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| Otro trío para el montaje de 2019.
En el Teatro de los Campos Elíseo, de París, el 28 de octubre de 1994 fue el estreno
mundial de la comedia dramática Art de Yasmina Reza, bajo la dirección
de Patrice Kerbrat, con la producción de Sean Connery. y las interpretaciones
asumidas por Pierre Vaneck, Fabrice
Luchini y Pierre Ardit. Fue un éxito
total de crítica y de público para comenzar así el prestigio solido de la
autora, nacida en París el 1 de mayo de 1959 en el hogar de un iraní y una húngara.
Ahora, aquí en Caracas, en pleno siglo XXI, se muestra Art bajo la dirección de Héctor Manrique y la producción de Carolina Rincón, con las brillantes actuaciones de
Antonio Delli, Sócrates Serrano y el mismo Héctor Manrique, haciendo temporada
en el Teatro Trasnocho Cultural desde el 3 de mayo de 2019.
¿Pero que es Art? Es una comedia centrada en los valores de la amistad que puede convertirse en amor y todo lo que de ahí se desprenda. Si la amistad está basada en un acuerdo tácito, ¿qué pasa cuando alguien hace algo completamente diferente e inesperado? ¿Es una persona lo que él cree que es, o quien sus amigos creen que este es? ¿Qué sostiene una amistad? Son algunas de las preguntas que quedan en el aire tras cada función de Art, de la escritora francesa Yasmina Reza.
Art se centra en la relación de tres
amigos alrededor de lo que se supone es una “obra de arte”. Sergio compra un
cuadro moderno completamente en blanco por una alta suma de dinero. Marcos no
puede creer que a un amigo suyo le guste semejante obra. Iván intenta, sin
éxito, apaciguar a las dos partes. Ambientada en París, a finales de la
década de 1980, Serge, un apasionado del arte moderno, adquiere por una cifra
astronómica un extraño cuadro del maestro Antrios, consistente en una mera tela
blanca. Sus amigos Yvan y Marc intentan hacerle comprender que sobre la tela no
hay nada, pero Serge se obstina en percibir una obra maestra del arte
abstracto, con líneas que cambian (las tramas de la tela). La discusión sobre
el significado del arte pondrá en peligro la propia amistad entre los tres, que
terminan dibujando sobre la tela. Finalmente la vuelven a limpiar, que quedará
expuesta con orgullo en casa de Serge.
Son pues Manrique, Sócrates Serrano y Antonio Delli
los encargados de dar vida,
magistralmente, a estos tres personajes, que ponen en el tapete temas como la
amistad, sus motivaciones y riesgos, utilizando como excusa la discusión acerca
de qué es el arte. Todo es un pretexto para ir más allá de lo que se muestra a los
humanos ojos
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miércoles, mayo 08, 2019
Art otra vez en Caracas
viernes, mayo 03, 2019
Una casa para los artistas venezolanos
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| Roberto Messuti, presidente de FCA.
“Hemos conseguido en estos dos primeros años de
gestión la auténtica reivindicación del artista nacional al ser reconocido como
trabajador y actor social imprescindible en la construcción de una sociedad más
humana y sensible en el marco de alzarnos con La Paz en nuestra Patria”.
Así comenzó Roberto Messuti, presidente de la
Fundación Casa del Artista (FCA), un balance o arqueo de su gestión, y es por
eso que subraya que él y su valioso equipo de profesionales han logrado incluir
en la seguridad social a más de seis mil hombres y mujeres del mundo de la
cultura.
“Hemos gestionado el merecido incremento de los
Premios Nacionales de Cultura equivalente a tres salarios mínimos, así como a
dos salarios mínimos para los subsidios de honor, colaborando de esta manera a
la mejora de la calidad de vida de nuestros creadores adultos mayores.
Realizamos periódicamente jornadas de salud donde entregamos bastones,
andaderas, sillas de rueda, medicinas de alto costo y tratamientos para
enfermedades específicas, también ofrecemos atención médica gratuita desde
limpiezas dentales, pasando por exámenes de laboratorio, oftalmología,
traumatología hasta anticonceptivos intrauterinos”.
“También hemos apoyado a muchos necesitados de
intervenciones quirúrgicas mediante la mano amiga del Viceministerio de la
Suprema Felicidad y la Fundación Pueblo Soberano. Realizamos de igual forma
jornadas alimentarias donde nuestra fuerza laboral, la comunidad que hace vida
cerca a nuestra fundación y nuestros creadores acceden a los alimentos a bajo
costo, gestionamos además directamente con el Ministerio de Alimentación las
cajas CLAP para nuestras trabajadoras y trabajadores”.
“Ya entregamos las primeras 30 viviendas dignas de
las 100 aprobadas por nuestro Presidente Obrero. Somos el único ente de la
cultura que realiza los encuentros chavistas cumpliendo así con la necesaria
formación ideológica para procurar la tan anhelada revolución cultural y ese
hombre y mujer nueva”.
“Recordemos que sin ideología ni amor a la Patria
no se podrá lograr la verdadera identidad cultural. Debemos sembrar los valores
del nacionalismo y combatir la mentira con la gran verdad de nuestra historia.
Es de destacar que cuando llegamos a la FCA la encontramos maltratada y sin
color. Nosotros en apenas dos años le devolvimos la vida con el poder más
grande que pueda tener una gestión: la voluntad y el compromiso., hemos
convertido a nuestra casa en un bastión para el reencuentro y la cultura a
través del rescate de sus espacios los cuales aún no están listos en su totalidad,
pero contamos con todo el apoyo de nuestro Presidente Legítimo y Constitucional
Nicolás Maduro Moros y su Primera Combatiente, Cilia Flores para seguir
embelleciéndola y actualizándola. Dentro de ese plan está contemplado la
construcción del Centro de Formación Técnico y Artístico que contará con una
Radio Escuela y una Tv Escuela. Estamos obligados a no fallar y esa es nuestra
meta, hacerlo mejor, superior, excelente”
“Estamos convencidos que la verdadera lealtad al
Pueblo y a nuestro Presidente es precisamente eso, hacerlo siempre apuntando a
la excelencia y de manera diligente. Aquí no cuidamos puestos, aquí trabajamos
con amor para lograr una gestión con resultados óptimos que sean nuestra carta
de presentación”.
