Las claves para ganar premios de teatro

 Pablo García Gámez, dramaturgo exitoso.

Gracias al Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana 2017 por su texto Oscuro, de noche y al impactante montaje que le hizo Carlos Arroyo con la Compañía Nacional de Teatro, durante la temporada 2018, el caraqueño Pablo García Gámez es noticia permanente en Nueva York (donde reside desde hace más de 25 años), ya que destaca y lo galardonan además, y aquí en Venezuela. Esto que es muy bueno ha despertado ciertos resquemores o “verdes envidias”.

Y aquí tenemos las respuestas de García Gámez a eso y otras cosas más

¿Cuál es la clave para ganar tantos premios, es que no hay otros concursantes?

Claro que hay colegas muy buenos. No sé si será parte de la clave, pero escribo sobre temas que me apasionan: el desarraigo, el paso del tiempo; sobre la periferia y sus personajes. Durante el día me lleno de imágenes, vivencias, conversaciones sueltas, recuerdos, cuestionamientos que exploro con la palabra y el tiempo. Un factor de mi escritura es que la vida ha transcurrido desde el margen y que tengo arraigado un sentido de pertenencia a diversas minorías en diversos espacios. Se dio el hecho afortunado de caer en conciencia de ello y poder revisar ese proceso. De ahí el re/sentimiento, doble sentir de esas experiencias. A mis estudiantes les digo que traten de ver la situación desde la periferia, que escriban sobre lo que quieren ver en escena, que sus obras pregunten, interpelen al espectador. Que sean fieles a su trabajo, que no hay que estrenar mañana.

¿Cómo hace? ¿Tiene a otros, llamados “negros”, que escriben por usted?

¿Cómo hago? ¿Qué hago? Escribir. Es la única manera. Dedico aunque sea una hora al día porque quiero escribir, porque necesito escribir, porque tienen que salir esas voces, porque me gustaría verlas en escena. Hace un par de años estoy desarrollando la tesis doctoral sobre teatro y comunidades hispanas en Nueva York y no he dejado de escribir teatro. Edgar, ¡llevo 32 años escribiendo! El montón de obras sale porque estuvieron guardadas todos estos años. Guardadas no, intenté difundirlas en diversos momentos, pero el canon de la dramaturgia es un filtro; de hecho, el canon es de naturaleza cogollística. A Venezuela las mandé a grupos, productores; tuve una única respuesta sobre una obra: “es interesante”. Aquí mandé a concursos y así fueron saliendo a la luz. Agradezco a la Compañía Nacional de Teatro por Oscuro, de noche y a la Escuela Juana Sujo por presentar ¿…Y qué es Nueva York? (Cariaquito Morao). Fue un modo de aceptación de mi identidad. Por cierto, pienso que sería productivo abrir de nuevo los concursos de dramaturgia a venezolanos que no residen en el país: si una de las metas es moldear una identidad nacional, muchos fuera de las fronteras podemos y tenemos que aportar como aportamos haciendo lecturas o producciones de colegas que viven allá, cuyas obras ameritan ser leídas en otros contextos. Volviendo a las piezas, escribí Cariaquito Morao hace 27 años. De repente, se da la coyuntura y gana el ACE de dramaturgia y de actuación en monólogo. Con la pieza que ganó el LATA, Eclipse Total en G.T.s, es diferente: en 2018 fui invitado por Harlem 9 y Pregones para participar en 48Hours in The Bronx, actividad en la que durante dos días trabajas en equipo para hacer un montaje incluyendo el texto. Me tocó trabajar un bar gay en los ’80 y escribí un texto para recordar a los que se nos fueron por el SIDA y celebrar a los que están; el premio LATA fue el sábado 9 de febrero y no pude ir por la tesis… y porque estoy con el borrador de algo que creo será una obra.

¿Cuántos premios hasta ahora y en cuántos concursos más piensa participar?

Unos 14 o 15 premios. Participaré en los que salgan. No tengo el apoyo de una infraestructura, hace rato que no soy joven. Tengo un montón de obras que no han visto luz y que, modestia aparte, me parecen buenas.

¿Qué hará en esta primavera?

Lo prioritario: defender la tesis para volver a la vida de civil. Por ahí, en abril participaré en una conferencia de posgrado en Chicago hablando sobre un performance que relaciona a la mujer con la condición de seropositivo.

¿Se puede hacer millonario con tantos galardones o sigue en las mismas actividades docentes?

Moriré docente porque si espero por los millones…  La función del premio es el reconocimiento de una comunidad a un trabajo que a su criterio, destaca por determinados factores.  Y eso se agradece.

Eduardo Porretti es embajador de Argentina en Venezuela

El escritor y diplomático, Eduardo Porretti, fue designado Embajador de la República Argentina en la República Bolivariana de Venezuela, nombramiento que se conoció a través del decreto 122/2019, publicado este martes 12 de febrero en el Boletín Oficial de la República Argentina, con la firma del presidente Mauricio Macri y del canciller Jorge Marcelo Faurie.

Eduardo Porretti viene de desempeñarse, desde finales del año 2015, como Encargado de Negocios de la delegación diplomática argentina en Venezuela; estudió Ciencia Política en la Universidad Nacional de Rosario; Ciencias Sociales en FLACSO. Master en Global Affairs, New School for Social Research. Desde 1993, se desempeña como miembro del Servicio Exterior de la Nación Argentina. Por sus labores diplomáticas, estuvo en las delegaciones de Argentina en Colombia y Cuba. Antes de llegar a Venezuela, trabajó en la Misión Permanente de la República Argentina ante las Naciones Unidas.

PORRETTI NARRADOR

Eduardo Porretti, (Entre Ríos, Argentina, 1963), es un narrador que se desenvuelve con acierto entre la escritura de ficción y el ensayo, con creaciones como  Naturaleza Humana , compuesto por 31 relatos escritos en La Habana, durante su desempeño en el cargo de Consejero Cultural de la Embajada de su país en Cuba, (Ediciones del Dragón, Argentina, 2003).  La Nación Elegida , un ensayo sobre el rol de la religión en la política exterior de los Estados Unidos de América, publicado en 2010, por la Editorial UNL, del Centro de Publicaciones de la Universidad Nacional del Litoral, Santa Fe, Argentina.

En agosto de 2017, presentó en Caracas,  Geografía Anímica , libro de relatos escritos en Venezuela, publicado por la Editorial El Estilete, en un acto realizado en la Librería Lugar Común, ubicada en Las Mercedes, al este de la capital venezolana.

Porretti, creó, en 2009, el sitio web La astucia de la razón, título de la obra, publicada en 1990, del filósofo, periodista, guionista cinematográfico, y prolífico escritor, José Pablo Feinmann, quien tiene en su haber doce novelas publicadas, una docena de ensayos, guiones de cine y obras de teatro; aparte de ser considerado, (valga la reiteración), como uno de los filósofos más influyentes de la sociedad argentina de estos tiempos.

