¡Viva Chelo Rodríguez!

Alexander Hernández Pocaterra nació en Valle de la Pascua, en 1979, y creció en una familia donde era el único hombre. Madre, tías y abuelas le revelaron bondades y aristas de la vida femenina. Así conoce y admirar a las mujeres y es por eso, y otras facetas íntimas, que debutó como dramaturgo con su unipersonal ¡Qué viva la menopausia! Ahí consigue demostrar, una vez más, que el teatro sí puede ser un delicioso y fino instrumento educativo, y además tener fines terapéuticos.

Actualmente hace temporada, en la Sala de Conciertos del Ateneo de Caracas, gracias al talento, el tesón y al trabajo de un equipo que ha coordinado con el director Rufino Dorta, donde destaca la actriz Chelo Rodríguez, elegante dama que a sus 66 años despliega gran experiencia vital y artística para impactar con la fuerza y la verdad de lo que hace y dice.
Ahí rompe lanzas por todas las hembras y en especial “cuando solitarias y en medio de una feroz fanfarria machista, hacen frente a una etapa crítica de sus cuerpos, cuando sus ovarios dejan de ovular, segregan menos estrógenos y progesteronas, y las menstruaciones son menos frecuentes, hasta que finalmente todo cesa. Ha llegado la menopausia y el segundo acto de sus existencias recién comienza”, puntualiza el novel escritor.
¡Que viva la menopausia! no abusa de la información médica sobre la pre-menopausia, la menopausia como tal, ni la temida post-menopausia. El autor hace elipsis literarias, recurre a metáforas escénicas (materializa y encarna a un exótico y raro clítoris, que hasta se declara gay) y plasma un entretenido y rumboso espectáculo donde Vilma del Pilar Aranguren (Chelo Rodríguez), vive sin complejos su panorama emocional, disfruta de su cuerpo e imaginación, al tiempo que imparte las mínimas instrucciones para vivir la inevitable transición donde hay desde disminución del impulso sexual, sofocos y enrojecimientos cutáneos, insomnio, irregularidades menstruales, alteraciones de la conducta, sudores nocturnos, infecciones, resequedades, relaciones íntimas dolorosas y hasta inexplicables infecciones vaginales.
Toda esa información precisa y básica, que los espectadores masculinos deben conocer e interiorizar para comprender a sus parejas cuando ellas vivan ese inevitable turno biológico, se “digiere” por el humor y el buen gusto del montaje minimalista, donde, además, los bailarines Juan Carlos Rodríguez y José Pablo Álvarez, conducidos por la coreógrafa Yurany Castro, insuflan alegría y vistosidad a las complejidades conceptuales y clínicas del texto y las situaciones que tal etapa provoca entre las hembras de la especie humana.

Hay que subrayar la valentía del autor al teatralizar esa existencial transición de la mujer, la cual insurge entre los 45 y 55 años y cuando se completa ya no puede volver a quedar embarazada. Alexander Hernández Pocaterra debe matizar más las acciones físicas que propone, para disminuir el didactismo, aunque el tema y el argumento no son nada fáciles de teatralizar.

Así, poquito a poquito, avanza el carromato teatral criollo.Gracias a gente como la que asumió este montaje que además rompe tabùes o esos falsos mitos de los que nadie quiere hablar en público.

Vida y amor para Theja

Las rocambolescas aventuras del patriota latinoamericano Joaquín Murrieta en los territorios californianos a mediados del siglo XIX, tal como las poetizara Pablo Neruda, lo metieron definitivamente en las actividades de un teatro comprometido, gracias al espectáculo que exhibió y con el cual hizo singulares temporadas en el viejo Ateneo de Caracas. Esa es parte de la saga de José Simon Escalona Acosta (Ciudad Bolívar, 14 de mayo de 1954), líder del grupo Theja, al cual ha conducido hasta convertirlo, con trabajo y estudio, además de la madurez de los años, en polo para desarrollo y modelo de creación de las artes escénicas. Una institución con ejemplar récord de no menos de 100 espectáculos para la cultura venezolana.
Pero “Chao”, cognomento de José Simón, debuta en Caracas a los 14 años como actor con la dramatización del poema Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejía, de Federico García Lorca, bajo la conducción de Edgar Mejías. Eso le gustó tanto que no se ha detenido desde entonces, teniendo como lema que “la vida y obra del sacrificado poeta granadino es nuestra guía e inspiración. Sin pasión por la vida o el arte no somos nada”. Y prueba de ello son sus 40 años artísticos
Nos ha correspondido reseñar todas las manifestaciones teatrales –desde actor hasta dramaturgo, pasando por director y diseñador, además de su concreta gerencia y exigente docencia- de “Chao”. Podemos afirmar que nada de su estética nos extraña, porque es de los criollos que tiene conceptos y maneras para materializar su original visión de las artes escénicas. Uno de los pocos artistas que se mantiene fiel a si mismo y que, como ave fénix, renace de policromas cenizas o de errores, que por supuesto ha cometido, porque la perfección es atributo de dioses y él es sólo artista. ¡Con dos como Chao…habríamos ganado todos para el desarrollo de la escena vernácula, lo comentaba Carlos Giménez en sus tardes de hastío!
Toda esta introducción es para recordar que durante el 2009, cuando su Theja festeja sus 35 años, los caraqueños veremos -en escenarios de varias salas- su más reciente trilogía dramática, integrada por De todas todas, “un verdadero estreno”, junto a De todo corazón y De todos modos.
Además, Theja debe desocupar su actual sede, el Teatro Alberto de Paz y Mateos, en Los Caobos, hacia el 16 de septiembre de 2009, fecha cuando la entregará al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, después de 20 años de vida útil para la comunidad y otros sectores artísticos. “No podemos administrarlo sin el apoyo oficial. No tenemos los recursos financieros para hacerlo y el tipo de teatro experimental y de investigación que mayoritariamente desarrollamos, no es rentable, no es comercial, por muchas razones que ya he explicado públicamente. Nuestras actividades artísticas, didácticas y de orientación social requieren del respaldo del Estado. Y al no tenerlo, pues debemos seguir nuestro camino, en otras salas o espacios”, ha reiterado Escalona.
Con el proyecto de exhibirla, “ a todo trapo”, a partir del 16 de enero de 2009, en el Teatro Trasnocho, Escalona ha “desempolvado” su pieza De todo corazón, protagonizada por Alfonso Medina y Nacarid Escalona, con quienes viajó para “probarla” ante el exigente público del Festival Internacional de Oriente. En Barcelona, el público, en dos funciones, los premió con centenares de aplausos, lo cual reitera que su texto, escrito en 1985 y estrenado diez años después, con Julie Restifo y Javier Vidal, está muy vivo y con tanta actualidad, porque el amor con obstáculos será siempre la materia pendiente de los venezolanos. “Sin un amor la vida no se llama vida”, como cantan Los Panchos, o refritaron los rockeros hijos del Nirvana.
De todo corazón es una deliciosa metáfora sobre las luchas que hay asumir cuando dos seres humanos –el y ella- insisten en ser felices, en volver a vivir juntos y en amarse sin preocuparse de los amaneceres, del futuro día, y vivir siempre en presente.
Vimos un emotivo ensayo general y fue un evocativo y grato viaje al pasado, porque, casi siempre, los amores idos recompensan con sabores, olores y sudores, y reiteran que hay que amar hasta el último minuto de cada día, porque nadie ha garantizado que hay más allá, o si existe otro mañana.
Sigue la historia