“La nueva y revolucionaria Casa del Artista apunta
a convertirse en el centro de preparación cultural número uno para el creador
nacional a través de los diplomados que estaremos dictando con un cuerpo
docente de primera línea y con un programa de enseñanza avalado por la
Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez. Firmamos acuerdo con la ONA
para a través del arte sumarnos al combate en contra de las drogas, también
firmamos con El Sistema de Orquestas y Coros Infantiles y Juveniles Simón
Bolívar, actualmente en nuestra instalaciones tenemos un núcleo para niñas y
niños, estamos permanentemente en trabajo conjunto con nuestro hermano Mimou
Vargas y el Movimiento Por La Paz y Por La Vida cumpliendo de esta manera con
la instrucción que nos diera el Jefe del Estado”.
“Venimos para el segundo semestre del año con una
programación teatral verdaderamente llamativa para todos los gustos. Hemos
convocado a distintos grupos teatrales para tal fin además de nuestra propia
compañía de teatro que hará vida en nuestras instalaciones, en ese sentido
tendremos además de las salas, la terraza donde podrá la familia, los amigos y
compañeros compartir buena música, buena comida y un mejor ambiente. Cabe
destacar que también tenemos previsto la realización de exposiciones con
artesanos, artistas plásticos y pintores”.
“Este año 2019 entregaremos el Premio Casa del
Artista como reconocimiento y estímulo a los hombres y mujeres de la cultura. Y
hablando de premios, estamos en mora con los bianuales Premios Nacionales de
Cultura 2016-2018 y debemos entregarlos a la brevedad. Tenemos pendiente
también la creación de las nuevas Casas del Artista en las principales ciudades
del país”.
“Cabe destacar que culminamos el reglamento de la
Ley de Protección Social al Trabajador y a la Trabajadora Cultural y esperamos
por el Ministerio de Cultura, recordemos que antes de llegar a la FCA veníamos
de la mano del Movimiento Venezolano de Artistas (MVA) y logramos la aprobación
de la Ley en el 2014 por parte de la AN que en su momento era presidida por el
actual presidente de la ANC, Diosdado Cabello, quien nos apoyó en todo momento.
Esta ley una vez esté en práctica significará la consolidación del gremio
artístico y apuntalará a la justa protección a nuestros creadores a través del
Fondo Nacional para el Artista”.
“Aprovecho para felicitar a todas y todos los
que hacemos vida en la FCA con motivo de la reciente celebración del
aniversario número 32.Sigamos como pilares fundamentales en la construcción de
una Venezuela potencia de paz y para la vida. Arte y cultura para vencer “.
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jueves, mayo 02, 2019
Javier Vidal inconforme
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| Hijo,madre y padre. |
A Javier,
el bebé catalán de Jaime y Rocío Prada de Vidal, nacido en Barcelona, el 13 de
abril de 1953, lo trajeron en el “Monte Altuve”, un barco de carga mixta,
durante aquel enero de 1955. En Caracas alumbraron a Silvia, su única hermana.
Ahora, a los 66 años, el venezolano Javier Vidal Prada -desposado con Julie Restifo y felices progenitores de Jan y Josette - es todo un señor primer actor, además dramaturgo con obra propia y articulista temido.
Ahora, a los 66 años, el venezolano Javier Vidal Prada -desposado con Julie Restifo y felices progenitores de Jan y Josette - es todo un señor primer actor, además dramaturgo con obra propia y articulista temido.
Él,
rebobinando su memoria, reconoce que su “vida pública” comenzó escribiendo, en
la revista Suma,
crítica teatral en 1971, cuando lo llamó el negrazo Porfirio Rodríguez para
formar el jurado del Premio Juana Sujo. “Yo era casi un niño y tú ya estabas
ahí. Después el ‘grup escenic’ del Centro Catalán me contrató como director. En
el ‘círculo de críticos’ conocí a Ibrahim Guerra y este me propuso actuar
en Los peces del
acuario. Al principio me negué. No soy actor -le dije - ‘pero estás
en personaje’-me ripostó. Donata Andreutti, mi novia de entonces, me terminó de
convencer -‘a ti te gusta el teatro, acepta y déjate de zoquetadas’-. Acepté y
así empecé mi carrera teatral profesional”.
Ambicioso y respetable
plan de trabajo tiene Javier Vidal Pradas para este 2019, donde, por supuesto,
su esposa, la actriz Julie Restifo, es parte muy importante. Nos cuenta el
periodista y destacado teatrero que espera montar la comedia que escribió sobre
una familia disfuncional, cuyo nudo es el transgénero, donde el actor Sócrates
Serrano encarna a la madre transgenérica.
Sigue como director
artístico en Radio Caracas Televisión Internacional con una atractiva serie
sobre mitos y leyendas latinoamericanas escrita por Martin Hahn y José Simón
Escalona, cuyo título provisional es Almas en pena. Todo eso le
llevará el primer semestre de este peculiar año. “Por supuesto que el 2018 fue
absolutamente satisfactorio para mí y mi familia”.
¿Satisfecho con lo conseguido
hasta ahora o le hace falta algo más, que no sea político, sino personal?
Satisfecho, sí.
Conforme nunca. Satisfecho por estos 46 años de carrera, un centenar de obras
como actor, otras tantas como director, más de 20 obras escritas, mi
participación en estos años en la dirección de T.V., mi compañera y amada
esposa Julie, mis hijos adorados Jan y Josette...mis libros editados... en fin.
Creo que tengo un camino andado y por andar. No hay banquitos en el camino de
la vida, a lo sumo hay encrucijadas donde te detienes a pensar cual escoger.
¿Cómo se siente mejor: periodista, dramaturgo,
actor, director o padre de familia?