En 2013, a Porretti, la Editorial Fundación Arnoldo Ross le publicó su libro  La astucia de la pasión , (juego de palabras sobre el apotegma hegeliano de la astucia de la razón); introducción a la obra de José Pablo Feinmann, un ensayo literario y compilación, presentado el jueves 25 de julio de dicho año, en el Centro Cultural Ross, de la ciudad de Rosario, Provincia de Santa Fe.

A José Pablo Feinmann, la acuciosa indagación de su obra, por parte de Porretti, lo motivó a decir: “Sólo es necesario un momento, un tajo en lo real, [...] Que no significa nada pero lo significa todo [...] decirlo todo sin desbocarse, abrirnos la totalidad de lo real por medio de una hendija. Son pocos los que lo consiguen. En este libro, para júbilo de sus lectores, impecablemente, con un talento fresco, sin alharacas ni exuberancias, lo consigue Eduardo Porretti.” (Tomado de LT10, emisora de radio de la Universidad Nacional del Litoral, Santa Fe, Argentina, 25 de julio de 2013).

"Oscuro,de noche" llega a Unearte

Oscuro, de noche, espectáculo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) hará temporada en la sala Anna Julia Rojas, de Unearte (Universidad Nacional Experimental de las Artes), del 15 al 24 de marzo, en funciones de viernes a domingo, a las 4 PM.

Este montaje de la CNT, estrenado durante su temporada 2018 en la sala Alberto de Paz y Mateos, es una versión escénica lograda por el director Carlos Arroyo a partir del texto original de Pablo García Gámez, ganador del Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana 2017.

Oscuro, de noche tiene una sinopsis que los lectores, eventuales espectadores del espectáculo deben conocer: Kenny Javier Barrios, de 25 años es víctima de la violencia urbana: pierde la vida y la roban su motocicleta recién comprada. Sus padres se enteran de la noticia y además comienzan a luchar contra las imágenes negativas de Kenny.  Ellos hacen lo posible por cumplir con los rituales funerarios, pero encuentran una serie de obstáculos: la abuela Mercedes está seriamente enferma, los medios mencionan que hacía actividades ilegales, el proceso en la morgue dura más de lo debido, las funerarias se niegan a velar su cuerpo.  Tratan de resolver cada problema en la marcha buscando encontrar una paz que no llega.  Mientras tanto, tres testigos narran sus versiones que se niegan a compartir con las autoridades. Deja una novia enamorada, Lucía,madre soltera de un niño.

En este montaje de Oscuro, de noche, texto merecedor del tercer Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana, el director  Carlos Arroyo juega con elementos de las estéticas  expresionista, realista y circense, hasta lograr crear un conmovedor e impactante espectáculo, el cual   poetiza el miedo que se ha apoderado de una ciudad, para no más de 90 minutos de exhibición escénica.

 Ahí participan los comediantes Francis Rueda, Adriana Bustamante, Ludwing Pineda, Gustavo Rengel, Ariana León, Marxlenin Cipriani, Randymar Guevara, Gustavo Meléndez, Trino Rojas, Kala Fuenmayor, Angélica Rinaldi, Yordano Marquina, María Tellis, María Brito, Dora Farias, Jean Manuel Perez, Arturo Santoyo, Vito Lonardo y Jorge Canelón, integrantes del elenco estable de la CNT. La música es un creativo ensamble además de un especial trabajo de musicalización por parte de Julia Carolina Ojeda y los percusionistas Miguel Mireles y Jorge Canelón hijo y el vestuario es de la CNT.

La Compañía Nacional de Teatro, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, fue fundada en el año 1984, bajo la égida del dramaturgo Isaac Chocrón, y actualmente la comanda Carlos Arroyo.

Cariaquito morao gana premios ACE en Nueva York

El dramaturgo y el actor premiados

Prosigue el talento criollo ocupando lugares destacados allende las fronteras y es por eso que los venezolanos, el dramaturgo Pablo García Gámez, y el actor, César Augusto Cova Burguera, fueron galardonados con el Premio ACE 2019, edición 51, de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York, en los renglones Dramaturgia Sobresaliente, y Mejor Actor Unipersonal Sobresaliente, por la obra  Cariaquito Morao , respectivamente.

   La edición 2019 de dichos premios, tendrá lugar el domingo 7 de abril, en la sede del Comisionado Dominicano de Cultura, en la sala teatral Rafael Villalona, ubicada en el 541 West de la calle 145, segundo piso, casi esquina a Broadway, a las 6 pm.

  Los Premios ACE de Teatro creados  en 1968,  comenzaron a otorgarse en 1969, en el escenario del Madison Square Garden, siendo los primeros galardonados Miriam Colón, por su actuación en La Farsa del Amor Compradito, del Teatro Rodante Puertorriqueño, y Oscar García, quien recibió un reconocimiento institucional por su labor al frente de la agrupación ADAL, ya desaparecida. Desde  su  fundación en 1968,  ACE ha realizado sus entregas anuales, sin interrupción.

Aquiles Nazoa en la plaza Bolívar de Caracas

El teatro comunitario es un alternativa para los caraqueños.

El espectáculo Las Muñoz Marín van de compras, de Aquiles Nazoa, puesto en escena por Reinaldo Rivas, se presenta este sábado 09 de febrero, a las 3 de la tarde, en la plaza Bolívar de Caracas.

Las Muñoz Marín van de compras es una producción del Taller Comunitario “Las Esquinas de Caracas” realizada por el Núcleo de la parroquia San Juan, ubicado en las instalaciones de la CANTV, Artigas. En este montaje se retrata la actitud del “nuevorriquismo” tan arraigada en la cultura nacional como lo escribió el humorista Nazoa.

Bajo el eslogan “Lo cotidiano se hace arte”, el taller comunitario “Las Esquinas de Caracas”, es un espacio para el encuentro, donde se investigan y exploran las historias, costumbres y tradiciones de las parroquias caraqueñas.

José Luis León, director de este importante proyecto, expresó que: el Taller Comunitario “Las Esquinas de Caracas”, nace como resultado de un abordaje comunitario que desde hace tres años la agrupación Actividades Alternas, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro, el cual se viene desarrollando en varias parroquias caraqueñas.  Cuenta con núcleos en Altagracia, El Recreo, San Agustín y San Juan”.

Asimismo, León resaltó que lo más admirable de este proyecto es la retroalimentación gracias a la convivencia que se ha creado entre los artistas y las comunidades.

