Vuelve Tropical para presentarse en el teatro Principal

Dos actrices y bailarinas en impactante espectáculo.

Las artes escénicas no han desaparecido de Parque Central y es por  eso que desde el sótano 1 del edificio San Martín, donde funciona la sala o el espacio teatral La rampa, sale para presentarse en el teatro Principal, esquina con la plaza Bolívar de Caracas, únicamente este sábado, a las 5 PM, y el domingo, a las 4PM, el extraño montaje dancístico-teatral Tropical, sorprendente creación de la agrupación Igual a Uno Teatro, la cual bajo la dirección de Gregorio Magdaleno se estrenó durante el pasado Festival Internacional de Teatro de Caracas y ahora hace una breve temporada, antes de irse de gira a la provincia , como paso previo para dos compromisos internacionales, uno de ellos en España.

En Tropical, montaje que  combina sabiamente las técnicas del baile o la danza con el teatro, los espectadores podrán rememorar  y disfrutar como “ser y no ser” identifica al inglés  Shakespeare  o  que “inventamos o erramos” es el reto que el venezolano Simón Rodríguez le hizo a los latinoamericanos hace más de dos siglos, o  aquel “pienso, luego existo” del francés Descartes que generó toda una revolución en las maneras de abordar el análisis  de la realidad,  temida revisión que ya la había iniciado muchísimos siglos antes  ese "solo sé que no sé nada" del griego Sócrates.

Aclaremos a los eventuales asistentes a las funciones que Tropical no es una densa clase de filosofía reducida a un entretenido recital de sentencias memorables con bailecitos aleatorios, son, eso sí parte, algunos de los textos, bien actuados, que transmiten las actrices-bailarinas protagonistas Osleyda Pérez y Yarumí González, apoyadas por el actor Amílcar García, quienes emprenden, a lo largo de 90 minutos, un singular viaje escénico, con sus bailes y movimientos a través de la búsqueda de su propio nombre y a partir de ello, de la búsqueda del ser. Es una indagación teatral, donde se suda, como ha dicho el director-autor Magdaleno, para descubrir quiénes somos, frente a unas maneras, unas formas impuestas en nuestros propios comportamientos. “Entonces nosotros como espectadores podemos conocer lo que podría ser el cliché, la iconografía de lo tropical, es decir, por ejemplo, los mambos, los bailes, los merengues, las cumbias, que de alguna manera signan una manera de ser y que nos contrastan en nuestra mirada interior”. Y todo ese culmina con esta memorable frase de Goethe: "Mientras no mueras y resucites de nuevo serás un desconocido para la oscura tierra".

 Tropical es, pues, una pieza de teatro arte, ese que muchos teatreros tienen miedo identificar por su nombre y al cual miran peyorativamente porque es, sin lugar a duda, teatro filosófico y  además consideran que el público es ignorante y lo que quiere  o hay que servirles es la banalidad de algunos textos.

 En Tropical,  Gregorio Magdaleno,  actor, director y escritor,  con más de 40 años de trayectoria artística, permite conocer su visión sobre el arte y la vida, las cuales ha logrado conjugarse para llevarle al público general una pieza para plantearle la razón sobre el ser, su origen y verdad, buscando  así enfrentarlo con la complejidad y singularidad del ser humano.

Este trabajo es consecuencia de dos años de exploración, de continuo entrenamiento, preparación y búsqueda de las verdades de cada intérprete. Ver Tropical reivindica al arte del movimiento escénico dancístico que injustamente algunos críticos habían calificado de banal porque sus artífices no emiten palabras o sentencias de trascendencia.

Pero Tropical recuerda al viejo arte del teatro circense y rompe la cuarta pared y va hacia el público y lo afronta con sus preguntas que lanza cuales dardos de filosofía o conocimientos generales y glosa sus respuestas, además que lo premia con mandarinas, naranjas mangos o cambures. Hace una fiesta o un happening en la sala teatral, distiende las distancias y todos participan, al tiempo que lo baña con pétalos de flores o pedazos de coloridos papeles. La fiesta termina con las palabras del legendario filósofo alemán: "Mientras no mueras y resucites de nuevo serás un desconocido para la oscura tierra".

Es, pues, Tropical, un novedoso teatro ritual nada convencional, donde proyecta sus dos actrices, que recrean unas fantásticas mujeres. Si quieres reír, llorar, bailar, sorprenderte, reflexionar y descubrir lo que significa o es para ti, Tropical, no dejes de asistir a esta obra que de seguro querrás ver todas las veces que sea necesario.

Y no podemos cerrar esta reseña sin recordar  que Igual a uno Teatro es una agrupación nacida en el 2016, la cual hace vida en la sala de teatro La Rampa y tiene como norte la búsqueda de un desarrollo estético fundamentado en la posibilidad creadora de los seres humanos como capacidad única para un desarrollo intelectual y espiritual, armonioso y creciente; esta agrupación se dedica a mostrar historias, eventos y sucesos humanos hilados por la búsqueda del significado del ser, a través de la propia búsqueda expresiva del actor o actriz.

La rampa es el antiguo espacio experimental del Celcit, creado por el filósofo del teatro Juan Carlos De Petre, en las décadas de los 80 y los 90 del siglo XX, el cual se transformó en la Sala Altosf, en el año 1993 y ahora, desde el año 2015, se convirtió en La Rampa, siempre bajo la égida de Magdaleno. Gracias al apoyo de Fundarte y la empresa Corpocapital (que gerencia al Complejo Habitacional Parque Central), para su reacondicionamiento y ahora espera ser un espacio alternativo para las nuevas generaciones de artistas venezolanos.

Teatro de la periferia en Unearte

Instalado en Nueva York para escribir teatro.

Pablo García Gámez reapareció en los escenarios venezolanos, durante la temporada 2018, gracias al estreno de su pieza Oscuro, de noche, bajo la dirección de Carlos Arroyo y con la producción del espectáculo por parte de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) en la caraqueña sala Alberto de Paz y Mateos. Ahora, este caraqueño de 58 años, quien lleva algo más de medio siglo de residencia en Nueva York, es nuevamente noticia porque dicha pieza  abre la temporada 2019 en la sala Anna Julia Rojas, de Unearte (Universidad Nacional Experimental de las Artes), del 14 al 31 de marzo, en funciones de jueves a domingo, a las 4 PM.