Me siento comunicador. Nunca lo he
dejado de ser. En mis estudios estaban la materia de informativo, de teatro y
publicidad. Es decir, aprendí a buscar la verdad, a ficciónarla... a
manipularla... a motivarla con la misma carga deontológica. Así que es cuestión
de no equivocarse de rol. El de padre, por supuesto, el más difícil, ni se
estudia y ni se aprende. El padre siempre se equivoca.
¿Repetiría los errores cometidos o se
enmendaría?
Los errores están para cometerlos y no repetirlos. Están en la memoria y
recurre a ellos como farol, como luz ante lo nuevo o lo desconocido. Dicen que
el hombre es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra. Es posible
y solemos ser, a veces, demasiado humanos repitiéndonos en errores por
descuido, unas, por amnesia, otras. No me arrepiento de mis errores. Es una
necedad arrepentirse. Simplemente los reconozco y cargo con ellos, solo para
eso, para no olvidarme que erré. Enmendar no solo es corregir, sino cambiar
defectos de cosas o personas. Me gusta cambiar. Cambiar es vivir, cambiar es
chocar con tus antítesis. En mis obras los personajes dicen que no cambian, en
el fondo porque son personajes, no personas. Debemos cambiar para poder
entender la vida. Quien dice que no cambia es, o un estúpido o un cínico.
¿Qué ha pasado con
su teatro sobre personajes históricos?
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miércoles, mayo 01, 2019
Buscan ensayistas y dramaturgos para la CNT
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| Pablo García Gámez
La Compañía Nacional de Teatro (CNT)
fundada ya hace 35 años por el Poder Ejecutivo no se detiene. Mientras ahora
hace temporada con su espectáculo Popol Vuh en el teatro Municipal
de Caracas, abrió los lapsos para sendos concursos relacionados con la creación
teatral: ensayistas y dramaturgos.
Es por eso que La CNT,
ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC) convoca a
creadores, investigadores, docentes y estudiantes universitarios de las artes
escénicas y disciplinas afines a participar en el Concurso de Ensayos sobre
Teatro 2019, que tiene como objetivo fomentar la reflexión y construcción
de conocimientos teatrales.
Podrán participar creadores,
investigadores, gestores culturales de instituciones u organizaciones teatrales
o afines, docentes y estudiantes universitarios venezolanos dentro y fuera del
territorio y extranjeros (con 5 años de residencia en el país) que desarrollen
aportes analíticos sobre el teatro desde sus procesos académicos, de gestión
cultural y prácticas artísticas, bajo las siguientes grandes líneas temáticas:
Discursos estéticos y aportes teóricos. Creación teatral, sus prácticas
artísticas. El cuerpo como sujeto de la acción teatral. Formación, aprendizajes
y diálogos de saberes. Gestión, consumo y economía teatral. Diversidad y acción
integrativa. Historia del teatro. Teatro y acción social.
El ensayo a concursar deberá ser
inédito y original, que no haya sido galardonado anteriormente, no esté
compitiendo en otros concursos y cuyos derechos de autor no estén comprometidos
con terceros. Su estructura formal será: título en negrita, seudónimo, resumen
(abstract), cuatro palabras clave, introducción, desarrollo, conclusiones
y bibliografía.
El texto ganador recibirá un premio
único en metálico, diploma y la publicación del escrito en formato impreso o
digital de circulación libre. El jurado estará conformado por especialistas de
reconocida trayectoria profesional. La convocatoria se abre a partir del 2 de
mayo al 31 de octubre. Este año, el concurso se realiza en alianza con los
Gabinetes Estadales de Cultura en el esfuerzo de llevar la convocatoria a todos
los rincones del país.
La planilla de inscripción, las bases
del premio y los requisitos para participar en el Concurso de Ensayos sobre
Teatro 2019 se pueden descargar en la página web de la Compañía Nacional de
Teatro: www.cnt.gob.ve Para mayor información pueden comunicarse a través de
los números de teléfono: (0212) 481.2147/7306/0715/2227. Además visita y sigue
nuestras redes sociales: Twitter: @CNT_Venezuela y Fan Page Facebook: Compañía
Nacional de Teatro.
PREMIO APACUANA
2019
La CNT convoca a la V edición del
Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2019. Dirigido a estimular la creación
de obras teatrales cuya temática promueva el análisis y la discusión de la
teatralidad venezolana mediante el reconocimiento de nuevos planteamientos
discursivos y estéticos de la dramaturgia nacional.
La convocatoria se realiza del 02 de
mayo al 31 de octubre a todos los creadores venezolanos dentro y fuera del
territorio y extranjeros (con 10 años de residencia en el país) con una obra de
teatro inédita y original de cualquier temática, que no haya sido galardonada
ni escenificada anteriormente. El ganador(a) obtendrá un premio único en
metálico, diploma, publicación y el montaje de la obra por la CNT. El premio
forma parte de las políticas de fortalecimiento de la dramaturgia nacional para
el enaltecimiento de la capacidad creativa y de producción artística criolla.
El rotundo éxito de la puesta en escena estrenada el año pasado de la
obra ganadora del premio, Oscuro, de noche de Pablo García
Gámez, dirigida por Carlos Arroyo, con la producción de la Compañía Nacional de
Teatro y su elenco estable permiten reafirmar el compromiso de este esperado
evento que se ha convertido en toda una tradición de las tablas venezolanas.
Para la V edición de este año, el
premio cuenta con la alianza de los Gabinetes Estadales de Cultura con los que
desea llevar la convocatoria a todos los rincones del país. La planilla de
inscripción, las bases del concurso y los requisitos para participar en el
prestigioso Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2019 se
pueden descargar en la página web de la Compañía Nacional de Teatro. Para mayor
información pueden comunicarse a través de los números de teléfono: (0212)
481.2147/7306/0715/2227..
