La UNESCO reconoció tradición de la palma bendita en Venezuela

Benito Irady durante el evento de la UNESCO en Colombia.

El programa biocultural para la salvaguardia de la tradición de la palma bendita en Venezuela, es reconocida por la UNESCO como ejemplo de buenas prácticas. 

A continuación palabras de Benito Irady, representante de Venezuela ante la Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial, reunida en Bogotá, Colombia.

"Por ser Venezuela el país con el cual se cierra esta suma de postulaciones, debemos felicitar a todos los Estados parte, que como nosotros ingresan a las Listas, por la importancia del patrimonio cultural inmaterial en el mundo. 

Extendemos nuestras felicitaciones a los distintos organismos que han apoyado esta reunión multilateral en Bogotá, y especialmente al pueblo de Colombia, del cual somos hermanos de sangre y de glorias. Hijos del mismo padre Libertador Simón Bolívar. 

Destacamos el encuentro con la Directora General de la Unesco, y con su equipo aquí presente,  con el señor Secretario de la Convención Tim Curtis, y porque no, con la responsable de seguridad Mary Mone, que está pendiente del cuidado de todos nosotros. No olvidamos su rostro, señora Mary. En fin, destacamos la presencia de todo el grupo de este organismo de Naciones Unidas, además de los distinguidos miembros del Órgano Evaluador, que han asumido una tarea muy difícil. Merecen un aplauso.   

Damas y caballeros, apreciados colegas, todos reconocemos esa célebre frase que encabeza el preámbulo de la Constitución de la Unesco desde hace más de 70 años: "Las guerras nacen en la mente de los hombres y de las mujeres, y es en la mente de los hombres y de las mujeres, donde deben erigirse los baluartes de la paz."

Nuestro país, que como todos deben saber, sufre de constantes amenazas por parte del imperio más poderoso del planeta, es un país que promueve la cultura de paz. Por eso estamos aquí. Una cultura de paz afianzada en los valores humanos y sociales. Una cultura de paz que interactúa con el entorno natural, como se demuestra en este expediente, cuyo enfoque ha sido analizado hoy, para distinguirlo como un modelo aplicable, no solo a nivel regional y subregional, sino también a nivel mundial.    

El programa biocultural para la salvaguardia de la tradición de la Palma Bendita en Venezuela, indica como se puede reconocer el patrimonio cultural inmaterial, como se aprende a  compartir, a vivir juntos unos y otros"

Es ejemplo de inclusión social, de una ciudadanía con valores,  conciencia, respeto mutuo. Es ejemplo de una mentalidad de paz, de tolerancia, con un nivel crítico que incluye la protección al planeta y a la biodiversidad, en sus grandes actos de fe.       

A nombre de nuestro pueblo venezolano y del Presidente Constitucional Nicolás Maduro Moros, queremos agradecer al Órgano de Evaluación y al Comité Intergubernamental, las frases de elogio a esta propuesta, que vincula el patrimonio cultural inmaterial con el desarrollo sostenible. Gracias a todos y todas."

Decisión del Comité Intergubernamental  de la UNESCO para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial:

1.- Toma nota de que la República Bolivariana de Venezuela ha propuesto un programa biocultural para salvaguardar la Tradición de la Palma Bendita en Venezuela (Nº 01464), a fin de que el Comité lo seleccione y promueva como un programa, proyecto o actividad que bien refleja los principios y objetivos de la Convención:

Las actividades asociadas con el Programa Biocultural para la Salvaguardia de la Tradición de la Palma Bendita en Venezuela, implican la recolección de varias especies de palmas en determinadas montañas. Después de recibir una bendición durante una ceremonia religiosa, los “palmeros” ascienden a la montaña, en donde pasan varias noches realizando diferentes actividades: cuentan historias; se detienen en puntos específicos, tal y como si estuvieran pasando por las estaciones de la Cruz; cuidan los senderos, en donde plantan y podan palmeras. Las hojas de palma, ya bendecidas en el contexto de la Semana Santa, se reparten en varias comunidades. La tradición estuvo a punto de desaparecer hace tres décadas, ya que los palmeros no tenían planes de reforestación y las autoridades de los parque nacionales los veían como una amenaza para el medio ambiente. Conscientes de la necesidad de cambiar la forma en que se recolectaba la palma, los palmeros comenzaron a podar la planta en lugar de cortarla por completo. Se diseñaron varias medidas innovadoras como parte del programa biocultural, incluidos proyectos educativos para jóvenes y actividades culturales para la comunidad en general. El programa biocultural ha alentado a cientos de niños y jóvenes a involucrarse, por lo que su componente educativo podría verse como un modelo para otras comunidades dedicadas a la recolección de la Palma Bendita durante la Semana Santa, o incluso para cualquier práctica de patrimonio vivo en donde la cultura y la naturaleza estén estrechamente relacionadas.
2. Considera que, a partir de la información incluida en el expediente, el programa responde de la siguiente manera a los criterios de selección como una buena práctica de salvaguardia, establecida en el párrafo 7 de las Directivas Operativas:
P.1: El programa ha aplicado diferentes tipos de medidas de salvaguardia, centrándose principalmente, en la educación y en la formación. Éstos incluyen un programa educativo y de capacitación sobre el medio ambiente, un programa de educación turística, un plan de gestión de preescolar y muchas actividades culturales, que involucran a niños, jóvenes, maestros de escuela y profesores universitarios. Además, el programa ha establecido una interconexión creativa entre la salvaguardia del PCI y la conservación de la naturaleza, basada en el concepto de patrimonio biocultural.
P.2: Aunque no hay evidencias de que se haya promovido la coordinación de los esfuerzos para salvaguardar el patrimonio cultural inmaterial a nivel regional o internacional, el programa es un buen ejemplo de cooperación y colaboración entre las comunidades y un gran número de instituciones públicas en el país (Guardia Nacional, Instituto Nacional de Parques INPARQUES, Defensa Civil, entre otros), así como universidades y organizaciones no gubernamentales.
P.3: El programa ha apoyado la salvaguardia de las tradiciones locales, ha contribuido a fortalecer la cohesión comunitaria y un sentido de pertenencia entre sus portadores. Asimismo, ha apoyado, de modo creativo, la interconexión de la salvaguardia del patrimonio cultural inmaterial con la protección de la diversidad natural. Además, la vitalidad de la tradición se basa en el diálogo, la cooperación y, en particular, en la participación comunitaria, lo cual refleja los principios y objetivos de la Convención.
P.4: El programa ha demostrado ser efectivo en términos de su contribución a la viabilidad del patrimonio cultural inmaterial. Esto se demuestra por el cambio de mentalidad de los portadores de la tradición, y por el hecho de que los niños y los jóvenes han sido alentados a participar. Ahora, están más conscientes y comprometidos con la reforestación de la palma, asumiendo una responsabilidad mayor a este respecto. El programa también ha ayudado a revitalizar el interés de las personas en la importancia de la Palma Bendita en sus manifestaciones  culturales, y ha creado conciencia sobre la importancia de cuidarla para garantizar la viabilidad de las tradiciones relacionadas. Sin este programa, estas tradiciones probablemente habrían desaparecido, debido al enfoque estricto que existe para la conservación de la naturaleza, a la extinción de ciertas especies de plantas, o por la falta de interés de las generaciones más jóvenes.
P.5: Las comunidades han participado en el programa a través de las asociaciones de palmeros. El programa ha reunido a maestros de la tradición, conocidos como Palmeros Mayores, hombres y mujeres a cargo de la logística, así como a niños, jóvenes y otros miembros de la comunidad. Los Palmeros Mayores han estado involucrados en la práctica durante muchos años, pero ya no son físicamente capaces de subir la montaña o sólo pueden hacerlo hasta cierta altitud. En cambio, están totalmente involucrados en las actividades educativas diseñadas para los Palmeritos, así como en las actividades de los viveros educativos. Han desempeñado un papel clave en el programa, ya que son los pilares de la transmisión oral de los conocimientos relacionados. El expediente incluye cartas de consentimiento libre, previo e informado tanto de representantes de las asociaciones como de representantes de municipios, escuelas y otras instituciones culturales.
P.6: El programa podría servir como modelo, particularmente en relación con los siguientes aspectos: la recolección de hojas de palma sin el agotamiento de la población de palmeras, los viveros de especímenes de palmeras y el importante componente educativo. También podría servir como modelo para otras comunidades dedicadas a la recolección de recursos naturales en la base de las tradiciones culturales y en donde la salvaguardia del patrimonio cultural inmaterial está estrechamente relacionada con las prácticas de conservación de la naturaleza. El enfoque podría servir como modelo no sólo a nivel regional y subregional, sino también a nivel mundial.
P.7: La comunidad y las personas involucradas están claramente comprometidas a cooperar en la difusión del programa. Esto se demuestra tanto por las experiencias de las Asociaciones de Palmeros, cuyos miembros han comunicado su deseo de transmitir sus experiencias reunidas durante el desarrollo del programa biocultural, así como por las declaraciones de maestros, biólogos y periodistas que han participado en el programa. La difusión se basará en la cooperación entre estos individuos, y a su vez, está inspirada en muchos otros esfuerzos de difusión ya realizados.
P.8: El programa incluye ejemplos concretos y formales para la medición y evaluación de sus progresos y resultados, basados en normas y procedimientos previamente elaborados. Éstos se han llevado a cabo mediante informes externos preparados por INPARQUES, y mediante evaluaciones internas basadas en criterios formales objetivos. El expediente también enumera una serie de ejemplos de cómo el programa podría ser evaluado por otras instancias en el futuro. Además, el plan de salvaguardia propuesto para la tradición de la Palma Bendita será una herramienta importante para monitorear y evaluar las actividades del programa biocultural como una buena práctica.

