El cocuy en el teatro de Macarao

Carlos y Gabriela en su teatro antropológico

Vimos en el teatro Principal de Caracas, el pasado  domingo 9 de febrero, el antropológico espectáculo Cita con el cocuy para un mismo fin, escrito y dirigido por José Luis Gámez y producida por la agrupación “El Teatro de la Silla Rodante”, la cual lleva más de 20 años en los avatares escénicos, según ha declarado su líder.

Gámez  ha dicho que se trata de una compañía de teatro -estudio e itinerante para la investigación, la docencia y la creación teatral, la cual “busca la profesionalización en las aulas para la consecuente labor del aprendizaje en la escena y la consolidación como hombres y mujeres artistas de teatro.

 Emergió como un grupo residente para la realización de espectáculos teatrales de un modo sostenido, pero con plena independencia creadora y funcional. Todos sus integrantes, como Gabriela Rojas, Ronald Alegría, Abraham Veronesse, Beatriz Castro y María Milagros Sabetta, son egresados algunos de Instituto Pedagógico de Caracas (hoy UPEL), y todos ellos creen que es necesaria una praxis teatral ligada a la investigación a través de una indispensable confrontación permanente con todo tipo de público, de allí también la necesidad del factor itinerante.  Y también que la escena sea el lugar de una práctica con varias perspectivas lúdicas ante el hecho teatral. Un constante juego que siempre empiece de cero, una aventura estética sin “ismos”, un riesgo con fundamento, una búsqueda con dirección, colocar al espectador en relaciones escénicas insospechadas, intentar descubrir una nueva catarsis y de ella propiciar una nueva utopía, transfigurar el Carro de Tespis en una Silla Rodante.

  Advierte Gámez que durante los últimos nueve años han operado para consolidar un aprendizaje teatral comunitario, específicamente en la parroquia Macarao, Municipio Libertador, Distritito Capital. ”A lo largo de  todos estos años se han realizado más de una veintena de espectáculos de diversos alcances y formatos. Destacan entre otros El Balcón de Jean Genet, La tetralogía del caos de Carlos Sánchez Delgado (El acto del fin del mundo, 1995; Paisito, 1996, Pecado en Salsa, 1997 y Como Boca è Lobo, 1998) y Vida con mamá, 2002, de Elisa Lerner, para citar algunos.

En la actualidad tienen en repertorio el monólogo La Hora Loca, Premio Municipal de Teatro,  escrita y dirigida por Carlos Sánchez Delgado, y protagonizado por Gámez. El vendaval amarillo de César Rengifo y Penélope de José Gabriel Núñez.

Desde el año 2009 han intensificado el trabajo comunitario  y ahora se muestran con Cita con el cocuy para mismo fin, entre otros montajes. La temática y la argumentación pretender ser, y lo logran transmitir desde la escena, como una tradición popular venezolana como el licor extraído de la penca del cocuy puede ser mortal cuando se liga o combina con alcoholes no puros. Las actuaciones oscilan entre la comedia y el esperpento, logrando un clima  escénico extraño que logra atrapar a la audiencia por su cruda veracidad,  ya que está inspirada en una situación real que ocurrió en Macarao y dejó víctimas fatales.

Cajita de Arrayanes otra vez en el teatro caraqueño

Actores y poesía en la escena.

En la Casona Cultural Aquiles Nazoa, en La Carlota, será la primera función de Cajita de arrayanes el  próximo viernes  3 de abril, una producción con la cual la Compañía Nacional, que dirige Carlos Arroyo, prosigue su temporada 2020

 Armando Carías, se alió con la CNT para realizar varias funciones de la excelente comedia musical Cajita de Arrayanes, texto y música de Lutecia Adam  y Alecia Castillo.

 Este montaje de Cajita de Arrayanes (estrenada en la UCV hacia 1988) replantea, una vez más, la inteligente utilización del teatro para la vital formación de los valores cívicos en la niñez venezolana. Es una hermosa evocación de la memoria del malogrado poeta Aquiles Nazoa (17.05.1920/25.04.1976), ya que su autora, Lutecia Adam, usa sus exquisitos poemas y sus anécdotas hasta componer un perfecto guión que es cantado por sus 12 intérpretes, acompañados con un acoplado  y bien sonoro sexteto.

La obra plasma la saga del ratón Aquíles y su contagioso amor por la poesía y cómo, gracias a ésta, logra salvar de la desesperanza a los otros ratones de la colonia donde vive ante  las tristes tardes frías. Pero Cajita de Arrayanes es también un canto a las cosas más sencillas de la naturaleza, a las mariposas, a las laboriosas hormigas, al mastranto, a los cochinos…a la poesía misma, como lo demostró ese poeta que exaltó y dignificó a las muñecas de trapo.

Su metáfora, visualmente melosa y preñada de idílicas imágenes campesinas, destinada a los niños y sus progenitores,  acentúa el valor de la poesía, el trabajo y muy especialmente la solidaridad que no es otra cosa que aprender a amar a los unos y a los otros, como lo predica el Nazareno, y la necesaria cooperación con sus semejantes, hasta comprender y disfrutar que amar y cooperar  no son excluyentes, sino todo lo  contrario. El ratón poeta dice cosas como esta: “Una sola mano nunca hará el socialismo”.

Según el intelectual Hans-Thies Lehmann, “el teatro no es político por su contenido, sino porque está hecho de un modo político”, como acontece con Cajita de Arrayanes, donde coexisten los ratones y los gatos y hasta trabajan juntos para sacar adelante su comunidad, usando la cabeza y sobre todo el corazón para apuntalar el bienestar del futuro.

El espectáculo gira en torno a un Tío Vivo o un Carrusel,un diseño del gran arquitecto Fruto Vivas,alegoría de la vida rutinaria de la colonia  de ratones que trabajan la tierra, conviviendo con maravillas que no se detienen a admirar, con pájaros cuyos cantos no disfrutan, con hormigas que no les asombran y con mariposas cuyos colores no tienen tiempo de apreciar, hasta  que el ratón Aquíles les cambia para siempre la rutina... y se marcha dejándoles la enseñanza de creer y predicar  la solidaridad. La música repotencia la anécdota y unifica la puesta en escena que busca reivindicar, el valor de la poesía como fuente  generadora de vida, de esperanza y de futuro, que es ahora.

Conforman el elenco varias figuras destacadas de la CNT y  varios estudiantes del Taller de Formación de la Compañía Nacional de Teatro.

Esta es otra temporada de Cajita de Arrayanes, la cual abrirá además el Festival Internacional de Teatro en el Teatro Municipal. Con esta producción 2020, la Compañía Nacional de Teatro ofrece la posibilidad a niños, niñas y adolescentes de acercarse a una dramaturgia llena de valores propios que nos caracterizan como país y que realzan nuestras costumbres e idiosincrasia, como lo ha comentado Carlos Arroyo.