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El libro maldito de Malaparte:Técnicas de golpe de Estado
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| CURZIO MALAPARTE |
Desde su aparición, en 1931, Técnicas
de golpe de Estado de
Curzio Malaparte (Prato, 9 de junio
de 1898/ Roma, 19 de julio de 1957) se convirtió en un “libro
maldito”. Una obra que no ha perdido nunca su actualidad porque alcanzar el
poder, a cualquier costo, ha sido uno de los horizontes de los humanos que lo ambicionan.
Se dice que Ernesto “Che” Guevara era un fanático de esta pieza literaria.
Nunca antes un
autor se había ocupado de analizar y diseccionar los diferentes golpes o
intentos de golpe de Estado habidos en Europa desde el 18 de Brumario de
Napoleón hasta la llamada “Marcha sobre Roma” (entre el 27 y el 29 de mayo de
1922) de Benito Mussolini. Con este texto, Curzio Malaparte intentaba demostrar
que las fuerzas contrarias a los valores de la democracia, tanto de extrema
derecha como de extrema izquierda, pueden ampararse en la legitimidad de un
Estado moderno y coartar sus libertades.
En cualquier país
democrático, apunta Malaparte, es posible dar un golpe de Estado, incluso sin
una situación crítica o sin apoyo popular. Basta un grupo que controle la
maquinaria estatal y tome el poder sin confrontar la fuerza adversaria. La
estrategia pasa por concentrar las fuerzas en el punto más delicado del
adversario, que en un Estado moderno son los servicios públicos y los medios de
comunicación.
Malaparte pagó la
osadía de esta obra con una condena al destierro y con su muerte social durante
los años de efervescencia fascista en Italia.
Este texto ha sido
el manual de estudio para varias generaciones de políticos y militares de los
cinco continentes, interesados en sus teorías, por supuesto, algunas de las
cuales ya ha sido refutadas o han recibido contrapropuestas.
Ya el poeta
Oscar Wilde escribió que cada hombre mata lo que ama: unos lo hacen con
mirada torva, otros con
la palabra halagadora; el cobarde lo hace con un beso,
con la espada el valiente.
con la espada el valiente.
lunes, abril 29, 2019
La película venezolana "Bárbara " ganó importante galardón en Rumania
 |
| Petrizzelli ganando premios en Europa |
El cineasta venezolano John Petrizzelli
se reporta desde Europa para comunicar que su película Bárbara se ganó el Premio del Festival Seeile Gay Nights de Rumania,
evento dedicado a la temática LGBT y es uno de los pocos en esa nación qué se
dedica a esa temática. “Es un festival de la comunidad gay de Cluj, la capital
de Transilvania, ciudad universitaria muy importante para la
cultura rumana. Competimos contra muchas películas de Corea, Estados Unidos, España,
Italia y otros países Y ganamos el galardón como Mejor Película Largometraje, que
es muy importante por el rango de películas en la competencia".
Subraya Petrizzelli que aunque Bárbara ya tuvo su circuito comercial
en Venezuela y aparte de la Cinemateca o alguna otra institución que la
proyecten “no hay planes para presentarla de todos modos esperamos ver si
podemos en vista de ese premio y ya que me preguntas sobre otros galardones logrados, te recuerdo que también logramos el mejor película en el Festival de New Delhi, en India pues hace que quizá se
pueda reproyectar. Ahora vamos al Festival de Baja California, México y vamos
al Festival de Berna. Hemos participado en más de 15 festivales con la película
incluyendo Chicago Latino, Santo Domingo, Bogotá y el Festival de Quito, aparte
del Festival lLESDGAI de Madrid, el más importante de España para la temática
LGBTI.
Reitera que como el país atraviesa un momento
difícil y que sin recursos no se puede hacer cine por lo tanto hay que esperar
a que la situación mejore o iniciar proyectos independientes de poco
presupuesto. “Yo por mi lado estoy tratando de producir en Europa,
particularmente entre España e Italia, y ahora tengo un corto en preproducción
que se llama El pozo Y espero pronto
culminar la escritura de una serie de televisión para España”.
Se marchó Atanasio Alegre
 |
| Atanasio Alegre con uno de sus últimos libros.
Atanasio Alegre se ha marchado. Hacia
el año 2008 lo entrevistamos y nos confesó que era ya un filósofo de 28 años
cuando llegó a Caracas en 1958. Vino de León, España, y egresó de la Universidad
Católica Andrés Bello hacia 1963, Summa Cum laude como psicólogo social. Con su
única esposa procrearon tres hembras y un varón. Ingresó a la docencia en la
UCV y en 1991 lo jubilan, pero en 1994 lo llaman para ocupar la dirección de
Cultura, donde permaneció hasta finales de 1996.
Nos reconoció que la vida como profesor si se
quiere estar al día es enriquecedora y estimulante, sobre todo si se desarrolla
una labor como conferenciante, asistente a congresos como ponente y además se
entrega a la publicación dentro del campo de su especialidad. Esa fue su
experiencia. Creía que sus cuatro libros de ensayos lo llevaron primero a la
novela: El mercado de los gansos, sobre la vida de Telemann en
Hamburgo, y luego a la trilogía sobre el acontecer venezolano. Alguien dijo que
sus narraciones participaban de ambos géneros: eran novelas ensayísticas. Pero
tanto el ensayo, como la novela requieren de investigación y de metodología,
para lo que sirvió su pasantía por Alemania.
Creía que “a estas alturas y vecinos como
están mis días finales, yo también podría suscribir aquellas palabras que
Lutero escribió a su amigo Spalatino: Tu sabes que si los bienes del hombre en
el mundo deberían ser destruidos, son los que pertenecen a los príncipes. Ser
príncipe y ser ladrón es lo mismo y el príncipe es mayor ladrón, en la medida
que es un gran príncipe”
.Nos dijo que Johannes Reuchlin, el
maestro de hebreo de Martín Lutero, el gran revolucionario del Renacimiento,
tal como lo plasmó en su novela histórica El crepúsculo del hebraísta,
literatura que va más allá de una saga de ficción donde la fe, la corrupción,
la intolerancia y la ambigüedad del ser humano se disputan el reino de la
tierra.