El estreno de Fulgor y muerte de Joaquín Murrieta fue en mayo de 1974, pero antes Theja, que emergió del Liceo José Ávalos (Coche-El Valle), había debutado en octubre de 1973, con su primera función en el Liceo Miguel Antonio Caro (Catia). Ahí participaron, además de unos 42 liceístas, Maigualida y Angélica Escalona, Juan Carlos Gardié, Pilar Romero, Marianella Yánez, Carlos Rojas y Enoc Cortez, entre otros. Luego fue al Ateneo para un Primer Festival Liceísta que organizó Edgar Mejías, del Ministerio de Educación, con el apoyo del profesor J.A. Porte Acero, y siguió en temporada apoyado por María Teresa Castillo. Carlos Giménez lo invitó al Segundo Festival Internacional de Caracas y así se mantuvo como representación oficial durante el resto de todas sus emisiones, hasta hace dos años. Está en la historia teatral venezolana y nadie lo saca de ella.

Salvador Allende vive en teatro venezolano

A 35 años y varias semanas del bombardeo al Palacio La Moneda y la trágica muerte de su inquilino constitucional, los venezolanos veremos el montaje en español del unipersonal Allende,The Death of a President, del periodista argentino Rodolfo Quebleen. Producido por Mimí Lazo y bajo la dirección de Luis Fernández se presentará en el Teatro Teresa Carreño el próximo 29 de octubre y después tendrá cuatro funciones seguidas en la Sala 1 del Celarg, auspiciadas por la gobernación del estado Miranda, con la protagonización del primer actor Roberto Moll (Lima, 19 de julio de 1948). Será en enero del 2009 cuando el espectáculo recibirá más presentaciones.
Este unipersonal, en inglés, se estrenó en Theater for the New City, ubicado en la Primera Avenida y la calle 10, en el Lower East Side de Nueva York, el 30 de marzo de 2006, actuado y dirigido por los colombianos Ramiro Sandoval y Germán Jaramillo, respectivamente. Pudimos verlo en Manhattan y después aquí en Caracas, el 7 de septiembre de ese año dentro del Festival de Monólogos, que organizó el Ministerio de la Cultura en la sala Juan Bautista Plaza, con letreros en español. Su exhibición en Venezuela es un estreno en la lengua de Pablo Neruda, otra victima de esa hecatombe que intentó hundir a la nación suramericana.
Este Allende, La muerte de un presidente desarrolla en escasos 65 minutos las últimas horas de la vida de Salvador Allende, pero el tiempo cronológico de lo acaecido ese martes 11 de septiembre de 1973, en el palacio presidencial está roto, pues Quebleen consideró necesario incluir situaciones acontecidas en distintas horas de la mañana de ese día. Su muerte se produjo alrededor de la 2:30 PM. Había llegado a La Moneda a la 7:30 AM. También se incluyen comentarios del mandatario expresados en otras horas durante esa fecha.
Quebleen (Rosario,1938) hizo una pieza de estremecedora poesía, donde utiliza las técnicas del monólogo para mostrar su versión de lo que pasó por la aguerrida ánima de Salvador Allende, durante aquel trágico 11 de septiembre, refugiado en su despacho. No hay anacronismos ni invenciones, lo que sí abundan son las reflexiones trágicas de un latinoamericano que asume su sacrificio como la cuota que tiene que pagar un pueblo sediento de redención. Un personaje de dimensiones gigantes como los héroes del teatro griego. Un hombre que asumió su compromiso ante la historia y pereció en su sitio. ¡Un valiente, cosa rara en estos tiempos de tantas cobardías maquilladas y traiciones disfrazadas!“

El pueblo no quiere violencia. No necesita la violencia. Soñamos con una sociedad distinta y queremos luchar por ella, sin ser imitadores. La revolución chilena la haremos con gusto a vino tinto y sabor de empanada de horno”. Así se despidió su presidente. Con esas palabras, trasmitidas por Radio Magallanes, él estaba certero que su sacrificio no sería en vano y alertaba a su gente porque un fracaso podía ser transformado en una extraña victoria.

¡Ahora es personaje teatral y vivirá eternamente!

