El caraqueño Tropical se muestra en Europa

Un criollo espectáculo para Europa

Del sótano 1 del caraqueñísimo Parque Central, donde está la sala La Rampa, a Europa para intervenir en el Festival de Almagro con su espectáculo Tropical, está en la agenda del artista Gregorio Magdaleno, su directivo y director. Pero dejemos que sea e quien lo cuente todo.

 ¿Cómo surge Tropical y por qué es un espectáculo entre musical y dramático o quizás más circense?

Tropical surge de un proceso investigativo escénico que tiene sus raíces en la metodología desarrollada por el Teatro Altosf durante 40 años, y que se concreta en esta ocasión bajo la producción de Igual a Uno Teatro. Fueron prácticamente dos años de trabajo dónde incluso pasaron otras personas que abandonaron esta odisea teatral, en medio de circunstancias muy difíciles en el país, y en Caracas específicamente. Estrenamos en el año 2018, es decir comenzamos a mediados del año 2016. En medio de las protestas y de los violentos hechos ya por todos conocidos, nos encontrábamos justamente tratando de asimilar aquellas tormentas y huracanes y comprender cuál era nuestro real rol como artistas. Recuerdo que además que en esos años se vivieron muchas tormentas tropicales en las costas caribeñas. Tormentas exteriores e interiores porque los más encontrados sentimientos se debatían dentro de nosotros acerca de la vida misma. De allí quedó la tormenta que acecha todo el desarrollo dramático de Tropical. Quizás por ello, ese constante vaivén y oscilación de altos y bajos, sin transiciones, que suele reconocerse en el temperamento tropical. Cuando la obra se muestra, cuando la puedo “ver”, comprendo que las apariencias juegan una función dramática insoslayable ya que ellas en realidad son un mecanismo para mostrar una realidad, una bisagra entre el alma y faz humana.

La música, concretamente la danza, el baile es un justo ejemplo de lo que mencionó anteriormente: formas picaras, sensuales, e icónicas, juegan a las apariencias, al coqueteo que se puede reconocer en las maneras nuestras. Es decir, a través de las apariencias que el otro reconoce y ubica en un contexto, el alma de cada uno aparece y desaparece, en un movimiento sinuoso y rítmico del “ser” y el “parecer”, creándose  el filo peligroso que podría llevarnos a pensar que la verdad es una mentira, como entona la canción de Monocordio, y quizás ya nos advirtió Nietzsche. Todo esto solo podía abordarse a través del desparpajo de la inocencia, en este caso, de estas dos comediantes de la obra, casi, y digo casi clows, porque lo absoluto era ajeno al proceso que se nos develaba. De allí que el drama solo era cuestión de no obviarlo.

¿Admite las influencias de las estéticas de las escuelas argentinas que aquí han desarrollado GimÉnez, Gené y De Petre?

Solo hay que reconocerlo. Además, antes, de Juana Sujo, cuyo nombre hoy lo recordamos a través de la Escuela que dirige Andrés Martínez. En lo personal, Juan Carlos De Petre, fue mi Maestro -y lo sigue siendo de otras maneras- más importante por muchísimos  años. Su aporte e influencia en el teatro venezolano por medio de Teatro Altosf es innegable. Actualmente su obra ha trascendido gracias a su trabajo escrito, ya ha producido varios textos que no solo abordan el ámbito teatral, sino también su pensamiento filosófico y su visión sobre la evolución humana a partir de una acción comprensiva. Por supuesto, Carlos Giménez, fundador de Rajatabla y del Festival Internacional de Teatro de Caracas, Juan Carlos Gené, fundador del GA80, un maestro del teatro latinoamericano, insigne dramaturgo, son dos figuras vitales en el teatro contemporáneo venezolano. Pero no hay que olvidar que otras figuras provenientes de ese país sureño se asientan en otras ciudades venezolanas como Puerto Ordaz, donde Juan Pagés, por ejemplo, crea la principal institución teatral de la región, La Barraca, o en el oriente como Hugo Arneodo, quien desarrolla su labor teatral con la UDO Oriente y su propia agrupación, o también Eduardo Di Mauro, con una impronta en el teatro de títeres sin precedente desde la ciudad de Guanare. Además, los años setenta, ochenta  y las duras dictaduras represoras latinoamericanas de la época, trajeron no solamente artistas e intelectuales  argentinos que enriquecieron nuestro teatro sino también de otros países del sur como el querido Víctor Villavicencio, Héctor del Campo, Orlando Rodríguez, Horacio Peterson, Ugo Ulive, Luis Pardi, algunos incluso fallecieron aquí. Es odioso tratar de hacer un recordatorio porque suelen escaparse nombres importantes, pero en definitiva la influencia en sus diferentes bemoles e intensidades ha sido realmente significativa para nuestro país.

¿Para dónde marcha Magdaleno y su predicada estética?

Sinceramente (risas) dudo que alguien en el fondo de su alma sepa adónde va. Si algo refrenda el arte con respecto a la vida es el destino como misterio. Ahora, querer, desear, incluso planificar, es lo que intento en estos momentos mediante la acción del trabajo. Creo que lo más importante es poder llevar nuestra labor más allá de las fronteras territoriales. De allí el proyecto de gira Tropical España 2019. En realidad queremos mostrar en otras latitudes lo que hemos descubierto como grupo humano que se ha dedicado a crear un espectáculo teatral bajo la estricta exigencia que el arte suele demandar sobre sus hacedores. En otras palabras, presentar ante el público español una obra que pretende mostrar una realidad humana que juega con las apariencias de los nombres, de las tormentas, del caos, del dolor, del júbilo, con el solo anhelo de encontrar la playa paradisiaca que nos vislumbre un horizonte esperanzador ante los embates destructivos de la mano humana. Recientemente el planeta sufrió un duro golpe con el dantesco incendio que arrasó con la selva amazónica producto de la avaricia humana y su deseo de poseerlo todo.

Entonces comprendo que: Conmover el pensamiento y despertar el corazón por medio del gesto único y del verbo justo que buscan al unísono fascinar silenciosamente la mirada del espectador, es, al menos,  el principio de la estética predicada, en busca de la comunión teatral.

 ¿Cómo serán las presentaciones en España?

Comenzaremos con la presentación dentro de la programación oficial del Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro el día viernes 11 de octubre en el teatro La Veleta, sede del CELCIT –España, en Almagro. Posteriormente el día sábado 12 de octubre dentro de la programación del festival nos presentaremos en la ciudad de León. Las otras presentaciones ya confirmadas son el viernes1, sábado 2 y domingo 3 de noviembre en la ciudad de Barcelona en el Centro Cultural Comediarte.

Estamos aun en conversaciones para terminar de concretar presentaciones en una sala de Madrid para el mes de octubre, y en Talamanca, una población turística y cultural ubicada en el norte de Madrid provincia. La agenda todavía no hemos podido cerrarla totalmente, cuestión que seguramente se hará para fin de mes. Es sumamente complicado desde Venezuela coordinar y armar una gira, hasta ahora sin la ayuda oficial, la cual esperamos dada la importancia cultural que reviste la proyección del teatro venezolano en el exterior.