 Oscuro, de noche tiene una sinopsis que los eventuales espectadores del espectáculo deben conocer: Kenny Javier Barrios (25 años) es víctima de la violencia urbana: pierde la vida y la roban su motocicleta recién comprada. Sus padres se enteran de la noticia y además comienzan a luchar contra las imágenes negativas de Kenny.  Ellos hacen lo posible por cumplir con los rituales funerarios, pero encuentran una serie de obstáculos: la abuela Mercedes está seriamente enferma, los medios mencionan que hacía actividades ilegales, el proceso en la morgue dura más de lo debido, las funerarias se niegan a velar su cuerpo.  Tratan de resolver cada problema en la marcha buscando encontrar una paz que no llega.  Mientras tanto, tres testigos narran sus versiones que se niegan a compartir con las autoridades. Deja una novia enamorada.

 En este montaje de Oscuro, de noche, texto merecedor del tercer Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana, el director Arroyo juega con elementos de las estéticas  expresionista, realista y circense, hasta lograr crear un conmovedor e impactante espectáculo, el cual   poetiza el miedo que se ha apoderado de una ciudad, para no más de 90 minutos de exhibición escénica.

¿Pensó usted en el éxito con este texto?, preguntamos al autor.

Desde que lo escribí, Oscuro, de noche se convirtió en un texto con el que me identificaba: expresa visiones que siempre quise abordar.  Se integra a un proceso en el que, a través de la dramaturgia, me reencontraba con la Caracas de mi mente y a la que tenía dos décadas sin ver.  Los otros textos, extremadamente caraqueños, son Noche tan linda, El Gos, Vendrán tiempos mejores y La vieja herida.  En ellos está la memoria y también la necesidad de explicar cómo es el lugar de dónde soy, un espacio que critico y celebro.  En el proceso, mi escritura encuentra la alteración de tiempos -el tiempo de la memoria que llega en fragmentos- con personajes que luchan por querer ser, como escribió sobre mi dramaturgia, en Latin American Theatre Review, Antonio César Morón, catedrático de la Universidad de Granada.

García Gámez advierte que hace todo este preámbulo porque no sabía si alguna vez Oscuro, de noche podría ser representado.  “De hecho, una vez leí un fragmento en The New School y una asistente al evento comentó: “¡Eso es inmontable!” Yo estaba seguro que era montable, pero no sabía si algún teatrero o grupo estaría dispuesto a correr el riesgo.  Igual estaba satisfecho con lo que leía en el papel.  Definiría Oscuro, de noche como crónica periodística hecha crónica teatral: una crónica con un hecho que ha sido tan manipulado que se convierte en palimpsesto de verdades, medias verdades y mentiras: no sabes qué hechos son realmente ciertos -el caso de los testigos en la obra- algo que ocurre con la información que actualmente nos hacen digerir, mucha de ella desvirtuada.  Era una obra con la que tenía empatía, pero de ahí a pensar que tendría dos temporadas, confieso que no, no lo pensé”.

 ¿Qué lo llevó a concursar en el Apacuana?

Cuando me enteré del Apacuana, no le presté atención… o se la presté, pero sé de la calidad que hay en la dramaturgia de Venezuela.  A todas estas, mi amigo Hernán Colmenares, me comenta sobre el concurso y me convence que envíe una pieza.  Desempolvo el texto y lo mando. Recuerdo exactamente dónde estaba cuando me enteré que había ganado: estaba en una cafetería y los clientes escucharon un “¡Coño! ¡Me gané el Apacuana!”

 “Aprovecho la pregunta para afirmar que el Apacuana debería ser de nuevo inclusivo a los autores venezolanos en el extranjero.  Creo que el diálogo marcará el futuro del país.  A todo nivel.  Hay autores que están fuera del país y lo llevan encima con propuestas que aportan a ese diálogo.  Cuando he tenido la oportunidad de intercambiar con estudiantes en Caracas he notado la preocupación por la vanguardia, por inscribirse en la vanguardia tomándola como el grupo de manifestaciones más recientes que se dan en USA o Europa.  A diferencia de este criterio, Richard Schechner -el creador de la disciplina de Estudios del performance- dice que la vanguardia es policéntrica: cada espacio tiene su vanguardia.  Creo que la inclusión de autores venezolanos en el exterior abriría un debate que podría abordar aspectos como el que te acabo de comentar.  Además, las ausencias no dialogan”.

 ¿Satisfecho de lo que logró el director Arroyo?

No estoy satisfecho con Carlos Arroyo.  Estoy extremadamente agradecido con Carlos Arroyo por todo lo que ha logrado con el texto.  Encontró inmediatamente su carácter manipulable, sus elementos lúdicos.  Vistió al texto de circo, lo subió al cerro.  Hizo que cada actor, cada actriz, cada músico, cada técnico diera lo mejor para crear este musical cerrícola, cerrícola con el orgullo y la humildad de reafirmar de donde emerge la obra.  La práctica que emplea la CNT ofrece la posibilidad de múltiples lecturas al rotar los personajes entre los actores.  Cada función tiene un sabor diferente a las demás, algo difícil, muy difícil de ver en cualquier contexto.

¿Cuál es la clave para ganar premios, es que no hay otros concursantes?

Claro que hay colegas muy buenos.  No sé si será parte de la clave, pero escribo sobre temas que me apasionan: el desarraigo, el paso del tiempo; sobre la periferia y sus personajes.  Durante el día me lleno de imágenes, vivencias, conversaciones sueltas, recuerdos, cuestionamientos que exploro con la palabra y el tiempo. Un factor de mi escritura es que la vida ha transcurrido desde el margen y que tengo arraigado un sentido de pertenencia a diversas minorías en diversos espacios.  Se dio el hecho afortunado de caer en conciencia de ello y poder revisar ese proceso.  De ahí el re/sentimiento, doble sentir de esas experiencias.  A mis estudiantes les digo que traten de ver la situación desde la periferia, que escriban sobre lo que quieren ver en escena, que sus obras pregunten, interpelen al espectador.  Que sean fieles a su trabajo, que no hay que estrenar mañana. 

¿Cómo hace? ¿Tiene a otros que escriben por usted?

 ¿Cómo hago? ¿Qué hago?  Escribir.  Es la única manera. Dedico aunque sea una hora al día porque quiero escribir, porque necesito escribir, porque tienen que salir esas voces, porque me gustaría verlas en escena.  Hace un par de años estoy desarrollando la tesis doctoral sobre teatro y comunidades hispanas y no he dejado de escribir teatro.  Edgar, ¡llevo 32 años escribiendo!  El montón de obras sale porque estuvieron guardadas todos estos años.  Guardadas no, intenté difundirlas en diversos momentos, pero el canon de la dramaturgia es un filtro; de hecho, el canon es de naturaleza cogollística.  A Venezuela las mandé a grupos, productores; tuve una única respuesta sobre una obra: “es interesante”.  Aquí mandé a concursos y así fueron saliendo a la luz.  Agradezco a la Compañía Nacional de Teatro por Oscuro, de noche y a la Escuela Juana Sujo por presentar ¿…Y qué es Nueva York? (Cariaquito Morao).  Fue un modo de aceptación de mi identidad.  