P.9: El programa podría ser aplicable a las necesidades de los países en desarrollo. En particular, podría servir como modelo para otras comunidades que enfrentan problemas similares con las palmas u otros tipos de recursos naturales vinculados con tradiciones culturales. Podría contribuir a la recuperación de especies en peligro de extinción, fomentando un comportamiento apropiado en áreas naturales protegidas, mientras apoyando programas sobre derechos humanos y la conservación de la biosfera. El objetivo principal del programa ha sido convertir a los ciudadanos en agentes de transformación; esta idea podría aplicarse tanto en los países en desarrollo como en los desarrollados.

3. Decide seleccionar el programa Biocultural para salvaguardar la Tradición de la Palma Bendita en Venezuela como un programa, proyecto o actividad que mejor refleja los principios y objetivos de la Convención;

4. Elogia al Estado Parte por su primera selección y por proponer un expediente ejemplar, que arroja luces sobre el papel fundamental que desempeña el patrimonio cultural inmaterial en relación con el desarrollo sostenible y la protección del medio ambiente; con un impacto en una comunidad amplia, y cuyos ciudadanos se han convertido en agentes de transformación;
5. Alienta al Estado Parte a compartir sus experiencias y conocimientos en relación con la salvaguardia de la Tradición de la Palma Bendita, especialmente cuando se trata de crear conciencia sobre aspectos bioculturales.

THEATRON sobre Rodolfo Santana IMPRESCINDIBLE en PDF

Publicamos esta sentida nota de la editora Carlota Martínez y la respectiva dirección para que esta publicación pueda ser disfrutada por todos los teatreros interesados:

Apreciados amigos y colaboradores de nuestra revista THEATRON, reciban ustedes un saludo cordial.En vista de los retrasos que de manera involuntaria se han venido experimentando en el esfuerzo de   renovación y actualización de la pagina web de la UNEARTE, en la búsqueda de una alternativa,  nos  dirijimos a ustedes en la oportunidad de remitirles para su lectura y disfrute en formato PDF el numero 28 de nuestra publicación, la cual como bien saben  ha sido dedicado al dramaturgo Rodolfo Santana y presentada públicamente el pasado mes de noviembre en el marco de la FILVEN.   Esperando que para el inicio del próximo año los mencionados  inconvenientes hayan podido ser solventados con éxito para beneficio de la población universitaria y del sector teatral todo. No me queda más que desearles una feliz navidad y un venturoso año 2020, así como ratificarles mi especial aprecio y consideración.

Esta es la direccion de enlace:

https://mail.google.com/mail/u/0?ui=2&ik=342599e780&attid=0.1&permmsgid=msg-f:1652648110955826027&th=16ef62b3683e0b6b&view=att&disp=inline

Tabataba en Rajatabla

Una pieza del teatro francés contemporáneo
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Fue Bernard-Marie Koltès (Metz, 1948/ París, 1989) todo un prestigioso autor, escritor y director teatral francés, quien murió tempranamente a consecuencia del Sida. Sus obras, las cuales  fueron calificadas por el ministro de Cultura, Jack Lang, de "voces sin igual" y "ejemplos de un teatro verdaderamente contemporáneo", han sido representadas en Nueva York, el Reino Unido, Holanda, Suecia y la República Federal de Alemania.

Aquí en Caracas, durante las temporadas 2018 y 2019 en las salas San Martín, Luis Peraza y Rajatabla, ha sido mostrada su  Tabataba,  gracias al director Eduard Paruh y los actores Ángel Pelay y María Alejandra Jiménez, con la participación de Jesús Colina, José Manuel Rueda, y Gerónimo Reyes en los rubros de la producción, asistencia e iluminación, además de Jesús Núñez y Eliezer Torrealba. Todo un ejemplar equipo de criollos que sí creyó en ese corrosivo texto.

Tabataba, que podría ubicarse en una barriada popular en la costa mediterránea, al norte de África, o  en las afueras de París, materializa a dos  hermanos, Maimouna y Petite Abou y una Harley Davidson (aquí en Venezuela es de otra marca), entregados al complaciente ritual erótico  de un baño y después a un acto sexual desesperante, que podría interpretarse como una desesperada búsqueda de sus identidades  y una soledad sin amor posible, quienes así repiensan sus mandatos casi ancestrales, donde monologan en voz y cuerpo sus carencias identitarias  y durante una noche de un verano se redescubren en sus desesperadas vidas luchando por “resimbolizar” la alegría de alguna manera que les permita huir –o quedarse –y ser a su modo mientras más temprano que tarde les visita la muerte, que siempre está ahí, esperando.

Tabataba, que escénicamente no supera los 45 minutos, es pues una joyita de ese teatro que pocos se atreven a representar, pero aquí tenemos un grupete de venezolanos que sí lo hicieron desafiando prejuicios y anatemas, por lo que merecen de verdad  muchas felicitaciones y deseos de que sigan en los escenarios haciendo todo eso en lo que crean y además les guste.

A Koltès, que es considerado el autor teatral francés más importante de la ultimadas década, por el director Patrice Chéreau, que lo eligió como su autor favorito. Koltès descubrió su vocación teatral cuando era un adolescente al ver a Mara Casares representar la Medea de Jorge Lavelli en Estrasburgo. "Quiero escribir una obra como esa para una actriz como esa", contó posteriormente que fue su reacción al presenciar la actuación de María Casares. Para ella escribió efectivamente, en 1972, L'Héritage, su primera obra, leída por la actriz española y por Jean Topart en la emisora France-Culture. Pero, como dicen los biógrafos, fue cinco años después, en 1977, cuando Koltès irrumpió en el teatro francés con la presentación en el Festival de Aviñón de La nuit juste avant les forêts, un monólogo escrito con dureza y lirismo, características presentes en sus textos entrecortados y violentos. "Él ha sido", escribió ayer Chèreau en Le Monde, "un meteorito que ha atravesado nuestro cielo con violencia en una gran soledad de pensamiento y con una increíble fuerza, a la que era a veces difícil acceder".

