Prosigue prueba de fuego

El guerrillero que no acepta y el pacificado.

¿Qué pasó, cómo pensaron, qué hicieron o qué ocurrió definitivamente con los guerrilleros venezolanos que aceptaron deponer sus armas en el año 1967 y vivir sin miedo alguno ese complejo proceso de pacificación dentro de los regímenes adecos y copeyanos de turno, hasta que llegó, por la vía del sufragio popular, el teniente coronel Hugo Chávez Frías a la Presidencia de la República en 1998 y comenzó otro ciclo histórico en el cual estamos?

Hay, por supuesto, varias respuestas bien documentadas y bastante sentidas sobre tal evento histórico y sus consecuencias, que sí resultó trascendental para la vida republicana  venezolana de las décadas posteriores; pero mucho antes el dramaturgo Ugo Ulive se atrevió a ficcionar tan densa realidad histórica y por eso escribió y estrenó su pieza teatral Prueba de fuego, durante la temporada de 1981 en la Sala   Juana Sujo de los espacios de El Nuevo  Grupo,  con los actores José Ignacio Cabrujas y Omar Gonzalo; ellos asumieron los personajes de los guerrilleros César y Mariñito quienes se citan en un  apartamento ubicado en una barriada popular caraqueña y esperan, en medio de una tensa confrontación verbal, a que un maduro líder guerrillero, quien reposa supuestamente, en otra habitación, los explique las razones o sin razones de esa claudicación  o estrategia  o determinación  con los destinos de  los implicados en la lucha armada…pero él nunca saldrá, porque está muerto.

Prueba de fuego, tan  controversial pieza para los años 80 del siglo pasado, porque tocaba un tema delicado o advertía que se viviría una especie de ”prueba de fuego”, ha revivido 37 años después en la sala Espacio Alterno del Trasnocho Cultural, puesta en escena por Vilma Ramia, ejecutiva del Ateneo de Caracas, donde se replantea un análisis más contemporáneo sobre los aciertos y los desaciertos de esa lucha armada guerrillera y sobre lo verdaderamente positivo o lo negativo de aquello que hicieron  o dejaron de hacer.  Sí, Ulive le puso el cascabel al gato y planteó en los años 60 a esos personajes de la aguerrida guerrilla que tienen que asumir los aciertos o las componendas de sus líderes políticos en las décadas posteriores.

Cuando se estrenó Prueba de fuego se dio la natural polémica por la visión crítica del dramaturgo, pero no pasó nada. Estaban vivos, otros exguerrilleros como Teodoro Petkoff, y aquello no pasó de unas cartas o unas declaraciones públicas, ya que los guerreros son humanos y se cansan y optan reposo, mientras tanto.

 Ahora, a 37 años de aquel auténtico suceso teatral, que tuvo sus repercusiones de opiniones en la incipiente democracia de los años 80, los personajes de César y Mariñito han sido asumidos por los comediantes Alfredo Sánchez y Federico Moleiro, quienes así han revivido para debatir las acciones políticas a seguir y contrastar sus pareceres en torno a la pacificación, sobre la cual mantienen opiniones contrapuestas. A partir de esa ficción teatral vemos ahora cómo, lo que entonces era un futuro incierto, hoy día es una realidad incontestable para los venezolanos, donde hay nuevos y poderosos contratiempos a resolver según la urgencia de los mismos.

El espectáculo, que supera  fácilmente los 60 minutos, es placentero por la bien hilvanada trama que concibió Ulive y que Vilma Ramia (alumna del director y actor Héctor Manrique) respeta correctamente, haciendo énfasis en la conducción de los actores, muy solventes, quienes de verdad sorprenden. Ojala que persistan en la aventura del quehacer teatral donde son necesarios los nuevos talentos.

Esta obra teatral intenta, pues, desentrañar los orígenes de aquellas circunstancias y constituye la mejor prueba de que el arte prefigura y anticipa lo que la historia nos tiene que ofrecer como resultado. De allí su vigencia y validez, estamos más que seguros. Volverla a ver nos reitera que la vida hay que vivirla, aunque sea doloroso hacerlo y se pierda incluso la vida en ese intento. Venezuela avanza por ahora en la vía electoral y ojala que se persista hasta que todo se solucione o mejore.

Popol Vuh en abril del 2019

La maquinaria de la creación artística comenzó a funcionar desde el pasado martes 4 de diciembre, con una conferencia-rueda de prensa que organizó la Compañía Nacional de Teatro (CNT) en su sede del teatro Alberto de Paz y Mateos, para anunciar que se dispone a ejecutar la producción y exhibición de un monumental espectáculo basado en Popol Vuh, el libro sagrado del pueblo maya, durante su temporada de 2019.

 Hay que subrayar que el Ministerio del Poder Popular para la Cultura avala este proyecto de la CNT, cuyo director general es Carlos Arroyo,  ya que está consciente de “la urgente necesidad de reafirmar nuestros valores como pueblo, venezolano y de nuestra América”, y para eso nada mejor que llevar a escena uno de los textos más poéticos y génesis de la creación del hombre como es Popol Vuh.

Hay que puntualizar que la propuesta artística de trabajo con Popol Vuh está basada en la historia de nuestra región latinoamericana y adaptada, como es lógico, a las diferentes culturas indígenas de nuestro país, como un aporte fundamental para el fortalecimiento de nuestra identidad.

Este Popol Vuh, sobre el cual trabajará la CNT, está basado en el mito de la creación según la leyenda maya quiche. Los dioses en consejo hacen la palabra y en acuerdo se proponen crear el mundo, el mundo es creado, emerge la tierra de la magia, montañas, mares, ríos y cielo, luego dan vida a los animales esperando su reconocimiento y adoración, al no ser adorados por aquellos seres, deciden condenarlos a vivir errantes en la tierra y ser devorados entre ellos. En un tiempo sin tiempo donde no existía el sol ni luna ni los días ni las noches. Los dioses continúan su cometido en busca del ser que los adorara, el consejo, moldeo barro y madera en busca de la máxima creación: el hombre.