Para no olvidar al cubano Miguel Ponce

El teatrista  o teatrero cubano Miguel Ponce, una de las figuras más destacadas del teatro en el exilio, falleció el martes 7 de enero de 2012 en Barquisimeto, víctima de una dolencia cardíaca. Aqui lo recordamos porque lo conocimos y además impulso a varios jóvenes venezolanos, como Armando Carias en Asalto y otro texto, de Fernando Arrabal,El arquitecto y el emperador de Asiria.

Ponce, de 80 años, impartía un taller de actuación en el país suramericano cuyo objetivo era montar una versión de Hamlet, de William Shakespeare, que se estrenaría aquel  27 de marzo, Día Internacional del Teatro.

De acuerdo con la información que cita al actor mexicano Federico Castillo, compañero y discípulo del teatrista durante 33 años, Ponce “Estaba lleno de energía”. El cubano había sufrido un primer infarto cardíaco el 31 de diciembre, del que se repuso; y el martes 3 de enero, en la madrugada, sufrió otro que le causaría la muerte.

“Después del primer paro aguantó hasta el final”, declaró Castillo.“Todos estamos muy conmovidos”.

Tras su salida al exilio en 1965, Ponce ejerció como actor, director y profesor en Miami, Nueva York y Los Ángeles, actividades en las que sobresalió y que desempeñó también más tarde en varias ciudades europeas y latinoamericanas.

Nacido el 29 de septiembre en la ciudad de Matanzas, el teatrista cubano trabajó en varias compañías de la Isla, entre ellas, Teatro Estudio, donde fue alumno de Vicente Revuelta.

Sobre Ponce, el actor también cubano Orestes Matacena (Los Ángeles), declaró: “Fue como un hermano para mí”. Y recordó sus trabajos en La Habana y la fundación de Teatro 66 en Miami.

Al respecto, dijo: “Cuando salió de Cuba vía México, llegó a Los Ángeles y enseguida se puso en contacto conmigo, que para entonces vivía en Miami”.

Con Teatro 66 consiguieron representar varios títulos del teatro universal y contaron como actores con figuras como Alfonso Cremata, Mario Salas Lanz, Norma Niurka y Teresa María Rojas.

Esta última, desde Miami, expresó sobre Ponce: “Fue un hombre consagrado a las tablas”. “Cerca de 1967 me dirigió en la comedia ¡No, por favor!, junto a Luis Oquendo y Cecilio Noble, ya fallecidos. Después nos vimos en España. Fue un excelente actor que vivió dedicado al teatro”, añadió.

En 1968 Ponce y Matacena fundaron en Nueva York la compañía Teatro de Las Américas, con la que sorprendieron al público y la crítica desde su primera función al representar The Grab Bag, dirigida por Ponce y producida por Matacena, en la que aparecían desnudos masculinos y femeninos.

Sobre la compañía, Matacena recuerda “¡Llegamos a estrenar hasta 18 obras en un año!”.

En los 70, Ponce fue contratado como director artístico de una sala en San Francisco por la compañía Zoetrope del realizador estadounidense Francis Ford Coppola, según Matacena.

“Miguel trabajó como actor en varios países de Europa. Y cuando estuvo en Polonia trabajó en el teatro (de uno de los innovadores de la escena mundial) Jerzy Grotowski”, añadió.

Sobre el trabajo de Ponce en Nueva York, el cineasta Iván Acosta destacó que fue uno de los primeros en llevar teatro en español a los parques de la ciudad.

“Fue uno de los directores más audaces y exigentes del teatro cubano en el exilio. En 1969 presentó al aire libre las comedias Mefistófeles y El velorio de Pachencho en el Lincoln Center”, dijo Acosta, que lo recuerda como “una persona muy solitaria que siempre soñó con volver a hacer teatro en Cuba”.

También el actor Rubén Rabasa recordó la etapa neoyorkina de Ponce: “El grupo cambiaba de nombre de acuerdo a los años. Primero fue el Teatro 66, luego el 67 y después el 68. Más tarde conseguimos un local que bautizamos El Teatro de Las Américas de Nueva York, con la ayuda del State Council of the Arts, con el que hicimos obras en español y en inglés”, dijo.

“Luego Ponce se fue a Colombia y fundó una escuela de actores”, añadió y subrayó la pasión que este sentía por la enseñanza: “Todo ser humano debería estudiar drama para comprender los problemas de sus semejantes”, repetía Ponce, según Rabasa.

Por su parte, la vedette Mirta Medina recordó cómo en los 60 en La Habana “fui a verlo porque me dijeron que estaba haciendo audiciones a jóvenes principiantes. Y como yo tenía tanta avidez de aprender asistí a sus talleres en la sala El Sótano de El Vedado”. “Era una persona muy afable, inteligente y con mucha paciencia para enseñar. Para él todo era poesía”.

En los últimos años Miguel Ponce actuó y dirigió en Miami con sus grupos Minimal Teatro —creado en Madrid en 1985 con el nombre de Teatro Iberoamericano— y Nuevo Teatro 66. Sus últimos montajes fueron Asalto (2009), El ángel de la culpa (2010) y Romeo y Julieta (2010).

El sepelio del teatrista cubano tuvo lugar en el Cementerio Municipal de Barquisimeto, señala la nota de El Nuevo Herald y añade “Entre los familiares cercanos que le sobreviven se encuentran su hermana Ida María Ponce, residente en Miami, y varios sobrinos, entre ellos el actor Roland Rusinek”.

Montan a Gustavo Ott en Argentina y Chile

Vladimir Vera en funciones.

El artista Vladimir Vera salió de Caracas hace varios años y actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile y también en ciudades argentinas, donde ha montado obras de varios autores y ahora la hará con una pieza del criollo Gustavo Ott.

¿Por qué Chile y Argentina… y no Venezuela?

La pregunta se responde sola. El nivel de vida que detenta el artista venezolano es paupérrimo. El último año que viví en Venezuela fui asaltado cinco veces a mano armada, tenía cinco trabajos y nunca sabía realmente si era posible llegar con dinero a finales de mes. Si, tenía un estatus, ya era conocido como director teatral, pero en un país con hambre, donde en el momento de mí partida la población pensaba más en hacer filas para conseguir la alimentación básica con lo poco que ganaban y el teatro era su preocupación más mínima. Cuando el alimento escasea, todo lo demás es secundario. 

¿Cómo le ha ido?