Le retour au désert fue su última obra, montada el otoño del 89 por Chèreau y por su escenógrafo habitual Richard Peduzzi, e interpretada por Michel Piccoli. Sus textos incorporaban a veces expresiones de otras culturas, como las frases en español y en quechua introducidas en Quai ouest, o en árabe en Le retour au désert. Koltès entró en 1971 en la escuela del Theâtre National de Estrasburgo como alumno es la especialidad de regidor, pero pronto se dedicó a escribir para el teatro. Publicó también en 1984 una novela, La fuite a cheval, y tradujo varias obras del gran Shakespeare.

Tenemos que cerrar esta crónica recomendando que hasta el próximo fin de semana hay un espectáculo nada habitual, el cual debe ser visto sin prejuicios para ponderar mejor a un autor malogrado y calibrar el talento histriónico de los venezolanos que se atrevieron a tanto. Y nosotros quedamos  con ganas de verlos en otros trabajos porque son, sin lugar  a dudas, ese necesario y esperado relevo.

Venezuela participó en reunión del Crespial

Representantes del Crespial durante su reunion en  Bogotá

Durante los días 6 y 7 de diciembre se cumplió en el Centro de Convenciones Tequendama Suites de Bogotá la décima cuarta reunión del Consejo Administrativo del Centro Regional para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de América Latina que reúne a 15 países de la región y de la cual la República Bolivariana de Venezuela, desde el año 2009 es miembro activo a partir de las acciones trazadas por el Centro de la Diversidad Cultural en calidad de Núcleo focal ante este órgano asociado a la UNESCO.

 La delegación venezolana presente en Colombia estaba integrada por Benito Irady y George Amaiz, quienes expusieron parte de la experiencia venezolana para la salvaguardia del patrimonio cultural y la importancia del movimiento en redes organizado por las comunidades de practicantes de nuestras culturas ancestrales.

También se dio a conocer en la reunión los espacios de diálogos políticos conquistados, más allá de la diferencias de los gobiernos regionales y locales para avanzar en la consolidación de planes a favor de las comunidades, como ocurrió recientemente con la firma de resoluciones y acuerdos por parte del gobernador Héctor Rodríguez en el estado Bolivariano de Miranda, al darse a conocer la apreciación del expediente “Programa biocultural para la salvaguardia de la tradición de la Palma Bendita en Venezuela” que debe dar origen al séptimo ingreso del país a las Listas de la Unesco para distinguir el patrimonio cultural inmaterial de la humanidad.

En la reunión estuvo presente el representante de la UNESCO Tim Curtis, secretario de la citada convención del Patrimonio Cultural Inmaterial, quien destacó la importancia de este Centro Categoría 2 que reúne a los países latinoamericanos. Por su parte Adriana Molano, actual Directora del CRESPIAL, destacó los significativos avances organizativos para favorecer líneas más claras de actuación que posibiliten una mejor gestión en el continente.

La reunión presidida por Mardonio Carballo representante de México, tuvo como secretario a Joaquín Moscoso de Uruguay y se discutieron temas como nuevas metodologías de planificación y medición de resultados, reglamentos internos de trabajo, estrategias de cooperación. Al finalizar la jornada se dio por aprobada la solicitud de adhesión de la República Dominicana, que elevará al Centro a un número de 16 países miembros. También fue aceptada la solicitud de Venezuela de ser sede de una próxima reunión del Consejo Administrativo de Crespial durante el año 2021.

Otros países miembros son Brasil, Colombia, Chile, Perú, Paraguay, El Salvador, Guatemala, Argentina, Ecuador, Costa Rica, Bolivia y Cuba.

En todo momento la delegación venezolana destacó la importancia del diálogo intercultural y la necesidad de promover un clima de paz en la reunión, como garantía de que las comunidades enlazadas por el patrimonio cultural inmaterial no se vean afectadas.

Más allá del bloqueo internacional que sufre Venezuela, la cultura de tradición de los pueblos se crece en su organización y avanza en nuevos logros.

El rey Lear quiere súbditos en Caracas durante dos fines de semana

Nos hacemos partícipes de la alegría que embarga a la gran familia del teatro venezolano porque por primera vez en su historia, de más de cuatro siglos, se logra actuar, dirigir y producir el texto shakepereano El rey Lear, para demostrar así que se navega con buen rumbo y que sí hay talento verificable.

Es posible que para el próximo año se programen más representaciones,teniendo en cuenta los compromisos profesionales de la veintena de personas ahí involucradas, quienes comulgan los mismos intereses culturales

Basándose en una versión de Nicanor Parra, esta adaptación del Rey Lear  está a cargo de Federico Pacanins y Gerardo Blanco López, quien, además, es director general y responsable de la puesta en escena de esta obra que presenta la dualidad entre el bien y el mal, el amor y el interés, reflejando las pasiones y los pormenores del ser humano, y dejando como reflexión la necesidad de rehacerse a partir de los obstáculos.
El director y versionista escénico Gerardo Blanco advierte que El rey Lear, con  sus cinco  actos maravillosamente realizados en verso y prosa. destaca por su buena trama. Es una historia increíble.
“En esta oportunidad, me dirijo a ustedes para comunicarles que el reino del gran Lear se levantará en el teatro de la Asociación Cultural Humboldt, una de las tragedias más reconocidas del dramaturgo inglés, toda una historia sobre traición, ingratitud, envidia y locura que será encabezada por el primer actor Jorge Palacios, en el personaje del rey.El rey Lear, ya muy viejo, decide dejar la dirección de su reino a sus tres hijas, con el fin de poder vivir tranquilo sus últimos días; para ello, las somete a prueba. Sin embargo, pronto se sentirá amenazado por ellas al verse absolutamente abandonado, y solo algunos fieles a la corona intentarán devolver el reino a su antiguo propietario"

La ficha artística del elenco es esta: Lear, Rey de Bretaña – Jorge Palacios; Goneril, hija mayor de Lear – Patty Oliveros; Regan, segunda hija de Lear – Sandra Yajure; Cordelia, hija menor de Lear – Silvia De Abreu; Bufón – Jeizer Ruiz; Duque de Cornwall – Orlando Villalobos; Duque de Albany – Juan Carlos Grisal; Conde de Kent – Gerardo Soto; Conde de Gloucester – Carlos Abbatemarco; Edgar, hijo legítimo de Gloucester – Manuel Villalba; Edmund, hijo bastardo de Gloucester – Ignacio Marchena; Oswald, camarero de Goneril – José Sánchez; Rey de Francia / Soldado – Martin Almonetti; Duque de Borgoña / Soldado – Rafael Gorrochotegui; criados – Anakarina Fajardo, Rosana Mottola y Cipriano Castro Flores; soldados – Daniel Martínez y Alexander Kaas; cantante invitada – Katherine Coll.

El rey Lear forma parte de la Experiencia Shakespeare que la Asociación Cultural Humboldt ha organizado en el marco de su 70º aniversario, con la finalidad de presentar otros clásicos como Medida por medida, Macbeth y Coriolano, por ahora. En ese sentido, la ACH brindará a la audiencia una variada programación de teatro isabelino que inició en septiembre de 2019 y culminará en abril de 2020, reuniendo a diferentes agrupaciones teatrales de gran trayectoria en Venezuela, como lo son los elencos de  Grupo Bagazos, La Máquina Teatro, Grupo Asklepión, etcétera.