La propuesta escénica del espectáculo Popol Vuh será llevada a cabo por el maestro José Luis León, bajo un concepto minimalista en sus elementos, pero con mucha riqueza visual y sonora. Los personajes serán representados por actores-bailarines y manipulación de objetos. La escenografía refleja el carácter mágico de la obra, con tecnología audiovisual y lumínica, sobre fondo en completo blanco, con escasos elementos corpóreos. La iluminación refleja el vacío, la nada, tomando luego un juego de tonos haciendo alusión al sol y la luna. La música será creada por el maestro Federico Ruiz e interpretada por la Orquesta Filarmónica, este renglón es parte esencial de la historia, se relaciona en todo momento con los elementos agua, tierra y aire y acompañará la pieza durante hora veinte de duración. Y, como es lógico, el elenco estable de la CNT aporta su musculo y su sangre, además del talento de ese grupo de profesionales ahí reunidos.

Las fechas tentativas para el estreno, en el teatro Municipal de Caracas, serán durante la primera quincena del venidero mes de abril, para después mostrarse en el teatro La Ópera de Maracay y en el Festival de Teatro de Caracas, hasta ahora.

Y como colofón de este importante anuncio sobre el teatro que viene para el 2019, hay que recordar que el Presidente de la República, Nicolás Maduro Moros, en pasada reunión de su Gabinete Ejecutivo, dispuso que hay que invertir en proyectos culturales y llevarlos a la televisión, cine, teatro y literatura para que se conozca la cultura, el arte y las expresiones diversas de la estética, del canto de los pueblos indígenas y rescatar el canto, cultura y arte de los ancestros de la historia venezolana.  Todo esto trabajado en conjunto con el Ministerio del Poder Popular para la Cultura.

"Tebas Land" en Caracas

Los actores Elvis Chaveinte y Kevin Jorges con la directora Rosanna  Hernández.

Está terminando la temporada teatral de este estrujante año 2018 y debemos reseñar, para la crónica general de sus meritorios eventos, al espectáculo Tebas Land, pieza avasallante del uruguayo Sergio Blanco (47 años), donde se  hace una curiosa suma conceptual de la tragedia griega Edipo Rey, de Sófocles y se alude a la novela Los hermanos Karamazov,de Fiódor Dostoievski y además se reiteran aquellas temibles formulaciones de Segismundo Freud sobre el porqué los seres humanos buscan, casi siempre, matar a sus progenitores, lo cual no es más que una metáfora sobre ese  momento en que los hijos maduran y se apartan de sus progenitores, con una especie de huida hacia adelante que se debe aceptar siempre.

 Tebas Land, la cual vimos dos veces en la sala Rajatabla, donde hace temporada hasta el próximo 16 de diciembre, se muestra en Caracas gracias a que la agrupación criolla Deus Ex Machina, para festejar sus cinco primeros años de labores artísticas positivas, escogió este texto, ya estrenado, desde el año 2015, con éxito en otras capitales del mundo, y el cual hace temporada venezolana con los magníficos actores Elvis Chaveinte y Kevin Jorges, en asombrosa e inteligente versión escénica de Rossana Hernández.

Esta Tebas Land inicialmente alude a las peripecias de un escritor empeñado en redactar una pieza teatral sobre un parricida, un joven gay prostituto que mato a su papá con 21 golpes certeros de un tenedor, por lo cual está preso y sentenciado, mientras drena su fatalidad jugando basquetbol.

Tebas Land también termina siendo la reseña de un amor homosexual, porque el prisionero, Martín Santos (Kevin Jorges), se enamora del curioso dramaturgo entrevistador y hay una escena que debe estremecer a la audiencia por la fuerza de los intérpretes, quienes hacen posible un enfrentamiento que es como una llamarada del más puro amor en medio de la oscuridad de todo ese relato escénico.

Los espectadores cultos o informados podrán disfrutar de los guiños que el dramaturgo Blanco hace, con los textos ante citados en el discurso de su pieza, y además escuchar fragmentos del Concierto para piano número 21 de Mozart, porque precisamente tan célebre compositor fue atormentado por su padre.

 El colofón del espectáculo es conmovedor y más de un espectador le atragantará la saliva porque es ver como el amor sí puede domar a las fieras o ser una grieta de luz para la recuperación del sentido de la vida misma, como lo plasma el presidiario Martín Santos al leer en una tableta las primeras páginas de Edipo, mientras el dramaturgo huye de sí mismo y no se sabe hasta cuándo, porque todo ha terminado con el estreno de la pieza que ha escrito y estrenado.

El espectáculo, que dura unos 150 minutos escénicos, en un solo acto, no cansa ni agota, sino que además lleva al público hacia una reflexión sobre el temible bullying, ese acoso irracional que se presenta en las escuelas y hasta en los mismos hogares, o en los mismos sitios de trabajo, con todos aquellos que son diferentes o no están dentro de las normas o convenciones de una sociedad machista y por ende autoritaria.

Para algunos críticos, en este texto Tebas Land se asoma a la temible metateatralidad ya que revela el curso de los mecanismos creativos y perfila así un panorama de laberintos psicológicos; todo un sugestivo trabajo, compuesto por sutilísimos y significativos planos interconectados, en el que están en permanente tensión lo trágico, lo ético y lo poético. Buen trabajo de la directora Hernández que sus actores materializan.

 O tal vez, como aseguran otros analistas, es una obra compleja y de una claridad cegadora al tiempo. O para decirlo, con nuestras palabras, es una maravillosa obra, arriesgada, bastante original, atractiva y bien construida que hemos podido ver y disfrutar, aquí en Caracas durante las últimas temporadas. Y donde se materializa, para que el público se deje capturar por una modesta cancha para el basquetbol carcelario, donde el protagonista pretende matar el tedio de su soledad interna y externa.

 A buena hora Rossana, Elvis y Kevin han presentado esta pieza en Venezuela, donde hay un público ávido de ver montajes de tales características, que, aunque puedan lucir viejos por sus temáticas, son muy apetecidos porque abordan temas eternos o porque están vigentes en este ahora.

EL AUTOR

El uruguayo Sergio Blanco se dedica a las artes escénicas desde los 18 años, edad en que decidió montar una puesta de teatro. Vive en Francia desde 1993, año en que ganó el premio Florencio Revelación y cuando fue becado para estudiar en la Comédie Française.