En todo caso, estaremos informando oportunamente por medio de nuestras redes a través de La rampa sala de teatro en Facebook, @igual a uno teatro en Instagram y twitter, en especial para aquellos que residen en España, y puedan tener la oportunidad de ver la obra.

¿Y qué viene despues para la agrupacion?

En lo inmediato la obra Tropical se encuentra  programada para fines del mes de noviembre del año en curso en el Teatro Nacional; antes en el mes de octubre estaremos como parte del proyecto Teatro Comunitario Las Esquinas de Caracas, con el patrocinio de la Compañía Nacional de Teatro y la producción del Centro de Actividades Alternas,  con un espectáculo sobre Aquiles Nazoa en varios teatros de la ciudad de Caracas. Recordemos que en nuestra sede, La Rampa, Sala de Teatro, ubicada en Parque Central, funciona uno de los núcleos de este proyecto, constituidos por adultos mayores en su casi totalidad.

Así mismo, para el año 2020, a principios, esperamos estrenar nuestra próxima obra: Esperando a Phil Collin”. Ya anunciaremos la fecha exacta de estreno y el lugar en su debido momento.

Igualmente tenemos en la agenda el montaje de la obra infantil Un día en el Reino de Bambina de Alberto Ravara y la continuidad del Show infantil Asombroso. 

Reitero que son nuestros planes, deseos e intenciones. Trabajamos, y accionamos todos los días  arduamente para tratar de superar las duras dificultades que vivimos en el país con el fin de procurar realizar lo que visionamos como nuestra razón teatral de ser, para el bien de los que nos reciben y el propio.Bueno, finalmente esperamos que venga la prosperidad no solo para la agrupación sino también para todos.

ROMAN CHALBAUD Y SUS PERROS

LA COMPAÑIA DE  PERROS Y PERRAS NO TIENE PRECIO.

El domingo 8 de septiembre de 2019, al medio día, Román Chalbaud puso el punto final de su más reciente texto teatral: El espíritu de los animales, compilado en 32 páginas y centrado en la saga de un hombre, Adonay, que vive o se acompaña con cuatro perros. No hay fecha para su estreno porque eso lo decidirá su director Costa Palamides, quien durante estos días está en Grecia, la patria de sus ancestros.

Como éramos testigos de ese “punto final” en su computadora le preguntamos a Chalbaud:

¿Por qué Palamides?

Porque se la prometí, recién cuando comencé su escritura, ya hace varios años. Espero que venga pronto.

¿Quién es ese Adonay y por qué esa amplia canina compañía?

El teatro no se explica, se muestra en la escena. Tendrás que verla montada  y opinar sobre ella, como es tu trabajo. Y, como lo propaló George Bernard Shaw, hay perros mejores que los seres humanos. Son más cariñosos, más fieles, no traicionan, no demuestran afecto por interés sino verdaderamente por cariño. En este sentido, hay perros mucho mejores que algunos seres humanos, quienes precisamente hacen lo que nunca haría uno de esos bellos animales. En una ocasión leí que errar era una cuestión de humanos, pero perdonar es de perros. Son seres hermosos. Y tú lo sabes porque convives con cuatro perras, dos criollas o sacris y dos salchichas, y perdona que difunda desde aquí tú “secreto perruno”.

Sin embargo, Román Chalbaud (Mérida, 20 de octubre de 1931) ha dedicado toda su vida a luchar por una existencia mejor para sus congéneres -a pesar de que estos no le han sido fieles y casi siempre lo han traicionado- como lo demuestra su vasta producción teatral y cinematográfica, dedicada a la lucha por los derechos humanos, la cual suma no menos de 50 piezas. Y es precisamente por su transparente personalidad, por decir siempre lo que siente y no estar negociando su opinión, que un grupo de amigos y seguidores le han estado haciendo diversos tipos de homenajes públicos, dentro y fuera de Venezuela.

¿Le gustan esos halagos públicos?

A la gente en general, y en todo el mundo, no solamente en Venezuela, le gusta homenajear y ser homenajeado. Como todo en la vida, esto tiene su lado positivo y lado negativo. Los homenajes que he recibido son reconocimientos a mi trayectoria que no está oculta y todos saben que hasta el último momento estaré trabajando. Así soy yo.

¿Cuál sería su balance sobre toda su obra fílmica y teatral?

Quisiera haber escrito mejores obras teatrales y realizado películas, haber podido dirigir mejores trabajos en el cine, en el teatro y en la televisión. Chaplin dijo: Dijo:”uno nunca vive lo suficiente para dejar de ser un aficionado” Y eso me siento yo, ahora, un aficionado pronto a cumplir sus primeros 88 años.

¿Cómo deben ser la relaciones de los artistas con los gobiernos de turno, y cual su tratamiento a las relaciones con el Estado?

Un artista no debe preocuparse de sus relaciones con ningún gobierno; lo primero es preocuparse con las relaciones consigo mismo y con la sociedad que lo rodea; sus relaciones con las palabras, con las imágenes, con el pentagrama, con las barras, con las teclas del piano, con las cuerdas del violín, con los caracteres de la computadoras o la máquina de escribir, con los colores, con el lienzo vacío que está esperando su brazo. Eso es lo primero y fundamental. Ser un artista, pues, y mucho más si es venezolano de estos tiempos.

Chalbaud vive en un penthouse, de dos pisos, comprado en los años 80, donde siempre lo han acompañado varios perros y perras, los cuales le dieron numerosos cachorros. Actualmente lo custodia Cloe, pero mucho antes estuvo Ambar, hermosa perra pastor alemán, la cual compró por diez mil bolívares de los viejos, “durante los aciagos días del supuesto paro cívico, la adquirimos en una zona de Guarenas, adonde antes habíamos ido comprar gasolina. Tampoco me olvido de Hermes, un hermoso bóxer al que lo picaron unas abejas en la terraza y le provocaron un infarto. Yo no estaba aquí y venía de Madrid. Me dolió muchísimo, estuve muy triste unos días, pero pronto tuve unas nuevas compañías. Pero los tengo a todos en fotos. Ahora estoy con Cloe, que nació hace siete años, precisamente un 10 de octubre, como exótica coincidencia”.

¿Usted ha utilizado a sus perros en las peliculas que ha rodado?

No, porque mis perros nunca estudiaron actuación, o, mejor dicho, nunca fueron entrenados para eso. Cuando filme Ratón en ferretería tuvimos que alquilar una perra especial en Nueva York, porque ella hacia una serie de acciones importantes y tenía que estar bajo los reflectores. No es facil filmar con perros si estos no están entrenados adecuadamente.

¿Y cómo está la salud del artista?

Según los exámenes médicos estoy bien y a la espera de cumplir esos 88 octubres, un número que mandaré a jugar. ¡Te lo recomiendo!

VENEZUELA PRESENTE EN FESTIVAL DE ALMAGRO

Tropical de Venezuela.

Desde la instalación del CELCIT en Almagro en el año 1998, la institución se propuso contribuir a hacer de esta localidad manchega, una auténtica CIUDAD DEL TEATRO. Para ello la ciudad no podía limitarse al Festival de julio y exclusivamente al teatro clásico. Por este motivo, desde el año 2000 el CELCIT promueve el Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo en Almagro. 