Sobre Nazoa

El poeta, humorista, periodista y ensayista venezolano Aquiles Nazoa (Caracas el 17 de mayo de 1920/26 de Abril 1976). Originario de la populosa zona “El Guarataro” de Caracas, realizó sus primeros estudios en la Parroquia San Juan, y luego continuó de forma autodidacta, porque a los 12 años decide trabajar para colaborar con el sustento de su familia. Los hábitos del gentilicio caraqueño marcaron su temperamento y le dieron la agudeza y el humor con el que impregnará  toda su obra.

Hacia  1948 Aquiles Nazoa recibió el Premio Nacional de Periodismo en la especialidad de Escritores, Humoristas y Costumbristas. Entre 1956 y 1958 vivió en el exilio por oponerse al régimen del general Marcos Pérez Jiménez. En 1961 alzó su voz solidaria a favor de la Revolución Cubana, dando conferencias y recitales de protesta. En 1967 recibió el Premio Municipal de Literatura del Distrito Federal, y dedicó todos sus esfuerzos intelectuales  a la producción del programa Las cosas más sencillas, para la televisión nacional; experiencia que le reafirmó como el poeta del pueblo y sus creaciones, bellamente resumido en su Credo. .

Última promoción de Levy Rossell Daal

Levy Rossell Daal, artista venezolano.

El   próximo sábado, 9 de febrero, a las diez de la mañana, en acto privado y por estricta invitación, en la Sala Doris Wells de la Casa del Artista, en honor a Levy Rossell Daal, se hará la entrega de los certificados a los alumnos del último Curso de Actuación que iniciara tan distinguido y apreciado gerente cultural y promotor e inspirador de juventudes.

Son 69 los participantes o graduandos y gracias a la alianza institucional entre la familia de Levy, el grupo Fontaines y la Fundación Ecológica Libre Arte, Cultura y Ambiente, fue posible llevar esta misión a buen puerto, respetando la disciplina metodológica y pedagógica rosselliana para perdurar en el tiempo, con la coordinación general y producción de Luisa García.

Imposible, pues, dejar de recordar que conocí a Levy en el foyer o vestíbulo del Teatro Municipal de Cali, Colombia, durante el año 1968, cuando presentaba su espectáculo Amoroso. La amistad se hizo humana y profesional al año siguiente, aquí en Caracas, y concluyó aquel 24 de abril, al despedirse porque visitaba de urgencia a la Clínica de la Cruz Roja, donde murió, el 25 de abril de 2018, antes del mediodía, por problemas cardiorrespiratorios.

ESPERANZA BLANCA

 Durante los años 60 y 70 del siglo XX era “la gran esperanza blanca” del teatro venezolano. Había llegado de Nueva York y tras exhibir su espectáculo musicoteatral Vimazoluleka, en el Aula Magna y el Ateneo de Caracas, se le abrieron todos los caminos para convertirse en el gran director o en el gran pontífice de la escena criolla. Pero no fue así.

Aquel joven Levy no era fácil de manipular o de comprar, tenía ideas propias y además era cultor de lo criollo, tampoco era de roscas ni cofradías. Tenía, y mantuvo siempre, conceptos personales que no negociaba, algo raro en esa compra y venta en que se convirtió no sólo la cultura venezolana.
Más de 20 piezas escritas y montadas, cuatro mil actores y actrices a quienes ha capacitado y centenares de representaciones teatrales desde 1961, dentro y fuera de Venezuela, son parte de la cédula artística que en esta incierta centuria XXI, ostentaba con orgullo el teatrero Levy Rossell Daal, nacido en Coro, el 23 de abril de 1945.

Debutó con su Vimazoluleka - híbrido de teatro y música, escrito a los 16 años- en el viejo Ateneo, a mediados de 1966. Y desde entonces no dejó de trabajar profesionalmente con lo que aprendió de maestros como César Rengifo, Nicolás Curiel, Alberto Castillo Arráez, Eduardo Fernández Salomón y Joe Chaiquin.
Levy no se quejaba, pero cuando podía exclamaba: "He pasado unos años difíciles, porque se hacen festivales y nunca me invitan, hay proyectos enormes y con buenos prepuestos y nunca me llaman. Lo que he podido hacer ha sido con el apoyo de la gente que siempre ha creído en mí y en mis iniciativas. Pero no ha sido fácil, desde que fui presidente de Fundarte hasta estos momentos. Arte de Venezuela, mi institución cultural, todavía existe, pero no tiene subsidio ni ningún tipo de apoyo oficial, aunque eso viene desde hace mucho tiempo. Yo ni siquiera había podido recibir la pensión del IVSS, hasta que alguien, me ayudó.Mil gracias”.

Él admitía que su camino artístico había sido largo y con trampas que incluso lo arrinconaron y hasta lo maltrataron. Aguantó con dignidad y no le debía nada a nadie y estaba en así en paz con su conciencia. Él era una gran carta para el desarrollo del teatro criollo, si le hubiesen dado los apoyos necesarios, porque ganas de trabajar tenía, pero sin trigo o sin maíz no se pueden hacer ni panes ni arepas. Eso, por supuesto, no fue solo con él. Las envidias son humanas y hay gente que no perdona al talento ajeno.

Al parecer, las semillas que como autor, actor, director y docente sembrado en todos los confines de Venezuela durante las últimas cuatro décadas comenzaban a dar frutos o al menos reconocimientos que aunque no llenan el estómago si alimentan, y bastante, al espíritu.

PROMOCION FINAL

 El instructor de actuación Alexander Fontaines, egresado del Pedagógico de Caracas, con experiencia en docencia y la profesora Maribel González, de gran trayectoria en cine, radio, televisión y teatro, llevaron hasta el final el trabajo que dejó empezado Levy. El padrino de la promoción por escogencia de los alumnos es el primer actor Pedro Durán.

Es de hacer notar que el Curso de Actuación se realizó gratuitamente, sin cobro de inscripción y/o matrícula, y en seis meses, tal como fuera concebido por el profesor Levy Rossell Daal. 