La obra se estará presentando en el teatro de la Asociación Cultural Humboldt, ubicada en el corazón de San Bernardino, entre el Hotel Ávila y el IESA, Av. Juan Germán Roscio, cruce con Av. Jorge Washington, Caracas. Las entradas pueden ser adquiridas en la taquilla del teatro y a través del correo asohumboldt@gmail.com.Más información en las redes sociales @asohumboldt.

La oscuridad sigue y lo advierte el teatro

Pablo García Gámez,el feliz dramaturgo venezolano que reside en Nueva York.

Francis Rueda, Gerardo Luongo, Adriana Bustamante, Livia Méndez, Jorge Canelón, Gustavo Rengel, Ariana León, Trino Rojas, Rubén Joya, Michael Pérez, Yurahy Castro, Dora  Castro, Dora Farías, Kleiber Rodríguez y Yordano Marquina fueron los comediantes a quienes vimos el pasado  domingo1 de diciembre en el sala 1 del Celarg, cerrando, por ahora, la temporada de Oscuro, de noche, el premiado texto de Pablo García Gámez, el cual  fue versionado y escenificado por Carlos Arroyo  para una producción general de la Compañía Nacional de Teatro, estrenada en septiembre de 2018.

Y abrimos este reseña con el elenco que ahí trabajó en reconocimiento al trabajo general de los comediantes ahí comprometidos, a quienes en ocasiones se les ignora en las reseñas periodísticas,  siendo vitales para el espectáculo en sí, más allá de las respectivas evaluaciones. Creemos que es justicia, especialmente por esa nueva generación que ya asumen los riesgos de encarnar a seres teatrales.

AUTOR COMPROMETIDO

¿Cómo nació esta pieza? ¿Es cierto que se basó en un hecho de la vida real? ¿Cuál fue y cómo hizo la investigación?, le preguntamos al dramaturgo, quien reside desde hace 25 años en Nueva York, y quien vino a Caracas para el estreno y varias funciones posteriores.

-Oscuro, de noche nace de un hecho real.  Una tarde de domingo, llamé a mi madre, aquí en Guarenas.  Ella estaba afectada porque un familiar había sido víctima de un acto violento de noche y en la calle.  Me dio detalles.  La situación de esa familia era compleja por las connotaciones que tiene un hecho de ese tipo: las funerarias se negaban a velarlo en sus predios, la abuela estaba enferma del corazón, el padre no se movía de la morgue, en los medios apareció que el muchacho era un delincuente y todo esto aunado al papeleo que tenían que completar.  Esto se convirtió en imágenes recurrentes, imágenes que me perseguían.  Tal vez al año, quizás dos, llegó el momento de conjurarlas: me puse a escribir. La investigación sobre los hechos, más que investigación fue la voz de mi madre, Graciela Margarita, extraordinaria narradora oral que nunca se reconoció como tal, pero cuando contaba una historia lo hacía con propiedad y convicción.  Nunca hablé directamente con los padres o hermanos del joven Kenny Javier Barrios, el joven protagonista; a pesar de los años tuve y tengo temor porque ese tipo de dolor no se cura; sin embargo, cuando terminé la pieza, ellos la leyeron, no les pregunté qué les parecía y ellos tampoco me dijeron. Después me enteré, de cosas que decían los personajes, que llegaron a decir los padres; por ejemplo, supe que la madre una vez gritó: “¡Dios, no existes!” como dice Cristóbal, el personaje en el texto; claro, son situaciones límite.  Los padres irán a la obra: espero que tenga un efecto positivo para ellos.  También pude cotejar la parte de los medios y encontré la información. En el respetable periódico caraqueño EL UNIVERSAL hay información real y concreta sobre ese suceso. El teatro poetiza nuevamente a la más cruda realidad.

  ¿Cómo diseñó la obra y cómo abordó su escritura?

Esta obra arranca como imagen recurrente.  La imagen está ahí, la ves, piensas en ella, imaginas qué dice el personaje.  Pasa el tiempo y en tu mente escuchas las respuestas de otros personajes, aparecen otras situaciones.  Su escritura apunta a la médula de la esfera privada de esa familia que ha sido desequilibrada, herida.  El detonante es el hecho que le ocurre a Kenny y lo que me importaba era ver qué pasaba en el mundo de Zenobia y Cristóbal, y Lucia; sus padres y la novia. Encontré que necesitaba un narrador, un juglar contemporáneo para guiar la historia, y me inventé al payaso.

¿Su técnica dramatúrgica no es convencional y deja al director el trabajo de interpretar la idea general y además de crear las didascalias?

Agradezco que llames a mi técnica no convencional.  Creo que lo dices por dos aspectos.  El primero es el manejo del tiempo; pienso que esta pieza puede ser una especie de evocación, de recuerdo, y no recordamos de forma lineal: con frecuencia recuerdas una imagen y luego te viene otra del mismo hecho pero anterior cronológicamente y otra que es posterior, una que no vendrá porque la olvidaste, y así.  Interviene en ese proceso la necesidad de no hacer una línea recta en la narración para atrapar la atención e incorporar al espectador al mundo de la pieza.  El segundo aspecto, que se refiere a la ausencia de didascalias no es tan novedosa: los textos del Siglo de Oro, por ejemplo, no tienen mayores acotaciones.  Si disfruto leer acotaciones como las de Valle Inclán que son poesía.  El punto es que hay una dramaturgia del cuerpo; el entrenamiento y la experiencia del actor van formando una dramaturgia de movimientos, gestos, tensiones.  El actor tiene un repertorio orgánico que el escritor -salvo casos excepcionales- carece.  Quiero que mis textos aprovechen esas experiencias que tienen los intérpretes de la obra: es otra posibilidad -y en extremo comunal- de una puesta en escena con una técnica alternativa: el texto con sus posibilidades más las posibilidades de un elenco, que éste ponga a disposición su experiencia en las tablas para así tener una real co-autoría.  Eso no quiere decir que sugiera alguna imagen como la del sepelio de Kenny. Está la labor del director que suma todas esas experiencias y agrega su visión del trabajo.  En este caso, que Carlos Arroyo haya llegado a la imagen de que la pieza se desarrolla en un circo, que haya percusión que hasta puede sugerir un estado de trance, son consecuencias de ese diálogo texto-director-actores; pude ver un ensayo que se convirtió en una experiencia sensorial de sonido, movimiento, de voces que en realidad decían algo: un trabajo orgánico y de equipo.  Además, está lo que llamo el punto de fuga: una situación ambigua a resolver por el espectador: en este caso son las versiones tan disimiles que dan los testigos que presencian el hecho.

¿Cuál sería tu propuesta final: contar una aciaga historia o proponer al espectador una reflexión sobre los orígenes o causas de la tragedia y la expiación de los vivos que sufren por esa muerte?

En Oscuro, de noche tengo dos propuestas: que el espectador acuda a una obra de teatro para entretenerse. La propuesta subyacente es que en ese acto colectivo emerja la reflexión.  La pieza habla del miedo que nos ha hecho construir muros invisibles lo que, si es verdad que estamos con otros millones de almas, procuramos encerrarnos.  Por eso hay varios monólogos: el de los testigos que presencian, pero no denuncian porque a veces nos sentimos solos, desvalidos.  Una mirada, un gesto, el ruido de una moto, la caída de la tarde, un frenazo, un modo particular de caminar, la noche nos pone sobre aviso.  La idea es mostrar cómo ese muro nos ha hecho construir estereotipos: un motorizado es un malandro. La idea es compartir ese miedo y, si no se disuelve del todo, por lo menos que permita articular nuestros temores que si se comparten permitirán asumir la ciudadanía, en el ejercicio ciudadano que permita al colectivo conjurar ese miedo a partir de la práctica. 