En estos días, mientras visitaba Montevideo, dictó un seminario de dramaturgia para actores y estaba preparando el estreno de Tebas Land, en el teatro Solís. Ahí admitió que su regreso era todo un viaje, porque “es reencontrarme con un Uruguay que yo dejé atrás hace 15 años, y es muy interesante, porque se ve que en estos años han pasado muchas cosas”.

 “Para mí, el teatro, como cualquier arte, revela más desde el dominio de lo sensible que desde lo racional. Trabajar en el Solís es una maravilla, sobre todo con este proyecto. Atahualpa del Cioppo, Taco Larreta y Nelly Goitiño fueron mis grandes maestros. Empecé de una forma autodidacta, cuando a los 18 años decidí dirigir Ricardo III en el Castillo del Parque Rodó, con un grupo de personas que estábamos empezando. Después me acerqué a distintas personas y maestros, y me pregunté por qué no elegir a mis propios maestros. Empecé con Aderbal Freire-Filho, siendo asistente en su puesta de Las fenicias, espectáculo de Molière que dirigió aquí. Con Nelly Goitiño trabajé como asistente de cátedra en la Escuela Municipal de Arte Dramático y con Atahualpa del Cioppo tuvimos un encuentro muy bello durante su último año de vida en 1993, año en el que yo estaba ensayando La gaviota y él me propuso hacer la asistencia. Ésta era una forma que me permitía encontrarme cada dos o tres tardes con Atahualpa”. “Él decía que era mi asistente, pero en verdad fue un aprendizaje muy grande para mí, no sólo de Chéjov, Stanislavski y del teatro ruso, sino también de lo que es el acontecer teatral. Quizá mi experiencia más intensa fue con Atahualpa, porque ya era mayor y estaba cerrando su vida; cuando lo acompañé a tomarse su vuelo rumbo a La Habana, falleció una semana después. Él sabía que estaba enfermo, creo que le gustó encontrar a alguien de 19 años, con toda su fuerza y que recién empezaba. Quizás lo más lindo de esos encuentros era lo periférico al teatro. Tengo el recuerdo de largas charlas en las que a veces no hablábamos de teatro, sino de lo que era la vida para alguien que estaba empezando a vivirla, frente a alguien que sabía que la estaba terminando”.

El Popol Vuh inaugura temporada 2019 de la CNT

José Luis León en la CNT.

Con ocho funciones de la comedia dramática Baño de damas, pieza original de Rodolfo Santana, la cual fue versionada y dirigida por Aníbal Grunn para la temporada 2018, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) cerró su temporada 2018, bajo la égida general de Carlos Arroyo, en su sede oficial: el teatro Alberto de Paz y Mateos, el otrora portaaviones de El Nuevo Grupo.

La CNT, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, también anunció el resultado de las audiciones realizadas para seleccionar a un grupo importante de reconocidos artistas que trabajará o participará en los diversos proyectos de la institución a lo largo de la venidera temporada 2019. Fueron elegidos: Gerardo Luongo, Yurahy Castro, Anderson Figueroa, Rubén Joya y Varinia Arráiz, para reforzar así el actual elenco estable de la institución, donde destacan Aura Rivas y Francis Rueda,entre otros.

Y además para realizar un laboratorio de capacitación teatral especial para jóvenes actores, con maestros de la CNT, fueron convocados: Javier Mesones, Yosmael Bello, Luz Ramos, Kevin Quintero, Kleiber Rodriguez, Yojhan Rivas, Yandra Duarte, Albanellys Alfonso, José Antonio Millán, David Vincent, Héctor Rodriguez, Luis Rojas, Jean Carlos Brito, Klaus Yánez, Milagros Díaz y Gilberto Osorio.

PROYECTOS 2019

El primer montaje de estreno en la CNT durante el  próximo año será una especial versión escénica, adelantada por José Luis León, del Popol Vuh, el libro sagrado del pueblo maya; después seguirá el espectáculo musical Un dorado llamado país, de Franklin Tovar, con música de Federico Ruiz, y continuará con la  pieza Baúles, de Néstor Caballero, además de  tener en su programación otros montajes de su repertorio, como Oscuro, de noche, de Pablo García Gámez; Develario, de Rodolfo Porras, y Baño de damas, una especie de "joyita de la corona" con la cual se ha presentado en varias ciudades del país, y, por si fuera poco, El rompimiento, de Rafael Guinand y Zamora, de Aníbal Grunn.

Próximamente, Carlos Arroyo, director general de la CNT, anunciará las fechas de los estrenos  y los respectivos elencos, además de una especial temporada en el teatro Municipal de Caracas, con el Popol Vuh.

Los 9 pioneros del teatro venezolano

EL INOLVIDABLE ROMEO COSTEA

Dos damas y siete caballeros llegaron a Venezuela, concretamente a su capital, entre 1945 y 1976 para apuntalar el desarrollo de su teatro. Nadie puede negar que las artes escénicas tienen una gran deuda con esos nueve pioneros que dieron valiosos aportes para su desarrollo en décadas difíciles por la carencia de mayores estímulos y porque el país aún no había despertado. Hoy los recordamos porque recién falleció Ugo Ulive, el único sobreviviente, pero él, como todos los otros dejaron sus huellas para siempre en la historia del teatro criollo.