Kurt Cobain es un gran pretexto teatral

Karin Valecillos es una caraqueña de escasos 30 años que ya tiene un creciente prestigio como dramaturga. Participa en el colectivo Tumbarrancho Teatro, fundado en 2006, el cual le ha escenificado desde 1997 su pieza Lo que Kurt Cobain se llevó, la cual hace temporada actualmente en la Sala Experimental del Celarg, con las actuaciones de Giovanny García, Nathalia Paolini y Jesús Carreño, quien además funge como director, y la sonora participación del trío “Abogados de Murphy” (Rey Secuiu, guitarra; Orlando Silva, batería; y José “Masa” Vidal”, bajo).
AUDAZ CREACIÒN
Lo que Kurt Cobain se llevó no es la pieza de una socióloga de avanzada, ni tampoco el jeroglífico escénico de una psicóloga revisionista. Es, eso sí, la audaz creación de una licenciada en Letras (UCAB) que se hizo teatrera tras los talleres realizados con Frank Spano, Héctor Manrique, Gladys Prince y Elio Palencia, y actualmente se gana la vida, porque necesita comprar el pan y otras viandas, como libretista para las televisoras, donde ha recibido el invalorable apoyo de Carolina Espada, su madrina de bautizo.
Se trata de una novedosa historia teatral, que no dura más allá de 70 minutos, donde se le propone al público, por intermedio de tres venezolanos treintones, una interrogante sobre si Kurt Cobain, el cantante líder de la banda de rock Nirvana, se suicidó o fue asesinado, el 5 de abril de 1994, a los 27 años. Una duda que todavía está en las mentes de muchos de sus seguidores, quienes no han encontrado respuesta satisfactoria alguna.
La anécdota gira alrededor de Ricardo ( Giovanny García) y Ariadna (Nathalia Paolini), quienes son pareja desde la adolescencia, cuando un 5 de abril se reúnen para recordar a su ídolo Kurt Cobain, un encuentro que los enfrentará a las dudas de saber si el tiempo también se llevó el amor que se tenían. A la reunión llega Cheo (Jesús Carreño), el único amigo de ambos, y quien los acompañará esa noche para ser testigo del conflicto de la pareja, lo que es además el reflejo de su soledad. Los tres se confrontarán con los sueños no realizados y el significado de la palabra “libertad” que les inspiró el propio Kurt Cobain. Todo eso transcurre dentro de una atmósfera amenizada por la banda “Los Abogados de Murphy”, quienes interpretan en vivo los temas del artista. ¡Fascinante ceremonia de exorcismo con rock y licor como aderezos!
CUESTIONAMIENTOS
La metáfora que plantea la autora es una reflexión sobre el destino de una generación destinada a ser contestataria y que luego se adormeció. Es un cuestionamiento sobre la juventud, los sueños y la desilusión de todos aquellos que alguna vez quisieron cambiar el mundo y fue el mundo el que los transformó o los absorbió con “terapias consumistas”. Toda una generación que encontró en las letras de Nirvana, y en sus ritmos, una representación de sus angustias, dudas y reclamos, ante una sociedad que sólo se conformaba con entretenerlos en lugar de comprenderlos, pero que después los involucró en sus procesos al no poder materializar sus ideales. Algunos terminaron como carne de cañón en los conflictos del Medio Oriente o el tráfago del mercado bursátil. O es el caso de los venezolanos de la clase media que se marcharon a Miami o están frustrados por no haber logrado lo soñado y ahora medran en diversas profesiones.
Karin Vallecillos ha utilizado la saga de Corbain, pero muy bien podría haberlo hecho con los Beatles y lo que ellos afectaron, por así calificarlo, a la generación de los 60, que ya se sabe a que llegó o donde está. Ella, que tenia 16 años cuando hizo mutis Kurt Cobain, no se propone disquisiciones sobre “la cultura del imperio inoculada en las comunidades juveniles de los países de la periferia de la influencia del dólar”. Nada de eso. Partió de la necesidad de contar algo, de abordar aquellas cosas que la conmueven generacionalmente, lo que transcurre en las naciones latinoamericanas, pero en especial lo que acontece en su Venezuela. Le gusta crear historias que conmuevan y que hayan pasado o estén transcurriendo. Descarta escribir sobre situaciones abstractas o absurdas. Por ahora sus técnicas son clásicas, porque crear personajes es su mayor satisfacción, por ahora.
EL ESPECTÁCULO
Para el director Jesus Carreño su montaje descansa todo su peso en la acción escénica que se desprende del preciso ritmo del trabajo actoral, así como en sus cuerpos y, como es obvio, en las violentas y trasgresoras palabra que aporta el texto. Busca impactar al público no sólo con la virulencia de sus palabras sino tambien por la utilización de esa música rockera que estremece con su acompañamiento a la mayoría de las escenas. ¡Y lo consigue!
Las actuaciones hiperrealistas llegan incluso a molestar a la audiencia, por la veracidad de la escena, los atrapa y los lleva a que hagan su catarsis y decidan por sí mismos si es correcto o no el rumbo que ha tomado cada uno de los tres personajes con sus vidas.
La gente de Tumbarrancho Teatro se propone ofrecer este espacio de conexión lúdica con los jóvenes, quienes están ávidos de voces que hablen en su idioma y entiendan sus contradicciones. Es por eso, que la cita para todos aquellos seguidores de Nirvana y de las canciones de Kurt será viernes y sábados a las 8:00 p.m. y domingos a las 6:00 p.m., en la Sala Experimental Sótano 3 de la Casa de Rómulo Gallegos.
No hay que olvidar que con el éxito de su banda rockera, Cobain se convirtió en una celebridad en el ámbito mundial, una posición incómoda para alguien que dijo “Famoso es la última cosa que quise ser”. ¡El teatro criollo, pues, está cambiando... y es para su bien!