He aquí el listado de participantes que recibirán sus certificados de ese taller de formación final que comenzó Levy:

Adrián  Soto,   Aleskath Ponte, Alfonzo Ramírez, Angelena Castillas, Anny Paola Vargas, Aracelys Sanvicente, Avril  García,  Carmen M. Torres Fontalvo, Daylyz García M., Dinaida Isabel Barrios,     Edgar Daniel Guerrero, Elba Molina, Emyly Sosa Taborda,        Esteban Alfredo Portales Zapata,    Esther  Sánchez,    Fabio  Anteri,  Francisca  Mendoza Díaz, Genara  Fariñe ,Gisela M. Torres Millán, Gladys Álvarez  Lizarazo, Isabel Teresa Garcia Sojo, Isneidy  Rojas, Ivonne Omaira Mijares, Jorge  Lulo García, José  Alberto Mayorca, José  Javier Monzón Mena, José  Miguel Bastidas Osorio, José Polanco Arcila, Juan  Rivas Rodríguez,    Julio César Mendoza, Karla  Aixa  Girón Peraza , Karla  Reyes  Alfonzo, Lerris  José  Vivas  Alcalá, Lidicis  M.  García de Ventura, Lilia  Soto Terán, Luis  Armando  Borges Hernández, Marco Antonio Laverde Villamil, María  Nilsa  Rojas  Guerrero, María Angelina  Castro Velasco, María Yelitza Becerra Viera,      Marlyn Karelis Pacheco Fermín,    Mayte Araujo, Nancy Teresa Pérez Martínez,      Omaira Castillo Ferrer,   Petra  Blanco, Rebeca Perdomo Rodriguez, Renato Alexander Ovando,  Rosalinda Francia Maita F., Sanmari Amalia Montilla Arabia,      Skarlet Maigua Campero,        Wylliannys  Caldera, Yilmar Noreana Barrera Cardona,       Eddy Gastón,   Cruz Gilberto Meneses Herrera,    Migledys  Terán, Yaiset  Blanco,Giomara  Linarez, Carmen Naranjo, Oriana Hernández, Yesenia Nilsa Rojas, Angelo Rella       Gressia Liendo  Soto, Judith Figueroa, Libertad Saldaña  de Bazán, Luis Carlos Vargas Rivas, Néstor  A. Velastegui Z., Irina Sophia Rodriguez Veliz y Hilmer Ramírez.

Febrero es para el teatro venezolano

Actores y títeres en escena.

Fue el gran portaaviones del teatro criollo durante la segunda parte del siglo XX , especialmente por la creación y funcionamiento de El Nuevo Grupo, además de la activa presencia del grupo Theja, y ahora el Teatro Alberto de Paz y Mateos se ha convertido en la sede artística de la Compañía Nacional de Teatro, el cual inicia su programación durante el mes de febrero.

La primera propuesta en subir a escena está a cargo del Colectivo Cultural AMAKÁ, se trata del espectáculo El Circo Roto, idea original y dirección de Marcela Lunar, escrita por Oriana Orozco. Esta es una obra que se arma de la realidad que viven las mujeres venezolanas y del mundo en torno a la violencia que se revela y moviliza a través de cantos, danza, teatro y sensaciones vivas que nos hacen reflexionar acerca de las experiencias tangibles, de historias reales que son minimizadas, silenciadas y naturalizadas por nuestra sociedad. Las presentaciones serán del 01 al 10 de febrero, viernes, sábados y domingos a las 4 pm.

Seguidamente del viernes 15 al domingo 17 de febrero le corresponde subir a la agrupación Actividades Alternas con la obra  Rosa de papel, escrita y dirigida por José Luis León.  Una propuesta escénica que utiliza el teatro de actores y objetos, mostrando el mundo y la sociedad a través de la mirada de una niña. En Rosa de papel, los personajes realizan su propia transformación y deformación convirtiéndose en un acto de crítica, donde la noción del mundo se viene abajo y en su lugar encontraremos la pérdida de la identidad, la distorsión de las normas y la destrucción de la personalidad. En Rosa de papel actúan: Ariana León, María Alejandra Jiménez y Jennifer Morales, la realización de la muñequería está a cargo de Noelia Rojas y Rubén León, realización de Vestuario Juan Carlos Llanos, iluminación Gerónimo Reyes y en la producción general de Laura Meza Rada.

Finaliza la programación con el espectáculo experimental de teatro sensorial Hijos del fuego...barro y neblina, ambiciosa propuesta que a finales del año 2018 estrenó la Compañía Nacional de Teatro, Núcleo Estado Miranda, bajo la dirección de Moisés Mirele, quien expresó: “La obra surge como resultado de un trabajo dramatúrgico denominado Proyecto García, donde se recopilan y fusionan textos de Federico García Lorca, Gabriel García Márquez y Luis Britto García”. La propuesta combina danza-teatro, teatro sensorial, teatro ciego y música en vivo, en torno a un formato experimental.   Se presentará del jueves 21 al domingo 24 de febrero, a las 4:00 pm.

Las entradas para todos estos espectáculos estarán a la venta en las taquillas del Teatro Alberto de Paz y Mateos, ubicado entre la Av. La Colina y la Av. Andrés Bello, en la Prolongación Los Manolos. Urbanización Las Palmas, metro Plaza Venezuela, conexión Metrobus Nº 314.

Cucarachas y Primavera en Festival de Jóvenes Directores

El Quinto Festival de Jóvenes Directores Trasnocho avanza con la positiva convocatoria de una audiencia atraída por la publicidad centrada en las dramaturgias elegidas y porque se trata de una única, auténtica y desesperada alternativa artística, apuntalada en la aguerrida juventud de sus participantes. Este país es siempre un baúl de gratas sorpresas y lo demuestra la existencia y permanencia de este evento convocado y organizado por el sector artístico privado que se abstrae del complejo contexto exterior y hace una muestra de respetable teatro para divertir y pensar.

Ya han sido presentados, durante dos fines de semana del pasado mes de enero en El Espacio Plural, los espectáculos Cucarachas de Cristian Cortez (Ecuador, 1972) y Prohibido suicidarse en primavera de Alejandro Casona (España, 1903/1965), bien dirigidos por los jóvenes Jeizer Ruiz y Jorge Roig Graterol, respectivamente, a quienes habrá que seguirles la pista porque ahora hasta ahora demostraron mucha pasión y cultivados talentos materializados en sus trabajos. El futuro de ellos y de todos los participantes se construye con estudios e investigaciones y los necesarios soportes financieros, además de una comunidad comprometida con el desarrollo de esos nuevos poetas de la escena teatral, como ha sido durante las últimas décadas, de las cuales somos testigos.

Este evento, valioso proyecto  de la Fundación Trasnocho Cultural que busca la profesionalización de una generación de artistas menores de 35 años, tiene programados otros seis montajes y ha  de culminar el venidero 10 de marzo, tras de exhibir las puestas en escena de Andreína Polidor con La misión de Heiner Müller (Alemania); Camila Rodríguez, Riñón de cerdo para el desconsuelo de Alejandro Ricaño (México); Edward Parúh, Nueve días de guerra en Facebook de Mario Moncada (México); José Dávila, Largo viaje hacia la noche de Eugene O'Neill (EEUU); Leo Mendoza, La máxima felicidad de Isaac Chocrón (Venezuela); y Martín Dávila, Esperando al zurdo de Clifford Odets (EEUU).