Este XIX Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro, programado del 28 de septiembre al 13 de octubre de 2019, está fundamentalmente centrado en el intercambio y desarrollo del teatro iberoamericano, objetivo de la institución desde hace más de cuatro décadas, y se ha constituido en la puerta del teatro de los países de Iberoamérica desde Castilla La Mancha a toda España y Europa, a través de la creación del Circuito Español y Europeo de Teatro y Danza de Iberoamérica que promueve el CELCIT. 

En julio de 2005 un incendio se llevó por delante el Teatro Laboratorio La Veleta, espacio creado por el CELCIT, lo que motivó que ese año no se celebrara el Festival. En 2006 el Festival tuvo como sede el Teatro Municipal de Almagro y la programación retomó su vuelo en 2007 con la séptima edición enmarcada en la celebración de la reinauguración de la Nueva Veleta. 

A partir del año 2008, aparte de una amplia selección de espectáculos de teatro y danza de Iberoamérica, el Festival tomó una característica que lo identifica: el establecimiento de una temática central tratada a través de los espectáculos, foros y talleres, y la inclusión de un monográfico en homenaje a un grupo iberoamericano con la presentación de varios espectáculos del grupo, exposiciones, talleres y muestra audiovisual, lo que atrae a los estudiosos de España y Europa. Además el Festival incluye espectáculos especialmente dedicados al público infantil, que pretenden contribuir a formar al espectador del mañana. 

Desde el año 2000, han pasado por Almagro más de 200 compañías de más de 20 países iberoamericanos (Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Ecuador, El Salvador, España, México, Nicaragua, Perú, Panamá, Paraguay, Portugal, Puerto Rico, Uruguay y Venezuela), además de representantes del teatro hispano de los Estados Unidos, y grupos invitados de países de América, Europa y África (Irlanda, Canadá, Senegal, Camerún...). 

Entre las compañías que desfilaron por este Festival, cabe destacar algunas tan prestigiosas como las de Eduardo Pavlovsky, Timbre 4, Daniel Veronese o Rafael Spregelburd, de Argentina; La Patogallina, La Troppa o Tryo Teatro Banda de Chile; Pia Fraus, Sobrevento y Primeiro Ato de Brasil; Teatro de los Andes de Bolivia; Malayerba de Ecuador, Justo Rufino Garay de Nicaragua, Galiano 108 o Teatro Buendía de Cuba, Grupo Actoral 80 y Teatro Altosf de Venezuela, el cual ahora está programado  para presentarse  con su espectáculo Tropical, de José Gregorio Magdaleno y las actrices-bailarinas protagonistas Osleyda Pérez y Yarumí González.

El Movimiento en la escena venezolana

Loshombres de los cantos amargos,pieza de César Rengifo.

No podemos ser mezquinos, la historia del teatro venezolano durante el siglo XXI se ha enriquecido con la presencia del Movimiento Nacional de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes César Rengifo, audaz y sostenido proyecto cultural del Estado durante los últimos tiempos, el cual celebra sus primeros seis años este 16 de septiembre.

 Hay que puntualizar que el teatro para niñas y niños tiene varios tipos de expresión, porque existe el teatro creado y escrito por infantes y también el que es escrito por adultos para público infantil, e igualmente el que es representado fundamentalmente por niñas y niños. De alguna manera, en el Movimiento Nacional de Teatro para niñas, niños y jóvenes César Rengifo confluyen, en distinta medida, todas esas formas del teatro infantil, y se ha contado también, en los montajes, con la participación escénica de adolescentes.

La experiencia indica que las niñas y los niños aprenden técnicas de actuación teatral mucho más rápido que los adultos. La mayoría de ellos son actores y actrices naturales. Una vez que logran superar inhibiciones, timidez, miedo escénico y otras ataduras, pueden desarrollar rápidamente grandes aptitudes actorales.

La participación en actividades teatrales reporta notables beneficios a niñas y niños. Ayuda a la memoria, al obligar a la retención de parlamentos y situaciones escénicas, mejora la dicción y el conocimiento general del lenguaje, aumenta la autoestima, promueve el sentido de pertenencia grupal, la capacidad de convivencia y el trabajo en equipo, fomenta la disciplina y la constancia en las labores, y el buen desenvolvimiento frente a audiencias. Refuerza las tareas académicas de lectura y literatura, les actualiza en materias de lenguaje, arte e historia y les prepara para una mejor sociabilización.

Las niñas y los niños que participan en el Movimiento Nacional de Teatro para niñas, niños y jóvenes César Rengifo, además de tales beneficios, acceden al desarrollo de valores como el sentido de Patria, la justicia, el amor, la paz y otros que constituyen hitos de la nueva cultura nacional. 
En 2013 el presidente de la República Bolivariana de Venezuela, Nicolás Maduro Moros, creó el Movimiento Nacional de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes César Rengifo, como parte de las políticas de inclusión social de la Revolución Bolivariana, y anunció su nacimiento el 16 de septiembre de ese mismo año.

Después de disfrutar la primera obra montada bajo la guía del presidente de la novedosa manifestación cultural, el actor venezolano Pedro Lander, y bajo el título  La Tarea, salida de la pluma del dramaturgo Armando Carías, y en la cual uno de los personajes es el propio César Rengifo, Maduro afirmó que “La obra nos hizo sentir a César aquí. Una buena forma de iniciar este movimiento nacional. Yo invito a todas las niñas y a los niños a participar, convoco a todo el país para lo bueno. Esta tarea no es fácil, pero la única forma de cumplirla es haciéndolo juntos, estando unidos todos y trabajando con las dos manos: con una sembrando, cosechando, haciendo teatro, haciendo educación y cultura, y con la otra defendiendo la Patria de quien la ataque”.

Las palabras del Presidente fueron premonitorias, nos advierte el periodista Néstor Francia, porque en efecto, la tarea de mantener activo el Movimiento, hacerlo crecer y desarrollarse hasta los logros de hoy, no ha sido para nada fácil. Nadando contracorriente, en las aguas turbulentas de la Patria agitadas por conspiraciones, agresiones y sanciones imperiales, la institución ha enfrentado no pocas dificultades, sin embargo, con gran capacidad de adaptación, con flexibilidad y tino, no solo ha logrado mantenerse a flote, sino que además no ha dejado de avanzar para mostrar en la actualidad un muy alto nivel de producción y una actividad permanente que ha beneficiado directamente a más de 10 mil niñas, niños y jóvenes, e indirectamente a miles de familias venezolanas representadas en los actores, actrices, bailarines, bailarinas y músicos participantes, en los espectadores de los 16 montajes realizados, en el personal administrativo y técnico del Movimiento que trabaja con mística y entrega para hacer realidad este sueño de Patria, subraya el periodista.

La verdad de la traición

Tripleta valiosa de comediantes venezolanos.

Adolfo Hitler y Benito Mussolini, los apocalípticos guerreros de los años 30 y 40 del pasado siglo 20 están ahora, cual fantasmas, en un selecto club cultural de alemanes radicados en Venezuela desde hace unos 70 años. Sí, pero su presencia ahí es más compleja y esperamos que los lectores/eventuales espectadores así lo asimilen.