“Se trata de un culto y severo
discurso crítico del autor que recrea vidas que él no ha podido vivir. Es
espejo para el camino o peculiar metáfora para los entendidos. Y en estos
tiempos y en esta sociedad y en este aquí y ahora, eso es muy necesario, porque
eso ocurría y se decía hace casi 500 años y ahora se puede escribir lo mismo
porque tal sociedad aún existe y tiene diferentes ropajes, reitera el escritor,
quien con esas 304 páginas, publicadas por Alfa Ediciones, completó su primera
docena de libros, los cuales van desde ensayos hasta cuentos, pasando por
narraciones largas. ¡Intelectual a tiempo completo!
Escribió sobre Reuchlin porque con su novela histórica plantea una reflexión sobre lo que hubiera podido suceder si este no aparece. “Novelizar a este personaje es aludir al descubrimiento de la imprenta, porque sin ella no se hubiese dado la Reforma Protestante, ya que le permitió a Lutero, el mismo que predicaba que había que divinizar al hombre y humanizar a Dios, publicar 600 mil copias de sus escritos y escindir para siempre a la Iglesia Católica Romana. Y para eso aprendió el hebreo, lo cual permitió leer los manuscritos antiguos y así la Biblia fue mejor comprendida y popularizada gracias al gran invento de Gutenberg, que aparece hacia 1450”. Con su novela da una visión sobre el poder y la corrupción, algo que está muy de moda en estos tiempos, pero no es una pieza biográfica. Pululan las intrigas, las persecuciones de la Inquisición y otros crímenes. Es uno de los incubadores del Renacimiento, etapa del pensamiento europeo que desemboca en la Ilustración y está en las revoluciones que terminan por cambiar el mundo. Pero ahora se va hacia otro Renacimiento y de ahí el valor metafórico de este texto. -¿Cómo es ese Renacimiento?
-No soy profeta. Solamente recuerdo que H.G. Wells habla de “the shape of
things to come”, es decir, de la singularidad de las cosas por venir. Lo que
terminó con la Edad Media fue la irrupción de la cultura oriental que trajeron
a Occidente quienes huían de Bizancio en manos de los turcos. Fue la cultura
pitagórica y el interés por los idiomas antiguos, sobre todo el griego y el
dominio del latín. Sobre lo que influye esa nueva cultura, ese Renacimiento, es
sobre el concepto de autoridad. La autoridad no viene de Dios, sino del hombre
mismo. Y de aquí van a nacer los movimientos revolucionarios. Hoy la influencia
viene del grupo BRIC (Brasil, Rusia, India y China) y de Asia en general. Esta
influencia significa una nueva gestión del mundo a través de la globalización.
Entonces la pregunta sería: ¿la comunidad atlántica y los países
industrializados tienen la fuerza económica, laboral y cultural para hace
frente a esta nueva irrupción? Occidente pierde influencia, sus sistemas de
valores y la axiología están cambiando y van a tener que adaptarse. No se trata
de un choque de civilizaciones, sino más bien de un choque dentro de las
civilizaciones. Y estos son ingredientes para un nuevo Renacimiento, si se
quiere mirar al futuro o la singularidad de lo porvenir de que habla Wells. Y
este ya comenzó.
Era un intelectual de obra propia y a quien su familia debe preservar y difundir su obra. |
jueves, abril 25, 2019
Un año sin Levy Rossell
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| Levy Rossell se merece un libro por su odisea teatral venezolana |
Hoy, al cumplirse el
primer año de su mutis, Levy Rossell fue recordado con varias misas a las
cuales asistieron amigos y familiares. El, en los años 60 del siglo XX, era “la
gran esperanza blanca” del teatro venezolano. Había llegado de Nueva York y
tras exhibir su inolvidable espectáculo músico teatral Vimazoluleka, en el Aula Magna y el Ateneo de
Caracas, se le abrieron todos los caminos para convertirse en el gran director
o en el gran pontífice de la escena criolla. Pero no fue así. Fue intensa su
lucha existencial y tenía casi siempre el viento en contra, pero dejó huella.
Aquel joven no era
fácil de manipular o de comprar, tenía ideas propias y además era cultor de lo
criollo, tampoco era de roscas ni cofradías. Tenía, conceptos personales que no
negoció, algo raro en esta compra y venta en que se ha convertido no sólo la
cultura venezolana. Más de 20 piezas escritas y montadas, ocho mil actores y
actrices a quienes capacitó y centenares de representaciones teatrales desde
1961, dentro y fuera de Venezuela, son parte de la cédula artística que ahora,
en esta incierta centuria XXI, ostentaba con orgullo el teatrero Levy Rossell
Daal, nacido en Coro el 23 de abril de 1945 y fallecido en esta Caracas, aquel
25 de abril de 2018.
Debutó con su Vimazoluleka - híbrido de teatro y música,
escrito a los 16 años- en el viejo Ateneo, a mediados de 1966. Y desde entonces
no dejó de trabajar profesionalmente con lo que aprendió de maestros como César
Rengifo, Nicolás Curiel, Alberto Castillo Arráez, Eduardo Fernández Salomón y
Joe Chaiquin.
Explicó que con su Vimazoluleka intentaba ser una
caja de trucos donde hay oculta una idea total y universalista. Llena de
innumerables pequeños momentos que transcurren vertiginosamente y son los que
le dan su propia personalidad. Debe ser entendida como marco de referencias que
permite una rica interpretación. Los personajes líderes de la acción son
máscaras grotescas que esconden el dolor de ser ellos en una existencia
alienada y solitaria, tratando de interceptar a los otros en su incomunicación.