La guerra es de todos

¿Para dónde vamos? ¿Qué nos depara el futuro? ¿Cómo puede la cultura salvarnos? Son tres de otras variopintas preguntas que se hará el espectador tras ver al preciso espectáculo La guerrita de Rosendo y sumergirse en la metáfora sociopolítica que propone su autor Gilberto Pinto (Caracas, 1929). Una mensaje que se materializa en el Teatro Luisela Díaz gracias al director Carmelo Castro y al cuarteto de criollos (todos menores de 30 años) quienes asumen sus difíciles personajes ambientados en el último tercio del siglo XIX venezolano, ese que siguió a la Guerra Federal y preparó la llegada de los andinos al poder por más de 40 años.
Pinto en La guerrita de Rosendo presenta a un mulato que gracias a su astucia exhibe el grado de oficial de las tropas liberales (los amarillos), pero que es sometido a juicio por sus compañeros de armas, tras sus desmanes con la población, abuso de poder, corrupción y, por si fuera poco, violó a una mujer humilde. Todo parece culminar con el fusilamiento del militarzote, pero no es así. Ahí queda abierta la situación siempre crítica del ciudadano de pie frente al que tiene las armas y que con ellas apuntala, con razones o sin ellas, al poder gubernamental.
El montaje, el cual no supera los 65 minutos, bien logrado por Castro, es una tragicomedia donde todo está avisado. Rosendo Calcurían (Luis Serrano) vive sus últimos arrebatos hormonales con Ermelinda Hinojosa (Maryeliz Montilla), sin preocuparse que podrá ser apresado y rematado. Lo suyo es saciarse, porque no sabe si tendrá otro amanecer ante sus pupilas. Es de los que disfruta su momento, más nada. No existe, simplemente vive. A él y a todos los de su caleña no le importa para nada los demás. Y por eso se condena, porque sus asuntos personales están por encima de ideologías e intereses de las comunidades a las cuales pertenecen.
La metáfora artística que propone Pinto es obvia. Una advertencia para los que convivimos en esta sociedad, donde la tentación siempre está presente, pero es el ciudadano quien toma las decisiones. “El hombre es, lo que él se hace”, parafraseando a Jean Paul Sartre.
El mismo Pinto ha dicho que estamos a un paso del salvajismo total. Visto de esa manera, el único camino para salvarnos es la urgente refundación de los valores del país, promover una profunda educación basada en la libertad y volcarnos hacia la cultura. Mientras tanto, seremos hombres incompletos, como define Paulo Freire al ser humano sin educación.
El director Castro (sobrino nieto del general Cipriano Castro) afirma que el artista siempre arriesga, todos los días camina como el funámbulo sobre la cuerda floja sin redes de protección. Y en el caso de Pinto, este escribió La guerrita de Rosendo hace más 30 años, cuando la renta petrolera daba para todo los excesos, como ahora, y eso es lo que convierte a esta obra en un clásico porque no pierde vigencia. “Su mensaje está claro: todo movimiento político, por muy preñado de buenas intenciones que esté, estará condenado al fracaso si abriga la semilla de la corrupción y no lo combate con verdadero deseo de justicia. Sobran los ejemplos a través de la historia de la humanidad”.
Todo lo que se conoce de la dramaturgia de Pinto se enfoca de manera descarnada hacia lo social y político, eso quiere decir que toda su obra está muy comprometida. Y La guerrita de Rosendo, por la temática y los personajes, pareciera tocarnos muy de cerca en este momento. Pero no hay que olvidar que Venezuela desde 1811 ha tenido 25 constituciones o cartas magna y un Estatus Provisional, caso único en América. Eso habla de nuestra inmadurez política y de nuestra mezquindad a la hora de ponernos de acuerdo desde lo elemental hasta lo más trascendente.
Castro, que no es un director egoísta o ese que nada más le interesa solazarse llevando a escena con lo que se encapricha, a la hora de escoger la obra también piensa en el lucimiento para el actor y por supuesto que en el público, “la razón de nuestra existencia”, ya que “el teatro es un espejo y el espectador debe llevarse preguntas o respuestas, afirmaciones o inquietudes para su casa, eso es lo que hacemos en el grupo Thalia”.
Profesionales
Carmelo Castro (Caracas, 1954) reconoce que ensayaron tres meses, aunque trabajaba en el proyecto desde finales de 2007. La yunta protagónica del elenco pertenece al Grupo Thalía, conformada por Luis Serrano y Maryeliz Montilla. Daniel Landa, quien personifica a Cristóbal, se graduó en la Academia de Venevisión y ha trabajado con Levy Rossell; Christian Riveros, que es Jacinto, egresó del Centro Integral de Capacitación Actoral, y Jeskar Fuentes, El Cunaguaro, estudia en la Unearte y anteriormente en la Escuela Juana Sujo y en el Grupo Actoral 80. Ahora tratan de convocar a los espectadores durante la temporada que realizan en el Teatro Luisela Díaz. Después irán a las provincias y harán una temporada en otra sala caraqueña, durante el 2009.