¿Tiene un método especial para escribir o cada obra le exige técnicas y trabajos diferentes?

Mis piezas tienen en común la imagen recurrente de la que hablé arriba.  Pocas, muy pocas, han sido sobre una decisión consciente “voy a escribir tal cosa”.  Eso sí, cada pieza exige su método.  De Oscuro, de noche por ejemplo primero salió el primero y el último cuadro (yo los llamo fragmentos).  La premisa durante su escritura era que no se convirtiera en un texto lineal; la pieza fue avanzando.  Cuando pensé tenerla lista, la reordené cronológicamente para revisar si necesitaba algún otro cuadro o fragmento y posteriormente, la volví a su orden original que es con el cual se representará en la Compañía Nacional de Teatro. En el caso de otra pieza, Olvidadas, planteaba acciones performánticas como jugar con arroz, dibujar sobre papeles pegados a las paredes y el tiempo allí se volvió cíclico.

 ¿Qué le pide o exige al director que monte sus textos?

Tengo muy buenas experiencias con la mayoría de los directores que han dirigido mis piezas.  Sí les sugiero que se aproximen a ellas con ingenuidad.  Así como mis textos abren posibilidades de lecturas, un director arriesgado va conformando su idea a partir de la dramaturgia del cuerpo del actor.  Me provoca suspicacia el director que sin tener un elenco ya sabe cómo resolverá el montaje.  Mi más reciente trabajo en Nueva York, El Gos, dirigida por Leyma López, fue un proceso de aprendizaje integral para todo el equipo.  Aprendizaje que se vio en la irreverencia y audacia de la puesta en escena que se centró en el trabajo y potencial de cada intérprete.

¿Qué espera ahora?

Que en Caracas o en cualquier ciudad venezolana se muestre ese espectáculo final que ha logrado Carlos Arroyo y su gente valiosa. Gracias a Dios por hacer posible todo esto. Qué la vean muchísimos venezolanos y haya la necesaria catarsis que exigían los griegos y que necesitamos los venezolanos, ahora y siempre.

La poesía es uno de los principales valores que tiene Venezuela

El "tocayo" Edgar Borges disfruta del éxito profesional.

¿Cuál es el balance profesional sobre su ya largo periplo en Europa? Le preguntamos al escritor venezolano Edgar Borges radicado desde hace varios años en España, donde ha tenido notable y contable éxito con sus textos.

Gracias, pues, a la Internet, “mi tocayo”, como nos tratamos coloquialmente, dijo:

-Ha sido intenso, principalmente en España e Italia; representa una etapa importante que valoro en muchos sentidos y que agradezco a muchas personas que han confiado en mi obra. 

¿Qué ha pasado con su libro de ficción donde alude al Nobel de Literatura 2019?

-La novela, mi obra pues, El hombre no mediático que leía a Peter Handke fue publicada originalmente en el año 2012, luego de que yo obtuviera una Beca Residencia del Centre d’Art La Rectoría, en Barcelona. En 2016 se tradujo al italiano y en 2019 al serbio. Ahora, siete años después de su primera edición, el sello catalán Ediciones Carena acaba de publicar una nueva edición revisada y ampliada, con prólogo del filósofo vasco Vicente Huici. Este libro es ante todo una novela, o una aproximación a la novela, que tiene como personajes, entre otros, a un investigador y a la obra de Peter Handke. Y digo aproximación a la novela porque es una obra híbrida, aglutina expresiones como el diario, la entrevista, la investigación.

 -Haciendo un aparte, me parece necesario opinar sobre la enorme estupidez que se ha desatado en algunos sectores cuestionando el Nobel de Handke, por su posición en la Guerra de los Balcanes. Asombra que se convalide la estupidez reinante en buena parte del argumentario literario actual, mientras se pretende ignorar la dimensión de la obra literaria de un autor como Handke. Lo políticamente correcto no tiene nada que ver con lo estrictamente literario.

 ¿En qué nuevos proyectos está trabajando?

 -En marzo de 2020, dos años después de mi anterior libro  La niña del salto, saldrá en varios países mi nueva novela titulada Enjambres. Sobre esa obra aún no puedo hablar mucho, pero adelanto que tendrá que ver con “la guerra del todos contra todos” que hoy toma fuerza en el mundo. También durante el próximo año sellos de distintos países preparan reediciones de mis anteriores libros.

 ¿Y Venezuela sigue en su camino de creador?

 -Los lectores venezolanos siempre se han interesado en mi obra, realidad que se confirma mediante correos que me llegan y el interés que demuestran buscando los libros en diversas plataformas. Los que nunca se han interesado son los editores, en ninguna de las etapas de la realidad venezolana. Pienso que esto obedece a que ellos están más interesados en narrativas que reflejen la realidad política nacional, cosa que a mí no me interesa. Yo no escribo para dejar testimonio de nada, eso es un papel del periodismo. A mí me interesa es subvertir cualquier lógica desde la imaginación. Considero que todo arte que se impregna al cien por ciento de la realidad, frena su evolución. Todo pueblo necesita de la perspectiva del arte que trasciende a la realidad, se crece abriendo ventanas, nunca encerrados en una visión uniforme de lo social. La literatura venezolana necesita liberarse un poco de la historia política del país; entiendo que escribir novelas sobre el chavismo abre puertas comerciales en los grandes diarios internacionales, pero a mí eso no me interesa como escritor. En cualquier caso, eso ha sido así siempre, antes las novelas se centraban en el bendito petróleo y hoy en el chavismo. Mención aparte para la poesía, pues en Venezuela se ha hecho y se hace una poesía que sobrevuela toda noción informativa. Pienso que desde la poesía se ha creado lo mejor de la literatura venezolana, si es que a la literatura se le puede atribuir nacionalidad alguna. La poesía es uno de los principales valores que tiene Venezuela. Si tuviera que dar nombres, ocuparía toda la entrevista. No me interesa la realidad como un valor literario, si tuviera que dedicarme a transcribir la realidad, preferiría no publicar. Sin embargo, respeto todas las opciones y a todos los lectores, como no podía ser de otra manera. Kafka es Kafka porque permite múltiples interpretaciones. 

Epifanía con el rey Lear

REINALDO MONTERO

El teatro como disciplina artística debería divertir y enseñar y es por eso que dos directores venezolanos han programado, respectivamente, un canto a la vida y una tragedia  sobre la ingratitud de los seres humanos, por intermedio de las piezas Epifanía del cangrejo y El rey Lear, del autor cubano Reinaldo Montero y el legendario británico William Shakespeare, las cuales inicialmente se exhibirán en las caraqueñas salas Espacio Alterno y Humboldt, durante esta semana, gracias pues a Virginia Aponte y Gerardo Blanco.

EPIFANÍA

 Gracias a la periodista, dramaturga y directora Virginia Aponte, quien lidera a grupo Agoteatro, muy estrechamente vinculado a las actividades culturales de la UCAB, se estrena  en Caracas, la pieza Epifanía del cangrejo, del autor cubano Reinado Montero (Cienfuegos, 15 de abril de 1952),  quien obtuvo el Premio Teatro Jardíel Poncela 2018, el cual es entregado por la fundación española SGAE.
El montaje caraqueño tendrá a los actores Miguel Abreu, Emily Arias y Carlos Neira. Sus funciones están fijadas para el 4 y el 5 de diciembre, a las 7 PM, en el espacio Alterno del Trasnocho Cultural.
Sobre Virginia Aponte, cubana de nacimiento y venezolana de corazón, hay que subrayar que tiene bien ganado un sitial de honor en la historia del teatro criollo, especialmente por su labor constante y consecuente en la Universidad Católica Andrés Bello durante más de 40 años.  