Son uno y mil al mismo tiempo, sumergidos en un aburrimiento agobiante que los
obliga a hacer contacto y divertirse, burlándose de quienes viven tal
situación, con mentiras fabulosas para crear una gran caricatura que escapa de
la realidad para evitar así la confrontación
Levy no se quejaba,
pero cuando podía exclamaba: “He pasado unos años difíciles, porque se hacen festivales
y nunca me invitan, hay proyectos enormes y con buenos prepuestos y nunca me
llaman. Lo que he podido hacer ha sido con el apoyo de la gente que siempre ha
creído en mí y en mis iniciativas. Pero no ha sido fácil, desde que fui
presidente de Fundarte hasta estos momentos. Arte de Venezuela, mi institución
cultural, todavía existe, pero no tiene subsidio ni ningún tipo de apoyo
oficial, aunque eso viene desde hace mucho tiempo. Yo ni siquiera he podido
recibir la pensión del IVSS”.
A raíz de esa entrevista,
y por supuesto yo no revelo quien se le hizo, alguien lo llamó y fue incluido
en la lista de pensionados del IVSS para saldar esa deuda con un creador que no
se hizo rico ni robó. ¡Bonito detalle!
Él admitía que su
camino artístico había sido largo y con trampas que incluso lo arrinconaron y
hasta lo maltrataron. Aguantó con dignidad y no le debe nada a nadie y está en
paz con su conciencia. Él todavía era una gran carta para el desarrollo del
teatro criollo, si le daban los apoyos necesarios, porque ganas de trabajar si
tenía, pero sin trigo o sin maíz no se pueden hacer ni panes ni arepas.
Al parecer, las
semillas que como autor, actor, director y docente ha sembrado en todos los
confines de Venezuela durante las últimas cuatro décadas comenzaron a dar
frutos o al menos reconocimientos que aunque no llenan el estómago si
alimentan, y bastante, al espíritu. Y por eso que, en la sala de conciertos de
Unearte, la agrupación Sentimiento Escénico remontó su pieza Caracas...¡Urgente!, un espectáculo que no superó los
75 minutos, sobre un grupo de jóvenes, entre quienes no ha habido más relación
que una presentación y un hola, se encuentran en el vacío de una matriz, donde
al despertar comenzaran a desenvolverse con mucha ingenuidad, una
exteriorización de sentimientos y motivaciones profundas hacia una realidad implacable
y coincidente con cualquier tiempo y lugar.
Caracas...
¡Urgente! fue estrenada en
1972 con jóvenes como Guillermo y Marielena Dávila, Arístides Aguiar, Perla
Vonasek, Carlos Mata y hasta el mismo Levy. Era un obra premonitoria sobre los
cambios que sufriría la sociedad venezolana, los cuales ahora son correctamente
subrayados por los interpretes Eliécer Mantilla, Andreina Suárez, Saymond
Jonat, Alfonzo Lamus, Julio César Marcado, Yesenia Quintero, Rusbeth Ordóñez y
Yilmar Barrera, contando además con la égida musical de Jomar Daboin Ruiz y
Carlos Cacique, bajo la dirección general de Idelson Sojo. ¡Un homenaje al
maestro con mucho cariño!
Levy inventó el
fonema "Vimazoluleka”, utilizando las dos primeras
palabras de los nombres de sus íntimos compañeros de estudio del Liceo
Aplicación. Quería exaltar esa amistad y bautizar su ópera prima, compuesta de
dos actos o 16 escenas, nueve canciones y tres situaciones de puesta en escena.
Esos amigos desaparecieron cuando hizo 39 funciones en el Ateneo de Caracas
(1966), pasó al auditorio de Ingeniería y finalmente alcanzó seis semanas en
la Aula Magna de la UCV. ¿Por qué? Nunca recibió respuesta.
Viajó a Nueva York y allá también la escenificó durante cinco meses. En 1968
regresó para escribir y montar y además educar con las artes escénicas a miles
de compatriotas, tarea que lo hizo feliz, imbatible e indomable.
No hay que olvidar que a pesar de
muchos contratiempos pudo regentar una sala en el sótano 1 de Parque Central,
construida bajo sus indicaciones por el Centro Simón Bolívar; pero durante el
gobierno del presidente Jaime Lusinchi la entregó porque no pudo cancelar el
condominio. ¡Regresaría de otra manera!
Se refugió en La Guaira para trabajar
con las comunidades más pobres, pero el deslave de 1999 lo sacó y lo aventó
hacia Caracas y otras poblaciones para ganarse al diario yantar. Siete años
después, otra generación de actores y productores, en un acto paradójico que
sólo se da en el mundo de las artes, lo homenajeó y colocó su nombre a ese
mismo espacio donde trabajó intensamente en épocas pretéritas. Aceptó hacer un
intenso taller de lectura dramatizada con sus 17 obras. Fue su segundo debut,
porque todos, hasta sus eternos rivales, le volvieron a mirar y desde entonces
es novedad hasta para los medios de comunicación. ¡La vida te da sorpresas!
Nunca se propuso ser "un niño mimado
de Caracas", como lo llamó Rubén Monasterios, ni tampoco un niño genio, ya
que a los 21 años entró en guerra frontal contra esa gente que suponía que su
ascenso era programado. Sí hubo un momento en que se puso a revisar para qué
servía todo lo que había hecho en los años 60 y 70, porque en los 80 fue
empleado público y lo hizo como para detener su carrera, que arrancó a los 13
años como alfabetizador. Jamás persiguió el éxito y su única cuenta o deuda es
con Dios. ¡Alabado sea!
Larga y compleja ha sido la historia
de la producción, su complejo rodaje y la accidentada posproducción de la
película Vimazoluleka, la ópera prima cinematográfica de Levy
Rossell Daal, cuyo estreno se planificaba en varias salas venezolanas. Y, por
si fuera poco, iniciaba otro proyecto fílmico donde también participará su
hermana Belkys Rossell Daal, la diseñadora. Su vida no fue
estéril. Deja obras y una historia de luchas, su odisea.
Yo lo conocí en Cali
cuando presentó el espectáculo Amoroso en el teatro Municipal de la capital
vallecaucana, a mediados de 1968. Y ni él ni yo sospechábamos lo que nos pasaría
después.
miércoles, abril 24, 2019
La devoradora nonna que vino de Guanare
 |
| Un espectaculo que dice muchas cosas. |
Ha terminado la octava entrega del
Festival Internacional de Teatro de Caracas con sus 91 funciones realizadas sin
vacilaciones por 12 agrupaciones foráneas y una treintena de elencos criollos,
además de una programación especial con una cuarentena de espectáculos para
niños.