Yo siento que con todas las limitaciones que presenta el ser inmigrante, me ha ido bien. He realizado más de una docena de obras cortas, estrené en Argentina La piel en llamas, con un elenco maravilloso. Gané una mención de dirección por mí cortometraje Amanecer en Barcelona, España. He comenzado a refundar el grupo Teatro Forte con grandes talentos que han hecho darle una madurez a los montajes y me mantengo constantemente dictando clases teatrales en la academia "Soñadores del Arte". Honestamente creo que Chile es un país que aunque tiende a ser receloso con brindar los espacios artísticos a los inmigrantes, igual te permite desarrollarte y generar una buena calidad de vida.

¿Por qué Ott y no otro?

Estoy montando un texto inédito de Gustavo Ott: La lengua del pájaro carpintero que lo protagonizan Irving Gutierrez y Fedora Freites. Para mí Ott es la gran voz de la dramaturgia venezolana contemporánea. La diversidad de sus temas, su profundidad y su humor, siempre me hace volver a sus letras. El año pasado tuvimos el honor de presentar en el Festival internacional de Teatro breve en Córdoba, Argentina, su obra Notará que llevo un arma. La recepción fue fantástica y quisimos volver a trabajar con un texto de Gustavo. Él me ofreció este texto inédito y es obviamente un honor, montar un texto de Ott que nunca ningún otro ha asumido su dirección.

¿Qué viene después?

Luego de presentar El pájaro carpintero en Córdoba, estamos pensando en asumir otro texto de Ott. Igual Teatro Forte seguirá presentando obras en los espacios de Soñadores del arte en Santiago. Y bueno, quizás es por la edad, la madurez muerde, como dice el amigo Ott; y a esta edad  uno empieza a ser seducido por autores como Chejov, Ibsen, Shakespeare y Müller. Amanecerá y veremos, querido amigo. Por lo pronto, siguen abiertos los talleres de Teatro Forte en “Soñadores del arte”.

Loco es aquel que dice que no lo está

El maestro Rubén Pinto, mejor conocido como Paúl Williams, fallecido el 1 de julio de 2019, fue un reconocido docente, dramaturgo y director de teatro, que dedicó su vida a las artes escénicas y a la formación de creadores del hecho teatral nacional.

Paul Williams, como se le conoció artísticamente, nació en Caracas, en 1940 y se formó bajo la égida de la directora argentina Juana Sujo y del chileno Horacio Peterson, instalados en la capital  para hacer cine y teatro, además. Por más de 30 años y hasta su muerte fue docente de la Cátedra de Interpretación de la institución de docencia teatral Porfirio Rodríguez, en Petare, en la que desde el año 2009 figuró como su director general. En paralelo fue el director artístico del grupo Teatro del Gato Negro durante los 27 años de trayectoria de la agrupación. Además tiene en su haber más de dos decenas de obras originales y adaptaciones.

Con su pieza Loco es aquel que dice que no lo está llega a la Sala Rajatabla para entrar en lo más profundo de los pensamientos de los espectadores caraqueños, del 31 de enero al 9 de febrero, viernes, sábados y domingos, 5:00 PM, gracias, y es importante reconocerlo y ponderarlo a las entregas histriónicas de Jennifer Morales, Yohn Terán, Vanessa Mejías y Naiby Alcaráz, dirigidos por la performántica Jennifer Morales y Adriana Bustamante, teniendo a Leonel Lanz en la asistencia general.

No es nada difícil de digerir lo que se dice en el espectáculo porque es un híbrido de chistes de salón de gente cultura con observaciones filosóficas, como eran las charlas cotidianas del autor,  bastante célebre por su humor negro y temido.Deben las nuevas generaciones de teatreros venezolanos de este asombroso siglo XXI leerlo y desmenuzarlo porque tiene muchas facetas interesantes.

La corona maldita de Macbeth

La corona de Macbeth llegará al teatro de la Asociación Cultural Humboldt por cuatro únicas funciones, los próximos sábados (4:00 pm) y domingos (11:00 am) 22, 23, 29 de febrero y 1 de marzo.
Esta tragedia de William Shakespeare, que se cree que fue representada por primera vez en 1606, dramatiza las perjudiciales consecuencias, físicas y psicológicas, de la desmedida ambición política en aquellos que buscan el poder y justifican todos los medios para alcanzarlo. La obra está libremente basada en el relato de la vida de un personaje histórico, Macbeth, rey de los escoceses entre 1040 y 1057.
En la pieza, dirigida por Federico Pacanins, se unen la lujuria, la ambición, la traición y la maldad. Macbeth es un noble y valeroso militar escocés, quien, partiendo de una profecía y ante la insistencia de su esposa, Lady Macbeth, comete regicidio y se convierte en el Rey de Escocia, situación que conlleva a que el hombre viva con ansiedad y miedo, volviéndose incapaz de confiar en sus cercanos.
A continuación, la ficha artística del elenco:
Macbeth – José Tomás Angola –; Lady Macbeth – Sandra Yajure –; Banquo – Gerardo Soto –; MacDuff – Carlos Abbatemarco –; Rey Duncan – José Antonio Barrios –; Malcolm – Carlos Manuel González –; Brujas – Valentina Garrido, Silvia De Abreu y Andrea Mariña –; Médico – Orlando Villalobos –; Sargento – Edisson Spinetti –; Lenox – Juan Carlos Grisal –; Ross – Rafael Gorrochotegui –; Dama de Lady Macbeth – Anakarina Fajardo –; Lady MacDuff – Zair Mora –; Seyton – Cipriano Castro Flores –; Criada – Camila González –; Soldados – Daniel Martínez y Andrés Sierra –.
El montaje cuenta con la asesoría artística de Leonardo Azparren, la asistencia de dirección de Yessica Serrano, la producción general de Williams Blanco, la dirección de arte de Elizabeth Yrausquín, el vestuario de Fabiola Neri, la escenografía de Freddy Belisario, la iluminación de Manuel Troconis, la coreografía de Anakarina Fajardo y la dirección musical de Albert Hernández.
Tras el rotundo éxito de Rey Lear, protagonizada por el primer actor Jorge Palacios y dirigida por Gerardo Blanco López, en este 2020, Macbeth inaugura la Experiencia Shakespeare que la Asociación Cultural Humboldt ha organizado con la finalidad de presentar clásicos como Medida por medida, Otelo, Coriolano, entre otros. En ese sentido, la ACH brindará a la audiencia una variada programación de teatro isabelino que inició en septiembre del 2019 y culminará a mediados del presente año, reuniendo a diferentes agrupaciones teatrales de gran trayectoria en Venezuela, como lo son Grupo Bagazos, La Máquina Teatro, Grupo Asklepión, y otros.
La Asociación Cultural Humboldt nació en 1949 con el objetivo de difundir y fomentar nacional e internacionalmente las culturas venezolana y germánica, en sus aspectos científicos, literarios, artísticos y lingüísticos. Por ello, en este año 2020, la ACH ofrece Una luz para la Humboldt, título que se le otorga a su amplia programación de actividades especiales que reúne conciertos de música clásica, popular e infantil; obras de teatro y teatro musical; conferencias; recitales; presentaciones de danza; exposiciones; ciclos de cine; publicaciones literarias; entre otras.
Macbeth se llevará a cabo por cuatro únicas funciones, los próximos sábados y domingos 22, 23, 29 de febrero y 1 de marzo, sábados a las 4 p.m. y domingos a las 11 A.M., en el teatro de la Asociación Cultural Humboldt, ubicada en el corazón de San Bernardino, entre el Hotel Ávila y el IESA, Av. Juan Germán Roscio, cruce con Av. Jorge Washington, Caracas. Las entradas pueden ser adquiridas en la taquilla del teatro y a través del correo asohumboldt@gmail.com. Más información en las redes sociales @asohumboldt.