Reinaldo Montero, el escritor, quien ganó el Premio Casa por su libro de cuentos Donjuanes (1986), conquistó el lauro con el texto El sueño del amor produce monstruos, que será publicada en la Colección Teatro autor de la institución.

Licenciado en Filología por la Universidad de La Habana, Reinaldo Montero es reconocido también por su trabajo como narrador, dramaturgo, guionista de cine y asesor teatral.
Es autor de una treintena de libros y una docena de obras teatrales, que recibieron numerosos reconocimientos entre los que destacan el premio Juan Rulfo (1996), el Fray Luis de León (2007), el Alejo Carpentier (2005) y cuatro premios nacionales de la crítica en Cuba (2009, 2006, 2002 y 1997).

En Epifanía del cangrejo hay tres  personajes que partirán junto con el público en un viaje lleno de ideas que arden, preguntas sobre la vida, la muerte, la decadencia, la fe, los objetos, el estado de las cosas,  la casa del hombre…   donde las dudas se contraponen a las ideas a partir de lo que sucede. El texto conjuga de manera poética preguntas y reflexiones filosóficas que nos llevarán a descubrir la substancia, especialmente a quienes amamos hacer teatro.

Epifanía del cangrejo es, pues, la nueva apuesta teatral dirigida por Virginia Aponte, directora de Teatro UCAB  por más de 40 años y fundadora de Agoteatro, grupo profesional de egresados de TeatroUCAB, y de MEDATIA,  organización voluntaria integrada por estudiantes universitarios y profesionales vinculados a la educación y el teatro, que genera un Modelo Educativo para el Desarrollo de Aprendizajes a través del Teatro, la Imaginación y el Arte. 

INCREIBLE HISTORIA

Gerardo Blanco advierte que El rey Lear, con  sus cinco  actos maravillosamente realizados en verso y prosa. destaca por su buena trama. Es una historia increíble.

“En esta oportunidad, me dirijo a ustedes para comunicarles que el reino del gran Lear se levantará en el teatro de la Asociación Cultural Humboldt, los próximos sábados 7 y 14 y domingos 8 y 15 de diciembre a las 11 A.M. Siendo este el estreno en las tablas de Venezuela de una de las tragedias más reconocidas del dramaturgo inglés, toda una historia sobre traición, ingratitud, envidia y locura que será encabezada por el primer actor Jorge Palacios, en el personaje del rey.

El rey Lear, ya muy viejo, decide dejar la dirección de su reino a sus tres hijas, con el fin de poder vivir tranquilo sus últimos días; para ello, las somete a prueba. Sin embargo, pronto se sentirá amenazado por ellas al verse absolutamente abandonado, y solo algunos fieles a la corona intentarán devolver el reino a su antiguo propietario.

Basándose en una versión de Nicanor Parra, esta adaptación del Rey Lear está a cargo de Federico Pacanins y Gerardo Blanco López, quien, además, es director general y responsable de la puesta en escena de esta obra que presenta la dualidad entre el bien y el mal, el amor y el interés, reflejando las pasiones y los pormenores del ser humano, y dejando como reflexión la necesidad de rehacerse a partir de los obstáculos.

La ficha artística del elenco es esta: Lear, Rey de Bretaña – Jorge Palacios; Goneril, hija mayor de Lear – Patty Oliveros; Regan, segunda hija de Lear – Sandra Yajure; Cordelia, hija menor de Lear – Silvia De Abreu; Bufón – Jeizer Ruiz; Duque de Cornwall – Orlando Villalobos; Duque de Albany – Juan Carlos Grisal; Conde de Kent – Gerardo Soto; Conde de Gloucester – Carlos Abbatemarco; Edgar, hijo legítimo de Gloucester – Manuel Villalba; Edmund, hijo bastardo de Gloucester – Ignacio Marchena; Oswald, camarero de Goneril – José Sánchez; Rey de Francia / Soldado – Martin Almonetti; Duque de Borgoña / Soldado – Rafael Gorrochotegui; criados – Anakarina Fajardo, Rosana Mottola y Cipriano Castro Flores; soldados – Daniel Martínez y Alexander Kaas; cantante invitada – Katherine Coll.

El rey Lear forma parte de la Experiencia Shakespeare que la Asociación Cultural Humboldt ha organizado en el marco de su 70º aniversario, con la finalidad de presentar clásicos como Medida por medida, Macbeth y Coriolano, entre otros. En ese sentido, la ACH brindará a la audiencia una variada programación de teatro isabelino que inició en septiembre de 2019 y culminará en abril de 2020, reuniendo a diferentes agrupaciones teatrales de gran trayectoria en Venezuela, como lo son Grupo Bagazos, La Máquina Teatro, Grupo Asklepión, etcétera.

La obra se presentará los próximos sábados 7 y 14 y domingos 8 y 15 de diciembre a las 11 A.M. en el teatro de la Asociación Cultural Humboldt, ubicada en el corazón de San Bernardino, entre el Hotel Ávila y el IESA, Av. Juan Germán Roscio, cruce con Av. Jorge Washington, Caracas. Las entradas pueden ser adquiridas en la taquilla del teatro y a través del correo asohumboldt@gmail.com.Más información en las redes sociales @asohumboldt.

Los 80 y los 40 de Johnn Lennon

Paul Salazar y Aura D’Arthenay son teatreros y esposos en la vida real y en el trepidante mundo de la ficción escénica. Preparan los debidos festejos para conmemorar los 80 años del glorioso nacimiento y los luctuosos 40 del inexplicable asesinato del legendario artista John Lennon, ambos sucesos en el venidero 2020. Por eso lo entrevisto aquí:

¿Puede echar el cuento de cómo fue el proceso y cómo fue el inicio de su profesionalización?