“Volviendo a las piezas, escribí Cariaquito Morao hace 27 años.  De repente, se da la coyuntura y gana el ACE de dramaturgia y de actuación en monólogo.  Con la pieza que ganó el LATA, Eclipse Total en G.T.s, es diferente: en 2018 soy invitado por Harlem 9 y Pregones para participar en 48Hours in The Bronx, actividad en la que en dos días trabajas en equipo para hacer un montaje incluyendo el texto.  Me tocó trabajar sobre un bar gay en los ’80 y escribí un texto para recordar a los que se nos fueron por el SIDA y celebrar a los que están; el LATA fue el sábado 9 de febrero y no pude ir por la tesis… y porque estoy con el borrador de algo que creo será una obra.

Pablo García Gámez escribe para explicarse y vacilarse la vida

Pablo García Gámez vive ,estudia y trabaja en Nueva York.

La segunda temporada de  la pieza Oscuro, de noche, ahora en la sala Anna Julia Rojas de Unearte, del 14 al 31 de marzo, permite que su autor responda a varias preguntas que ayudarán a los espectadores a interpretar mejor dicho montaje, que ha dirigido Carlos Arroyo y que es producido por la Compañía Nacional de Teatro.

 ¿Pensó en el éxito con este texto?

Desde que lo escribí, Oscuro, de noche se convirtió en un texto con el que me identificaba: expresa visiones que siempre quise abordar.  Se integra a un proceso en el que, a través de la dramaturgia, me reencontraba con la Caracas de mi mente y a la que tenía dos décadas sin ver.  Los otros textos extremadamente caraqueños son Noche tan linda, El Gos, Vendrán tiempos mejores y La vieja herida.  En ellos está la memoria y también la necesidad de explicar cómo es el lugar de dónde soy, un espacio que crítico y celebro.  En el proceso, mi escritura encuentra la alteración de tiempos -el tiempo de la memoria que llega en fragmentos- con personajes que luchan por querer ser, como escribió sobre mi dramaturgia, en Latin American Theatre Review, Antonio César Morón, catedrático de la Universidad de Granada.

“Todo este preámbulo porque no sabía si alguna vez Oscuro, de noche podría ser representado.  De hecho, una vez leí un fragmento en The New School y una asistente al evento comentó: “¡Eso es inmontable!” Yo estaba seguro que era montable, pero no sabía si algún teatrero o grupo estaría dispuesto a correr el riesgo.  Igual estaba satisfecho con lo que leía en el papel.  Definiría Oscuro, de noche como crónica periodística hecha crónica teatral: una crónica con un hecho que ha sido tan manipulado que se convierte en palimpsesto de verdades, medias verdades y mentiras: no sabes qué hechos son realmente ciertos -el caso de los testigos en la obra- algo que ocurre con la información que actualmente nos hacen digerir, mucha de ella desvirtuada.  Era una obra con la que tenía empatía, pero de ahí a pensar que tendría dos temporadas, confieso que no, no lo pensé”.

¿Qué lo llevó a participar en el Concurso de Dramaturgia Nacional Apacuana?

Cuando me enteré del Apacuana, no le presté atención… o se le presté, pero sé de la calidad que hay en la dramaturgia de Venezuela.  A todas estas, mi amigo Hernán Colmenares, me comenta sobre el concurso y me convence que envíe una pieza.  Desempolvo el texto y lo mando. Recuerdo exactamente dónde estaba cuando me enteré que había ganado: estaba en una cafetería y los clientes escucharon un “¡Coño! ¡Me gané el Apacuana!”

“Aprovecho la pregunta para afirmar que el Apacuana debería ser de nuevo inclusivo a los autores venezolanos en el extranjero.  Creo que el diálogo teatral marcará el futuro del país.  A todo nivel.  Hay autores que están fuera del país y lo llevan encima con propuestas que aportan a ese diálogo. Cuando he tenido la oportunidad de intercambiar con estudiantes en Caracas he notado la preocupación por la vanguardia, por inscribirse en la vanguardia tomándola como el grupo de manifestaciones más recientes que se dan en USA o Europa.  A diferencia de este criterio, Richard Schechner -el creador de la disciplina de estudios del performance- dice que la vanguardia es policéntrica: cada espacio tiene su vanguardia.  Creo que la inclusión de autores venezolanos en el exterior abriría un debate que podría abordar aspectos como el que te acabo de comentar.  Además, las ausencias no dialogan.

¿Satisfecho de lo que logró Carlos Arroyo?

No estoy satisfecho con Carlos Arroyo.  Estoy extremadamente agradecido con Carlos Arroyo por todo lo que ha logrado con el texto.  Encontró inmediatamente su carácter manipulable, sus elementos lúdicos.  Vistió al texto de circo, lo subió al cerro.  Hizo que cada actor, cada actriz, cada músico, cada técnico diera lo mejor para crear este musical cerrícola, cerrícola con el orgullo y la humildad de reafirmar de donde emerge la obra.  La práctica que emplea la CNT ofrece la posibilidad de múltiples lecturas al rotar los personajes entre los actores.  Cada función tiene un sabor diferente a las demás, algo difícil, muy difícil de ver en cualquier contexto.

¿Qué le cambiaría a su texto ahora que lo ha visto representado?

Moreno Uribe: no le cambio nada.  El texto sigue allí para ser jugado, para invitar a diferentes lecturas, para jugar con la poesía, la dureza y el vacilón que es la vida.

Big el mimo trotamundos

Víctor Vegas,teatrero y novelista.

La intolerancia, o sea la falta de tolerancia en los ámbitos religiosos, sociales y sexuales, fue el tema escogido por el barquisimetano Víctor Vegas para su debut profesional en el teatro, a una edad que no es precisamente para dar los primeros pasos en tan exigente y competida disciplina artística, para ese entonces estaba en los 40.

Lo conocimos, pues, en el teatro San Martín de Caracas, durante la temporada del 2007, con su pieza Mientras amanece, dirigida muy profesionalmente por Gonzalo Cubero y con las precisas de David Villegas y William Escalante, quienes escenificaron un estrujante drama sobre un asesinato cometido en un motel y además revelaron las historias íntimas de esos hombres involucrados en semejante crimen: un macho heterosexual mata a un amadamado gay porque le cobra “servicios prestados”,  después de amanecer juntos.