Zamora incendia al cine venezolano en 2009

Román Chalbaud Quintero fue adoptado por Caracas en 1938. Tenía siete años y la capital lo recibió con un temblor de tierra que lo obligó a refugiarse con su familia –abuela, madre y su única hermana- en la placita de El Nuevo Circo, donde durmieron. Nunca se imaginó ese niño, nacido en Mérida, que siete décadas después estaría transformado en el director cinematográfico más importante de Venezuela y en uno de los dramaturgos que mejor ha captado los arquetipos nacionales. Y todo eso lo demuestra su récord de 22 películas y de 20 piezas teatrales. Una producción única para las artes venezolanas, la cual tiene casi siempre a Caracas como telón de fondo.
CINE
Chalbaud festejó su cumpleaños 77 en Porlamar, el pasado viernes 10 de octubre, donde participa como jurado del Primer Festival Nacional de Cine Margarita 2008, pero eso no le impidió informar que el estreno de su película Zamora, realizada con los guiones de Luis Brito Garcia y Gustavo Michelena, será en enero o en febrero de 2009. “Esa es una decisión final de la Fundación Villa del Cine, su productora. Es una película de dos horas y una miniserie para televisión de seis horas”.
Inicialmente Zamora la iba a dirigir César Bolívar, pero éste renunció por delicados problemas familiares y le tocó al hijo de Alicia Quintero asumir el reto de crear la compleja saga fílmica sobre uno de los jefes de la Guerra Federal o Guerra Larga (1859-1863) y defensor de la idea de la Federación, el mismísimo Ezequiel Zamora.
“Nuestra propuesta audiovisual reconstruye los ideales de Zamora, quien se levanta en armas el 7 de septiembre de 1846, en la localidad de Guambra bajo las consignas esenciales de: ‘Tierra y hombres libres’, ‘Respeto al campesino’ y ‘Desaparición de los godos`. Otros serían los destinos de Venezuela si él no muere asesinado, misteriosamente, aquel 10 de enero de 1860 en la toma de San Carlos. Mi película muestra a Zamora desde los 23 años, luego de 30, de 33, de 38 y de 43,cuando lo matan. Y aquí debo reconocer que es una magnífica performance del joven actor Alexander Solórzano”, puntualiza.
“Ahí está la historia de Zamora y es contada a partir de unos días antes de la batalla de Santa Inés, aquel 10 de diciembre de 1859, y en la mitad del largometraje muere. En la segunda parte se busca saber quien lo mató. No hay que olvidar que sus mismos aliados, Falcón y Guzmán Blanco, están bajo sospecha. Un tiro le entró por el ojo derecho y dejó en sombras a un pueblo que lo seguía. Con este trabajo compruebo que la vida ha sido justa conmigo. Me quita, pero me vuelve a dar. Pero ahora, hay que esperar su estreno, porque la película no cobra vida hasta que el espectador no la vea, como lo he dicho siempre, desde que estrené Caín adolescente, mi ópera prima, precisamente hace 50 años, basado en mi obra de teatro homónima. Creo que Zamora con sus ideales, su valentía, su guía de lucha, esta más vivo que nunca. Dicen que Zamora será mi mejor película, pero aquí debo aclarar que el cine, como el teatro, no enderezan entuertos, son meras expresiones culturales y artísticas”.
-¿Qué viene después de Zamora?
-Tengo tres proyectos más. Tengo que elegir, como el príncipe Hamlet, entre ser o no ser.
-Críticos, como Rodolfo Izaguirre, aseguran que su mejor película es El pez que fuma, estrenada en 1975.¿De acuerdo?
-Sí, él y muchos otros así lo dicen. Creo que ya es un clásico. Izaguirre ha escrito que yo inicié ahí una etapa más madura y moderna en el cine venezolano, menos empírica y superficial. Yo he contado que de niño y de muchacho vi mucho cine en los barrios caraqueños, porque ese era mi mundo. Y yo soy autodidacta porque aquí no había escuelas de cine ni nada de eso. No es como ahora, porque el país ha crecido.
TEATRO EN PROCESO
-¿Dónde se quedó el teatro? ¿Lo abandonó? ¿Usted siempre ha ido parejo en cuantos a los estrenos cinematográficos y las novedades teatrales?
-Al teatro no lo puedo abandonar, porque no se puede desechar lo que se tiene adentro. Tengo dos nuevas obras, pero aunque no están terminadas ya tienen sus títulos: Bingo y El garaje. Reitero que uno tiene que ser auténtico, que lo que se escriba o lo que se dirija tenga un pedazo de uno. Hay momentos en que uno se detiene porque no le sale como se quiere, pero hay mecanismos para superar esos obstáculos y para ello nada mejor que leer los periódicos para tomar ideas o situaciones que ahí se muestran. Las páginas rojas de los periódicos, y especialmente las de Últimas Noticias y El Mundo ayudan mucho para eso. De ahí nacieron mis obras y mis películas como Los ángeles terribles y La quema de Judas, donde denunciaba la discriminación y la corrupción. Y por eso que mi teatro y el de otros venezolanos gusta, porque es una especie de espejo, ahí el público se ve en la escena. Yo escribo teatro sobre personajes populares, porque vengo del pueblo y sigo siendo pueblo. Son mis orígenes.
-¿Usted reescribe las obras publicadas o estrenadas?
-Reescribir jamás. Lo escrito escrito está.
-¿Qué opinión le merece el teatro y el cine venezolanos actuales?
-No veo el público haciendo largas colas en las taquillas. Es mejor enfrentar la realidad que escapar de la realidad. ¿Por qué en los teatros que existen no dan funciones diarias? ¿Por que están cerrados? El Nuevo Grupo tuvo dos salas y funcionaban diariamente. Juana Sujo tuvo el Teatro Los Caobos y funcionaba todos los días. Pero todo ha cambiado.
-¿Cómo resumiría su vida como artista venezolano en una frase?
-Para mí es imposible resumir en una sola frase algo tan sencillo y a la vez tan complejo. Parafraseando a otros, diría que he vivido y que anhelo vivir mucho más.