Mi primer acercamiento al teatro fue en el bachillerato, siendo yo muy joven, a los 15 años, en enero de 1983. Esa fue la primera vez que estuve en una obra, en el grupo del Instituto Experimental de Formación Docente, ahora, Instituto Luis Beltrán Prieto Figueroa, en la avenida Rómulo Gallegos, con un texto de Aquiles Nazoa, Los seres superiores o al que no le haya pasado alguna vez que levante la mano, dirigida por el profesor Henry González. Tuve la suerte que desde mis inicios en el bachillerato en ese grupo conocí la disciplina teatral, pues la tropa era muy buena y se lo tomaba en serio. Pero la verdad es que para mí nunca hubo presión con la disciplina, yo nací con un código que no sé de donde me vino, era muy extraño que a esa edad uno tenga tanto rigor, pues realmente no los tomábamos muy en serio. Yo entré al teatro y en mi familia nadie era del medio, ni algo parecido, y siempre me sentí en casa. Puntualidad, respeto por el público, sacar el proyecto adelante de todas todas, aprenderse el texto. Sé que mucha gente empieza en el teatro en bachillerato o en la primaria, eso me ocurrió a mí, solo que tuve la suerte que aun en ese nivel amateur estuve con gente muy disciplina y entregada, fueron unas muy buenas bases. Yo, en ese liceo destacaba en deporte, especialmente en atletismo, pues corría muy rápido, eso me ayudaba para ciertos deportes, por lo que en algún momento pensé que haría la carrera de docencia en deportes en el Pedagógico de Caracas, pero el Teatro ya me había mordido la mente y el alma, y una vez que estaba haciendo una diligencia en la zona educativa, muy cerca del Ministerio de Educación, por la Esquina del Cuño, vi pasar a Luis Pardi, ese señor  me llamó la atención, pues, él parecía fuera de contexto, realmente se me parecía a un embajador inglés y veo que entra a una puerta justo al lado de la oficina en donde esperaba ser atendido por algo relacionado  a unos papeles del Ministerio de Educación, creo que con el objetivo de entrar a estudiar en el Pedagógico, y vi que esa puerta, donde ingresó Pardi, era la Escuela Nacional de Artes Escénicas César Rengifo, en donde él era el director, entré, me encantó el ambiente, pregunté qué era eso, me explicaron, me inscribí  para empezar el año escolar 1987-1988, audicioné, quedé, y hasta el sol de hoy no he dejado de hacer teatro. Ahí empezó nuestra profesionalización. La formación que tuvimos en la Escuela fue muy buena, con profesores de primera, y en lo personal, tuve la suerte que no solo tuve el aprendizaje académico, sino el práctico, pues estuve involucrado en muchos montajes oficiales de la Escuela. Con ellos viajamos y aun siendo estudiantes de teatro, pisamos importantes salas de Caracas: el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela con El testamento del perro. Todas las salas del Ateneo de Caracas de entonces, Teatro Nacional. Viajamos con Luis Pardi a su Boconó natal, a Valera, Trujillo. Nos presentamos en El teatro de La Ópera de Maracay, Ateneo de Valencia, en fin, para unos jóvenes de 20 años, era lo mejor que nos podía pasar, por eso es que esa época nos marcó tanto a los compañeros que tuvimos la suerte de vivirla, y reitero, con un gran staff de profesores, a los que les agradecemos inmensamente la formación. Fueron cuatro años maravillosos, en mi caso, de 1987 a 1991, con la lamentable situación de la muerte de Pardi, el 7 mayo de 1990, es decir, nuestro último año de formación lo hicimos con ese duelo, que todavía pega. Pero, todo tiene su final –se terminaba la Escuela-, y había que seguir adelante, por lo que la formación nunca se detuvo. Nos empezamos a involucrar en distintos proyectos teatrales en diversos grupos. En lo personal, descubrí que mi lugar en las tablas era en la dirección y en la dramaturgia, descubrí que aquel joven que quería ser actor por encima de cualquier cosa era en esencia un director de sus obras. Nos empezamos a preparar para eso, cursos talleres. Un día nos dimos cuenta, Aura D’Arthenay, Milagro Alvarado y yo, que teníamos la necesidad de desarrollar una voz propia, y fundamos nuestra agrupación, Producciones Pequeño Grupo. Pero la preparación nunca termina, al punto que a mis 50 años, luego de 28 años de egresado de la César Rengifo y un trabajo continuo en el teatro, ingresé a Unearte donde se nos otorga el título de TSU en Teatro, haciendo justicia y revalidando lo que tanto Luis Pardi exigía en su momento, la profesionalización del estudiante de Arte, desde todo punto de vista, incluso el académico desde la formalidad de su título respectivo. Seguí estudios en la Universidad de las Artes, y ya egresé de ella también, en la mención dramaturgia, próximamente lo hará Aura en la mención de Actuación. Previamente, yo ya había sacado el título de TSU en publicidad y Mercadeo. Como se ve, un andar continúo de estudio y trabajo. Momentos buenos, momentos malos, frustraciones, logros, alegrías, siempre intentando ser mejores personas.

¿Cómo ha sido la lucha para sobrevivir y ser alguien?

Es difícil hablar de eso, pues la lucha es muy dura para todos los del gremio teatral, y ha sido así siempre. ¿Qué ahora tenga sus particularidades? Seguramente. La situación es muy complicada y realmente necesitas de mucha mística, voluntad o vaya usted a saber qué para seguir adelante. Ahora, a Aura y a mí, se nos hace muy difícil hablar de eso, pues no quiero caer en la posición de víctima. Aura y yo tenemos una personalidad que lo hace todo más difícil, espero no ser mal interpretado, pues la personalidad no es de arrogancia, todo lo contrario, somos muy bajo perfil y eso tiene su precio en este ambiente, ahora lo sabemos, además, nadie nos manda a ser así, lo cierto es que no podemos ser de otra manera. Aquí hay que tener agallas para trabajar y sacar un proyecto adelante, pero hay que tener agallas para darte a respetar, hacerte ver. Nosotros lo intentamos por medio del trabajo, y acéptenlo o no, eso no basta. Tal vez, resulta que el trabajo realizado por nosotros en estos 32 años no haya sido suficiente, eso no lo voy a juzgar yo, le compete a otros. Nosotros no tenemos recursos personales para financiar nuestros proyectos, los cuales siempre tienen que realizarse en circunstancias muy difíciles que tal vez atenten contra el proyecto mismo, me refiero en la producción, pero eso es el caso de todo el mundo. No puedes hacer la cantidad de proyectos que quisieras, todos los procesos se han venido complicando, nos hemos tenido que adaptar a una realidad muy particular, que va desde los nuevos horarios teatrales, hasta las cortas temporadas que puedes conseguir y lo difícil de conseguir espacios para mostrarnos.  

¿Logros?

El todavía estar, el haber sobrevivido, el estar intentando hacer cosas. Un logro es la fundación de Producciones Pequeño Grupo, por el empeño de Aura, Milagro y mi persona. El año que viene cumplimos 20 años de trabajo ininterrumpido, de haber estrenado 13 obras, -ya en diciembre 2019 estrenaremos la catorceava- todas de autor venezolano, 12 mías, una de Oscar Acosta y otra de Armando Africano. Nuestros mayores logros oficiales en el marco de algún reconocimiento -por llamarlo de alguna manera- vienen de la dramaturgia, pues hemos obtenido seis premios en ese renglón, Don Shakespeare, La última voluntad de Felipe Pirela, Un duende en navidad y  Yo soy John Lennon, son piezas de las estrenadas que han sido premiadas, tres de ellas publicadas. Muerte en el cielo  (publicada) y Quién se llevó el cumpleaños feliz, son otras dos premiadas, pero no estrenadas. El haber propuesto obras de autor venezolano me parece un logro, claro, eso no las hace buenas ni malas -eso lo juzgarán otros- pero nos enorgullece. Haber propuesto obras inéditas, es decir, haber puesto en la mesa nuevos textos. Haber intentado una nueva manera de contar la historia del país, o algunos puntos particulares de nuestra sociedad, al menos según nuestro parecer. ¿De qué habla Rivales eternos (La historia de una magallanero que fue caraquista por un día)? ¿De béisbol? Quién piense eso se quedó en la anécdota de la historia y no vio más allá, pero esa pieza, sin hablar de política directamente fija la posición muy distinta de dos personas, las cuales si no se ponen de acuerdo, ponen en riesgo la vida de un ser querido de uno de los dos. Esa pieza habla de la amistad, no de béisbol. ¿De qué habla Yo soy John Lennon? ¿De la vida de John Lennon? Sería otra vez quedarse en el caparazón de la historia, pues esa pieza habla sobre la tragedia de cuatro inmigrantes latinoamericanos –un venezolano, un argentino, un colombiano y un mexicano- en Nueva York, apunto de ser deportados, cuando se topan con John Lennon, horas antes de ser asesinado. ¿De qué hablan Zona liberada, Cambur verde no sirve para tostón y El inmortal? Constantemente leo o escucho comentarios de que la dramaturgia nacional de estos días no refleja la realidad del país, y tal vez sea cierto, y obviamente mi dramaturgia no habrá tenido la trascendencia necesaria y no ha sido leída por quienes dicen eso en pleno derecho, y claro estoy que lo digo desde una posición personal pues yo no representó a ningún sector de la dramaturgia,  pero, en mi opinión, para contar la historia actual, la que se está desarrollando es difícil hacerla ahora mismo, y además, si lo hicieras, no veo porque hay que reflejarla de manera literal, ya sabemos que el asunto es como cuentas la historia. El crecimiento y solidez actoral de Aura D’Arthenay es otro logro. Para mí, Aura es una dura del teatro, ha desarrollado un gran talento, y es de las personas más disciplinadas con las que he trabajado.