La activa presencia desde mediados de la década de los cuarenta del siglo pasado de los directores y maestros Alberto de Paz y Mateos, Lily Álvarez Sierra  y su esposo Gabriel Martínez , Jesús Gómez Obregón, Juana Sujo, Horacio Peterson y Romeo Costea, y otros tres que recalaron aquí en los sesenta y setenta, determinó, la orientación general del teatro a lo largo de la segunda mitad del siglo XX y parte de lo que lleva recorrido este siglo XXI.
Su influencia fue decisiva “en casi todas las áreas del quehacer teatral, siendo particularmente productiva en lo referente a la formación para el arte dramático, por cuanto como directores modelaron estilos de puesta en escena más problematizados estéticamente y de mejor acabado formal, introdujeron en el ambiente a numerosos autores extranjeros relevantes de la época y a su vez promovieron nuevos dramaturgos nacionales, al tiempo que formaron actores y actrices, sin quienes no se habría desarrollado nada sobre los diversos escenarios del país”. Así piensa el psicólogo social y crítico de teatro Rubén Monasterios.
Esos nueve pioneros son:
Alberto de Paz y Mateos (Ponferrada, España, 1915/Caracas, 1967). Aventado por la Guerra Civil Española llega en 1945 y funda el Teatro Experimental en el liceo Fermín Toro, donde tuvo como alumnos a Román Chalbaud y Nicolás Curiel, entre otros. Entre 1950 y 1957, se desempeña como director artístico de la Televisora Nacional. En 1959, durante la celebración del I Festival de Teatro de Caracas, compitieron sendas agrupaciones preparadas por él: el Teatro Los Caobos mostró Chúo Gil de Arturo Uslar Pietri y la Federación Venezolana de Teatro presentó Abigail de Andrés Eloy Blanco. Todos sus montajes introdujeron conceptos nuevos con respecto a la escenografía, la iluminación y otros detalles plásticos.
Lily Álvarez Sierra (Chile, 1917/Caracas, 2000). Llega con su esposo Gabriel Martínez en 1948 y se quedan además con su compañía para exhibir espectáculos infantiles, especialmente su Alicia en el país de las maravillas en el Teatro Nacional. Se desplazan a Maracaibo y al Caribe, pero vuelve en 1952 para inaugurar la Televisora Nacional con un teleteatro infantil diario, de lunes a viernes, hasta 1956. En 1958 fundan su escuela y de ahí surge la Compañía Juvenil Venezolana, activa y dirigida ahora por sus nietos César Sierra, Natalia y Gabriela Martínez. Decían que el teatro se enseñaba en la escena y por eso sus clases pasaban fácilmente de la teoría a la práctica, aunque predicaba que el teatro infantil no era adecuado para formar actores, ya que hacer buen teatro exigía tener una buena capacitación, pero si era muy adecuado para enseñar al público. Formaron a comediantes como Ibrahim Guerra y Carlos Omobono, entre otros.

Jesús Gómez Obregón (México, 1920/1991). Este alumno del mítico maestro Seki Sano es invitado por el Ministerio de Educación para dictar un curso de Capacitación Teatral. Las inscripciones se abrieron el 30 de junio de 1947 y el 15 de julio inició actividades en el Liceo Andrés Bello. El curso se transformó en una escuela estable y productiva, ya que sus alumnos pasaron a ser inductores o auténticos fundadores de movimientos teatrales en diferentes regiones del país, como Eduardo Moreno en Valencia, Carlos Denis en Barquisimeto, Ildemaro Mujica en Mérida, Clemente Izaguirre en Maracaibo. Aquí en Caracas se formaron: Humberto Orsini, Gilberto Pinto, Alfonso López, José Torres, Alejandro Tovar, Daniel Izquierdo, Carmen Palma, María García, Luisa Motta, Fernando Villa, Pedro Marthan, Román Chalbaud, Luis Márquez Páez, Belén Díaz, Marcos Reyes Andrade y Bertha Moncayo. La dictadura perezjimenista los obligó a marcharse en el año 1952,pero regresaron y aquí hicieron sus respectivos mutis
Juana Sujo (Buenos Aires, 1918/Caracas, 1961). Desembarca en 1949 para intervenir en el proyecto cinematográfico de Bolívar Films, especialmente en el largometraje La balandra Isabel llega esta tarde, basado en el relato homónimo de Guillermo Meneses. Y se queda para inaugurar al año siguiente su Primer Curso de Arte Dramático en las instalaciones del Museo de Bellas Artes, lo cual origina una institución estable denominada Estudio Dramático, hacia 1952; bajo su tutela se forman figuras protagónicas del acontecer teatral de los años siguientes como Esteban Herrera, Margot Antillano, Maritza Caballero, América Alonso, Manola Garcia Maldonado, José Antonio Gutiérrez, Guillermo Montiel y Doris Wells entre muchos otros, como es el peculiar caso de su pupilo Porfirio Rodríguez que a la muerte de Juana siguió con su Escuela de Arte Dramático, rebautizada en su honor y aun funciona y gradúa comediantes, gracias a la conducción de Andrés Martínez.

Horacio Peterson (Coquimbo, Chile, 22 de abril de 1922/Caracas, 25 de noviembre de 2002). Llegó procedente de Buenos Aires, junto a la actriz Juana Sujo y el director Carlos Hugo Christensen, en abril de 1949, para impulsar el proyecto de Bolívar Films. Intentó proseguir su éxodo, pero había conocido al comediante Esteban Herrera y este, para retenerlo, lo puso en contacto con Anna Julia Rojas, presidenta del Ateneo de Caracas, quien le pidió que creara una escuela para actores. Aceptó el difícil encargo y comenzó a trabajar desde marzo de 1951 hasta mediados de 1971, cuando se mudó de la casona ateneísta, que funcionaba en la entrada al Parque Los Caobos, y creó el Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas, instalado en un pequeño edificio de la avenida México, en la acera norte del Hotel Hilton, dirigido ahora por Carmen “La Negra” Jiménez. Durante su larga pasantía por el Ateneo y después en su Laboratorio, formó a miles de actores y montó no menos de 179 obras teatrales.

Romeo Costea (Braila, Rumania, 14 de enero de 1922, Caracas 05 de Septiembre de 2015). Es el último pionero o maestro europeo que se instaló en Caracas, precisamente el 24 de diciembre de 1953. Vino desde París y se quedó para fundar el grupo Compás, al amparo de la Alianza Francesa. Es el gran introductor de los clásicos y contemporáneos galos, así como del teatro de Eugene Ionesco y Samuel Beckett. Tuteló decenas de actores, entre los cuales destaca Omar Gonzalo. Lanzó a Isaac Chocrón con su ópera prima Mónica y el florentino, en 1958.

Ugo Ulive (Montevideo,1933, Caracas,2018). Lo trajo, en 1967, la buena gente de El Nuevo Grupo para que dirigiera sus espectáculos. Lo hizo tan bien que era el único rival del maestro Carlos Giménez en lo que a puestas en escena se refiere. Escribió su primera pieza, Prueba de fuego, centrada en el drama de la pacificación de la guerrilla, la cual ahora es mostrada en el Trasnocho Cultural.