Hay que subrayar que los ocho directores del  Quinto Festival, quienes fueron elegidos por la calidad de los proyectos presentados a concurso, son los responsables financieros de las respectivas producciones y tienen únicamente seis presentaciones por montaje. Los dos ganadores de la competencia de este 2019, para lo cual hay un jurado ad hoc, podrán presentarse posteriormente en el Trasnocho y en el Centro Cultural Chacao, durante cuatro fines de semana. La historia, estamos seguros, registrará sus periplos. El futuro se construye día a día, gracias al público y la comunidad artística.

Vimos, pues, el pasado 26 de enero, los montajes que firmaron Ruiz y Roig. Quedamos muy satisfechos, no solo por la calidad de esos textos de un teatro contemporáneo que predican filosofías sensatas y algunos modos o maneras para afrontar el devenir existencial de hombres y mujeres, gracias a las dramaturgias de Cortez y Casona. Además la frescura de   las actuaciones demuestra que hay talento teatral emergente.

ECUADOR

Cortez con su Cucarachas (2010) propone un comprometido valiente y bien estructurado texto de denuncia sobre las peripecias de la inmigración latinoamericana en Estados Unidos de América, la cual en este montaje se centra o corporiza con tres jóvenes venezolanos quienes habitan en un sórdido sótano de un edificio de Nueva York, durante una nevada, entregados a la difícil sobrevivencia por la precariedad económica en que viven. Ahí actúan Ignacio Marchena, Ricardo Lira, Leandro Campos, quienes encarnan a Walter (un travesti portador de Sida), su cainítico y homofóbico hermano John, y Billey, un amigo que dejó en Caracas a su paraje y su hijita. Hacemos hincapié en las depuradas y convincentes performances de estos comediantes. Ellos encarnan a un enfermo que ya no convence con su imitación de la diva Maria Feliz, a un jovenzuelo inmoral y capaz de denunciar a su hermano porque no tiene documentos legales de inmigración y además quiere cobrar una supuesta recompensa, y un desesperado músico empeñado en triunfar para poder mantener a su familia que se ha quedado en Venezuela.

Un verdadero golpe al estómago y un pellizco en el corazón es lo que deja este montaje, realizado con veloz ritmo escénico, sin afectar la dicción y con satisfactorias caracterizaciones. Es un espectáculo, de unos 80 minutos de duración con mínimos recursos escenográficos, muy oportuno para los tiempos de inmigración que han asumido algunos valientes venezolanos, a pesar de que allende las fronteras los consideren unas “cucarachas” y tratan de “aplastarlas”

ESPAÑA

Hemos perdido la cuenta de las versiones vistas de Prohibido suicidarse en primavera, que no es más que una alocada comedia donde existe un establecimiento u hotel –“El hogar del suicida”- dedicado en facilitar el suicidio a la gente que se cansó de vivir o que ya no tiene razones para seguir existiendo. Es una comedia absurda y por ende divertida por las inverosímiles situaciones de sus personajes. Es un teatro que tiene éxito casi siempre que se presenta bien producido, como lo ha logrado Roig Graterol.

Pero de lo que si estamos seguros es que la versión y la dirección que logró Roig Graterol es la más audaz y contemporánea versión que nos han mostrado hasta ahora. Se trata de una pieza y un montaje que convierten en un delicioso canto a la vida y un rechazo a las soluciones fáciles que puede proporcionar un suicidio para no luchar, tal como lo concibió Casona, a quien le tocó vivir y soportar la oprobiosa dictadura del generalísimo Francisco Franco.

Roig Graterol consiguió y manejó un diestro elenco y con todos ellos realizó su montaje, cercano a los 90 minutos, en un bien diseñado y realizado dispositivo escenográfico, donde se muestra y se demuestra como a la vida hay que buscarle siempre una explicación o un motivo, donde no se puede vivir sin metas o compromisos, sin pretender con esto hacer una filosófica existencia.

A “El hogar del suicida”, peculiar lugar donde las almas en pena y los desesperados pueden ponerle fin a los tormentos de su vida, llegan accidentalmente dos periodistas que con su alegría y pasión por la vida transforman completamente los diferentes estados anímicos de los supuestos enfermos. Una serie de encuentros y desencuentros entre los personajes, que oscilan entre cómicos y dramáticos, permiten que se cumpla el principal y quizás único objetivo de la clínica: lograr que los enfermos se desentiendan de ese deseo de morir.

Roig Graterol, un periodista vinculado a la televisión caraqueña, quien debuta ahora en la dirección teatral con una pieza estrenada en 1937 que él mismo ha decidido adaptar para presentarla al público actual, logra dar vida a una siempre vigente comedia de enredos donde sus personajes emprenderán un viaje para reconocer que aún hasta para morir hace falta tener determinación y que esta, es mejor usarla para encontrar y aferrarnos a aquellas cosas que hacen que nuestra vida feliz.

“Esta es una obra que me ha acompañado desde que me inicié en el teatro cuando apenas estaba en el colegio y me propuse como reto el modernizar este clásico que por su mensaje sigue tan vigente como en el momento que se escribió” asegura Roig Graterol sobre su primera incursión en la dirección teatral

Protagonizada por elenco de lujo, este montaje divierte y hace reflexionar sobre como los problemas cotidianos a veces nos hacen olvidarnos de las cosas importantes de la vida, gracias además al lujoso elenco encabezado por Rafael Monsalve, Elvis Chaveinte, Claudia Rojas, Nakary Bazán, Francisco Aguana, Raoul Gutiérrez, Nerea Fernández, Erick Palacios y Beatriz Tícali.

No hay que olvidar que el Festival de Jóvenes Directores, creado y realizado por el Centro Cultural Trasnocho, durante los últimos cinco años, ha servido hasta ahora como plataforma para que jóvenes creadores puedan exponer sus inquietudes con sus puestas en escena novedosas que reflejan las intenciones de una urgente y necesaria generación emergente en el teatro venezolano.

Los inmigrantes de Rómulo Gallegos se hacen teatro en Guanare

Vinieron de Europa y del Oriente Medio.

La Compañía Nacional de Teatro inaugura su temporada 2019 con un montaje del núcleo Portuguesa, el 14 de febrero, a las 7 pm en la Sala Alberto Ravara del Centro Teatral de Occidente de Guanare, basado en el cuento Los inmigrantes de Rómulo Gallegos, nuestro escritor más emblemático y ex Presidente de la República, autor de la gran novela Doña Bárbara donde, precisamente, hace un fresco sobre la civilización y la barbarie presentes en la patria venezolana.