Carlos Mata en extraño triángulo amoroso

Mimi Lazo se atrevió. Perdió un poco de esos extraños miedos que sufren las actrices. Abandonó -no se sabe hasta cuando- sus populares monólogos feministas El aplauso va por dentro de Mónica Montañés, y No seré feliz, pero tengo marido de Viviana Gómez Torpe, además el melodrama político Golpes a mi puerta de Juan Carlos Gene. Y ahora participa de manera muy destacada en el desopilante triangulo amoroso de Las quiero a las dos, el titulo alterno de Los japoneses no esperan, de Ricardo Talesnik (Argentina, 1938), que se exhibe en Corp Banca, bajo la dirección de Luis Fernández y con la coprotagonización de Carlos Mata y María Antonieta Duque.
Esta comedia, que es una inteligente y abierta invitación a reflexionar sobre la cruda verdad de su temática, que no es otra cosa que el fracaso del matrimonio burgués como simple formula para estar unidas dos personas bajo el mismo techo, fue presentada en Caracas hace varias décadas como una producción del Nuevo Grupo (en los años 70) y posteriormente, (en los 80) dirigida por el mismo autor, hizo larga temporada en el Teatro Las Palmas, interpretada por Gustavo Rodríguez, Cecilia Villarreal y María Conchita Alonso, pero llevando su titulo original: Los japoneses no esperan.
Y decimos que el trabajo interpretativo de Mimí Lazo es “muy destacado” en esta pieza de Talesnik, porque la verdadera estrella ahí es Carlos Mata. Sí, a quien pocas veces habíamos visto en un rol de exigentes características de comediante puro, no sólo por lo que dice y hace, sino por el ángel que tiene su personaje: Miguel, un caballero que ha decidido abandonar a Julia (Mimí), su esposa legitima, la legal, para irse con Isabel (María Antonieta Duque), la amante, pero fracasa en su intento, y al final las dos mujeres le dan una solución, que oscila entre lo fantástico y lo real. Pero el superprotagonista es él, ya que reconoce su sometimiento al amor, su esclavitud por la compañía que le brindan sus damas y su incapacidad para vivir en soledad. Es un hombre-niño incapaz de sobrevivir solo. Este Miguel no es otra cosa que el desnudo antihéroe machista, ese personaje del teatro y de la vida real que las mismas mujeres (con las madres a la cabeza) forman y usan como les conviene.
Podríamos incluso decir que Miguel marca una conducta social histórica desde el teatro, como antes lo hizo Nora, la antiheroína de Casa de muñecas de Henrik Ibsen, en 1879, pero dejemos esas disquisiciones para otras columnas, por ahora. Basta recordar que todo comienza porque un marido prepara su maleta para irse con su amante, pero su esposa lo sabe y para no dejarlo huir lo encierra con llave, mientras ella espera a que "la otra" aparezca para formar un escándalo.
Es la clásica estructura teatral del triángulo romántico burgués, que ha llegado hasta el agotamiento en el teatro estadounidense, pero que con los aportes de autores argentinos, como Talesnik, tiene otros ingredientes validos y de actualidad como el tema de la incomunicación, la libertad del hombre y el problema del ser humano que no quiere ningún tipo de ataduras, ni sociales ni legales en medio de una sociedad cada vez más agobiante.
La dirección, resuelta con acierto por Luis Fernández, y la sobria producción de Jorgita Rodríguez, permiten, pues, degustar una puesta en escena donde hay un espectacular duelo entre las actrices y el actor, una pugna que pasa de lo ridículo a lo patético y al final deja un nudo en la garganta, ya que el caballero finaliza con dos amantísimas mujeres…hasta que aparezca otra crisis generada por alguno de los tres ángulos de esa relación.

Teatro antibarbarie

Sus ancestros biológicos provienen de Polonia y Moldavia, pero su idiosincrasia, además de sus vitales cargas afectivas, y su presente son las de un caraqueño, o pastoreño por más señas, desde 1959. “Cuando nací, ya los británicos Beatles estaban cambiando la música pop del mundo, y para mi madre, que vino a Venezuela cuando aún no había cumplido un añito, la mejor vida transcurría entre las esquinas de Dos Pilitas y del Cuartel San Carlos”.
Es Johnny Gavlovski Epelboim, teatrero y psicólogo, trabajador cultural de bajo perfil, pero con suficientes y comprobados méritos como para no pasar desapercibido en ninguna de sus dos profesiones. No obstante, por ahora, prefiere hablar de sus artes escénicas, cuya pasión es una herencia recibida de sus progenitores, ya que recién ha ganado el concurso Obras de Teatro del Mundo, dedicado en su primera edición a Venezuela y auspiciado por la compañía Actors of the World, por su pieza La última sesión. El jurado internacional, instalado en Londres, se enamoró de “su sólida estructura y su ritmo vertiginoso, de su problemática actual y porque es auténticamente venezolana”.
La última sesión aborda un problema ético sobre los derechos humanos. Propone una serie de consideraciones sobre lo que es capaz de hacer un hombre cuando los límites se pierden. Para su creación se guió por una frase de Arthur Schopenhauer que siempre lo ha hecho reflexionar: “El hombre es un animal salvaje y terrible, le conocemos tal como ha sido domesticado por aquello que llamamos civilización, pero una vez que desaparecen las cadenas de la ley, dando paso a la anarquía, se presenta como realmente es”.
Ese pensamiento del filósofo alemán, lo vio materializado durante el deslave del estado Vargas, en aquel siniestro diciembre de 1999, cuando sorprendieron a dos hombres violando en un asilo a unos niños con Síndrome de Down. “Eso nunca pude entenderlo. Es el horror en escena. Así nació La última sesión, como un intento de entender esa barbarie. Me inspiré en vivencias personales y en testimonios de supervivientes, para así confrontar al público con situaciones límites de honda reflexión ética. Ahora mi texto será traducido al inglés y montado en la capital del Reino Unido, durante la temporada de 2009”.
Su contacto con el teatro comenzó desde muy pequeño en el colegio y siempre le llamó la atención toda la parafernalia que hay que poner en marcha para representar una pieza. Sus maestros fueron los mejores: Juan Carlos Gené, Carlos Giménez, Herman Lejter, José Ignacio Cabrujas, Gladys Cáceres, Horacio Peterson e Ibrahim Guerra.
“Ellos siempre estuvieron allí para enseñar, escuchar y darme la guía que necesitaba. He sido muy afortunado de aprender de esos educadores, a quienes siempre agradeceré, porque en estos momentos el teatro es parte del aire que respiro. Es una de mis maneras de sentirme vivo, pero, aclaro, no vivo del teatro. Hasta ahora he escrito 20 piezas, 15 han sido escenificadas y seis fueron galardoneadas. El vuelo, Puentes rotos, Concierto para tres silencios, Habitante del fin de los tiempos, Ruido de piedras y La última sesión, han sido las premiadas”.
No se ha quedado dormido ante el premio en Londres y para eso ya trabaja con los actores Gonzalo Velutini y Oscar Carballo porque montará su texto Hola, tu. “Es todo un reto, será un cambio total con todo lo que he hecho hasta ahora. Estoy muy entusiasmado... y también con otras cosas que vienen por ahí... de las que prefiero hablar después”.
Él, como otros teatreros, está preocupado porque en Venezuela se representan muy pocas obras de sus dramaturgos. Cree que ese delicado problema es consecuencia de la falta de una política de incentivos, por parte del Estado, y porque, hoy en día, en las escuelas de teatro son mínimas las posibilidades de que un joven pueda estudiar dramaturguia. “Hace falta una toma de conciencia por parte de todos nosotros y además hay que proponer y ejecutar proyectos desde nuestros propios grupos o lugares de trabajo”.
Rechaza al teatro sin dramaturgia, ese que carece de una estructura dramática, “porque sería como un cuerpo sin columna vertebral y todo se limitaría a una representación escénica. No puede existir un teatro sin texto, porque hasta el silencio que es una forma de comunicarse, necesita de la estructura dramática. Ahí está el caso de la venezolana directora de teatro y cine Elia Schneider que lo ha demostrado infinidad de veces con sus espectáculos”.
Retroalimentación
Johnny -hijo menor del polaco Arturo Gavloski y la moldava Ina Epelboim- como psicoanalista y psicólogo clínico ha recibido varios galardones internacionales por tan complejas especialidades profesionales. Reconoce que ha logrado conjugar el arte teatral con la ciencia que estudia las conductas humanas, porque así se lo propuso desde un principio. “Haberlo logrado es uno de mis mayores logros, fue siempre una meta de vida. La psicología y el teatro sé retroalimentan. No es una o el otro. Van de la mano. Eso fue lo que siempre quise lograr. Y lo disfruto”.