Carlos Giménez (Rosario, Argentina, 13 de abril de 1946/Caracas, 28 de marzo de 1993). Su accionar como maestro, director y gerente cambió los derroteros del teatro venezolano. Desde 1969 hasta 1993 fue el gran motor de una actividad artística única que colocó al país en el mapa teatral del mundo, especialmente por sus festivales que le enseñaron a los criollos lo mejor de la escena internacional. Tras su muerte nadie lo ha podido igualar ni copiar, aunque quedan videos de sus montajes, irrepetibles para estos tiempos. Fue un huracán y por eso mismo inolvidable para quienes lo conocimos. Ahora todos aseguran que fueron sus alumnos y lo citan con pasión, pero él las pasó difíciles hasta que se impuso. De su emporio cultural no queda nada,solo la memoria y los esfuerzos que hace William López para que no desaparezca la sala Rajatabla, por donde pasan las nuevas generaciones.

Juan Carlos Gené (Buenos Aires, 6 de noviembre de 1928, Buenos Aires, Argentina - 31 de enero de 2012). Es el gran maestro del teatro argentino y uno de los más importantes del mundo. Aquí estuvo entre 1975 y 1993 para fundar el Grupo Actoral 80 y apuntalar el desarrollo del Celcit, además de enseñarle el abcé teatral a Mimí Lazo, Héctor Manrique, Iván Tamayo y Carlos Cruz, entre otros de sus numerosos alumnos. Su última visita fue para escenificar, con su mejor estilo, El día que me quieras, de José Ignacio Cabrujas, y reiterar así que es la pieza de un siglo y recordar, una vez más, que es "una espada de Damocles" para los falsos revolucionarios y los que los sigan. Fue una producción de Héctor Manrique para festejar los primeros 20 años del GA-80.

Teatro tenaz de la mujer

Maigualida Gamero no ha llegado todavía a los 50 años pero ya es una importante artista activista del teatro venezolano. A ella le preguntamos:

¿Por qué hay pocas mujeres en el teatro venezolano entregadas a la promoción y dirección, entre otras actividades? 

Esta pregunta me parece muy interesante, me recuerda que durante el 2015 viajé a Mérida, Yucatán, México a representar a Venezuela en el I Encuentro de la Mujer en la Escena Latinoamericana, fui la única invitada por Venezuela, y mi ponencia la sacaron en un libro junto a las demás. Allí yo rescato la labor de, por ejemplo, Jorgita Rodríguez, Karla Fermín, Karin Valecillos, entre otras mujeres que damos el 100% con pasión por el arte; pero también digo que lo que se conoce afuera es la obra de los hombres actores, directores, gestores… Pero es el momento de la mujer nuevamente.

¿Qué pasa con la mujer en el teatro venezolano?

En el teatro caraqueño el papel de la mujer se ha visto repotenciado en el área de la producción teatral, así como nuevas directoras y escritoras. Sin embargo, creo que uno de los problemas ha sido el de no poder publicar textos en físico. La difusión se ha hecho mucho más a autores masculinos, según mi punto de vista. Desde la Producción y la Gestión teatral comercial encontramos a Jorgita Rodríguez. En el área pública o del Estado a Ingrid Ross. A Sofía Mirabal, en el área independiente y a Karla Fermín. El teatro desde la mujer caraqueña es un teatro tenaz, guerrero, luchador. Un teatro que lucha por obtener su espacio. Es un trabajo de hormiguita donde hay que ganarse el respeto a punta de perseverancia, es así como particularmente veo y trabajo por este sueño de hacer ciudades más creativas.  Hacer ciudadanos y no solo habitantes de un espacio. Sueño con ciudadanos que vivan y construyan ciudadanía.

¿Hay misoginia en el teatro venezolano?

Yo creo que no. Simplemente pienso que las mismas mujeres debemos darnos la visibilidad que pedimos. Hay muchas mujeres productoras, escritoras diseñadoras y directoras, buenas, creativas, solo que no le hemos dado la difusión necesaria, pero eso es un asunto de cada quien, el de hacerse visible.  Yo no he sentido misoginia cuando he ido a solicitar apoyo para mis eventos, han sido más las veces de actitud abierta, apoyo, que los reveses, aunque sí me han cerrado puertas, pero donde una puerta se cierra... hay otras que se abren.  Y mi agrupación Festea es un ejemplo de ello. Son 15 años dando ese encuentro, el cual que me ha permitido traer grupos foráneos tanto del exterior como del interior. 

¿En cuál de ellas se siente mejor?

Me encanta la planificación de eventos culturales, la creación de escenarios de encuentro, Festea es un ejemplo de ello. Lo que nosotros en Pathmon Producciones llamamos la Gerencia Teatral creativa. La Producción me gusta mucho. La Dirección escénica me tienta siempre y la ejerzo con pasión, la Actuación me permite ejercitarme como decía Artaud "como una atleta de los sentimientos", para conmover. 

¿Qué ha pasado con usted durante este año?

El 2018 me trajo el viajar a Estados Unidos por primera vez. Visitar Miami fue un logro al participar en el Festival del Monólogo Latinoamericano "A una sola voz", organizado por Havanafama Teatro.  Representar a Venezuela con un texto del venezolano Jan Thomas Mora del cual he dirigido algunas de sus obras y actuado en ellas. La obra que llevé fue La Taconera, dirigida por Carlos Del Castillo. Ha sido un reto porque es mi tercer monólogo; también llevé La madre Pasota, de Darío Fo, el cual llevo 14 años haciéndolo.  Lo más significativo fue la autogestión para el viaje, lo hago porque me gusta, me apasiona, pero qué bonito sería que nuestro ente oficial cultural nos diera apoyo a todos los artistas que vayamos a representar al país ese sería un verdadero cambio. A nivel nacional el haber realizado la edición número 15 del Festea fue un esfuerzo titánico en un año sumamente difícil; prácticamente sin dinero; solo con el apoyo de unos cuantos... pero salimos adelante, los participantes siguen apoyando nuestro evento y eso simplemente se agradece. También presentamos nuestro montaje de Federico y Dióscoro, en el Festival de Teatro de Caracas, un texto del español Rubén Buren. Ha sido un año de menos producciones, más de realizar Talleres. Además el 2018 me trajo a nivel escénico y académico ingresar a la Escuela César Rengifo como Docente de Actuación 3, Historia comparada de las artes y Escritura creativa, una nueva etapa en la Escuela en la que me formé como actriz. 

¿Profundizará lo que hay para el año entrante?