Aquel novel dramaturgo nos declaró, en ese entonces, que “el racismo, la homofobia, la xenofobia y el genocidio, que es lo tratado en Mientras amanece, no son más que diferentes tipos de intolerancia. Han servido de excusa para hablar precisamente sobre la intolerancia, un tema que me preocupa en extremo. Los venezolanos, que tenemos fama mundial de afables y receptivos con aquellos que son diferentes, para mí es un cuento que tiene más de mito que de realidad, algo que me ha costado tragar desde siempre. Hemos estrenado el siglo XXI como una sociedad con niveles muy bajos de tolerancia, niveles casi alarmantes. Algo que debería llevarnos a la reflexión a todos”.

Víctor, tras las normales repercusiones de aquel drama, calcado de la vida real, tomó las de Villadiego y con su esposa saltó a Madrid, y ahora desde esa urbe nos manifiesta que ha continuado escribiendo y haciendo literatura. “Desde que en 2003 decidiera abandonar mi profesión de informático y retomar mi vocación literaria no he dejado de hacerlo. Por ejemplo, sin ir más lejos, hace un par de semanas se lanzó en el mercado español mi más reciente novela titulada Me llaman Big. La ha publicado Huso Editorial (una edición cuidada y hermosa) y estimamos presentarla acá durante la segunda quincena del mes de febrero. En ella se relata la historia de un mimo que crea sus propios espectáculos para luego representarlos, de forma exclusiva, a niños en situación de riesgo en países que se encuentran inmersos en conflictos bélicos. Big, el nombre artístico del protagonista principal de la novela, es una especie de mimo trotamundos que va saltando de guerra en guerra con el fin de llevar un poco de alegría a los niños”.

Puntualiza que durante el año pasado también presentó su texto La naturaleza de las cosas (Ediciones Carena, 2018), un libro de relatos cuyos textos giran en torno a los objetos y la influencia que dichos objetos ejercen sobre la cotidianidad de los seres humanos. El libro tuvo muy buena acogida, tanto en medios, lectores, así como en la crítica especializada. Y para cerrar mi respuesta a tu pregunta, en estos días me encuentro trabajando en lo que será mi próxima novela. Estoy apenas en la etapa preliminar, tomando algunas decisiones importantes antes de sentarme a escribir, pero el tema, el argumento y gran parte de lo que va a suceder en esta nueva obra los tengo bastante claros en mi cabeza. Quizá con lo que me encuentro ahora mismo luchando es con el tono que tendrá la novela. El tono es un elemento esencial y hasta que no lo tenga definido no puedo iniciar el proceso de escritura. Como has visto, la literatura continúa siendo parte importante de mi vida”.

¿Satisfecho?

Qué puedo decirte… Por cuestiones de mi propia naturaleza me cuesta aceptar que estoy satisfecho al cien por ciento con lo que hago o he hecho. Siempre aspiro más. Así que dejémoslo en que estoy contento y entusiasmado con los resultados logrados.

¿Qué viene ahora?

Ahora me toca promocionar a Me llaman Big. Parte de mi tiempo durante los próximos meses lo dedicaré a esta actividad. Luego haremos una pequeña gira por varias ciudades de España. Lo que sigue será intenso y es quizá la parte que menos me agrada del oficio de escribir, pero a la vez soy consciente de que en esta época el que un autor se involucre con la promoción de sus libros es esencial para darlos a conocer entre los lectores. Te confieso que yo preferiría utilizar ese tiempo para seguir creando, pero, insisto, es algo con lo que los autores debemos involucrarnos y que debemos comprometernos a hacer para dar a conocer nuestra obra.

¿Dónde dejó al teatro o el teatro lo abandonó?

No. De ninguna manera. Ni yo he dejado al teatro ni él me ha abandonado a mí. Me costaría sacar mi vida adelante sin estar ligado de una u otra forma al teatro. De hecho la novela que acaban de publicarme tiene un lazo muy fuerte con el teatro. Si bien la última pieza que subí a mi web está fechada en 2014, no significa que desde entonces no haya creado nuevas obras. Aunque te confieso que sí hubo un pequeño parón de un par de años. Pero en 2017 y 2018 he retornado a la escritura teatral. Ahora mismo mantengo dos piezas reposando en el cajón de “cuarentena” para, en su momento, darles una revisión exhaustiva y posteriormente colgarlas en mi web. Además, me rondan en la cabeza nuevas ideas para crear al menos otras cinco piezas más. Solo necesito organizarme y encontrar el tiempo para sentarme a escribirlas. Permíteme añadir que el parón que tuve con la escritura teatral se debió en buena medida a que, en 2015, estrenamos un espectáculo con el que fuimos invitados a un festival de teatro en Medellín, después hicimos un par de temporadas en salas de teatro alternativas de Madrid y a esto siguió una gira por varias ciudades de España. Tuvimos ocasión de presentamos en lugares emblemáticos para las artes escénicas españolas como el Teatro Real Carlos III de Aranjuez o el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria. Te estoy hablando del montaje de Babyboom en el Paraíso, pieza de Ana Istarú que he dirigido, un espectáculo que conservamos en el repertorio de la compañía y con el que seguimos presentándonos de tanto en tanto en centros culturales de la Comunidad de Madrid gracias a nuestra alianza con una productora que ha asumido su distribución. La última función que dimos fue en octubre pasado y estamos en conversaciones para una posible función en Lanzarote el próximo mes de mayo. Estela Perdomo (la actriz que interpreta a la Ariana Morelli de la obra) y yo estamos muy contentos con el trabajo que hemos conseguido porque es un espectáculo que llega muy bien al espectador que viene a verlo; se ríe y conmueve a la vez que reflexiona sobre ese maravilloso misterio que es la maternidad.

¿O sea que el teatro sigue?

Por supuesto que sí, mis piezas continúan produciéndose y estrenándose alrededor del mundo. Por estos días dos compañías trabajan en el montaje de dos de ellas: una en Chile y otra en Ecuador. Y me siento un gran afortunado por todo esto.

¿Y Venezuela?

Se todo lo que pasa en mi patria. Me preocupa.

Las dos Frida Khalo destacan en Miami

Las dos Fridas, novedoso texto teatral del venezolano José Jesús González, que es interpretado por la primera actriz Indira Leal, tiene ya casi dos meses en la cartelera en el Paseo Wynwood de Miami bajo la dirección de Miguel Augusto Rodríguez.  