 Aníbal Grunn, Coordinador del Núcleo Portugueseño y además director del espectáculo, explica que Los inmigrantes, escrito y editado por primera vez en 1919, es la historia de dos extranjeros: un judío y un italiano, que se encuentran en una plaza caraqueña y comienzan a contarse sus vidas, sus momentos felices y sus desdichas, desde que llegaron a Venezuela. “Una hermosa historia, llena de esa gran maestría en la narración de Gallegos, con una vigencia absoluta. Una saga llena de amor, de burlas, de buenas noticias y de malos momentos. Una historias impregnada de nostalgia y con un profundo agradecimiento a esta tierra que supo cobijarlos y darles no sólo dinero, bienestar y trabajo, sino una familia”.

 Puntualiza Grunn que en aquel cuento de Gallegos, los hijos de los dos inmigrantes, nacidos ya en Venezuela, se casan y comienzan una nueva familia, esta vez de venezolanos que se arraigan aquí, con “la perspectiva optimista que nuestro gentilicio podía abrazar en aquellos años y que era la envidia de muchas naciones en desgracia”.

 Cuenta Grunn que el año pasado, durante las clases del Taller de Formación de la Compañía Regional de Portuguesa, “vimos dramaturgia y leímos el cuento con el objetivo de hacer una versión teatral, nada más. Dividimos la obra en escenas y a cada estudiante le correspondió dialogar una escena. Los escritores son: Jhessika Betancourt, Emili Valladares, Yonder Carrizalez, Sinait Lameda y Gabriel Jurado, gente joven que prometen mucha más piezas”.

 “Al final el producto nos gustó tanto que decidimos proponerle a la Compañía Nacional de Teatro, cuyo director general es Carlos Arroyo, coproducir el montaje. Aceptaron y comenzaron los ensayos. Hicimos un receso por el Festival de Teatro, en el mes de noviembre y al regreso de este año, retomamos los ensayos y la producción”.

 Los personajes de la versión teatral de Los inmigrantes son: Abraham (el judío), Doménico (el italiano), Domitila (esposa de Abraham), Franchesca (esposa de Doménico), Abraham (joven), Domitila (joven), Sara (hija de Abraham y Domitila), Samuel (hijo de Abraham y Domitila) Giácomo (hijo de Doménico y Franchesca), cuyos roles están resueltos   por Wilfredo Peraza, Giuseppe Fischetti, Mercy Mendoza, Carlos Moreno, Rosangélica Sánchez, Jhessika Betancourt, Sinait Lameda, Yonder Carrizalez y Gabriel Jurado.

 Aclara Grunn que él coordinó todo el trabajo de escritura así como la dirección general de la puesta en escena. ”La propuesta escénica, el vestuario, la iluminación y la música, también son producto de charlas, discusiones e investigación cada uno realizó. Teníamos una referencia de un video que se había hecho para televisión, pero ninguno lo vio hasta hace unos días, cuando ya la puesta estuvo terminada y nada podía contaminarnos La historia teatral, ubicada Caracas, transcurre en cinco épocas diferentes: 1925,1942, 1945,1950 y 1955”.

 Reconoce Grunn que la producción del Núcleo Portuguesa es de gran formato y que “la experiencia de escribir con estos muchachos fue maravillosa. Cada día descubríamos más cosas y siempre tuvimos en cuenta no traicionar al autor en su propuesta de conflicto. Además, lo difícil fue encontrar un mismo estilo todos, como así mismo mantener lo romántico y tan particular de la pluma de Gallegos. Sobre todo con muchachos cuyas edades oscilan entre los 14 y los 20 años. Es importante destacar que casi nadie conocía a Gallegos, por haberlo leído y mucho menos el cuento. Verlos emocionarse y hasta llorar con el final sorpresivo e inesperado, fue algo que nunca me podré olvidar”.

Una Rosa de papel para Rajatabla

La imaginación no tiene límites en la escena teatral y es por eso que la agrupación Actividades Alternas presenta  en la sala Rajatabla, desde el viernes 1 al domingo 10 de febrero, siempre a las 5PM, su espectáculo Rosa de papel de José Luis León, una creativa propuesta escénica que utiliza el teatro de actores y objetos, mostrando el mundo y la sociedad a través de la mirada de una niña.  

En Rosa de papel, según cuenta Jose Luis León los personajes realizan su propia transformación y deformación convirtiéndose en un singular acto de crítica, donde la noción del mundo se viene abajo y en su lugar encontraremos la pérdida de la identidad, la distorsión de las normas y la destrucción de la personalidad.

Mediante la utilización de diversas técnicas escénicas, la actuación, la danza y el teatro de muñecos, actividades alternas que dan vida a esta propuesta, donde Rosa (es un títere manipulado en técnica bunraku) narra su particular visión de nuestra sociedad y su participación en ella.  

Ahí actúan: Ariana León, María Alejandra Jiménez y Jennifer Morales; la realización de la muñequería está a cargo de Noelia Rojas y Rubén León, la realización de vestuario es de Juan Carlos Llanos, la iluminación está resuelta por Gerónimo Reyes, la dirección es de José Luis León y la producción general está a cargo de Laura Meza Rada.  

"Tócame" o los orgasmos inauguran temporada 2019

El orgasmo femenino tiene su teatro criollo.

  Gennys Pérez (Barquisimeto, 1968) vive con su hijo Néstor y ahora con su nieto Cristian Pérez en Ciudad de Mexico. Ella, dramaturga, y su unigénito migraron al país de los aztecas hace no menos de cinco años, y desde allá sueñan, porque “¿qué inmigrante no sueña todos los días con volver a su país? La experiencia de ser migrante, es fascinante, te abre los ojos, cambias de piel, te impone nuevos retos, la nostalgia te mata, pero la satisfacción es poder apoyar a tus familias, y eso se convierte en la prioridad”, puntualiza.

Trabaja como escritora desde que llegó a México. Muchos le dijeron que había que empezar de cero, “que hay que hacer de todo, la vida nos cambió…pero, sucedió, un día endemoniadamente difícil, y cuando había  caminado  muchísimos kilómetros para poder llegar a casa porque no tenía ni cinco pesos para pagar el transporte público, me eché a llorar en una acera, o banqueta como se dice aquí, y me juré que no iba a empezar de cero, que no iba hacer otra cosa, porque yo traía una vida, no la había perdido, sólo estaba extraviada, adolorida, deprimida, pero yo sabía un oficio que amaba, y me esmero y esfuerzo mucho por hacerlo lo mejor que puedo, así que ese día me juré vivir de lo único que sé hacer: escribir”.

Cuenta que “los venezolanos estamos aprendiendo a migrar. Sólo sabíamos ser turistas del mundo. Así, que somos una comunidad de principiantes, cometiendo algunos errores, pero con mucha disposición de hacerlo lo mejor posible. Tengo amigos venezolanos extraordinarios, de una calidad humana abismal, emprendedora, respetuosa y agradecida con México. Nos vemos en las fechas fundamentales, cumpleaños y Navidad, porque todos trabajamos mucho, sino trabajas mucho, no puedes seguir como migrante. México ya es un país complejo para el propio mexicano, no es un país fácil, acá también hay muchos problemas sociales, así que debemos trabajar muy duro para estar a la altura del país que es muy exigente. La madre de mi nieto es una joven poetisa mexicana, Mariana, maravillosa mujer además”.