Fue imposible ver todo lo que ahí se
programó, por lo cual hicimos una selección muy peculiar y por eso hoy nos
centramos en el montaje de la comedia grotesca argentina La nonna, una pulcra producción de la Compañía Regional de Teatro
de Portuguesa, institución que lleva casi 30 años de labores útiles para el
desarrollo de las artes escénicas en su región y en toda Venezuela.
Sobre La nonna de Roberto Cossa,
versionada, dirigida y protagonizada por Aníbal Grunn, hay que puntualizar que ya
hizo una temporada de seis semanas en el Complejo Teatral de Occidente Herman
Lejter, en Guanare. Y es posible que durante el venidero mes de julio tenga una
temporada especial en el teatro Alberto de Paz y Mateos, donde además se mostró
dentro de la programación del 8FITC.
La nonna es una tragicomedia del argentino Roberto Cossa, que se
publicó en 1979 aunque se estrenó el 12 de agosto de 1977 en el teatro La Salle
de Buenos Aires. Se trata de una de las obras más trascendentales del teatro
argentino del siglo XX, la cual fue estrenada durante un período caracterizado
por la inestabilidad política y social en ese país. Al contrario de la suerte
que han sufrido otras obras escritas bajo algún tipo de censura, La
nonna supo salvar esa barrera gracias a su estilo simbólico y
reflexivo, en el que subyace su carga crítica, y además consiguió una gran
acogida en las representaciones que se realizaron de ella. Es, pues, una pieza
teatral de gran transcendencia. En Argentina y otros países de Latinoamérica
sigue representándose. Se ha traducido al inglés, el alemán y el francés
Grunn apunta que Roberto Cossa
(Buenos Aires, 30 de noviembre de 1934), líder de una generación de dramaturgos
realistas, tiene en su haber piezas como Nuestro fin de semana, El
viejo criado, Tute cabrero, Ya nadie recuerda a Frederick
Chopin y Yepeto, además de La nonna. Es de los
que predica “que hay que hacer un espectáculo que haga reflexionar pero nunca
aburrir, porque un espectáculo bello, que trate el tema del amor, puede hacer
reflexionar tanto como un teatro político".
La nonna es el mejor ejemplo del teatro que entretiene y al mismo tiempo
enseña lo que no conviene hacer, lo que es nefasto para el colectivo y mucho
más cuando la situación socioeconómica ha llegado al límite. La nonna, que es
un modelo del grotesco argentino, fue un arma contra la dictadura militar de los años 70, por su discurso disfrazado con
un juego escénico centrado en los siete miembros de una familia bonaerense, de
procedencia italiana, quienes luchan desesperadamente para la sobrevivencia en
medio de un contexto deprimido y con severa represión de las autoridades. Era
una parábola obvia, donde la nonna (la abuela) era el Estado devorador que
pretendía digerirse a todo un país, cosa que finalmente no ocurrió porque los
malos también pierden, como diría mi tatarabuela.
Es patético ver a esos siete
inmigrantes que luchan lo indecible para la supervivencia cotidiana en medio de
una sociedad hostil, pero no todos los hacen con dignidad, ni cuentan con
suerte, mientras que unos se prostituyen y los otros practican el
individualismo exacerbado, mientras que a la más vieja de ellos, la nonna sólo
le interesa comer y comer, mientras se van muriendo cada uno de sus parientes,
sin importarle el resto de la familia. Una muestra de que el capitalismo no es
nada humanista y que eso consigue la destrucción del género humano. Y eso
ocurre en cualquier sistema político que use el poder del Estado para abusar de
los ciudadanos y tenerlos únicamente para su beneficio personal.
Grunn para darle mayor verismo
a su espectáculo equiparó a los personajes con cada uno de los siete pecados
capitales y así obtuvo una redonda y alucinante puesta en escena, gracias a que
los comediantes tenían esa conducta o formato para componer su rol. La nonna es
Aníbal Grunn en una conmovedora gula, acompañado por Mercy Mendoza, Evis
Cuellar, Emilger Arroyo, Wilfredo Peraza, Giuseppi Fischetti y Carlos Moreno en
sus roles pertenecientes a la ira, la pereza, la envidia, la soberbia, la
lujuria y la avaricia.
La nonna también fue llevada al cine en 1979
por el director argentino Héctor Olivera. El guión fue escrito por Roberto
Cossa y el papel protagónico fue interpretado por Pepe Soriano. Dicha
cinta ganó el premio Chacabuco en 2003, en Mar del Plata.
La obra, que se
desarrolla en la década de los 70 en Argentina, teniendo como protagonista
a una familia de clase trabajadora y pobre, no es más que una muestra y ejemplo
de la realidad de aquel momento con personajes arquetípicos que representan a
toda una sociedad que lucha por salir adelante. El problema de esa familia es
la nonna, la abuela, cuyo apetito insaciable obliga a todos los miembros a
tener que trabajar más y más, y buscar medidas desesperadas y al límite de la
razón para sobrevivir: desde el desmesurado trabajo del padre y cabeza de
familia, hasta las más disparatadas ideas del hermano de este. Estas
desesperadas soluciones, junto con el personaje de la abuela, crean un ambiente
tragicómico, grotesco y casi surrealista y absurdo, que queda expresado en los
personajes y estilo de la obra. Son estas acciones, también, una búsqueda de
intentar superarse que se contraponen y quedan frustradas por la nona, con una
salud de hierro y un hambre insaciable, que va matando a cada uno de los
miembros de su familia. Para el final de la historia, la nonna acaba con toda la familia de una forma u otra.