En ese espectaculo Las dos Fridas se materializan los avatares existenciales de la legendaria pintora Frida Kahlo (Coyoacán, México, 6 de julio de 1907/ 13 de julio de 1954) y  es así como las dos mujeres conviven en una sola persona y se debaten en un duelo sobre el arte, la vida y los amores. Es un reflejo mágico de la vida de la artista Frida, una mujer que se sentía diferente y lo plasmaba en su arte, en su forma de vestir y en su vida

Indira Leal, destacada comedianta venezolana con nueve años en Estados Unidos, después de haber vivido en Nueva York, Boston, Portsmouth y ahora en Miami, subraya que desde hace cuatro años trabaja y mora en “la popular urbe mayamera, como la llaman los venezolanos.

¿Cómo llegó ese texto a sus manos?

Me lo hizo llegar el mismo director artístico del Paseo Wynwood, Miguel Ferro.

¿Cómo fue el proceso de montaje?

¡Hermoso!, de la mano de mi director Miguel Augusto Rodríguez, quien que recreó una galería de arte dentro de un contenedor y tiene una propuesta estupenda y fuera de lo común. La obra está escrita para dos actrices y nosotros decidimos que una de ellas se presentara en video. A partir de esta primera premisa, Miguel Augusto que es un ser super creativo, decidió que la otra estuviera en persona pero que hablara a través de sus cuadros, por lo que como actriz, debo estar dentro de las paredes de la galería y salir por los marcos de los cuadros. Tanto la escenografía como el video de la otra Frida, fueron diseñados por el mismo Miguel Augusto, y se realizaron a propósito de un tiempo y espacio determinado para que todo ajuste una vez comenzada la obra. 

 Puntualiza Indira que una es la Frida artista y la otra es la Frida mujer y ambas se enfrentan en “esta sublime gran obra de arte al servicio del texto maravilloso de José Jesús González, llevando al público a un pequeño tour de la vida y obra de esta gran artista mexicana”.

“Como actriz me tuve que enfrentar con varias cosas novedosas, cosa que para mí es el alimento del alma y performance: uno el video que está grabado en tiempo real y en el que debo caer en sincronización perfecta de diálogos, la otra es estar dentro de la pared de la galería e interactuar con el público desde allí, y como siempre en este concepto de teatro breve, pues tienes al espectador super cerca, y como es una galería, pues ellos asisten y observan de pie”. 

“En general fue un proceso tan complicado como enriquecedor. Y por supuesto, involucrarse, investigar, ver todo lo referente a esta gran artista, es una de las cosas que más llenan para poder llevarles esa versión de una Frida que ríe, que llora y canta su vida sin tapujos. La producción de la obra está a cargo de P.O.V Productions, inc., avalada por Iberoamerican Art Foundation que es una fundación para promover el arte Iberoamericano en USA. Patrocinada por DDrepro & Graphics quienes fueron los realizadores de tan especial escenografía y Kliché Nails quienes son nuestros aliados en varios de nuestros eventos”.

¿Cómo han sido las temporadas?

Muy buenas, ya esta es la tercera temporada de Paseo Wynwood, un espacio increíble, donde el público no solo puede ver teatro breve en siete contenedores, acondicionados como pequeños teatros para ver las obras cortas que han tenido mucha variedad en géneros y estilo, sino que también tiene una sala de teatro donde se disfrutan de obras más largas, conciertos, charlas, encuentros y cine. Miguel Ferro ha hecho de Paseo un verdadero "oasis de buen teatro" en estas instalaciones y cada vez va creciendo. Este sitio es un punto obligado de encuentro para los amantes del arte en esta ciudad tan exigente”.

¿Qué criticas ha recibido?

Estupendas. La gente de verdad se disfruta al máximo esta obra, se la vive, la ríe, disfruta y llora con Frida. Miguel Augusto y yo hicimos un match estupendo y mágico y eso se siente y se ve en el espectáculo y por supuesto como todo lo que se hace con amor, pues, es recibido de la misma manera. Escuchar los comentarios del público y recibir sus aplausos cada noche es un gran acto de amor en respuesta a nuestro trabajo.

¿Qué planes tienes con esa pieza y con su trabajo teatral en general?

Muchos, ya tenemos ofertas para mostrarla en otros escenarios, se irán concretando, pero una vez concluida esta temporada que será el 24 de febrero, sigue una obra que me tiene muy emocionada, se llama Contracara y es de José Gregorio Rodríguez; allí produciré y dirigiré a estos dos estupendos actores como lo son Francisco Porras (mexicano) y Luis Carreño (venezolano).

“En Paseo Wynwood, soy una de las productoras asociadas, por lo que tengo el gusto de producir una obra cada cinco semanas que es el tiempo que dura la temporada. Por otro lado, tengo otros proyectos como actriz, directora y escritora para este año. Aparte de la muestra de cine venezolano que dirijo y realizo junto a mi equipo, todos los años en esta ciudad y que tiene planes de extenderse a otros estados de USA.Mí Cinema Venezuela en este 2019 cumple cinco años.

Las claves para ganar premios de teatro

 Pablo García Gámez, dramaturgo exitoso.

Gracias al Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana 2017 por su texto Oscuro, de noche y al impactante montaje que le hizo Carlos Arroyo con la Compañía Nacional de Teatro, durante la temporada 2018, el caraqueño Pablo García Gámez es noticia permanente en Nueva York (donde reside desde hace más de 25 años), ya que destaca y lo galardonan además, y aquí en Venezuela. Esto que es muy bueno ha despertado ciertos resquemores o “verdes envidias”.

Y aquí tenemos las respuestas de García Gámez a eso y otras cosas más

¿Cuál es la clave para ganar tantos premios, es que no hay otros concursantes?

Claro que hay colegas muy buenos. No sé si será parte de la clave, pero escribo sobre temas que me apasionan: el desarraigo, el paso del tiempo; sobre la periferia y sus personajes. Durante el día me lleno de imágenes, vivencias, conversaciones sueltas, recuerdos, cuestionamientos que exploro con la palabra y el tiempo. Un factor de mi escritura es que la vida ha transcurrido desde el margen y que tengo arraigado un sentido de pertenencia a diversas minorías en diversos espacios. Se dio el hecho afortunado de caer en conciencia de ello y poder revisar ese proceso. De ahí el re/sentimiento, doble sentir de esas experiencias. A mis estudiantes les digo que traten de ver la situación desde la periferia, que escriban sobre lo que quieren ver en escena, que sus obras pregunten, interpelen al espectador. Que sean fieles a su trabajo, que no hay que estrenar mañana.

¿Cómo hace? ¿Tiene a otros, llamados “negros”, que escriben por usted?

