la mano de varias agrupaciones e instituciones, como son: Actividades Alternas,  Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas, Igual a uno Teatro, Teatro Tres, Compañía Nacional de Teatro, Escuela nacional César Rengifo y un grupo de jóvenes tesistas de Comunicación Social de la UCAB, estos últimos se sumaron para el registro audiovisual de la experiencia. La idea principal  fue retomar los orígenes del teatro, basándose en la oralidad, las tradiciones, lo religioso en fin, elementos originarios para la conformación de un movimiento teatral de la comunidad para la comunidad.

¿Cuál ha sido la receptividad de estos artistas no académicos?

Ha sido una experiencia gratificante, la respuesta de la comunidad ha sido sumamente importante para el desarrollo de la actividad, ya que, han aportado sus conocimientos de vida y sus experiencias a favor del impulso del proyecto, lo han tomado como suyo y desde allí se ha abierto un mundo de creación, un mundo de reafirmación de la identidad. Uno de los ejemplos más importante de la receptividad es el incremento a más de sesenta participantes, y la solicitud de inclusión de otras parroquias, al momento funcionamos en cuatro parroquias, San Juan, San Agustín, Altagracia y el Recreo

 ¿Usted cree que un movimiento de teatro comunitario apuntalaría el desarrollo del teatro profesional en la medida que aportaría más espectadores?

Indudablemente, el teatro como lugar de encuentro de la sociedad donde se cumple la perfecta comunión entre el público y los artistas para exponer ideas, reflejar la sociedad, espacio de participación, critica y discusión, es allí donde este teatro comunitario abre una puerta inmensa a la participación de nuevos espectadores, que indudablemente enriquece la asistencia de un público que lo aborda como una experiencia novedosa y única.

 ¿Cómo trabajar con ellos y como llevarlos a que ellos mismos escriban sus textos o hagan propuestas escénicas?

Este proceso es abordado en principio como un espacio para el encuentro alrededor del arte teatral, sin imposiciones, de hecho los guías o monitores son profesionales del teatro que van entregando sus conocimientos y herramientas teatrales a medida que los participantes las van necesitando, es decir, se estimula al participante a la creación de cada una de las partes que componen el teatro y la necesidad para la comunicación y el dialogo teatral es el que marca la pauta de trabajo. Uno de los objetivos que siempre está en la rueda del encuentro es la sensibilización a un lenguaje donde lo artístico esté siempre presente, pero esto siempre lo construye el colectivo, el monitor es un facilitador para todo esto, el hallazgo es del grupo  

¿Qué proyecto estarían dispuestos a continuar, sin desechar el trabajo con más esquinas de Caracas?

En los tres años de desarrollo de esta experiencia comunitaria se ha producido resultados gratificantes, las propuestas de los colectivos han sido variadas, pero lo interesante es que todas apuntan a la reafirmación de la identidad como pueblo. Estamos trabajando temas alrededor de nuestros orígenes, las fiestas tradicionales, la gastronomía, la música y abordaje de textos de autores nacionales. El grupo de participantes en este taller comunitario teatral “Las Esquinas de Caracas”, es un colectivo ávido en investigar, crear y comunicarse. Acompañados de un grupo de profesionales que con ética y mística guían el proceso creativo e instituciones como la Compañía Nacional de Teatro que ha apostado a un teatro que surge desde el pueblo y para el pueblo. Todos comprometidos con este proyecto en el que vemos al teatro como una herramienta de conocimiento donde los hombres y mujeres interpretan el mundo, dando soluciones y respuestas en su pensamiento, imaginación y acción.