LOS ORGASMOS

Gennys Pérez es noticia ahora en Caracas porque en la Sala Rajatabla hacen una breve temporada con el espectáculo Tócame, basado en su pieza homónima, la cual ahora ha producido Gustavo Mendoza y se muestra, bajo la excelente dirección de Verónica Arellano, con las convincentes actuaciones de Margaret Aliendres, Rosa Paz de Laca y Sandra Moncada/Marta Paria. Un montaje, cuya temática y argumentación, abordan sendos casos peculiares de anorgasmia, que no es otra que la imposibilidad de sentir placer y alcanzar los orgasmos en sus relaciones sexuales, por lo cual los personajes Rosita y Charito acuden al consultorio de la sexóloga Graciela para ponerse en sus manos y superar ese “problemita” que les impide ser felices en sus relaciones íntimas.

La anorgasmia afecta a hembras y machos, y es “la ausencia de un clímax que produce una sensación de liberación repentina y placentera de la tensión acumulada desde el momento en que se inicia la fase de excitación. Es en ese momento en que se generan una serie de espasmos musculares intensos que resultan altamente agradables, a lo que ayuda la liberación de endorfinas que se produce de forma simultánea”.

Tócame es consecuencia de una seria investigación de Gennys Pérez sobre los orgasmos, femeninos en este caso, porque “mi dramaturgia es de verdad y no tiene nada que ver con lo que me pasa a mí, mi vida es como la de cualquier ser humano normal y corriente. No hago teatro por catarsis, no hago teatro por terapia. No escribo teatro por nada de eso. Me gusta el teatro de investigación sobre personajes  que nos metan en un conflicto moral y ético, en la devaluaciones de la sociedad, en la justicia, de cómo y por qué estaos haciendo las cosas .Ese el teatro que me llama la atención, un teatro de fuerza social, económica, que nos haga preguntarnos cosas”.

“Tócame fue la segunda obra que escribí, cuando vivía y hacia teatro en Maracay. Era un momento de búsqueda y experimentación. El tema central es la anorgasmia. Las mujeres dejamos de sentir placer sexual y nos parece "normal", cuando no lo es. El placer sexual en la mujer responde a muchas variantes, y aun hoy día hablar de la incapacidad de tener orgasmos sigue siendo un tabú, porque podemos fingirlos. Es la primera vez que se estrena. En Maracay hicimos una lectura dramatizada y luego Tócame quedó archivada. Me da mucho gusto que se estrene en Venezuela de la mano de una mujer de teatro como lo es Verónica Arellano, a quien respeto y admiro, y de la mano de Gustavo Mendoza que es mi amigo del alma. Acá en México quieren montarla y están en pláticas para producirla. Para mí es muy importante y esencial que se siga montando mi dramaturgia en mi país, me conmueve sobremanera y me hace inmensamente feliz, porque entiendo los esfuerzos sobrehumanos que se hacen para producir teatro en estos momentos tan complicados que vive nuestra Venezuela. Y muchas gracias por seguir promoviendo la crítica teatral, tan necesaria para crecer. Te mando mi cariño y te doy las gracias, mi amor”.

Con respecto a Tócame hay que destacar la precisión de su texto sobre  esa delicada temática, perfecto el lenguaje utilizado y las dos situaciones creadas: la de Rosita, una señora de 50 años, cuyo matrimonio ha caído en una rutina peligrosa y ella no siente placer alguno en sus relaciones íntimas; y la de Charito, una colombiana que se quiere casar ,mientras trabaja en  una agencia de citas sexuales telefónicas, pero tampoco es feliz como porque no se ha asumido definitivamente  en su conducta sexual, ya que es lesbiana y su placer es,  obviamente, con mujeres, y tampoco logra el orgasmo. Hasta que visita la sexóloga susodicha.

Tócame podría verse como otro batiburrillo de anécdotas eróticas, pero no es así. Es un respetable acercamiento a la anorgasmia, que afecta más a las mujeres pero que también les arruina la existencia erótica a los hombres.

 Aunque los fundamentos de la anorgasmia suelen esconderse detrás de causas psicológicas en la mayoría de los casos, también se pueden identificar determinadas razones o causas de origen fisiológico, pero ese no es el tema de esta crónica teatral, por ahora.

Las actuaciones de las tres mujeres ahí comprometidas son ejemplares y convencen en todo su desarrollo escénico y actoral Se trata, pues, de un espectáculo bastante entretenido y didácticos precisamente sobre algo de lo que no se habla en público, sino que se calla o se exhibe ahora en el teatro, gracias a la audacia y las hormonas de Gennys Pérez y el equipo artístico ahí presentes.

GALARDONES

Gennys Pérez, que escribe con calidad y por eso la premian, contabiliza algunos galardones, tales como: Premio Actors of the World de Dramaturgia en Londres (2010) con El fantasma de Hiroshima. Premio Nacional de Dramaturgia Innovadora (2006) con Yo soy Carlos Marx; Premio Monte Ávila Editores de Autores Inéditos para El secreto de la felicidad (2005); Premio Fundarte en poesía 2004 por el poemario Lunas Marginales (2004; Premio Dramaturgia La Fiesta de Caracas con De Libertadores a Libertados (2000); Premio de Teatro Regional de Maracay para La cuarta noche (2002), basada en El perseguidor de Julio Cortázar.

Si esto es un hombre

Javier Vidal caracterizando al personaje del monólogo.

Como parte de la conmemoración In Memoriam 2019 de Espacio Anna Frank, se presentarán dos funciones gratuitas de la obra Si esto es un hombre, basada en el libro homónimo del escritor Primo Levi, la cual constituye una poderosa reflexión sobre la supervivencia humana, por intermedio de  la conmovedora interpretación de Javier Vidal, bajo la dirección de Julie Restifo, la cual tendrá como escenario el Centro Cultural Chacao el domingo 27 de enero, a las 11 a.m. y a las 4 p.m.

Si esto es un hombre relata las desgarradoras vivencias de su autor, el químico judeo-italiano Primo Levi, quien pasó 11 meses en el campo de concentración de Auschwitz en Polonia, durante la Segunda Guerra Mundial, siendo el suyo uno de los primeros relatos divulgados de un testigo directo del Holocausto. 