¿Cómo hago? ¿Qué hago? Escribir. Es la única manera. Dedico aunque sea una hora al día porque quiero escribir, porque necesito escribir, porque tienen que salir esas voces, porque me gustaría verlas en escena. Hace un par de años estoy desarrollando la tesis doctoral sobre teatro y comunidades hispanas en Nueva York y no he dejado de escribir teatro. Edgar, ¡llevo 32 años escribiendo! El montón de obras sale porque estuvieron guardadas todos estos años. Guardadas no, intenté difundirlas en diversos momentos, pero el canon de la dramaturgia es un filtro; de hecho, el canon es de naturaleza cogollística. A Venezuela las mandé a grupos, productores; tuve una única respuesta sobre una obra: “es interesante”. Aquí mandé a concursos y así fueron saliendo a la luz. Agradezco a la Compañía Nacional de Teatro por Oscuro, de noche y a la Escuela Juana Sujo por presentar ¿…Y qué es Nueva York? (Cariaquito Morao). Fue un modo de aceptación de mi identidad. Por cierto, pienso que sería productivo abrir de nuevo los concursos de dramaturgia a venezolanos que no residen en el país: si una de las metas es moldear una identidad nacional, muchos fuera de las fronteras podemos y tenemos que aportar como aportamos haciendo lecturas o producciones de colegas que viven allá, cuyas obras ameritan ser leídas en otros contextos. Volviendo a las piezas, escribí Cariaquito Morao hace 27 años. De repente, se da la coyuntura y gana el ACE de dramaturgia y de actuación en monólogo. Con la pieza que ganó el LATA, Eclipse Total en G.T.s, es diferente: en 2018 fui invitado por Harlem 9 y Pregones para participar en 48Hours in The Bronx, actividad en la que durante dos días trabajas en equipo para hacer un montaje incluyendo el texto. Me tocó trabajar un bar gay en los ’80 y escribí un texto para recordar a los que se nos fueron por el SIDA y celebrar a los que están; el premio LATA fue el sábado 9 de febrero y no pude ir por la tesis… y porque estoy con el borrador de algo que creo será una obra.

¿Cuántos premios hasta ahora y en cuántos concursos más piensa participar?

Unos 14 o 15 premios. Participaré en los que salgan. No tengo el apoyo de una infraestructura, hace rato que no soy joven. Tengo un montón de obras que no han visto luz y que, modestia aparte, me parecen buenas.

¿Qué hará en esta primavera?

Lo prioritario: defender la tesis para volver a la vida de civil. Por ahí, en abril participaré en una conferencia de posgrado en Chicago hablando sobre un performance que relaciona a la mujer con la condición de seropositivo.

¿Se puede hacer millonario con tantos galardones o sigue en las mismas actividades docentes?

Moriré docente porque si espero por los millones…  La función del premio es el reconocimiento de una comunidad a un trabajo que a su criterio, destaca por determinados factores.  Y eso se agradece.

Eduardo Porretti es embajador de Argentina en Venezuela

El escritor y diplomático, Eduardo Porretti, fue designado Embajador de la República Argentina en la República Bolivariana de Venezuela, nombramiento que se conoció a través del decreto 122/2019, publicado este martes 12 de febrero en el Boletín Oficial de la República Argentina, con la firma del presidente Mauricio Macri y del canciller Jorge Marcelo Faurie.

Eduardo Porretti viene de desempeñarse, desde finales del año 2015, como Encargado de Negocios de la delegación diplomática argentina en Venezuela; estudió Ciencia Política en la Universidad Nacional de Rosario; Ciencias Sociales en FLACSO. Master en Global Affairs, New School for Social Research. Desde 1993, se desempeña como miembro del Servicio Exterior de la Nación Argentina. Por sus labores diplomáticas, estuvo en las delegaciones de Argentina en Colombia y Cuba. Antes de llegar a Venezuela, trabajó en la Misión Permanente de la República Argentina ante las Naciones Unidas.

PORRETTI NARRADOR

Eduardo Porretti, (Entre Ríos, Argentina, 1963), es un narrador que se desenvuelve con acierto entre la escritura de ficción y el ensayo, con creaciones como  Naturaleza Humana , compuesto por 31 relatos escritos en La Habana, durante su desempeño en el cargo de Consejero Cultural de la Embajada de su país en Cuba, (Ediciones del Dragón, Argentina, 2003).  La Nación Elegida , un ensayo sobre el rol de la religión en la política exterior de los Estados Unidos de América, publicado en 2010, por la Editorial UNL, del Centro de Publicaciones de la Universidad Nacional del Litoral, Santa Fe, Argentina.

En agosto de 2017, presentó en Caracas,  Geografía Anímica , libro de relatos escritos en Venezuela, publicado por la Editorial El Estilete, en un acto realizado en la Librería Lugar Común, ubicada en Las Mercedes, al este de la capital venezolana.

Porretti, creó, en 2009, el sitio web La astucia de la razón, título de la obra, publicada en 1990, del filósofo, periodista, guionista cinematográfico, y prolífico escritor, José Pablo Feinmann, quien tiene en su haber doce novelas publicadas, una docena de ensayos, guiones de cine y obras de teatro; aparte de ser considerado, (valga la reiteración), como uno de los filósofos más influyentes de la sociedad argentina de estos tiempos.

En 2013, a Porretti, la Editorial Fundación Arnoldo Ross le publicó su libro  La astucia de la pasión , (juego de palabras sobre el apotegma hegeliano de la astucia de la razón); introducción a la obra de José Pablo Feinmann, un ensayo literario y compilación, presentado el jueves 25 de julio de dicho año, en el Centro Cultural Ross, de la ciudad de Rosario, Provincia de Santa Fe.

A José Pablo Feinmann, la acuciosa indagación de su obra, por parte de Porretti, lo motivó a decir: “Sólo es necesario un momento, un tajo en lo real, [...] Que no significa nada pero lo significa todo [...] decirlo todo sin desbocarse, abrirnos la totalidad de lo real por medio de una hendija. Son pocos los que lo consiguen. En este libro, para júbilo de sus lectores, impecablemente, con un talento fresco, sin alharacas ni exuberancias, lo consigue Eduardo Porretti.” (Tomado de LT10, emisora de radio de la Universidad Nacional del Litoral, Santa Fe, Argentina, 25 de julio de 2013).

"Oscuro,de noche" llega a Unearte

Oscuro, de noche, espectáculo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) hará temporada en la sala Anna Julia Rojas, de Unearte (Universidad Nacional Experimental de las Artes), del 15 al 24 de marzo, en funciones de viernes a domingo, a las 4 PM.

Este montaje de la CNT, estrenado durante su temporada 2018 en la sala Alberto de Paz y Mateos, es una versión escénica lograda por el director Carlos Arroyo a partir del texto original de Pablo García Gámez, ganador del Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana 2017.