¿A qué aspiran?

A seguir mostrando nuestras obras, a seguir intentando escribir. Actualmente damos clases en varias áreas en La Escuela Nacional de Artes Escénicas Cesar Rengifo y en el Pedagógico de Caracas en dramaturgia -de alguna manera si llegué al Pedagógico, ese en donde no estudié docencia en deportes para ser actor-. Yo, paso por el período de adaptación. Trato de hacerlo lo mejor posible. No sé hasta cuando lo haré, pero hasta cuando sea, dejaré el alma tratando de estimular a los jóvenes a la disciplina teatral, al mejoramiento, a la ética, al trabajo.

¿En cuál rubro del teatro se desenvuelven mejor?

Realmente nos hemos desarrollado en varias áreas del quehacer teatral. La actuación, la dirección y la dramaturgia. Los procesos nos han llevado a realizar trabajo de productor -lo cual yo no soy-, e involucrarnos en todo lo posible, obviamente esto puede interpretarse como abarcar mucho. Pienso que nos preparamos para cado uno de estos roles, y en el fondo todos son complementos de todos. Yo empecé en el teatro como actor, y aunque ya escribía y dirigía -incluso en el bachillerato- nunca pensé que me dedicaría a eso, pues mi objetivo principal era ser actor, era lo único para mí, pero ya ve, es lo que menos me gusta. Pero obviamente, esa formación actoral me sirvió para intentar comprender al actor desde la dirección e igualmente desde la escritura. Ahora, la dirección y la dramaturgia las veo muy ligadas. El que ha salido mejor parado es el dramaturgo, pero ha sido muy injusto con el director, pues el Paúl director es el que arma las obras al dramaturgo, es el que tiene la intuición de saber por dónde seguir, donde desencadenar el clímax, donde introducir una escena de humor -si es que eso se requiere- es el director. Yo diría que me desempeño en la dirección de mis obras. Creo que pronto dejaré de dirigir, y me dedicaré -si el destino lo permite- a solo intentar escribir, y claro que el director seguirá colaborando con el dramaturgo, pero ya no dirigiré en carne y hueso. Aunque me han montado otros directores, realmente no soy un dramaturgo muy montado por otros directores. Es el trabajo hecho en Pequeño Grupo, el trabajo realizado por Aura, y nuestros colaboradores del momento los que han ayudado a dar a conocer nuestros textos. No sé qué pasará cuando ya no montemos.

¿Cómo ha sido la llave profesional y sentimental que tiene con Aura?

Aura es todo en mi vida, y le debo todo en mi vida. Soy muy afortunado por los padres que tuve, mi madre vive y a ella le debo muchísimo. Pero hay cosas que solo se pueden levantar desde la pareja, y eso fue lo que nos ocurrió a nosotros. Jamás en la vida, yo habría logrado lo poco que he logrado sin el apoyo de Aura, y esto que no sea un lugar común, es algo tan cierto como nuestro amor. Ella siempre ha trabajado, sacando nuestro hogar adelante para que el proyecto de Pequeño Grupo pudiera tomar vuelo, para que mi dramaturgia pudiera realizarse, y encima, ha realizado un trabajo actoral bárbaro: Don Shakespeare, La última voluntad de Felipe Pirela, Un duende en navidad, Una prueba de amor, El ladrón está aquí y Rivales eternos  son piezas donde Aura hizo personajes memorables, esto en Pequeño Grupo, pero Aura trabajó en su momento con grandes directores, como Orlando Arocha y Xiomara Moreno. Ella ha mostrado un trabajo desde la producción teatral, fundamental. No solo ha sido mi inspiración, sino mi ejemplo a seguir, responsable, humilde, trabajadora, una dura del teatro venezolano. Yo quisiera, que en algún momento, ocurra algo que le dé a Aura el puesto que se ha ganado en nuestro teatro. Ahora, una gran docente. Yo no puedo más que aplaudirla, y dejar testimonio de su talento inmenso, su versatilidad, su carisma y fuerza actoral, todo esto en su cuerpo de contextura normal, carita hermosa y corazón brutalmente grande. Yo, aprovecho su pregunta para darle a Aura un aplauso de pie, y el premio a la gran actriz que es. A Aura la conocí en la Escuela César Rengifo en el año 1988. Son más de 30 años de amistad. En mayo próximo cumpliremos 29 años de novios y 24 años de casados. Por alguna extraña razón siento que Aura fue mi novia desde la primaria. Realmente me emociona hablar de ella, y quiero hacer saber de este amor, admiración y respeto. Quiero hacer saber, la gran actriz que es. Sé qué quienes la hayan visto lo saben. Es muy raro que alguien tan talentoso sea tan bajo perfil, tan humilde, tan tranquila, tan tolerante. Bravo Aura.

¿Qué preparan?

Actualmente estamos ensayando Yo soy John Lennon. Venimos de presentar cuatro obras en un ciclo de conmemorativo a nuestros 19 años, todo en el Laboratorio Anna Julia Rojas de le respetada Carmen Jiménez, con dos obras invitadas, una de ellas ¿Retazos? de María Castillo y Oriana Matos, ambas talentosas colaboradoras del Pequeño Grupo. La otra: Baby Bomm de Ana Istarú bajo la dirección de Haudy Pacheco y con la brutal actuación de Aura D’Arthenay. Repetimos La última voluntad de Felipe Pirela y estrenamos La que te conté de Armando Africano. Para el 12 de diciembre, haremos un ensayo abierto de Yo soy John Lennon. Esta pieza se estrenó en el 2010 en la Fundación Rajatabla, bajo la producción del maestro Paco Alfaro, incluso, tuvo un participación con una voz en off que realizó, seguramente fue de las última cosas que hizo, ya que lamentablemente falleció pocos meses después. El año pasado hicimos una lectura dramatizada de la pieza, pero ya la estrenaremos esta vez con Pequeño Grupo, será nuestro 14 estreno, y la obra 12 de nuestra autoría que Pequeño Grupo intenté hacerle llegar al público. Esperamos poder presentarnos en el próximo Festival de Teatro de Caracas, 2020. El año que viene se cumplen 80 años del nacimiento de Lennon, 40 años de su asesinato, 20 años de la Fundación de Pequeño Grupo y 10 años del estreno de la pieza, es decir, las condiciones están para que hagamos el más grande esfuerzo y podamos hacer este montaje, que será el cierre de muchas cosas en nuestro grupo, y obviamente, el inicio de otras. Quisiéramos presentar la obra en la sala Rajatabla, donde se estrenó y caminar con ella como hemos hecho con muchos de nuestros montajes. Estamos actualmente recibiendo la colaboración de un valioso grupo de jóvenes, muchos de ellos estudiantes de la César Rengifo, quisiéramos consolidar con ellos un equipo. Así como el de Larissa Colmenares y Charles Ramos, compañeros de la vida teatral que nos apoyan en Yo soy John Lennon. Milagro Alvarado, fundadora junto con nosotros del grupo, otra leal y siempre integrante del nuestras filas. Norma D’Arthenay, siempre colaboradora. A todos, a los que saben que están en nuestro corazón aunque aquí no mencione, gracias, a todas las personas que en estos 32 años han colaborado con nosotros, y los que han sido unos Pequeños Gruperos en algún momento en estos casi 20 años de trabajo continuo. A usted, amigo Moreno Uribe, que nos ha seguido y apoyado siempre, así como lo hizo Carlos Herrera, ambos reseñando y criticando buena parte de nuestro trabajo.