“Destruir al hombre es difícil, casi tanto como crearlo: no ha sido fácil, no ha sido breve, pero lo habéis conseguido, alemanes. Henos aquí, dóciles bajo vuestras miradas: de nuestra parte nada tenéis que temer: ni actos de rebeldía, ni palabras de desafío, ni siquiera una mirada que juzgue”, escribió Primo Levi en su relato profundo y estremecedor, que va más allá de narrar lo acontecido durante el Holocausto. Al respecto, precisó en su momento: “He usado el lenguaje mesurado y sobrio del testigo, no el lamentoso lenguaje de la víctima, ni el iracundo lenguaje del vengador: pensé que mi palabra resultaría tanto más creíble cuanto más objetiva y menos apasionada fuese”. Y con tal espíritu asume la misión de describir la naturaleza del ser humano, de los que someten a otros bajo su poder y autoridad degradándolos, y de los que tratan de sobrevivir enfrentándose a desgarradoras situaciones. El libro está escrito como si fuera el testimonio de un juicio, abundante en detalles; no se incluye allí nada que no fuera visto, experimentado en carne propia o sentido por el autor.

Javier Vidal cuenta que no dudó en aceptar la interpretación de este papel cuando Espacio Anna Frank se lo ofreció, debido a su trascendencia y a que nunca había hecho un monólogo. Entonces convino un “trueque” con su esposa, Julie Restifo, para que ella dirigiera la obra y él la interpretara. Si esto es un hombre  es una gran oportunidad para mi carrera, con el apoyo de Espacio Anna Frank”, afirmó el reconocido actor. “Es un trabajo sumamente reflexivo para mostrar lo que pasó en Auschwitz. Es difícil entender lo ocurrido; no se debe comprender, porque así llegamos a justificar lo sucedido. Ya que es imposible comprender, es inevitable, imprescindible, conocer. Porque lo que allí pasó puede volver a suceder: ese es el gran mensaje de esta pieza”.

Levi, oriundo del Piemonte, hijo de una familia judía (Turín, 1919-1987) se doctoró en Química en 1941. En 1943 fue detenido por la milicia fascista italiana y en febrero de 1944 llegó al campo de exterminio de Auschwitz, en Polonia. A partir de lo que presenció y vivió, en “Si esto es un hombre” describe en detalle la labor de los Kapos (custodios de los prisioneros) y su empleo de la violencia, así como la humillación, la degradación moral y la ausencia de solidaridad. Al final de su cautiverio, en enero de 1945, fue enviado a la enfermería por padecer escarlatina; allí pasó los últimos días como prisionero hasta su evacuación, poco antes de que el campo fuera liberado por las tropas del ejército soviético. Habida cuenta de esta atroz experiencia, uno de los temas de su obra es la fortaleza que el ser humano puede extraer incluso de sus momentos de mayor flaqueza.

“Contareis lo que pasa aquí y no os creerán”, escribió Levi, citando a los oficiales de las SS. La crueldad y la brutalidad de lo sucedido en Auschwitz superaba la comprensión y el asombro humano: el hambre, el frío, las enfermedades, el trabajo forzado, los castigos, el cansancio extremo, la lucha por la supervivencia, el horror, la injusticia, la maldad, las miserias físicas y morales, la muerte o la muerte en vida, todo se refleja en las vivencias de Levi, la degradación que puede alcanzar al hombre. Sin embargo, también se muestra el empeño que algunos pusieron en preservar su humanidad de esta hecatombe moral.

Si esto es un hombre debe su título, según Javier Vidal, “al grado de humillación y degradación humana que vivieron Primo Levi y todos los judíos que estaban en el campo de concentración de Auschwitz, enfrentados a las preguntas: ‘¿Soy un hombre? ¿Me están tratando como un hombre? ¿Es esto vivir?’, ya que allí había criminales y también políticos. Los criminales tenían el triángulo verde, los políticos, el rojo, y los judíos, la Estrella de David amarilla. Pero los judíos eran los esclavos de los esclavos. En un solo día eran asesinadas 25 mil personas”.

Hay una frase de Primo Levi que reza: “Quien lo ha perdido todo, fácilmente se pierde a sí mismo”. La situación constante de oprobio y sometimiento a la que se vieron expuestos los prisioneros en los campos de exterminio los lleva a perder la esperanza, y al perder la esperanza, se pierde todo, hasta lo humano. De allí precisamente el texto: ¿esto es realmente un hombre? ¿Esto en lo que nos hemos convertido puede llamarse un hombre? Levi habla de una zona gris, que es aquella en la que algunas personas del campo se vieron obligadas, para poder sobrevivir, a sojuzgar, maltratar y someter a sus propios amigos. De allí la pregunta, ¿esto es un hombre?”, explica el profesor Luis Jiménez, coordinador del Área de Educación de Espacio Anna Frank.

En noviembre de 2005, la Asamblea General de las Naciones Unidas, reafirmando que el Holocausto será siempre una advertencia para el mundo de los peligros del odio, el fanatismo, el racismo y los prejuicios, designa el 27 de enero como Día Internacional de Conmemoración anual en memoria de las Víctimas del Holocausto. En la Resolución 60/7, la ONU insta también a que se elaboren programas educativos que inculquen a las generaciones futuras las lecciones del Holocausto, con el fin de ayudar a prevenir actos de genocidio en el mundo. Desde 2011, Espacio Anna Frank se unió a esta iniciativa con su programación anual In Memoriam, para fomentar el recuerdo de los graves crímenes perpetrados en el Holocausto y evitar que algo semejante pueda ocurrir nuevamente. A este propósito, el contacto con la historia es importante. En años anteriores, el mensaje estuvo particularmente dedicado a los niños y jóvenes, pero en esta oportunidad va dirigido a un público más adulto, que reflexionará sobre el Holocausto a través de las vivencias del prisionero de un campo de exterminio. La ocasión es igualmente propicia para honrar la memoria de Primo Levi, de cuyo natalicio se cumplirá el centenario en julio de este año.

“Espacio Anna Frank promueve la coexistencia, cuya ruta pasa por el respeto a las diferencias, el reconocimiento del otro, la empatía y la valentía moral, que es hacer lo correcto sólo porque es lo correcto”, señaló el profesor Luis Jiménez. “Desarrollar estos valores y actitudes en niños y jóvenes es de suma relevancia, porque así ganamos un espacio para que situaciones como las que narra Primo Levi en su libro no se vuelvan a repetir nunca más”.

Las entradas para el monólogo Si esto es un hombre  podrán retirarse gratuitamente el día del evento en las taquillas del Centro Cultural Chacao, dos horas antes de cada función, las cuales se llevarán a cabo a las 11 a.m. y a las 4 p.m. Se entregarán dos entradas por persona. El estacionamiento del Centro Comercial Lido estará abierto al público en general. Para Espacio Anna Frank es un honor y un privilegio contar con Javier Vidal y Julie Restifo y su equipo en esta historia de reflexión sobre la supervivencia humana.