Llevamos muchos años sabiendo, de antemano, como concluiremos la reseña o la crítica de un espectáculo, pero siempre tenemos problemas en el cómo empezar y eso nos ha ocurrido ahora con Alta traición, memorable trabajo artístico del autor Federico Pacanins y el director José Tomas Angola Heredia, el cual hace una breve temporada, en el teatro Humboldt, en la calle Juan Germán Roscio, en San Bernardino.

Hoy hemos optado exaltar, inicialmente, al elenco conformado por el respetable Rolando Padilla, como el mefistofélico poeta estadounidense Ezra Loomis Pound, a quien, luego de habérsele condenado a muerte, se le conmutó la pena declarándosele loco, por lo que fue encerrado en un siquiátrico de Nueva York y liberado 12 años después, para emigrar a Italia y nunca volver a su patria. Asimismo participa el conmovedor Gerardo Soto quien encarna al germano Thomas Mann, Premio Nobel de Literatura en 1929; mientras que Sandra Yajure se encuentra comoda en el rol de la periodista, especie de alter ego del propio Pacanins o quizás aquel necesario puente entre ambos personajes y el público, para quien se hizo todo aquello a muy buena hora por la metáfora que mana de todo aquello, a partir de una obvia reflexión sobre el fascismo europeo, el de Hitler y Mussolini.

Hay que subrayar que la balsámica música, el cuarto personaje del montaje, que se escucha y toca en vivo es de la autoría del dramaturgo, con arreglos del maestro Albert Hernández, al tiempo que los fantásticos solos de violín corresponden a Martín Figueroa. La integración de un grupo de bailarines (Ahina Figueroa, Jorge Escobar y Juan Mora) quienes intepretan una danza contemporánea, coreografiada por Carolina Wolf, le brinda a esta exótica Alta traición una fantástica y hasta cinematográfica visión sensorial y lúdica, enriquecida, a su vez, con algunas técnicas de circo que le otorgan una poco frecuente poética visual. La precisa escenografía es del maestro Freddy Belisario, además que  el innovador diseño de mapping, grabaciones de video y operación son de José Martínez; la  adecuada iluminación es de Manuel Troconis; el audio es de Ángel Fernández; la producción artística y el vestuario son de Edisson Spinetti; la producción es de Yessica Serrano; la dirección general y la puesta en escena, como ya lo habíamos señalado antes, son  de José Tomás Angola, quien lleva en 80 minutos un mensaje muy oportuno para esos vientos que soplan en este planeta para amargarnos a la existencia a todos.

En resumen, hemos optado por remarcar primero a los artistas, porque ya hemos afirmado, en crónicas anteriores, que Federico Pacanins es generosa noticia para el teatro y las artes venezolanas en general, especialmente por su obra escénica, pues, en los últimos 25 años ha escrito y dirigidas variadas crónicas teatrales que involucran sensatamente al género musical, el drama y la comedia. Como director teatral ha puesto en escena otras tantas obras, propias y ajenas. También es productor de programas radiales, discos, conciertos y ciclos de conferencias dedicados a la música y a la difusión cultural venezolana. Tiene una labor respetabilísima como productor de documentales. Ha alternado la escritura y la producción de eventos teatrales y conciertos, con su labor de locutor y conductor de diversos programas de radiales. En cuanto a su labor docente es profesor de las cátedras de Teatro y Venezuela y su circunstancia, ambas en la Universidad Monte Ávila de Caracas. Actualmente es presidente de la Asociación Cultural Humboldt y profesor en ESCÉNICA. Es, pues, un importantísimo trabajador cultural con envidiable hoja de vida, orgullo para su familia y su patria, por supuesto. No anda pavoneándose como muchos que no tienen con qué hacerlo.

MONTAJE

Dos intelectuales, de ideologías enfrentadas, son los protagonistas de Alta traición, el cual permite una reflexión urgente y oportuna al público venezolano. Pacanins encontró extrañas coincidencias en esos iconos literarios de la cultura universal. Y todavía más fascinante resultan esas coincidencias dando lugar a una trama con personajes en tiempos de conflicto, que asumen activamente la propagada de signo contrario: durante la Segunda Guerra Mundial.

Ezra Pound (1885-1972) toma el micrófono radiofónico en Italia ofreciendo programas para advertir a sus compatriotas de las bondades del fascismo y nazismo. Del otro lado, el alemán Thomas Mann (1875-1955), Premio Nobel de Literatura, también ofrece programas radiofónicos advirtiendo a sus compatriotas del error en que incurren al seguir el liderazgo de Hitler. Dos valientes posturas que, en tiempos de guerra, suponen delitos de alta traición hacia sus respectivas naciones. Al concluir la guerra, tanto Pound como Mann deben asumir las consecuencias de sus respectivas posturas como intelectuales en tiempos bélicos. Y las consecuencias, por cierto, son aleccionadoras, por decir lo menos.

Esa deslumbrante coincidencia, que Pacanins ha resaltado, permite desarrollar una trama dramática que muestra  a estos intelectuales en tiempos de conflicto, y también a una periodista como vocera de un  extraño "cuarto poder" que propone la reseña y al veredicto social.

Pacanins aclaró que buscó llevarle al público caraqueño una trama escénica con emociones y pensamientos aleccionadores, producto de tiempos de conflictividad extrema. No lo dijo, pero sí hemos detectado que la lectura del filósofo Platón y en especial de su electrizante Fedón, sanamente le han contaminado de la lógica incertidumbre sobre los tiempos venideros, no solo para su obra artística sino también para su pais venezolano. ¿Y usted que opina estimado lector, eventual espectador? Vaya a verlos y saque sus conclusiones.

La verdad de una traición

Tres comediantes en compleja obra venezolana.

Llevamos muchos años sabiendo, de antemano, como concluiremos la reseña o la crítica de un espectáculo, pero siempre tenemos problemas en el cómo empezar y eso nos ha ocurrido ahora con Alta traición, memorable trabajo artístico del autor Federico Pacanins y el director José Tomas Angola Heredia, el cual hace una breve temporada, en el teatro Humboldt, en la calle Juan Germán Roscio, en San Bernardino.

Hoy hemos optado exaltar, inicialmente, al elenco conformado por el respetable Rolando Padilla, como el mefistofélico poeta estadounidense Ezra Loomis Pound, a quien, luego de habérsele condenado a muerte, se le conmutó la pena declarándosele loco, por lo que fue encerrado en un siquiátrico de Nueva York y liberado 12 años después, para emigrar a Italia y nunca volver a su patria. Asimismo participa el conmovedor Gerardo Soto quien encarna al germano Thomas Mann, Premio Nobel de Literatura en 1929; mientras que Sandra Yajure se encuentra comoda en el rol de la periodista, especie de alter ego del propio Pacanins o quizás aquel necesario puente entre ambos personajes y el público, para quien se hizo todo aquello a muy buena hora por la metáfora que mana de todo aquello, a partir de una obvia reflexión sobre el fascismo europeo, el de Hitler y Mussolini.