Proyecto Festea Escuela continuará con el Festival Teatral de Autor que, como iniciativa de mi agrupación Pathmon Producciones, le dedicamos la pasión por crear sueños para representarlos. Somos una iniciativa particular que recibe apoyos mixtos. Somos un evento de conciliación, de verdadero desarrollo y apoyo a los jóvenes creadores. Por ello el enfoque cambiará...este año ha servido para reflexionar sobre muchas cosas. También pensamos llevar a escena un nuevo texto del español Buren y la planificación de alguna gira internacional. Se vive y se sueña o se sueña y se vive.

Venezuela presente en el teatro de Pablo García Gámez

Otro autor que piensa en su país.

Pablo García Gámez no se duerme en los laureles, que en este caso serían los dólares que se gana con su trabajo artístico en Nueva York, donde vive desde hace ya un cuarto de siglo. El estreno y la temporada de premiada pieza Oscuro, de noche, la más reciente producción de la Compañía Nacional de Teatro, lo ha revitalizado ante el público venezolano. Por eso lo entrevistamos.

¿Te hemos notado muy activo en estos días?

He estado activo en teatro, pero no con la intensidad que quisiera.  Después de dirigir Cariaquito Morao en Nueva York y de ver las funciones de Oscuro, de noche en Caracas, tuve que centrarme en las clases de español que doy en York College (CUNY) y concentrarme con la tesis que debo defender a comienzos de 2019; paso el día dando clases, preparando la lección siguiente, corrigiendo exámenes, tareas.  Fuera de eso, el grupo Harlem 9 publicó 48Hours… in The Bronx, antología de las dos experiencias de esta actividad con autores latinos en la que participé a comienzos de año; escribí Eclipse Total en G.T.s. de 10 minutos en 10 horas para estrenarla al día siguiente de la entrega en Pregones y el Teatro Rodante Puertorriqueño.  Ver la obra publicada fue una grata sorpresa. 

¿Qué nueva obra hay para montar?

Al momento, no tengo nada pautado para realizar en Nueva York.  Siempre digo eso a fin de año y después paso el año metido en varios proyectos a la vez. Los proyectos concretos los tengo en Caracas y en Madrid. Para la escena caraqueña van dos monólogos: Taller de Actuación Espina, con Francis Rueda bajo la dirección de Oscar Acosta, que se estrena en la Sala Experimental del Celarg el 8 de marzo 2019, Día Internacional de la Mujer.  Demás está decirte la contentura que me da ese proyecto porque Oscar es un teatrero que respeto por su talento, saberes y verticalidad; a Francis la admiro hace décadas: es una actriz de inmensas posibilidades que se entrega de lleno a los retos que asume.  Es un trabajo en el que Francis interpreta a una maestra que, al ofrecer una utopía para sobrevivir a la rutina, crea situaciones completamente neuróticas.

El segundo monólogo es Cheily: princesa de Catia, cuyo estreno está pautado en abril 2019.  En él trabaja Annie Ferrer, actriz que conocí hace unos años; Annie vive empecinada en aprender diversos códigos, experimentar en escena y además tiene gran potencial.  La dirección está a cargo de un viejo amigo: Maenys Pérez Rojas, teatrero underground cuyas propuestas se orientan por el rigor y el trabajo artesanal para brindar lecturas alternas, lo que redunda en beneficio del sueño Cheily: encontrar su príncipe catire.

 Está el proyecto Juego a ser realizado en Madrid.  La producción está a cargo de Globo Teatro de Luis Garván.  Es un proyecto en el que confluyen grupos migratorios de diversas regiones del mundo y las respuestas que reciben en los espacios donde buscan protección.  A Luis agradezco haberme invitado a participar junto a los autores Pepe Domínguez, César Eduardo Rojas y Alfonso Pindado. Hemos intercambiado borradores y el asunto es ambicioso porque las historias constantemente se cruzan.  La pieza que desarrollo para el proyecto, Busca-la-vida está bastante adelantada.

¿Qué haces en este invierno 2018?

El invierno, además de pasar frío, será para la tesis.  Tengo la energía concentrada en finalizar ese proyecto. 

¿No preguntas por lo que acá se cocina en los escenarios? 

Mira, sigo de cerca lo que por allá se hace.  Escribir implica curiosidad. Cuando puedo, entro a las redes sociales.  Me gusta ver imágenes de los diferentes montajes, hay fotos impactantes.  También reviso los títulos de la cartelera, comentarios, críticas para tener idea de qué se representa y por qué: por qué determinada obra, qué cosas puede sugerir al espectador, qué impacto puede tener en él.  Ello me lleva a tener una idea del país a partir del teatro. Ese país está conmigo.

"Baño de damas" cierra temporada 2018 de la CNT

Un texto muy actualizado, el cual se presentó en varias capitales del interior del país.

 No ha sido fácil para  todos los artistas criollos hacer su teatro por múltiples razones, pero quienes sí lograron conciliar el talento con el capital y el indispensable talento creativo sí pueden ir haciendo sus justos balances,  tal es el caso de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), la cual escenificó varios textos de autores venezolanos, tal es el caso de Baño de damas, emblemática pieza de Rodolfo Santana la cual ahora cierra la temporada 2018,en la sala Alberto de Paz y Mateos, con ocho funciones del 6 al 16 de diciembre, de jueves a domingo, a las 4PM.

BREVE HISTORIA

A 31 años del estreno de Baño de damas en la sala Anna Julia Rojas, del otrora Ateneo de Caracas, logrado con gran éxito de público por el creativo y “guerrero” Ibrahim Guerra, y a cinco lustros de la huida del fundador y líder estético del grupo Rajatabla, Carlos Gimenez, el director Aníbal Grunn realizó una ejemplar versión escénica del célebre texto de  Santana e hizo  una bonita temporada en el teatro Alberto de Paz y Mateos como parte de  la programación 2018 de la Compañía Nacional de Teatro, institución productora que ahora  comanda Carlos Arroyo.

Para este montaje de Baño de damas, el tercero que se logra después de que también la presentara Gerardo Blanco en la otrora sala ateneísta durante la temporada 2002, el vestuario y la escenografía son creación de Hector Becerra y participa un sólido elenco de profesionales integrado por Aura Rivas, Jean Manuel Pérez, Citlaly Godoy, María Brito, Dora Farías, Livia Méndez, Marcela Lunar, Marxlenin Cipriani, Francis Rueda, Kala Fuenmayor, Verónica Arellano, Randimar Guevara y Gustavo Meléndez, todos iluminados por el sociólogo Alfredo Caldera.