Bodas sangrientas en el llano

Preguntamos a  Eduardo Viloria Díaz, productor y director del espectáculo Bodas de sangre, correctamente basado en el texto original de Federico García Lorca, pero ambientado en las llanuras venezolanas, quienes son los que lo acompañan en esa poco frecuente aventura cultural, la  cual hace temporada en la sala Humboldt y después ira a los espacios del BOD.

Y él el, sin dudarlo nos dio la lista de la gente que lo acompaña. Ellos son: Martha Estrada, Valentina Garrido, Asdrúbal Blanco, Egon Ilka, Nelson Lehmann, Marisol Matheus, Gonzalo Velutini, Bárbara Ares ,Jennifer Flores, Sheila Monterola, Belinda Lozada, Verónica Meneses, Verónica León, Lady Herrera, Vittorino Leal, Miguel Ángel Treccia, Javier González, Jhonaz, Alfredo Gutiérrez,   Rudyard Villalobos, Jonnathan Montenegro, Alfredo Gutiérrez, Erling Paiva, Alejandro Velázquez,David Blanco,Manuel Troconis,Jonnathan Montenegro, María Gómez,Eliana Barrios,José Michelli, Eduardo “Bigote” Belisario, Víctor Grillet y Yorkis Díaz

 Viloria Díaz reconoció que al teatro llegó por un mero movimiento del destino en 1994, “conté con la fortuna de acercarme a Rajatabla, primero como amigo, luego como colaborador y finalmente formé parte de ellos, fui imbuido por esa magnífica centrifuga que era ese ambiente donde el hecho de la creación colectiva me pareció un descubrimiento equiparable al de la rueda y me dije “¡eureka!”, conseguí de la mano de personas como Daniel López quien me dijo  siempre vas a estar donde tú quieras estar, y ellos son: David Blanco, German Mendieta; Ingrid Muñoz, Andrés Vásquez, Wilfredo Tortosa, José Roberto Díaz, Rufino Dorta, Gerardo Luongo, Wilfredo Torres y un montón de compañeros una auténtica camaradería y de los que recibí valiosas enseñanzas. También debo agradecer a Daniel Uribe con quien trabajé mucho y consolidé una gran amistad. Deseo eso sí, manifestarte que aunque nunca trabajé formalmente con ellos, me sentí, porque así me lo hicieron sentir, un miembro de otra compañía a la que admiro mucho, es la gente del Grupo Theja, disfruté mucho de verlos y compartir en sus procesos creativos, José Simón Escalona y Angélica eran unas estupendas fuentes de conocimiento y de eso siempre estaré agradecido. Desde hace mucho mis caminos se alejaron del teatro y me dediqué a trabajar en televisión, publicidad y principalmente en el cine, pero justo desde hace un año, me centré en retomar y como el hijo prodigo que retorna a la viña, he sido recibido afectuosamente por ese padre amoroso y comprensivo como lo es el teatro. Hoy te puedo decir que hago teatro porque siento la necesidad de la libertad y la simplicidad con la que se sintetiza la creación, ha sido una vuelta francamente satisfactoria”.

No queda duda alguna que esta versión a la venezolana de la española  Bodas de sangre  es excelente. Hay actuaciones de premio y lo mejor de todo es el ritmo y la feliz combinación de las atmósferas  realistas con la sub realidad, con la ficción, con la fantasía. Ahí estaba el ánima de García Lorca en una fiesta matrimonial del llano venezolano. Eso es todo.Una calidad profesional como pocas veces hemos visto.

 Y Viloria  Díaz nos insistió  que  lo que persigue hacer  no es desde la premisa individual,  “porque nada hay más grandioso que un grupo de personas que juntas pueden producir algo que se encona en la mente y el sentir del público. Es por esto que decidimos formar la compañía Teatro del Buen Paso, buscando a pesar de la casi imposible situación que el espíritu de los grupos teatrales resurja en algún momento. Este proyecto cuenta, muy particularmente con con Valentina Garrido, Gonzalo Velutini, Nelson Lehmann, Asdrúbal Blanco y Yorkis Díaz. Gracias a todos ellos”.

¿No hay cine nacional?

“Nuestro cine, el cine venezolano y el latinoamericano entran a la década de los 2020 y dele, y el nuestro a todas luces sigue sin asumir este desafío, esa necesidad de ir por delante a definir su espacio necesario, su espacio merecido de  vanguardia de nuestra imagen en siglo que comienza”, nos lo dice en misiva particular el cineasta Miguel Curiel.

Comenta que a trompicones, bajos y altos desde el siglo pasado : dirección de cine del ministerio de fomento, Foncine, Fonprocine, CNAC y ley de cine se había establecido una base de crecimiento, lo acompañan un legado de películas honestas, reveladoras de una identidad cultural particular, una pre-definición dentro del panorama cinematográfico mundial y un respeto a nuestra creatividad. “Elementos claros y necesarios para decir presente en el mapa de la imagen universal”.

“Ahora, al inicio de la década 20 del 2000, nuestras películas tienen identidades mexicanas, peruanas, norte americanas, dominicanas, colombianas, etcétera,  y una escuálida dosis de supuestas nacionales con destino fracaso en su mayoría. Él porque es simple: un CNAC enemigo del desarrollo de este proceso de desarrollar un cine nacional y una incapacidad de las organizaciones sociales de nuestro cine de enfrentar esta circunstancia”.