Hay que subrayar que la balsámica música, el cuarto personaje del montaje, que se escucha y toca en vivo es de la autoría del dramaturgo, con arreglos del maestro Albert Hernández, al tiempo que los fantásticos solos de violín corresponden a Martín Figueroa. La integración de un grupo de bailarines (Ahina Figueroa, Jorge Escobar y Juan Mora) quienes intepretan una danza contemporánea, coreografiada por Carolina Wolf, le brinda a esta exótica Alta traición una fantástica y hasta cinematográfica visión sensorial y lúdica, enriquecida, a su vez, con algunas técnicas de circo que le otorgan una poco frecuente poética visual. La precisa escenografía es del maestro Freddy Belisario, además que  el innovador diseño de mapping, grabaciones de video y operación son de José Martínez; la  adecuada iluminación es de Manuel Troconis; el audio es de Ángel Fernández; la producción artística y el vestuario son de Edisson Spinetti; la producción es de Yessica Serrano; la dirección general y la puesta en escena, como ya lo habíamos señalado antes, son  de José Tomás Angola, quien lleva en 80 minutos un mensaje muy oportuno para esos vientos que soplan en este planeta para amargarnos a la existencia a todos.

En resumen, hemos optado por remarcar primero a los artistas, porque ya hemos afirmado, en crónicas anteriores, que Federico Pacanins es generosa noticia para el teatro y las artes venezolanas en general, especialmente por su obra escénica, pues, en los últimos 25 años ha escrito y dirigidas variadas crónicas teatrales que involucran sensatamente al género musical, el drama y la comedia. Como director teatral ha puesto en escena otras tantas obras, propias y ajenas. También es productor de programas radiales, discos, conciertos y ciclos de conferencias dedicados a la música y a la difusión cultural venezolana. Tiene una labor respetabilísima como productor de documentales. Ha alternado la escritura y la producción de eventos teatrales y conciertos, con su labor de locutor y conductor de diversos programas de radiales. En cuanto a su labor docente es profesor de las cátedras de Teatro y Venezuela y su circunstancia, ambas en la Universidad Monte Ávila de Caracas. Actualmente es presidente de la Asociación Cultural Humboldt y profesor en ESCÉNICA. Es, pues, un importantísimo trabajador cultural con envidiable hoja de vida, orgullo para su familia y su patria, por supuesto. No anda pavoneándose como muchos que no tienen con qué hacerlo.

MONTAJE

Dos intelectuales, de ideologías enfrentadas, son los protagonistas de Alta traición, el cual permite una reflexión urgente y oportuna al público venezolano. Pacanins encontró extrañas coincidencias en esos iconos literarios de la cultura universal. Y todavía más fascinante resultan esas coincidencias dando lugar a una trama con personajes en tiempos de conflicto, que asumen activamente la propagada de signo contrario: durante la Segunda Guerra Mundial.

Ezra Pound (1885-1972) toma el micrófono radiofónico en Italia ofreciendo programas para advertir a sus compatriotas de las bondades del fascismo y nazismo. Del otro lado, el alemán Thomas Mann (1875-1955), Premio Nobel de Literatura, también ofrece programas radiofónicos advirtiendo a sus compatriotas del error en que incurren al seguir el liderazgo de Hitler. Dos valientes posturas que, en tiempos de guerra, suponen delitos de alta traición hacia sus respectivas naciones. Al concluir la guerra, tanto Pound como Mann deben asumir las consecuencias de sus respectivas posturas como intelectuales en tiempos bélicos. Y las consecuencias, por cierto, son aleccionadoras, por decir lo menos.

Esa deslumbrante coincidencia, que Pacanins ha resaltado, permite desarrollar una trama dramática que muestra  a estos intelectuales en tiempos de conflicto, y también a una periodista como vocera de un  extraño "cuarto poder" que propone la reseña y al veredicto social.

Pacanins aclaró que buscó llevarle al público caraqueño una trama escénica con emociones y pensamientos aleccionadores, producto de tiempos de conflictividad extrema. No lo dijo, pero sí hemos detectado que la lectura del filósofo Platón y en especial de su electrizante Fedón, sanamente le han contaminado de la lógica incertidumbre sobre los tiempos venideros, no solo para su obra artística sino también para su pais venezolano. ¿Y usted que opina estimado lector, eventual espectador? ¿Vaya a verlo?

PARA NO OLVIDAR A RENGIFO

CÉSAR RENGIFO

El caraqueño César Rengifo es más que un recuerdo, ha editorializado la revista Theatron, de Unearte, Y sirve esto para recordar que a 204 años de su nacimiento y 39 de su mutis, la ausencia que nos dejó su desaparición física se transforma una y otra vez en distintos lugares de nuestra geografía en una presencia fulgurante que trasciende en el tiempo a través de su pensamiento y del invalorable legado que representa su obra.

Theatron reitera que en la historia de nuestra cultura contemporánea son muy pocos los artistas criollos que han logrado ocupar de manera tan amplia los espacios del quehacer creador como César Rengifo: dramaturgo, director, pedagogo, poeta, pintor, periodista, y ensayista. “Con persistente voluntad y capacidad de trabajo volcó su mirada y su esfuerzo en el ánimo de desentrañar, desde la perspectiva del excluido social, los procesos históricos de América Latina, y de Venezuela lo cual plasmó con vuelo poético en imágenes, trascendentes tanto en los escenarios como en la pintura. Su pasión era la libertad. Su cuerpo diminuto como de pájaro albergó un alma de gigante que aún sirve de inspiración a todo aquel que se proponga la transformación de la realidad”.

César Rengifo es considerado con razón “El padre de la dramaturgia moderna venezolana”. Lo demuestra no solo su crecida producción, más de 40 obras, sino la forma como abordó, con crudeza y haciendo gala de un estilo no exento de poesía, la realidad de su país, haciendo énfasis en lo social, porque para él la estética que no reivindique al pueblo, carece de función y contenido. Preocupado por la explotación petrolera y el daño que dejaba la maligna conducta de las empresas transnacionales y las displicentes conductas de los gobiernos nacionales de turno, realizó a lo largo de su vida una “tetralogía del petróleo”, piezas que al lograr verlas puestas en la escena, le permitió reescribirlas incluso, donde analizó y cuestionó la explotación petrolera y sus graves consecuencias sociales.

Para el crítico e investigador Leonardo Azpárren Giménez, Rengifo es un dramaturgo importantísimo, que tiene una amplia obra original, y quien junto a Román Chalbaud, Isaac Chocrón, José Ignacio Cabrujas y Rodolfo Santana, es uno los grandes puntales del teatro moderno venezolano de la segunda mitad del siglo XX.

TETRALOGIA PETROLERA

Para nosotros, lo mejor de Rengifo es su ejemplar tetralogía del petróleo, donde él arremete contra el imperio de las petroleras y su nefanda presencia en Venezuela. Deberían los teatreros venezolanos detener durante un año sus producciones extranjerizantes, por lo menos, y planificar y ejecutar un ciclo de montajes y foros con esos cuatro textos porque es necesario predicar precisamente con el teatro. Ahí advirtió las frustraciones de un amplio sector de la sociedad venezolana por el sinuoso destino de la renta petrolera, además de la muerte lenta de la agricultura y el éxodo de los campesinos a las grandes ciudades para buscar un destino incierto o esquivo, al tiempo que señalaba la incesante sustitución de la cultura nacional por una foránea, “bien servida” por todos los medios de comunicación.