Oscuro, de noche tiene una sinopsis que los lectores, eventuales espectadores del espectáculo deben conocer: Kenny Javier Barrios, de 25 años es víctima de la violencia urbana: pierde la vida y la roban su motocicleta recién comprada. Sus padres se enteran de la noticia y además comienzan a luchar contra las imágenes negativas de Kenny.  Ellos hacen lo posible por cumplir con los rituales funerarios, pero encuentran una serie de obstáculos: la abuela Mercedes está seriamente enferma, los medios mencionan que hacía actividades ilegales, el proceso en la morgue dura más de lo debido, las funerarias se niegan a velar su cuerpo.  Tratan de resolver cada problema en la marcha buscando encontrar una paz que no llega.  Mientras tanto, tres testigos narran sus versiones que se niegan a compartir con las autoridades. Deja una novia enamorada, Lucía,madre soltera de un niño.

En este montaje de Oscuro, de noche, texto merecedor del tercer Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana, el director  Carlos Arroyo juega con elementos de las estéticas  expresionista, realista y circense, hasta lograr crear un conmovedor e impactante espectáculo, el cual   poetiza el miedo que se ha apoderado de una ciudad, para no más de 90 minutos de exhibición escénica.

 Ahí participan los comediantes Francis Rueda, Adriana Bustamante, Ludwing Pineda, Gustavo Rengel, Ariana León, Marxlenin Cipriani, Randymar Guevara, Gustavo Meléndez, Trino Rojas, Kala Fuenmayor, Angélica Rinaldi, Yordano Marquina, María Tellis, María Brito, Dora Farias, Jean Manuel Perez, Arturo Santoyo, Vito Lonardo y Jorge Canelón, integrantes del elenco estable de la CNT. La música es un creativo ensamble además de un especial trabajo de musicalización por parte de Julia Carolina Ojeda y los percusionistas Miguel Mireles y Jorge Canelón hijo y el vestuario es de la CNT.

La Compañía Nacional de Teatro, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, fue fundada en el año 1984, bajo la égida del dramaturgo Isaac Chocrón, y actualmente la comanda Carlos Arroyo.

Cariaquito morao gana premios ACE en Nueva York

El dramaturgo y el actor premiados

Prosigue el talento criollo ocupando lugares destacados allende las fronteras y es por eso que los venezolanos, el dramaturgo Pablo García Gámez, y el actor, César Augusto Cova Burguera, fueron galardonados con el Premio ACE 2019, edición 51, de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York, en los renglones Dramaturgia Sobresaliente, y Mejor Actor Unipersonal Sobresaliente, por la obra  Cariaquito Morao , respectivamente.

   La edición 2019 de dichos premios, tendrá lugar el domingo 7 de abril, en la sede del Comisionado Dominicano de Cultura, en la sala teatral Rafael Villalona, ubicada en el 541 West de la calle 145, segundo piso, casi esquina a Broadway, a las 6 pm.

  Los Premios ACE de Teatro creados  en 1968,  comenzaron a otorgarse en 1969, en el escenario del Madison Square Garden, siendo los primeros galardonados Miriam Colón, por su actuación en La Farsa del Amor Compradito, del Teatro Rodante Puertorriqueño, y Oscar García, quien recibió un reconocimiento institucional por su labor al frente de la agrupación ADAL, ya desaparecida. Desde  su  fundación en 1968,  ACE ha realizado sus entregas anuales, sin interrupción.

Aquiles Nazoa en la plaza Bolívar de Caracas

El teatro comunitario es un alternativa para los caraqueños.

El espectáculo Las Muñoz Marín van de compras, de Aquiles Nazoa, puesto en escena por Reinaldo Rivas, se presenta este sábado 09 de febrero, a las 3 de la tarde, en la plaza Bolívar de Caracas.

Las Muñoz Marín van de compras es una producción del Taller Comunitario “Las Esquinas de Caracas” realizada por el Núcleo de la parroquia San Juan, ubicado en las instalaciones de la CANTV, Artigas. En este montaje se retrata la actitud del “nuevorriquismo” tan arraigada en la cultura nacional como lo escribió el humorista Nazoa.

Bajo el eslogan “Lo cotidiano se hace arte”, el taller comunitario “Las Esquinas de Caracas”, es un espacio para el encuentro, donde se investigan y exploran las historias, costumbres y tradiciones de las parroquias caraqueñas.

José Luis León, director de este importante proyecto, expresó que: el Taller Comunitario “Las Esquinas de Caracas”, nace como resultado de un abordaje comunitario que desde hace tres años la agrupación Actividades Alternas, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro, el cual se viene desarrollando en varias parroquias caraqueñas.  Cuenta con núcleos en Altagracia, El Recreo, San Agustín y San Juan”.

Asimismo, León resaltó que lo más admirable de este proyecto es la retroalimentación gracias a la convivencia que se ha creado entre los artistas y las comunidades.

Sobre Nazoa

El poeta, humorista, periodista y ensayista venezolano Aquiles Nazoa (Caracas el 17 de mayo de 1920/26 de Abril 1976). Originario de la populosa zona “El Guarataro” de Caracas, realizó sus primeros estudios en la Parroquia San Juan, y luego continuó de forma autodidacta, porque a los 12 años decide trabajar para colaborar con el sustento de su familia. Los hábitos del gentilicio caraqueño marcaron su temperamento y le dieron la agudeza y el humor con el que impregnará  toda su obra.

Hacia  1948 Aquiles Nazoa recibió el Premio Nacional de Periodismo en la especialidad de Escritores, Humoristas y Costumbristas. Entre 1956 y 1958 vivió en el exilio por oponerse al régimen del general Marcos Pérez Jiménez. En 1961 alzó su voz solidaria a favor de la Revolución Cubana, dando conferencias y recitales de protesta. En 1967 recibió el Premio Municipal de Literatura del Distrito Federal, y dedicó todos sus esfuerzos intelectuales  a la producción del programa Las cosas más sencillas, para la televisión nacional; experiencia que le reafirmó como el poeta del pueblo y sus creaciones, bellamente resumido en su Credo. .

Última promoción de Levy Rossell Daal

Levy Rossell Daal, artista venezolano.

El   próximo sábado, 9 de febrero, a las diez de la mañana, en acto privado y por estricta invitación, en la Sala Doris Wells de la Casa del Artista, en honor a Levy Rossell Daal, se hará la entrega de los certificados a los alumnos del último Curso de Actuación que iniciara tan distinguido y apreciado gerente cultural y promotor e inspirador de juventudes.