“Desde el punto de vista gobierno: su incapacidad de darse cuenta que “la camisa de fuerza”   acabó con el cine cubano y soviético (de ellos solo quedan los clásicos del siglo pasado) y comprender que el cine y la imagen son la ventana internacional de una cultura que se reflexiona sí misma, el ejemplo concreto es Bergmann, Titon, Glauber Rocha, Sanjines, Copolla, Záng yi Mu, Godard, Chalbaud, los Rodríguez, los Cohen, etcétera. Elemento olvidado: son los autores y no los actores quienes determinan el camino de reflexión, siendo estos últimos el producto de venta”.

“Desde el punto de vista de nuestras organizaciones sociales : su incapacidad (generacional, ya que los baby-boom lograron la ley de cine) de deslindar política cinematográfica de política gobierno, se desangran en posiciones anti y pro, estamos con o contra, en vez de asentarse en una política cine e imagen, que es y ha sido la base de nuestras conquistas, las ideológicas pro-contra gobierno se manifiestas en la película hecha, no en las reglas de cómo hacerlas para que nuestras historias imágenes se hagan”.

“Triste situación para aquellos que hemos creído en que nuestro aporte permitiría desarrollar una industria (con sus buenas y sus menos buenas, que importa), triste situación para un cine que conquistaba  y digo bien, conquistaba, su espacio en la cultura mundial”.

Antes de de terminar, la irresponsabilidad de las distribuidoras es patente, incapaces de asumirse en la nueva década del entretenimiento (el cine y la cultura en general lo son) con la múltiples formas que se han establecido y la renovación estructural de las mismas, no es cotufa más barata o entradas dobles a precio de una que resuelven el problema .Para terminar: si el Estado pone “presidente” debe poner fondos suficientes también para justificarlo. Sin protección social y médica no puedes tener profesionales en la industria. Sin cable internacional no puedes tener, tal día como hoy, tú presencia de imagen internacional. Sin pañuelos ni maletín de dólares no puedes estabilizar una producción nacional de cine coherente. Sin una producción estable de entre 20 y 100 películas anuales no hay industria. Argentina, México, etcétera, son el ejemplo) por lo tanto no hay cine nacional. Sin adaptarse a las nuevas firmas de difusión y producción de la imagen no hay forma de un cine a futuro”.

Siempre Nicolás Curiel

Nicolás Curiel

Los muertos que vos matáis, gozan de buena salud, dice la conseja popular y lo recordamos ahora para referirnos sobre Nicolás Curiel, artista clave en la historia del teatro venezolano, especialmente el caraqueño.

“El teatro es transcripción de la vida, espejo de la naturaleza, como enseña (Shakespeare), pero ese reflejo fiel se logra a través de medios específicos: no fabricando una realidad falsa sino haciendo haciéndola más real aun destacando su esencia gracias al prestigio del arte. Sobre la escena nada de superfluo, sólo lo estrictamente necesario al actor: el tablado por dónde camina, los trajes con que se viste, la silla o el banco en que se sienta, la mesa en que escribe, y la luz: el juego del día y de la noche”.

Así lo escribió, el director Nicolás Curiel en el programa de mano de su espectáculo Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, el cual a las nueve de la noche del martes 9 de abril de 1957 relanzó al Teatro Universitario de la Universidad Central de Venezuela, en el Aula Magna. ¡Historia pura! 

Ahí comenzó el TU su aporte para el desarrollo de las artes escénicas a lo largo de los siguientes años. Después fue absorbido por la burocracia y convertido en otro grupo estudiantil más, pero su aporte original nadie se la niega, tal como lo reitera su “fundador” Nicolás Curiel.

De ese primer montaje se hicieron cinco funciones a sala llena, pero la primera representación fue un gran mitin, donde, entre los tres mil espectadores, estaban agazapados unos, maquillados otros, los más destacados líderes de la resistencia contra el régimen del general Marcos Pérez Jiménez. "Teníamos seis meses tratando de realizar este montaje, pero el coronel Damián, que era quien maneja la seguridad de la UCV, no me dejaba ante los problemas políticos que estaban desmoronando la dictadura. Nos pusieron miles de trabas para impedir que se mostrara. Hasta que al final se hizo y la oposición lo convirtió en un mitin extraordinario de rechazo a la tiranía. Era un montaje desprovisto de su religiosidad característica y se convirtió en una denuncia del abuso del poder, por lo cual el público coreaba ‘Ve-ne-zue-la’ cada vez que la heroína era estrujada por el odioso comendador”.

De ese primer espectáculo solamente se hicieron cinco funciones en Caracas y después fueron de gira al interior, tras lo cual Nicolás (el hijo mayor de Humberto y Carmen Acosta de Curiel) impuso el TU no sólo en la geografía nacional sino que cruzó las fronteras, dándole positivos titulares de prensa y reivindicando al teatro criollo.

Salió de ahí, en 1968, a consecuencia del Mayo francés y sus efectos en la Venezuela de entonces. Hizo unos 40 montajes. Ahí se formaron actores, actrices y directores como José Ignacio Cabrujas, Herman Lejter, María Cristina Lozada y Gustavo Rodríguez entre otros más. Además capacitó a los espectadores, porque sin ellos no existe el teatro como tal.

Nicolás, de familia coriana, admite que él pertenece a “la generación del culito abrillantado, la cual se vino a la capital y no quiso saber más de su pueblo”, hace algunos fue años noticia porque el gobierno de Francia le concedió “una alta condecoración”: Officier de l’ordre des arts et des lettres, como se lo comunicó el ministro de Cultura y Comunicaciones de la República Francesa, Renaud Donnedieu de Vabres. ”Me la dieron por mis largos 60 años de actividad teatral, la cual comencé aquí, en el Liceo Fermín Toro, con Alberto de Paz y Mateos, trabajando en unos entremeses de Cervantes y con la pieza Donde está la marca de la cruz de Eugene O´Neill, en 1948, para después proseguir en Francia con Gordon Craig y Jean Luis Barrault, como lo historió mi alumna Erubí Cabrera”.Nicolás, que no niega sus simpatías y militancia con el socialismo bolivariano, recibió otro homenaje por parte de la Compañía Nacional de Teatro y para ello el director Eduardo Gil, de esa época del siglo XXI, organizó una especie de lectura dramatizada del espectáculo Yo, Bertold Brecht, el cual posteriormente fue “teatralizado” debidamente para abrir la temporada 2008 de la CNT.

”Ese montaje lo hice yo durante la cuarta república, precisamente cuando la democracia de Betancourt se puso a matar estudiantes y guerrilleros sin contemplaciones. Era una especie de cóctel, el cual no duraba más de una hora y diez minutos. Ahí yo hacía una especie de biografía teatral de Brecht, usaba algunos de sus poemas y fragmentos de las canciones y los textos de su pieza La ópera de tres centavos. Yo estaba en escena y encarnaba a Brecht y leía sus textos, mientras que Freddy Galavís, Alberto Sánchez, Álvaro de Rosson, Elizabeth Albahaca y Lucía Guitlitz (mi compañera de vida y madre de mis dos hijos) contestaban con algunos fragmentos. El lema nuestro era que ‘la violencia se combate con la violencia' pero lo nuestro era el teatro y su metralla ideológica”.