Ahí están, pues,   Las mariposas en la oscuridad (entre 1951 y 1956), basada en el éxodo y el abandono de los campos venezolanos ante la invasión (y nunca esa palabra fue tan patética) de las empresas petroleras. Muestra el dolor del campesinado al dejar atrás sus raíces, lo que le lleva a supercherías tan burdas y grotescas dejando el presente como testigo de un pasado.

Concibió para únicamente tres actos a El vendaval amarillo (1952), que  transcurre en  el estado Zulia, entre los años 1938 y 1939, una zona que sacrificó su explotación agraria y lanzó, sin destino alguno, a los campesinos, al tiempo que sus poblados eran destruidos. Denuncia con sus diez personajes populares cómo los terratenientes fueron vendiendo, sin contemplaciones, sus haciendas para que las compañías petroleras iniciaran y avanzaran en la búsqueda de “el estiércol del diablo”.

Un marxista, como era César, no podía dejar pasar la oportunidad de inmiscuirse en la vida privada de los empleados estadounidenses de las petroleras, desnudarlos de sus supuestos ropajes de dignidad y exhibirlos como unos asesinos desalmados. Eso lo logró con El raudal de los muertos cansados (1969). Muestra cómo se va urdiendo una serie de intrigas entre los petroleros para quedarse con un cargo burocrático que les permitirá ganarse unos cuantos miles de dólares más, aunque para ello tengan que matar o sacrificar al personal que trabaja para ellos, al tiempo que la explotación petrolera avanza y se lleva por delante a los mismos obreros.

Y diez años antes de su muerte, entregó Las torres y el viento, la más poética y la más completa pieza de su tetralogía petrolera, la cual vimos en memorable montaje que hiciera Herman Lejter. Sintetizó en el preámbulo el valor de las torres de petróleo y el viento en los pueblos donde la explotación del mineral ha cesado: “Torres destruidas y viento. He ahí para muchos venezolanos lo que queda del petróleo”. Como frustración de la riqueza fácil o decepción por el inalcanzable Dorado, las torres en abandono y el viento pasando libre entre las viviendas abandonadas, resulta, por la fuerza de sus significaciones, son casi un personaje. Es una de las obras más resaltantes del teatro de Rengifo, la cual fue llevada a la escena por el Teatro Universitario de la UCV, en los tiempos de Herman Lejter, hacia 1975.

PROFETA
¿Sería chavista César Rengifo si hubiese sobrevivido a sus dolencias físicas, que no eran pocas? No sabemos, porque eso que él denunció en sus obras, no era de su exclusividad, sino que ya el resto la inteligencia venezolana, especialmente la de izquierda. Luchaba para detener el proceso desgastador que durante un gran parte del siglo XX significó la explotación de los hidrocarburos.

No hay que ser chavista para execrar los abusos cometidos, no sólo por las empresas sino por los gobiernos títeres. Lo único cierto es que todo lo que él advirtió se cumplió y que al final el petróleo terminó por ser controlado por el Estado venezolano al desencadenarse una serie de cambios en la conducción política del país, pero las secuelas de los malos años no ha podido curarse todavía, ni los muertos inocentes resucitarán jamás.

Él hizo lo suyo al escribir su teatro, pero muy pocos con poder político le hicieron caso y las consecuencias están a la vista, porque “ya no somos un país independiente económicamente. Junto con el alud del capital extranjero, explotador, nos llegó también una pseudo civilización estandarizada. Y junto a los ranchos, habitados por gente depauperada y sin ninguna cultura, apareció la pseudocultura del petróleo”.

VUELVE EL POPOL VUH A CARACAS

JOSE LUIS LEÓN PACHECO

La Compañia Nacional de Teatro, bajo la direccion de Carlos Arroyo, hace temporada en su sede artística, el Teatro Alberto de Paz y Mateos, con la pieza Popol Vuh, versión escénica y direccion general de Jose Luis León Pacheco. He aquí sus respuestas:

¿Qué significa montar esta versión escénica del legendario libro de los maya, el Popol Vuh?

El montaje del Popol Vuh, fue sumamente gratificante, por varias razones, una de ellas el reto de narrar teatralmente la génesis de uno de los pueblos más importantes para la humanidad, herederos de gran sabiduría, fundamentados en sentirse todos como un solo ser,  “In lak’ ech a lak’ en (tú eres yo y yo soy tú), es el mensaje síntesis que me cautivo para hacer esta versión y dirección para el teatro del Popol Vuh, la presencia del amor como fuerza motora,  la comprensión hacia los demás es la base de las enseñanzas de este maravilloso texto ancestral, donde la magia se transforma en la sabiduría y el reencuentro con nosotros. La utilización de elementos teatrales como el video maping, la participación importantísima de la Orquesta Filarmónica Nacional en la interpretación de la maravillosa creación Musical del maestro Federico Ruiz que paso a formar un personaje más en esta historia,  hizo de esta experiencia un espacio de creación en equipo junto al elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro que asumió este reto  desempeñándose con un alto nivel profesional y de entrega absoluta a la creación, asumiendo el trabajo actoral, dancístico y el manejo de elementos como una forma integral de hacer llegar el mensaje-enseñanza de nuestros ancestros americanos   

¿Qué reacciones recibió de la comunidad ante este trabajo de creación escénica poco frecuente en el teatro venezolano?

En el trabajo de dirección siempre intento lograr la comunión entre el público y los artistas, entendiendo que esta es la base del teatro, esas dos energías que se encuentran en el recinto teatral para vivir una historia, un espacio donde ese encuentro de los artistas y el público es la base real del teatro, En el Popol Vuh sentí esa comunión, que para mí, representa el verdadero sentido de este arte, un regreso al principio de los tiempos y como nuestros pueblos originarios, sentados alrededor del fuego para contar sus historias de caza, leyendas sobre el origen de los pueblos, hazañas y religión. En este caso, desde las butacas y el escenario de una gran sala caraqueña.

 ¿Cómo será ahora el montaje si se tiene en cuenta que es en otro tipo de sala teatral?

Sí, en este caso remontaremos la obra en el Teatro Alberto de Paz y Mateos, se harán unas pocas adaptaciones espaciales, pero manteniendo intacto el espíritu de la pieza. Ahora es trabajo laborioso, adaptar videos y escenografía, remontar o espaciar partituras físicas, en este caso no se podrá tener la música en vivo como originalmente se hizo en el Teatro Municipal de Caracas  sin embargo para estos caso se cuenta con una maravillosa grabación realizada en las Sala José Felix Ribas, interpretada por la  Orquesta filarmónica Nacional de la Compañía Nacional de Música y la dirección del maestro Daniel Gil, bajo la mirada celosa de Federico Ruiz hicieron una maravillosa grabación para esta ocasión  

 Deme los lapsos de la nueva temporada

Las presentaciones serán en el Teatro Alberto de Paz y Mateos del 30 de agosto al 22 de septiembre, viernes, sábados y domingos a las 3 pm.