Para este montaje que  se ambienta en el supuesto foyer del lujoso baño de una discoteca caraqueña y que  está en el otrora  gran “portaaviones” de El Nuevo Grupo,  el director Grunn desechó el  brutal hiperrealismo propuesto por Santana, ya que no quería ni las pocetas ni los lavamanos de los baños tradicionales, y se entregó al estudio y revisión, además de discretas podas, del texto original; porque quería trabajar sobre las historias de las mujeres venezolanas ahí representadas, con ese “mundo maravilloso, complejo y tan actual”.

Cuando descubrió el verdadero conflicto de la que sería su versión, ambientado en un local de la Caracas contemporánea, se dio cuenta de lo que pedía Santana, hacia donde apuntaba sus baterías. Se trataba de una obra coral, donde todas se unen para enfrentar su gran conflicto: el machismo. Y todo el elenco aceptó que se trataba de hacer una comedia no solo para que el público la pasara bien, sino que también reflexionara a partir de las 14 historias personales que ahí se iban a plasmar.

De todo ese trabajo de mesa quedó una sinopsis relativamente simple: una mujer, “de pueblo”, cuida los baños y tiene que atender a su nieta de 15, que lleva tres meses de embarazo ,al tiempo que espera por un informe médico sobre su esposo hospitalizado de emergencia; y todo esto se desarrolla, a lo largo de 70 minutos de tiempo real, donde doce mujeres y dos hombres desocupan sus cuerpos y sus almas de todos los conflictos que les acosan: un marido celoso que golpea a su pareja, una parejita de jovencitas consumidoras de drogas y además lesbianas que son recriminadas por una alegre madre que quiere lo mejor para su hija, una actriz de televisión que disfruta de su fama y de la solidez de su cuerpo, un transexual que trabaja como mesonero en ese local y que sueña someterse a una operación  definitiva en Bogotá, un diputado de la Asamblea Nacional que todo lo resuelve a puñetazos y amenaza a quienes se le opongan con un pistolón, y una mujer que planifica abortar para evitarse mayores problemas en su relación con la pareja que tiene. En fin, un mundo femenino, a la venezolana, en su mayoría entregado a la diversión, pero sin olvidarse que la vida continua después de ese noche de jolgorio.

En síntesis, Baño de damas no es una simple comedia para reírse a costillas de los personajes ahí plasmados, pues ahí están los ejemplos básicos de la violencia de género, las prácticas abortivas, los embarazos no deseados ni planificados por no existir una cultura sexual racional, además de otras “perlas”, como la homofobia y la transfobia. Una temática global que hace 30 años era un asunto cotidiano y que ahora en segunda década del siglo XXI no sufrido mayores alteraciones, salvo que la transexualidad ahora es más aceptada y cuenta con mayores y mejores técnicas para la temible RQS, pero las discriminaciones están a flor de piel, a pesar que la CRBV 1990 impera…pero no se aplica totalmente.

MONTAJE 2018

Santana llegó a la elaboración de este texto porque escuchó una grabación de conversación de unas mujeres   en una discoteca caraqueña y de ahí salió un texto ampuloso, que inicialmente duraba dos horas en escena.

El montaje de Grunn es austero, nada de excesos, los personajes entran y salen al foyer, van a los baños, y vuelven a la rumba, mientras que la cuidadora del baño espera el desenlace fatal de su marido, con más de 30 años de matrimonio, y recrimina la liberalidad sexual de su hija. Muestra una cotidianidad casi kafkiana: unos trabajan y sufren mientras que otros se divierten. La realidad siempre será superior a la ficción teatral, por supuesto, otros dirían que vivimos el mito de Sísifo sin saberlo.

Para Grunn, Baño de damas no es solo una obra de mujeres, definitivamente es una obra feminista, donde los valores, debilidades, inseguridades, contradicciones y luchas están presentes en el escenario. Cree que el universo profundo de ellas, las clases sociales, sus miedos y sus aciertos están representadas en la obra y muchas de esas situaciones no están resueltas. Ellas, las mujeres, y los transexuales y las lesbianas viven y cuando entran al baño, se sienten seguras, unidas, acompañadas, fuertes. El sector masculino está mal representado, es brutal y verosímil pero Santana no tuvo tiempo de maquillarlo.

CODA

 El balance de la CNT para este 2018 que está culminando consta además de tres versiones escénicas de El rompimiento de Rafael Guinand,  y los montajes Develario de Rodolfo Porras y Oscuro, de noche de Pablo García Gámez, sobre los cuales hemos escrito con anterioridad.

Un aporte valioso al desarrollo teatral del país por un puñado de artistas profesionales que saben hacer lo suyo. Y se espera que el 2019 sea igual de importante y creativo.

El pequeño poni advierte al bullying escolar

 Un teatro que copia a la vida

Un informe de la Unicef encendió las alarmas en los hogares y escuelas de todo el mundo al revelar que la mitad de los estudiantes de 13 a 15 años de ese universo (150 millones) dice haber sufrido algún tipo de violencia de sus compañeros de la escuela o en su entorno, eso que se conoce como bullying, fue difundido por la agencia EFE, el 6 de septiembre de 2018, en el diario catalán El periódico.

Según ese documento, titulado Una lección diaria #STOPViolencia infantil en las escuelas, el acoso y las peleas físicas interrumpen la educación normal de 150 millones de niños de entre 13 y 15 años a nivel global. El informe indica que esa violencia entre iguales, cuyo indicador es el número de niños que dicen haber sufrido acoso o haber participado en una pelea física en el último año, es algo generalizado en la educación de los niños en todo el mundo. Esta realidad afecta el aprendizaje y el bienestar de los estudiantes, tanto en países pobres como ricos, según Unicef.