Fue aventado de la Universidad Central de Venezuela por efectos y defectos de aquel mayo francés de 1968, hábilmente sazonados con las rencillas de la izquierda criolla. Así el Teatro Universitario (TU) perdió a Nicolás Curiel, su máximo esteta y nunca más esa institución logró recuperarse, pero ya él había logrado incendiar la bucólica pradera de las artes escénicas criollas, generando un positivo movimiento crítico entre la audiencia y aupando a las nuevas generaciones de actores, actrices, escritores y técnicos que ahí se formaron y se multiplicaron, como José Ignacio Cabrujas, Gustavo Rodríguez, María Cristina Lozada, Herman Lejter, Alberto Sánchez y Eduardo Gil, entre otros.

En la saga del TU, que arrancó en la década de los 40 (ya existe un valioso aporte historiográfico dejado por Erubí Cabrera), se recuerda como Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, estrenado a las nueve de la noche del martes 9 de abril de 1957, en el Aula Magna, relanzó a ese Teatro Universitario de la UCV, lo cual se conocería después como la “era Curiel”. Con ese montaje se hicieron cinco funciones a sala llena, pero su debut se transformó en un gran mitin, donde, entre los casi tres mil espectadores, estaban agazapados unos o maquillados otros, destacados líderes de la resistencia contra el régimen del general Marcos Pérez Jiménez. ¡Arte contra el poder!
Tenía seis meses tratando de mostrar su espectáculo, pero el coronel Damián, que era quien maneja la seguridad de la UCV, no lo autorizaba ante los serios problemas políticos que estaban desmoronando la dictadura. Le pusieron miles de trabas para impedir que se escenificara. Hasta que se hizo y la oposición lo convirtió en un mitin extraordinario de rechazo a la tiranía. Era una creación, desprovista de su religiosidad característica, que se convirtió en denuncia del abuso del poder, por lo cual el público coreaba “Ve-ne-zue-la” cada vez que la heroína era estrujada por el odioso comendador.
Con ese montaje se fue de gira al interior, tras lo cual el hijo mayor de Humberto y Carmen Acosta de Curiel impuso al TU no sólo en la geografía nacional sino que logró cruzar fronteras, mereciendo positivos titulares de prensa que reivindicaron al teatro criollo. ¡La cultura concede victorias sin sangre y sin pólvora!
Ese teatrero, nacido en el 23 de abril de 1928, el progenitor de los cineastas Sergio y Miguel Curiel, identificado con la cédula 249.058, realizó 40 montajes con el TU. Con su versión escénica de Los siete pecados capitales, basada en textos de Bertold Brecht y Kurt Weill, marcó su retirada hacia delante.
Nicolás Curiel, a sus 92 años (aun sin cumplir) de activa vida, todavía no se ha jubilado, porque los teatreros como él únicamente hacen el mutis para “algo definitivo”.

¿QUIÉN ESCRIBIRÁ NUESTRA HISTORIA?

Cajas de hojalatas  y latas de leche fueron los contenedores de los archivos Óneg Shabat, parte del sistema de resistencia documental que organizó el historiador polaco Emanuel Ringelblum, junto con un grupo de colaboradores, viviendo en las peores condiciones en el gueto de Varsovia, durante el nazismo. Así esta crónica de militancia a favor de la vida y de valentía moral se convirtió en la película Quién escribirá nuestra historia (Who Will Write Our History), que la organización sin fines de lucro, Espacio Anna Frank, presentará con entrada gratuita, el sábado 25 de enero, a partir de las 5:30 p.m. en la Concha Acústica de Bello Monte, como parte de su conmemoración In Memoriam 2020, que se realiza todos los años, para proyectar un mensaje de recordar algo que es necesario que no se olvide: El Holocausto o la Shoá. 

A lo largo del país, en 13 estados y en 21 salas de Cinex y Cines Unidos, también se proyectará el largometraje, el domingo 26 de enero, con entrada gratuita y a las 2 de la tarde para un público adulto, en un esfuerzo, cómo explica su directora Roberta Grossman,  de que “la gente no aprenda simplemente de este film, sino que se involucren y se conmuevan profundamente”.

Para el embajador Milos Alcalay, presidente de Espacio Anna Frank, la relevancia del film es que “se logró derrotar lo que pudo ser una caricatura distorsionada del pueblo judío por parte del nazismo a través de los testimonios de quienes fueron testigos de la tragedia del Gueto de Varsovia, en lo que representó la búsqueda de la verdad, la lucha por la libertad y la vida. Hoy cuando empiezan a asomarse sombras de mentiras, discriminación y destrucción, es muy importante frente a las tensiones que vivimos, que recordemos que no debemos permitir que se repita el genocidio, la destrucción o el odio contra una nación o grupos que piensen distinto”.

La presentación a nivel nacional de Quién escribirá nuestra historia responde a la programación “In Memoriam 2020” de Espacio Anna Frank, en el marco de la Resolución 60/7 de la Organización de las Naciones Unidas, que designó el 27 de enero como Día Internacional de la Conmemoración anual en memoria de las víctimas del Holocausto. Esta vez participan como patrocinantes las embajadas de Alemania, Argentina, Italia, Reino de los Países Bajos, Francia, España, Suiza y Polonia y como aliados: la Alcaldía de Baruta, el Comité Venezolano de Yad Vashem, la Concha Acústica de Bello Monte, la empresa distribuidora de películas Blancica,  los circuitos de cine: Cinex, Cines Unidos y Circuito Gran Cine, por medio de su Fundación Hacer Cine, así como el Circuito Unión Radio. La elección de la fecha no es fortuita: el 27 de enero de 1945, el ejército soviético liberó Auschwitz, el mayor campo de exterminio nazi. 

La historia desconocida más importante del Holocausto

En noviembre de 1940, días después de que los nazis encerraron a 450.000 judíos en el Gueto de Varsovia, una banda secreta de periodistas, intelectuales y líderes vecinales decidieron resistir. Organizado por el historiador Emanuel Ringelblum y conocido bajo el nombre en clave de Óneg Shabat, (“La alegría del Shabat”),  este grupo clandestino luchó  para derrotar las mentiras y propaganda nazi. Estos archivos contenían todo tipo de documentos de la vida cotidiana, así como informes, diarios y testimonios que los propios miembros de Oneg Shabat habían escrito o incitado a escribir a otras personas. Ellos vencieron a su enemigo criminal con la mejor arma  -la verdad- y lo arriesgaron todo para que el archivo sobreviviera a la guerra, incluso si ellos no lo lograrían. Así este film se ha convertido en la historia desconocida más importante del Holocausto. 