La primera orquesta latina de mujeres en Caracas

Gilberto Agüero Gómez ha vivido gran parte de sus 68 años en Barquisimeto, donde acompaña a su madre, Rosa Doralicia Gómez de Agüero. Visita Caracas siempre por motivos especiales, aunque aquí tiene amigos como Román Chalbaud y además aprendió los rudimentos del teatro y se hizo dramaturgo, cuando ya había vivido un cuarto de siglo. Ahora vino porque la editorial “El perro y la rana” le publicó su libro La primera orquesta latina de mujeres, con tres piezas teatrales. “Una razón más que suficiente para volver a la capital, donde además fui feliz durante mis años mozos, cuando no pensaba ser escritor”, dice este larense de verbo fácil y con una vitalidad que asombra a pesar.
Advierte que ha escrito no menos de 40 piezas, pero solamente tiene una docena de esas obras editadas. “Las otras las he distribuido en libretos y algunas me las han representado. Pero eso no es suficiente. Sigo siendo un dramaturgo excluido, quizás el campeón de todos los excluidos escritores del teatro venezolano”.
Cree que se escenifica poco teatro nacional porque se editan muy poco a nuestros autores. “El Estado, que es el único que lo puede hacer, no tiene todavía una política especial de incentivos, aunque hay que resaltar el caso de la editorial oficial El perro y la rana que recién ha publicado mi libro La primera orquesta latina de mujeres, y también lo ha hecho con otros escritores. Ojalá que intensifiquen esa tarea de hacer conocer a los dramaturgos criollos, porque es muy larga la lista de inéditos o ignorados o excluidos. Ojalá que las autoridades de esa empresa estatal se entusiasmen con esa tarea que yo considero patriótica”,
Agrega que también se escenifica poco teatro de autor nacional por “razones muy personales, supuestamente culturales o intelectuales de los productores y directores, pero de eso prefiero no hablar, porque por ahí salta la liebre de la comercialización de la escena, que es otro problema complejo, el cual se caracteriza por la búsqueda de textos exitosos de afuera o de autores internacionales y la contratación de aquellos actores que tienen un buen rating por la televisión. En fin la situación es bien compleja, pero se puede ayudar a sofocar o disminuir esa exclusión con la publicación al menos de los textos, También gracias a la Internet hay posibilidad de difundir algunas piezas pero yo no estoy en nada de eso, ni computadora tengo”.
TRIPLETA
Él ahora espera que un director o un productor se entusiasme por alguna de las tres obras que compila en La primera orquesta latina de mujeres y la lleve a escena, siempre y cuando consigan sala para presentarla, porque ese es otro de los rompecabezas de nuestro teatro. “Los tiempos han cambiado para mal, porque antes existía El Nuevo Grupo y ahí el autor nacional tenía prioridad, porque para eso lo crearon Isaac Chocrón, Román Chalbaud y José Ignacio Cabrujas, entre otros. Esa institución cerró hace 20 años y nadie tomó el relevo, lamentablemente. Y eso también ha afectado el desarrollo de nuestro teatro en general”.
“No voy a recontar los argumentos de las tres piezas que ahora están en mi libro”, acota Agüero Gómez, “su lectura se la dejó a los interesados, pero sí advierto que son criollas, por todos los lados, son mi país a la espera de una oportunidad de subir a una escenario. La primera escuela latina de mujeres, que le presta su titulo a la publicación, es el melodrama de unas señoras en los tiempos del Benemérito tratando de sobrevivir con una orquesta de baile de ritmos latinos, pero se les presentan muchos problemas, porque incluso tienen que vestir de mujer a un amadamado joven músico porque lo necesitan para completar el sexteto con el cual se ganan la vida. También tengo La boca muere por el pez, un juego sobre las manipulaciones de un maestro y las creencias mítico religiosas en un pueblo, y La sutil hipocresía de la farándula que es la situación límite de unos artistas en los tiempos del abortado golpe de Estado contra el presidente Hugo Rafael Chávez Frías. Son obras cortas, de pocos personajes venezolanos, salvo la primera. Son textos premiados en diversos concursos”
ORIGENES
Agüero Gómez debutó como autor con Ciclón sobre los barcos de papel. “La escribí en Caracas y la envié a un concurso de Maracaibo, donde me gané el primer premio, unos dos mil bolívares de la época, era el año 1966. Esa pieza se montó en el Zulia y nunca más subió a escena, aunque aquí en Caracas estuvo en cinco proyectos. Es la historia de un muchacho que viaja a Londres para hacer unos talleres sobre traducción simultánea de conferencias y cuando regresa se le presentan varios problemas con su mamá porque ella quiere casarlo a juro. Después escribí Amelia de segunda mano y desde entonces no he parado. Tambien he escrito teatro para niños, que es el que más se ha escenificado”.
CONSEJOS
También se ha ganado la vida dictando talleres de dramaturguia, la cual aprendió de manera autodidáctica, ya que se dedicó a leer a los autores del teatro universal y al mismo tiempo fue aplicando las pautas que dejó el crítico Enrique Izaguirre en su librito Técnicas literarias del drama. “Es un texto mínimo pero preciso y altamente didáctico. Ahí se explica, de manera muy clara, los rudimentos de una pieza teatral, como son la exposición, el nudo y el desenlace. Tambien enseña que los temas tienen que ser, al principio, sobre cosas que el principiante conozca, y dejar para más adelante aquellas situaciones complejas, o sea que no se debe incursionar en terrenos desconocidos de primera entrada. "Hay que ir poco a poco, y aprendiendo a vivir para lo cual no hay libro que sirva, sino la propia experiencia”.