Son 69 los participantes o graduandos y gracias a la alianza institucional entre la familia de Levy, el grupo Fontaines y la Fundación Ecológica Libre Arte, Cultura y Ambiente, fue posible llevar esta misión a buen puerto, respetando la disciplina metodológica y pedagógica rosselliana para perdurar en el tiempo, con la coordinación general y producción de Luisa García.

Imposible, pues, dejar de recordar que conocí a Levy en el foyer o vestíbulo del Teatro Municipal de Cali, Colombia, durante el año 1968, cuando presentaba su espectáculo Amoroso. La amistad se hizo humana y profesional al año siguiente, aquí en Caracas, y concluyó aquel 24 de abril, al despedirse porque visitaba de urgencia a la Clínica de la Cruz Roja, donde murió, el 25 de abril de 2018, antes del mediodía, por problemas cardiorrespiratorios.

ESPERANZA BLANCA

 Durante los años 60 y 70 del siglo XX era “la gran esperanza blanca” del teatro venezolano. Había llegado de Nueva York y tras exhibir su espectáculo musicoteatral Vimazoluleka, en el Aula Magna y el Ateneo de Caracas, se le abrieron todos los caminos para convertirse en el gran director o en el gran pontífice de la escena criolla. Pero no fue así.

Aquel joven Levy no era fácil de manipular o de comprar, tenía ideas propias y además era cultor de lo criollo, tampoco era de roscas ni cofradías. Tenía, y mantuvo siempre, conceptos personales que no negociaba, algo raro en esa compra y venta en que se convirtió no sólo la cultura venezolana.
Más de 20 piezas escritas y montadas, cuatro mil actores y actrices a quienes ha capacitado y centenares de representaciones teatrales desde 1961, dentro y fuera de Venezuela, son parte de la cédula artística que en esta incierta centuria XXI, ostentaba con orgullo el teatrero Levy Rossell Daal, nacido en Coro, el 23 de abril de 1945.

Debutó con su Vimazoluleka - híbrido de teatro y música, escrito a los 16 años- en el viejo Ateneo, a mediados de 1966. Y desde entonces no dejó de trabajar profesionalmente con lo que aprendió de maestros como César Rengifo, Nicolás Curiel, Alberto Castillo Arráez, Eduardo Fernández Salomón y Joe Chaiquin.
Levy no se quejaba, pero cuando podía exclamaba: "He pasado unos años difíciles, porque se hacen festivales y nunca me invitan, hay proyectos enormes y con buenos prepuestos y nunca me llaman. Lo que he podido hacer ha sido con el apoyo de la gente que siempre ha creído en mí y en mis iniciativas. Pero no ha sido fácil, desde que fui presidente de Fundarte hasta estos momentos. Arte de Venezuela, mi institución cultural, todavía existe, pero no tiene subsidio ni ningún tipo de apoyo oficial, aunque eso viene desde hace mucho tiempo. Yo ni siquiera había podido recibir la pensión del IVSS, hasta que alguien, me ayudó.Mil gracias”.

Él admitía que su camino artístico había sido largo y con trampas que incluso lo arrinconaron y hasta lo maltrataron. Aguantó con dignidad y no le debía nada a nadie y estaba en así en paz con su conciencia. Él era una gran carta para el desarrollo del teatro criollo, si le hubiesen dado los apoyos necesarios, porque ganas de trabajar tenía, pero sin trigo o sin maíz no se pueden hacer ni panes ni arepas. Eso, por supuesto, no fue solo con él. Las envidias son humanas y hay gente que no perdona al talento ajeno.

Al parecer, las semillas que como autor, actor, director y docente sembrado en todos los confines de Venezuela durante las últimas cuatro décadas comenzaban a dar frutos o al menos reconocimientos que aunque no llenan el estómago si alimentan, y bastante, al espíritu.

PROMOCION FINAL

 El instructor de actuación Alexander Fontaines, egresado del Pedagógico de Caracas, con experiencia en docencia y la profesora Maribel González, de gran trayectoria en cine, radio, televisión y teatro, llevaron hasta el final el trabajo que dejó empezado Levy. El padrino de la promoción por escogencia de los alumnos es el primer actor Pedro Durán.

Es de hacer notar que el Curso de Actuación se realizó gratuitamente, sin cobro de inscripción y/o matrícula, y en seis meses, tal como fuera concebido por el profesor Levy Rossell Daal. 

He aquí el listado de participantes que recibirán sus certificados de ese taller de formación final que comenzó Levy:

Adrián  Soto,   Aleskath Ponte, Alfonzo Ramírez, Angelena Castillas, Anny Paola Vargas, Aracelys Sanvicente, Avril  García,  Carmen M. Torres Fontalvo, Daylyz García M., Dinaida Isabel Barrios,     Edgar Daniel Guerrero, Elba Molina, Emyly Sosa Taborda,        Esteban Alfredo Portales Zapata,    Esther  Sánchez,    Fabio  Anteri,  Francisca  Mendoza Díaz, Genara  Fariñe ,Gisela M. Torres Millán, Gladys Álvarez  Lizarazo, Isabel Teresa Garcia Sojo, Isneidy  Rojas, Ivonne Omaira Mijares, Jorge  Lulo García, José  Alberto Mayorca, José  Javier Monzón Mena, José  Miguel Bastidas Osorio, José Polanco Arcila, Juan  Rivas Rodríguez,    Julio César Mendoza, Karla  Aixa  Girón Peraza , Karla  Reyes  Alfonzo, Lerris  José  Vivas  Alcalá, Lidicis  M.  García de Ventura, Lilia  Soto Terán, Luis  Armando  Borges Hernández, Marco Antonio Laverde Villamil, María  Nilsa  Rojas  Guerrero, María Angelina  Castro Velasco, María Yelitza Becerra Viera,      Marlyn Karelis Pacheco Fermín,    Mayte Araujo, Nancy Teresa Pérez Martínez,      Omaira Castillo Ferrer,   Petra  Blanco, Rebeca Perdomo Rodriguez, Renato Alexander Ovando,  Rosalinda Francia Maita F., Sanmari Amalia Montilla Arabia,      Skarlet Maigua Campero,        Wylliannys  Caldera, Yilmar Noreana Barrera Cardona,       Eddy Gastón,   Cruz Gilberto Meneses Herrera,    Migledys  Terán, Yaiset  Blanco,Giomara  Linarez, Carmen Naranjo, Oriana Hernández, Yesenia Nilsa Rojas, Angelo Rella       Gressia Liendo  Soto, Judith Figueroa, Libertad Saldaña  de Bazán, Luis Carlos Vargas Rivas, Néstor  A. Velastegui Z., Irina Sophia Rodriguez Veliz y Hilmer Ramírez.