La nonna, por supuesto,
tiene varias lecturas posibles, pero lo que no le puede negar es su crítica a
la familia tradicional burguesa y en especial a las inhumanas relaciones
sociales del sistema capitalista, donde los seres humanos son solo máquinas de producción
y no tienen otras posibilidades de cambio o mejora, especialmente si se llega
la temida, pero siempre esperada, edad del retiro. Entre las actuaciones logradas,
a un ritmo escénico vertiginoso, destaca Aníbal Grunn con la centenaria nonna,
acompañada de un diestro elenco, cuyos personajes comen y beben puro aire,
aunque logran convencer por el verismo de sus desesperadas interpretaciones.
Esperamos, pues, que las próximas funciones de La nonna sean
en el teatro Alberto de Paz y Mateos, sede de la Compañía Nacional de Teatro, desde
el jueves al domingo, a las 4 de la tarde, durante las primeras semanas del
venidero julio.
Volvió el Popol Vuh al teatro Municipal de Caracas
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| El nuevo espectáculo de la CNT |
Después de tres funciones en
el Octavo Festival Internacional de Teatro de Caracas, la Compañía Nacional de
Teatro continuará con su espectáculo Popol
Vuh de José Luís León, en temporada regular en el teatro Municipal de
Caracas, del sábado 27 de abril al domingo 19 de mayo. Las funciones serán a las 3:00 pm y a las 11:00 am, respectivamente.
Este Popol Vuh es una producción del Ministerio del Poder Popular para la Cultura el cual, a través de la Compañía Nacional de Teatro, unió esfuerzos con el Ministerio de Poder Popular para los Pueblos Indígenas, la Alcaldía de Caracas, Fundarte y la Compañía Nacional de Música. El montaje lleva a escena las ancestrales enseñanzas de la civilización maya y los pueblos originarios de toda la región latinoamericana.
El público que asista presenciará una propuesta multidisciplinaria en donde la música, la danza, el teatro, la manipulación de títeres y la utilización de tecnologías multimedia serán las herramientas utilizadas para escenificar esta fantástica aventura.
Esta obra teatral Popol Vuh cuenta con las actuaciones del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que comanda el director Carlos Arroyo, los audiovisuales diseñados por Daniel Carrillo y Luisana Castillo, muñequería de Noelia Rojas, iluminación de David Blanco, dirección técnica de José Pérez, música original en vivo compuesta por el maestro Federico Ruiz e interpretada por la Orquesta Filarmónica Nacional de la Compañía Nacional de Música bajo la batuta de Daniel Gil, el trabajo corporal y coreográfico de la maestra Carmen Ortíz y la dirección artística de José Luís León
Las entradas tienen un precio de 2.000 soberanos y se pueden adquirir en las taquillas del Teatro Municipal de Caracas, en un horario comprendido entre las 9:00 am y las 4:00 pm. Las taquillas cuentan con punto de venta.
Estampas latinas llevan a Bogotá
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| Talento venezolano en Colombia.
Una selección de estampas de artistas
venezolanos, colombianos, peruanos y mexicanos, conforman la exposición Estampas
Latinas, proyecto de la plataforma venezolana CCS ARTE ACTUAL, que
será inaugurado en Bogotá, en el Project Room de Jacob Karpio Galería,
el jueves 25 de abril de 2019 a las 7 pm, durante el evento Noche San
Felipe que se realiza cada año en el barrio San Felipe a través de una
variada oferta cultural y gastronómica.
La muestra Estampas Latinas –que
permanecerá en exhibición hasta el 27 de mayo de 2019 y posteriormente está
previsto presentarse en México– cuenta con la curaduría de Carolina Sanz
(Venezuela) fundadora de CCS Arte Actual, y de Jorge Valdés (México) fundador
de Arte El Escarabajo México, así como con la asesoría de la curadora
y artista venezolana Linda Phillips, quien coordina el espacio de proyectos emergentes
dentro de la galería Jacob Karpio.
Partiendo del pensamiento de redes de alianzas creadas desde la
autogestión de curadores independientes, artistas y espacios de arte, la
plataforma venezolana CCS ARTE ACTUAL se abre camino internacional con
este nuevo proyecto que tiene como objetivo, generar formas de
integración cultural desde las artes gráficas a la vez que potencia el trabajo
reciente de un grupo de 18 artistas latinoamericanos, según afirma su directora, Carolina Sanz.
La idea es, de acuerdo al texto de
sala, mostrar que la gráfica se ha revelado como una
herramienta comunicacional importante desde sus inicios primitivos a la
actualidad. Como lo expresan los curadores y creadores de la exposición, Estampas Latinas brinda la oportunidad de apreciar diferentes
técnicas gráficas, “al confrontar diversos lenguajes e investigaciones, en
torno a géneros que han sido representados y reinterpretados recurrentemente a
lo largo de la historia del arte: el retrato, el paisaje, la
naturaleza muerta y la abstracción. Con esta muestra damos fe de que la gráfica
mutó de ser un simple medio de comunicación masivo a un género estético, que
aporta calidades maravillosas a las técnicas clásicas de las bellas artes.”
Entre los artistas que participan
figuran los venezolanos Ernesto Dávila, Carolina Sanz, Gabriel Pérez, Luis HN y
Lía Sabela; los mexicanos Ana Cecilia Quiroz López, Carla Helena Vázquez
Juárez, Fernando de Ita “REFF”, Karina Pichardo Yáñez y Jorge Valdés
Martínez; la peruana Gloria Quispe; y los colombianos Gabriel Sabogal “ARK”, Gustavo Santa “Goske Rojo”, Felipe Celis, Pablo Cardona,
Camilo Cuervo, Diego Ayerbe, Anthony Alarcón, estos últimos cinco artistas,
miembros del Colectivo de artes gráficas Taller Trez.
El público podrá apreciar el trabajo de
estos artistas en la exposición Estampas Latinas, que se estará
presentando del 25 de abril al 27 de mayo del 2019, en el Project Room de
Jacob Karpio Galería, ubicada en la Calle 72a #22-80, Barrio San Felipe,
Bogotá, Colombia. El horario de visita es de martes a sábado de 1:30 p.m a
6:30 p.m. La entrada es libre.
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