Escrita y dirigida por Roberta Grossman y producida por Nancy Spielberg (hermana menor de Steven Spielberg), Quién escribirá nuestra historia  (Estados Unidos - Polonia, 2018, 95min.), está basada en el libro del historiador Samuel Kassow, sobre la vida en el Gueto de Varsovia desde la perspectiva judía. Se reunieron diarios, ensayos, poemas y canciones. Documentaron las atrocidades nazis con testimonios de testigos. Enviaron reportes de asesinatos masivos a Londres por medio de la resistencia polaca clandestina.  Mientras, los trenes deportaban a miles de judíos a las cámaras de gas de Treblinka y el Gueto era incinerado, se encargaron de enterrar 60.000 páginas de documentación con la esperanza de que el archivo sobreviviría, aún si ellos no, para “gritarle la verdad al mundo”. 

Quién escribirá nuestra historia narra los primeros meses de la guerra en Polonia, el establecimiento del gueto de Varsovia, justificado por la propaganda nazi a la población polaca como una forma de protegerla de la población judía supuestamente enferma; las condiciones horribles en el gueto, las deportaciones masivas a Treblinka en el verano de 1942, la rebelión del gueto de Varsovia y la masacre final de los nazis en 1943.

Espacio Anna Frank estrenará antes de proyectar el film, el corto Las voces de ayer, nos hablan hoy, con el fin de lograr mayor comprensión del Holocausto,  sus dimensiones y de conocer su contexto histórico. Es una pieza audiovisual que explica, en forma ágil y didáctica, cómo a principios del siglo XX, los partidarios de ideologías y falsas creencias buscaban fundamentarlas en la ciencia para hacerlas pasar por verdades irrefutables. El corto, realizado con la técnica de animación stop motion, cuenta con una duración de 7 minutos, y muestra que una de las causas del Holocausto fue la creencia de que las diferencias genéticas colocan a un grupo humano por encima de otro.

Así mismo, Espacio Anna Frank presentará en la entrada de la Concha Acústica de Bello Monte, la exposición Recuerda, Reflexiona, Reacciona, que actualiza el fenómeno de los genocidios y nos recuerda que estos sucesos siguen pasando hoy en el mundo.

Una gran sala de cine para el espectador

Además de la proyección el sábado 25 de enero, a las 5:30 pm en la Concha Acústica de Bello Monte, la cual se llevará a cabo gracias al apoyo del Circuito Gran Cine, por medio de su Fundación Hacer Cine; el domingo 26 de enero, 13 estados del país abrirán sus salas de Cines Unidos y Cinex para proyectar Quién escribirá nuestra historia. Todas las funciones de cine del domingo se llevarán a cabo a las 2 pm y con entrada gratuita. Por la fuerza de las imágenes, esta película está recomendada para un público adulto y para jóvenes a partir de los 13 años de edad. 

Las salas de Cines Unidos ubicadas en centros comerciales que abrirán sus puertas para proyectar la película serán: Millennium Mall (Caracas), Regina, (Puerto La Cruz, Edo. Anzoátegui); Hyper Jumbo (Maracay, Edo. Aragua), Orinokia, (Puerto Ordaz, Edo. Bolívar); Petroriente, (Maturín, Edo. Monagas), y los centros Sambil de Margarita (Edo. Nueva Esparta), Valencia, (Estado Carabobo), San Cristóbal (Edo. Táchira), Maracaibo (Edo. Zulia) y Barquisimeto (Edo. Lara). 

También el domingo 26 de enero, Cinex proyectará el largometraje en sus salas ubicadas en los centros comerciales caraqueños Sambil, El Recreo, El Hatillo, San Ignacio, Los Próceres y Manzanares. En el interior del país estarán disponibles los recintos ubicados en Galerías Plaza (Maracay, Edo. Aragua); Sambil (Paraguaná, Edo. Falcón); Lago Mall (Maracaibo Edo. Zulia) y los centros comerciales Buenaventura de Guatire (Edo. Miranda) y de Araure (Edo. Portuguesa). 

En el caso de Cines Unidos, los asistentes podrán adquirir, de forma gratuita, sus entradas a través de las taquillas de los cines. Por su parte, los asistentes a las funciones de Cinex pueden ingresar a su página web www.cinex.com.ve, ubicar el título en la cartelera y seguir el procedimiento de compra (el cual, en este caso, presentará la opción “acceso gratis”). Ello, les permitirá seleccionar las butacas y obtener un localizador que deberán reservar para mostrarlo al momento de ingresar a la sala. 

La Concha Acústica de Bello Monte está localizada al final de la Avenida Caurimare en Colinas de Bello Monte. Hay seguridad para estacionar los vehículos en las zonas aledañas al anfiteatro, por parte de la Policía de Baruta.

Espacio Anna Frank nace en el 2006. Las diversas iniciativas que ha desarrollado a lo largo de estos años buscan sembrar en las mentes y los corazones el deseo de vivir como una gran familia, y el rechazo categórico de todo acto de discriminación, violencia e intolerancia. Para esta organización, combatir la indiferencia y preservar la coexistencia es un punto de honor. 

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Bodas sangrientas en el llano venezolano

Viloria Díaz es director y productor teatral

¿Desde cuándo en el teatro y por qué lo hace?, preguntamos a  Eduardo Viloria Díaz, productor y director del espectáculo Bodas de sangre, basado en el texto original de Federico García Lorca, pero ambientado en las llanuras venezolanas, el cual hace temporada en la sala Humboldt, durante este fin de semana y otras representaciones posteriores.