Hombre reaparece en Los Altos Mirandinos

Hombre llega a las tablas después de 29 años.Se trata de una pieza teatral que desarrolla la trama del conflictivo que está viviendo Javier, entre los recuerdos tormentosos de su pasado y un presente perturbador. 
En el transcurso de la obra se tocan temas profundos para el género masculino, en los distintos roles que cumple en la sociedad. Entre ellos el machismo, la sexualidad como tabú, la homofobia, la corrupción, la soledad y la traición. 
Su objetivo principal es mostrar al espectador que en la mente de un hombre se esconde un lado oscuro que puede ser un trágico detonante. 
Es un texto escrito por el dramaturgo y maestro del teatro psicológico Johnny Gavlosvky, la cual retorna a las tablas bajo la dirección de Luis Miguel Sánchez, quien también estará a cargo de la interpretación de Javier el personaje principal. Acompañado de un elenco conformado por Jesús Márquez en el personaje de Esteban, Otto Caedal como Javy, Adrian Troya como Agusto y Anyolina Broy interprentado a Romina.
La primera temporada se llevará a cabo en la sala de teatro de los Altos Mirandinos "Alto Teatro", todos los sábados y domingos,a partir del 31 de agosto. Única hora de la función a las seis de la tarde.

GARCÍA GÁMEZ ES DOCTOR EN TEATRO HISPANO EN NUEVA YORK

PABLO GARCÍA GÁMEZ

Pablo García Gámez (Caracas, 22 de septiembre de 1961), el premiado autor de Oscuro, de noche, la pieza galardonada por la Compañía Nacional de Teatro, se reporta desde Nueva York para informar que ya terminó la tesis para doctorarse en la principal de “La capital de mundo” y se puso a escribir como loco – cuatro pizas en mes y medio-, pero “como ahora daré clase en una universidad diferente, no me he puesto a promoverme.  Lo que está en pie es un proyecto al que el teatrero venezolano Wicho me invito a participar y que se hará en Madrid, durante este otoño o comienzos del 2020.  Una propuesta centrada en diversos puntos de vista sobre la inmigración y las crisis por la que muchos refugiados pasan en distintas partes del mundo. El otro proyecto que se discute, pero que aún no concreta, es Las damas de Atenea, en Buenos Aires para el 2020.  A ver ojala cuadre.  Eso es lo que está en el tapete”. 

La tesis de García Gámez es sobre el teatro hispano en Nueva York: Desde El margen: Teatro alterno y comunidades hispanas en Nueva York 1997-2017. “Es una revisión del teatro que se hace en español, que por cierto, se inicia con publicaciones de textos en 1840.  Es un teatro con una historia compleja. Además analizo 8 piezas de cuatro autores: Eva Cristina Vásquez, Tere Martínez, Jorge Merced y Marco Antonio Rodríguez. En común estos autores tienen rasgos comunes como la historia y la memoria así como la representación de sujetos marginados. Reviso también performances callejeros como la “Marcha Trans Latina de Queens”, la cual ha dado visibilidad a esta población en un condado tradicionalmente homofóbico; la Marcha se hace en septiembre para protestar la violencia de género así como obras que se representan en la calle”.

El pianista del océano

Este monólogo escrito por Alessandro Baricco yo lo tenía en casa, en la edición de la editorial Anagrama. También había visto la hermosa versión cinematográfica, hecha en 1998 por Giuseppe Tornatore. Entonces en el 2017 recibí dos señales que me hicieron decir "hay que hacerla": una fue por parte de Douglas Palumbo, quien la había visto montada en Buenos Aires y me comentó que al verla pensó en mí para hacerla y que me vendría muy bien. Y también Dairo Piñeres casi al mismo tiempo junto a su productora Johana Villafranca me la propusieron. Así que con esa doble señal junto a lo que me gustaba esa historia me dije "hay que hacerla". Por algunas razones no se pudo hacer en el 2017, pero estamos muy contentos de que 900, la leyenda del pianista en el océano este en cartelera junto a este hermoso y muy querido equipo en el 2019.

  Así cuenta Antonio Delli el por qué y el cómo es que está haciendo ese fantástico personaje de tan conmovedor unipersonal. “El montaje y los ensayos fluyeron hermosamente. Es un texto hermoso y exigente, que abordamos desde lo sencillo, desde lo humano, descubriendo a través del trabajo de mesa y luego del montaje el viaje de esta fascinante historia contada por un trompetista que formó parte de la banda y que se convirtió en el mejor amigo de este pianista extraordinario llamado 900”.

 “Me siento muy a gusto con este hermoso proyecto rodeado de un equipo tan admirado y querido. Uno siempre debe sentirse agradecido de las cosas hermosas que nos dan la vida y 900, la leyenda del pianista en el océano es un regalo como actor y como creador. Además es un texto que nos enseña a respetar las decisiones de cada quien. Cada decisión es personal y esta obra tiene que ver con respetar a cada quien y con querernos como somos. El viaje de cada ser humano es fascinante y personal”.

“Me siento realmente agradecido por tener una carrera teatral tan hermosa, variada y constante. He podido trabajar con directores extraordinarios de quienes he aprendido mucho como creador. Trabajar junto al gran Carlos Gimenez, por ejemplo, fue muy importante, mientras además me formé en el Taller Nacional de Teatro, todo un gran aprendizaje. Con la agrupación Rajatabla viajé por primera vez sin mi familia fuera de mis fronteras con la pieza Casas muertas, un gran montaje junto a un maravilloso elenco. En este viaje me acompaña mi querido Dairo Piñeres, gran director y creador y estoy muy contento de volver a trabajar juntos, después del montaje inaugural de la pieza Crónicas desquiciadas de Indira Páez, que haya pensado en mí para este proyecto. Y, ya que me lo preguntas, en ambos coinciden la pasión por el teatro y la creación”.   900, la leyenda del pianista en el océano estará en cartelera en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural los viernes a las 7 y 30 pm, y sabados y domingos a las 7 pm, hasta el 22 de septiembre.

 “Después de esta temporada de 900, la leyenda del pianista en el océano se repone Medida por medida, dirigida por José Tomás Angola, donde soy protagonista, y también 900, la leyenda del pianista en el océano seguirá viajando, dios mediante, bastante rato”.

EL BAÑO DE SANTANA

El fantasma del dramaturgo y guionista de cine Rodolfo Santana recorre escenarios y también oficinas públicas y privadas de productores y empresarios teatrales. No descansará todavía porque se marchó sin culminar uno de sus más ambiciosos proyectos: la institucionalización del Festival Nacional de Teatro Venezolano.

Santana luchaba para que, cada dos años, las salas teatrales de Caracas y otras ciudades albergaran los montajes de los dramaturgos nacionales y de esa manera hacer conocer al público la existencia del pensamiento, el sentimiento, la historia y los mitos de los hijos e hijas de esta Tierra de Gracia, poetizados y convertidos en espectáculos. Logró la promesa de recursos económicos y físicos, además de logísticos, para ese gran evento teatral, y solo faltaba que fijaran la fecha y las respectivas convocatorias destinadas a los teatreros y la organización de sus agendas de trabajo.

Por eso ahora su fantasma esta por ahí merodeando y maquinando para que no lo echen al olvido, lo encarpeten o lo pospongan para la próxima semana. En Venezuela es larga la historia de instituciones culturales que se hundieron tras la desaparición de sus gestores, dañando así a nuevas generaciones y echando cenizas sobre esas memorias positivas para la identidad nacional.