 "La educación es clave para la construcción de sociedades pacíficas y, sin embargo, para millones de niños alrededor del mundo la escuela no es un lugar seguro", lamentó Henrietta H. Fore, directora ejecutiva de Unicef. Para Fore, "cada día, muchos estudiantes, ya sea en persona o en internet, se enfrentan a una serie de peligros, desde peleas, presión para que formen parte de pandillas o intimidación a formas de disciplina violentas, acoso sexual o violencia armada. Estas situaciones afectan su aprendizaje en el corto plazo, y a la larga pueden provocarles depresión, ansiedad y hasta llevarlos al suicidio. La violencia es una lección inolvidable que ningún niño debería de aprender", advierte.

Incluimos en esta reseña una información tan especializada para advertirle a los lectores que actualmente se presenta en Espacio Plural de El Trasnocho Cultural el excelente espectáculo teatral El pequeño poni de Paco Bezerra (Francisco Jesús Becerra Rodríguez, Almería, 1978)  centrado precisamente en el bullying o violencia escolar, gracias a la producción profesional adelantada por el Grupo Teatral Skena, donde participan, convincentemente, los actores Juan Carlos Ogando y Ana Freitas, bajo la correcta y precisa dirección de Daniel Dannery, en funciones los viernes a las 5:00 pm y sábados y domingos a las 4:00 pm, donde se mantendrá hasta el 16 de diciembre.

¿Y cómo el temible bullying se hizo parte del teatro mundial actual y llega a Venezuela? Paciencia, El pequeño poni no es otro montaje del mal llamado “teatro comercial”. No, es una catedra, muy didáctica, sobre lo que la pasó a un niño de 10 años, Luismi, que es fanático de los dibujos de la serie de cine y televisión My Little Pony lanzada al mercado mundial desde los años 80, en Estados Unidos. Con esta pieza teatral, basada pues en hechos reales, como los que registra el documento de la Unicef, se reitera una vez más que la realidad nutre el teatro y que este, como creación didáctica que es, lo utiliza para educar y además entretener, en el caso de la producción venezolana es artísticamente perfecto y además impactante por las actuaciones de Ogando y Freitas.

Con El pequeño poni el teatro venezolano insiste en usar la teatralidad realista para sus espectáculos y en este caso utilizan una sobria mesa de comedor, con dos sillas, un sofá de un puesto y una pantalla para un video con la imagen de Luismi que va cambiando a medida que avanzan las acciones escénicas y lo puntualiza el texto de los padres de Luismi, Jaime e Irene. Se siente y se ve una atmósfera sobria que apuntala el texto y las acciones teatrales. Buena dirección ahí detectable.

 En El pequeño poni, ha comentado Ogando, se reitera que Luismi lleva a su colegio un pequeño maletín adornado con los dibujos de My Little Pony y desencadena una inusitado acoso escolar o bullying un hostigamiento escolar, matonaje escolar o maltrato escolar, que no es otra cosa que el maltrato físico, psicológico, verbal o física de forma reiterada en las aulas y temas espacios de la escuela. Dicho en criollo es un chalequeo más. Pero centrado en los varones y las hembras menores de 18 años, por ahora,   pero eso también sucede en los adultos y se torna en algo más grave y hasta peligroso.

Se trata, pues, como han reiterado los artistas venezolanos que hacen posiblemente El pequeño poni, de una problemática que afecta a muchas familias del mundo occidental donde Venezuela no está excluida, además, como lo podrán constatar los espectadores caraqueños por ahora. “Con la pieza se busca hacer un llamado, no de manera pedagógica, de atención a los espectadores acerca del tema del bullying y muy por debajo los temas de identidad sexual, que pueden ser en muchos casos el causante principal de las burlas”. 

Pero hay que reiterar que El pequeño poni no es una obra infantil y su mensaje está directamente enviado a los padres que podrán, al finalizar la historia, tomar sus propias conclusiones acerca del tema. Esta obra, escrita y montada en 2016 ha dado la vuelta al mundo, montándose en otros países como: Chipre, Alemania, Argentina, Grecia, Uruguay, China e Inglaterra, lo cual demuestra el poder que tiene esta temática en la sociedad mundial, de la cual ni un solo rincón se escapa.

REALIDAD HECHA FICCIÓN

El pequeño poni no es producto de la ficción, es una cruda realidad teatral construida por Paco Bezerra y el director Luis Luque, para mostrarla durante la temporada española de 2016. Se trata, pues, de Luismi, que es un niño de carne y hueso, que si existe y tiene, desgraciadamente, muchísimos otros nombres. Y, en concreto, dos: Como registra, la agencia EFE, en Carolina del Norte, Estados Unidos, hace apenas tres años, Grayson Bruce, también de nueve años, no pudo entrar a su escuela después de sufrir ataques físicos y verbales repetidos por parte de sus compañeros por llevar una mochila de esta serie de televisión. La dirección del centro lo consideró "detonante de acoso" y acusó al pequeño de "disrupción en el aula". Un mes antes, otro chico de 11 años llamado Michael Morones sufrió un episodio similar por seguir estos dibujos. Intentó suicidarse y hoy sufre daños cerebrales irreversibles por la falta de oxígeno.” Sin quererlo, la serie My Little Pony se ha convertido en uno de los mayores símbolos de la lucha contra el bullying a nivel mundial”.

Paco Bezerra leyó las historias de estos dos muchachos y no se quedó en un mero titular de periódico. Se reunió con el director Luis Luque y parieron un texto tan descarnado y real como imprescindible en una sociedad que necesita profundizar mucho más en la lucha contra el acoso escolar. El pequeño poni, es un retrato sensato y necesario sobre el miedo, la soledad, la inseguridad y eso denominado la 'dictadura de la mayoría'.

Como lo han acentuado los críticos y periodistas españolas, lo interesante de la obra creada por Bezerra y Luque es que se aborda el acoso escolar desde el ámbito familiar. ¿Cómo afrontan los padres una situación tan terrible? "Creo que donde teníamos que ir es al micromundo familiar, que es donde se generan los dioses y los monstruos. En este caso queríamos contar la historia a través de las voces de los padres", analiza el director español de El pequeño poni, por momentos tan cruda y dolorosa como incómoda en nuestro fuero interno, enfrenta a la madre de Luismi (quien está presente sin aparecer en toda la función), que quiere a toda costa protegerle y justifica esa mayoría y 'lo normal', y a su padre, más visceral y beligerante aunque se le acaba yendo de las manos. Pero en el fondo todo estriba en un planteamiento tan sencillo como poderoso: aceptar al diferente".