 Viloria Díaz reconoce que al teatro llegó por un mero movimiento del destino en 1994, “conté con la fortuna de acercarme a Rajatabla, primero como amigo, luego como colaborador y finalmente formé parte de ellos, fui imbuido por esa magnífica centrifuga que era ese ambiente donde el hecho de la creación colectiva me pareció un descubrimiento equiparable al de la rueda y me dije “¡eureka!”, conseguí de la mano de personas como Daniel López quien me dijo “Viloria, siempre vas a estar donde tú quieras estar”, David Blanco, German Mendieta; Ingrid Muñoz, Andrés Vásquez, Wilfredo Tortosa, José Roberto Díaz, Rufino Dorta, Gerardo Luongo, Wilfredo Torres y un montón de compañeros una auténtica camaradería y de los que recibí valiosas enseñanzas. También debo agradecer a Daniel Uribe con quien trabajé mucho y consolidé una gran amistad. Deseo eso sí, manifestarte que aunque nunca trabajé formalmente con ellos, me sentí, porque así me lo hicieron sentir, un miembro de otra compañía a la que admiro mucho, e a la gente del Grupo Theja, disfruté mucho de verlos y compartir en sus procesos creativos, José Simón Escalona y Angélica eran unas estupendas fuentes de conocimiento y de eso siempre estaré agradecido. Desde hace mucho mis caminos se alejaron del teatro y me dediqué a trabajar en televisión, publicidad y principalmente en el cine, pero justo desde hace un año, me centré en retomar y como el hijo prodigo que retorna a la viña, he sido recibido afectuosamente por ese padre amoroso y comprensivo como lo es el teatro. Hoy te puedo decir que hago teatro porque siento la necesidad de la libertad y la simplicidad con la que se sintetiza la creación, ha sido una vuelta francamente satisfactoria.

¿Qué ambiciona con el teatro?

La ambición que perseguimos no es desde la premisa individual, nada más grandioso que un grupo de personas que juntas pueden producir algo que se encona en la mente y el sentir del público. Es por esto que decidimos formar la compañía Teatro del Buen Paso, buscando a pesar de la casi imposible situación que el espíritu de los grupos teatrales resurja en algún momento. Este proyecto cuenta con Valentina Garrido, Gonzalo Velutini, Nelson Lehmann, Asdrúbal Blanco y Yorkis Díaz.

¿Quién produce este montaje que es caro por lo actores y demás rubros?

Esta producción es absolutamente costeada por nosotros, el Teatro del Buen Paso; tuvo su origen en una causa con la que estamos muy comprometidos, conseguir recursos para luchar contra el retinoblastoma, enfermedad ocular que es el cáncer de más incidencia en la población infantil. Durante años el trabajar en el cine, publicidad y televisión ha permitido contar actualmente con cierta infraestructura que facilita la producción de este y de futuros proyectos con el favor de Dios.

¿Por qué este texto de García Lorca y además ambientado en el llano venezolano?

Primeramente como he expresado antes, mi fascinación por los clásicos es algo que me mueve, me estimula y hace hervidero de ideas en mi mente, creo que las grandes obras merecen seguir estando al alcance el público y que estas piezas siembran pasión en los espectadores, nada más fecundo que la grandeza de los autores que van cruzando el tiempo y se mantienen vigentes. Lo que me mueve es captar la esencia del autor desde mi interpretación y siendo fiel a su texto extrapolarlo a ámbitos distintos, un gran clásico resiste y permite que los directores le recreen buscando vanguardia. García Lorca para mi significa mirar al origen de mucho de lo que me enamora del teatro, sin duda su pasional obra consigue el gusto en mí y me parece que aún existe mucho por descubrir de su legado, cada frase, cada oración es un códice que espera por nosotros. Nuestra propuesta está sustentada en el interés que nos resulta mostrar que el Llano venezolano fuese en época de la colonia un lugar en que se asentaron los andaluces provenientes de España, el origen de la cultura llanera que es sin duda emblemática en Venezuela tiene su génesis en nuestra herencia andaluza y eso está presente en la música, el expresión oral y en la idiosincrasia. No hay nada

más parecido con la imagen que se tiene de España que el llano, esa cultura de “a caballo”, el ganado, las coplas, el octosílabo, el baile; el joropo y el flamenco tienen su origen en el fandango. Esa melancolía tan característica del llanero es también frecuente en el de los vaqueros en las dehesas, esa vinculación con el ambiente y el misticismo con que Lorca impregna Bodas de Sangre, es algo que está en los mitos y cultural de Guárico; Portuguesa; Apure; Cojedes y Barinas.

¿Qué agenda ha planificado para mostrar el montaje después de salir de la Humboldt?

Esta obra conlleva un enorme esfuerzo, mucha coordinación y hasta cuestiones azarosas, al ser un elenco de 25 personas hay que conjugar muchas factores para poder presentarla y más con el criterio y exigencia que nos hemos impuesto. Por fortuna tenemos ya confirmadas cinco presentaciones en el complejo B.O.D. en abril, Semana Santa específicamente. Tenemos una invitación a Lechería en Anzoátegui, Guárico y Maracaibo, estamos aún en conversaciones porque realmente es complejo y costoso hacer en este momento una gira de tres días a cualquier lugar de Venezuela. Por supuesto que es para nosotros un deseo poder mostrar esta propuesta que engloba un gran clásico que ahora se hace tan nuestro.

¿Satisfecho con lo alcanzado hasta ahora?

Jamás se sacia el deseo por lograr un excelente trabajo, es una extenuante persecución que nunca acaba, el dirigir, es estar un poco condenado como Sísifo, subir una y otra vez la cuesta interminable de la creación. Ahora, sí hay un goce en este montaje, el gusto de hacer un espectáculo que a mi gustaría ver y que se me parece a muchos que en el pasado vi y me hacían emocionar y aplaudir afanosamente sentado en ese lugar fantástico como es el del espectador. Lo más importante y lo digo convencido de que es así, es recibir comentarios de muchísimas personas que dicen que esto se asemeja a Rajatabla, esto, lo vale todo; para mí no existe mayor orgullo que ese, que en nuestro modesto trabajo se vislumbran chispas de la genialidad de esa estética forjada con tanta gloria como la que nos dio Carlos Giménez y la cual aún retumba y hace retorcer a ciertas personas que seguirán mirando hasta el fin de los tiempos la estela que el gran maestro dejó. Rajatabla será siempre para mí el norte y me siento honrado de ser parte de esa escuela y que hoy tiene en nosotros una voz que dice presente.

¿Qué tiene proyectado para después?

Actualmente nos encontramos trabajando en un proyecto hasta ahora denominado BRECHT 2020, tenemos la intención de estar en cartelera para agosto o septiembre. Es un montaje con similares características al de Bodas de sangre  como es una de nuestras intenciones en el Teatro del Buen Paso, es decir un elenco numeroso, serán 17 artistas en escena incluyendo a cuatro músicos aunque la ambientación no tiene semejanza con nuestro actual montaje. En este nuevo reto contamos con el talento de casi todos los participantes con los que actualmente estamos trabajando, es un enorme gusto formar un grupo con talentosas personalidades como Valentina Garrido que sin duda para mi es la mejor  actriz joven del país; una joya como Marisol Matheus, Gonzalo Velutini, Nelson Lehmann, Asdrúbal Blanco, Jennifer Flores, Miguel Ángel Treccia o Lady Herrera, Vittorino, Javier González, Egon Ilka entre otr