DRAMATURGUIA SOCIOPOLÍTICA

Rodolfo Santana (Caracas, 24 de octubre de 1944/Guarenas, 21 de octubre de 2012) aclaraba que el teatro fue, es y será intrincado, tanto que su acceso se vuelve misterioso por lo que abarca. Él, que pergeñó no menos de 100 textos, además de 13 guiones cinematográficos, afirmaba que “ante las complicaciones que ofrece el arte teatral, lo más habitual es ubicar sus aportes a nivel de maricones exhibicionistas u orgias post estreno. Me perdonaran los poetas y narradores venezolanos, pero Cabrujas Chocrón, Chalbaud, Rengifo, Ott, Viloria, Agüero y otros más, constituyen una parte sustancial de la cultura venezolana”. Lo que pasa, insistía, “también es que el dramaturgo latinoamericano posee una minusvalía extraordinaria. Por lo general se le considera un extraviado entre la literatura y el mal decir. Una excrecencia al pie de una columna dórica. He visto dramaturgos extraordinarios como Tito Cossa -estrenado en todo el mundo-confesando atributos de galeote y peón de arte. Y no es raro. Los dramaturgos latinoamericanos, con buenas obras, debemos enfrentarnos a la estulticia de los directores, a los planos del lenguaje convencional de las instituciones, al terrible hermetismo de las editoriales. El crítico Rubén Monasterios, a los autores de los años 70 nos denominó “dramaturgos de gaveta”, un término que, personalmente, he utilizado para saltar sobre la humillación de crear sin ningún sustento”.

VIGENCIA

A 32 años del estreno de Baño de damas en la sala Anna Julia Rojas del otrora Ateneo de Caracas, logrado con gran éxito de público por Ibrahim Guerra, y a seis lustros de la huida del fundador y líder estético del grupo Rajatabla, Carlos Gimenez, el director Aníbal Grunn ha realizado una ejemplar versión escénica del célebre texto de Rodolfo Santana y hace ahora temporada, en el Celarg, como parte de la programación 2019 de la Compañía Nacional de Teatro, institución productora que comanda Carlos Arroyo.

Para este montaje de Baño de damas, el tercero que se logra después de que también la presentara Gerardo Blanco en la otrora sala ateneísta durante la temporada 2002, el vestuario y la escenografía son creación de Hector Becerra y participa un sólido elenco de profesionales integrado por Aura Rivas, Francis Rueda, Livia Méndez, Maria Brito, Citlalli Godoy, Ariana León, Marxlenin Ciprani, Randimar Guevara,  Dora Farias, Gerardo Luongo, Yurahi Castro, Jean Manuel Pérez y Nella Alfonzo, otros comediantes del elenco estable de la CNT.  

Para este montaje que  se ambienta en el supuesto foyer del lujoso baño de una discoteca caraqueña, el director Grunn desechó el  brutal hiperrealismo propuesto por Santana, ya que no quería ni las pocetas ni los lavamanos de los baños tradicionales, y se entregó al estudio y revisión, además de discretas podas, del texto original; porque quería trabajar sobre las historias de las mujeres venezolanas ahí representadas, con ese “mundo maravilloso, complejo y tan actual”.

Cuando descubrió el verdadero conflicto de la que sería su versión, ambientado en un local de la Caracas contemporánea, se dio cuenta de lo que pedía Santana, hacia donde apuntaba sus baterías. Se trataba de una obra coral, donde todas se unen para enfrentar su gran conflicto: el machismo. Y todo el elenco aceptó que se trataba de hacer una comedia no solo para que el público la pasara bien, sino que también reflexionara a partir de las 14 historias personales que ahí se iban a plasmar.

De todo ese trabajo de mesa quedó una sinopsis relativamente simple: una mujer, “de pueblo”, cuida los baños y tiene que atender a su nieta de 15, que lleva tres meses de embarazo ,al tiempo que espera por un informe médico sobre su esposo hospitalizado de emergencia; y todo esto se desarrolla, a lo largo de 70 minutos de tiempo real, donde doce mujeres y dos hombres desocupan sus cuerpos y sus almas de todos los conflictos que les acosan: un marido celoso que golpea a su pareja, una parejita de jovencitas consumidoras de drogas y además lesbianas que son recriminadas por una alegre madre que quiere lo mejor para su hija, una actriz de televisión que disfruta de su fama y de la solidez de su cuerpo, un transexual que trabaja como mesonero en ese local y que sueña someterse a una operación  definitiva en Bogotá, un diputado de la Asamblea Nacional que todo lo resuelve a puñetazos y amenaza a quienes se le opongan con un pistolón, y una mujer que planifica abortar para evitarse mayores problemas en su relación con la pareja que tiene. En fin, un mundo femenino, a la venezolana, en su mayoría entregado a la diversión, pero sin olvidarse que la vida continua después de ese noche de jolgorio.

En síntesis, Baño de damas no es una simple comedia para reírse a costillas de los personajes ahí plasmados, pues ahí están los ejemplos básicos de la violencia de género, las prácticas abortivas, los embarazos no deseados ni planificados por no existir una cultura sexual racional, además de otras “perlas”, como la homofobia y la transfobia. Una temática global que hace 30 años era un asunto cotidiano y que ahora en segunda década del siglo XXI no sufrido mayores alteraciones, salvo que la transexualidad ahora es más aceptada y cuenta con mayores y mejores técnicas para la temible RQS, pero las discriminaciones están a flor de piel, a pesar que la CRBV 1990 impera…pero no se aplica totalmente.

MONTAJE ACTUAL

Santana llegó a la elaboración de este texto porque escuchó una grabación de conversación de unas mujeres   en una discoteca caraqueña y de ahí salió un texto ampuloso, que inicialmente duraba dos horas en escena.

El montaje de Grunn es austero, nada de excesos, los personajes entran y salen al foyer, van a los baños, y vuelven a la rumba, mientras que la cuidadora del baño espera el desenlace fatal de su marido, con más de 30 años de matrimonio, y recrimina la liberalidad sexual de su hija. Muestra una cotidianidad casi kafkiana: unos trabajan y sufren mientras que otros se divierten. La realidad siempre será superior a la fiction teatral, por supuesto, otros dirían que vivimos el mito de Sísifo sin saberlo.

Para Grunn, Baño de damas no es solo una obra de mujeres, definitivamente es una obra feminista, donde los valores, debilidades, inseguridades, contradicciones y luchas están presentes en el escenario. Cree que el universo profundo de ellas, las clases sociales, sus miedos y sus aciertos están representadas en la obra y muchas de esas situaciones no están resueltas. Ellas, las mujeres, y los transexuales y las lesbianas viven y cuando entran al baño, se sienten seguras, unidas, acompañadas, fuertes. El sector masculino está mal representado, es brutal y verosímil pero Santana no tuvo tiempo de maquillarlo.

El público, que significa el éxito o el fracaso del espectáculo mismo, disfruta de principio a fin y en la escena final o el desenlace, cuando las mujeres y el transexual le caen a golpes al diputado abusador, aplaude frenéticamente, cual si fuese una representación del legendario obra Fuenteovejuna (1619) de Lope de Vega, cuando el populacho castiga al tirano y clama por la presencia del rey, siempre de origen divino.