Zamora revive en la escena teatral

Sigue el teatro criollo endeudado con el general Ezequiel Zamora (Cúa, 1 de febrero de 1817/San Carlos de Cojedes, 10 de enero de 1860). Un militar y político que luchó para imponer una extensa reforma agraria a favor de los campesinos, por lo que fue asesinado misteriosamente. Pero como la historia la escriben los vencedores, en este caso la godarria que gobernó a Venezuela durante las décadas posteriores, ahora emerge un movimiento cultural revisionista que pretende rescatar la saga de ese líder popular y mostrar la verdad de lo que hizo y lo que pensaba “ese Abel venezolano”, como lo califican sus exegetas.
Afirmamos esto porque Miguel Torrense (Valencia, 22 de marzo de 1940) aceptó el reto de escribir y dirigir el espectáculo Zamora con su agrupación carabobeña Teatro Arlequín, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro.
En un solo acto, dividido en 13 unidades, este Zamora plasma a un grupo de universitarios del siglo XXI muy contrariados por lo que una académica conservadora expone contra el líder popular y la exaltación que ella hace de su rival, el general José Antonio Páez, la increpan y le piden permiso para realizar una exhibición teatral que ellos han preparado sobre los orígenes y las batallas que se dieron durante la Guerra Federal, haciendo hincapié en la importancia de aquel pulpero de Villa de Cura, quien que se alza el 7 de septiembre de septiembre de 1846 y proclama: “Tierra y hombres libres”, “Respeto al campesino” y “Desaparición de los godos”. Ahí actuaron Alfredo García, Maritza Mendoza, José Palma, Víctor Leal, Carmen Mendoza, Belkys Cordero, Sivino Piñango, Jhoanny Balboa, Víctor Hurtado, Haydee Herrera, Yhandany Russa y Jorman Rojas; además de la participación de Régulo Castro, Fernando Lozada y Rafael Sequera con la música, el vestuario y la escenografia.
Es una especie de viaje a través del tiempo para recordar la inhumanidad, el caudillismo y los males de la dictadura de Páez, que llevaron al pueblo, liderizado por Zamora, a la Guerra Federal en busca de un ideal de libertad y federación. El epílogo y el colofón, ceñidos al hecho histórico, acentúan la conjura que hundió a la rebelión popular y cuyas consecuencias “las estamos pagando todos todavía, porque son muy graves los daños causados a las luchas reivindicativas”, como ha expresado Torrense.
Tanto en lo ideológico como en la estructura, la pieza Zamora es perfecta, un inteligente híbrido entre la farsa clásica y la técnica brechtiana. Pero la dolorosa falla está en la realización del espectáculo, el cual carece de armonía entre sus elementos -el recurso audiovisual ensucia el discurso estético en sí mismo, por lo innecesario y la ordinariez de su realización- y las actuaciones que carecen de fuerza y verdad, y además generan una bochornosa atmósfera, típica de principiantes, a pesar de la presencia de cómicos veteranos. Creemos que con más ensayos y hasta una redefinición de la propuesta escénica, el montaje estaría a la altura del texto zamorano.
Precisamente, hay que recordar que Torrense ha sido clave para el desarrollo del teatro de varias regiones venezolanas, ya que formó notables generaciones de comediantes, como Aroldo Betancourt, Kiddio España y Grecia Colmenares, entre otros, y logró apuntalar el Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Carabobo con la creación del TU, agrupación que incluso obtuvo premios internacionales. También ha estado al frente del Compañía Regional de Teatro de Carabobo y, por si fuera poco, es el líder del Teatro Arlequín, con casi 48 años de labores, consecuente institución que desde 1993 dispone de un espacio teatral propio para 300 personas, un verdadero centro polivalente para las artes escénicas.
Ahora esperamos que decante el trabajo escénico con su Zamora y pueda hacer una temporada más ajustada a la buena teatralidad, un asunto que no es difícil cuando se cuenta con el tiempo a favor.
Este artista, que ha enfrentado infortunios de toda índole, “porque los enemigos no duermen”, asegura que desde 1960 no ha dejado de teatralizar la cotidianidad y ahora solo espera editar su libro donde compilará todas sus creencias estéticas, para iniciar después así una severa revisión de todas sus piezas teatrales, antes de proceder a editarlas. “No he querido editar y después corregir. Reviso y después imprimo”.

Quemazón de Judas

El dramaturgo y cineasta Román Chalbaud extrajo de informaciones publicadas en “las páginas rojas” de Últimas Noticias los elementos básicos que le permitieron escribir algunas de sus piezas más famosas, como La quema de Judas (1964) y Los ángeles terribles (1966). Para ellas se inspiró, respectivamente, en las crónicas sobre el malandro aquel, infiltrado en la Policía Municipal de Caracas, que cayó abatido, misteriosamente, durante un asalto a una entidad bancaria; y, especialmente, el sonado caso del anciano detenido en un rancho de Catia porque organizaba rumbosas orgías, donde alternaba con niñas y niños menores de edad y además abusaba de unas exóticas muñecas de trapos. ¡Original teatro, hasta ahora no superado,nacido de las entretelas sociales criollas!
Recordamos esta saga menuda de las artes escénicas venezolanas, porque desde Maracay vino la agrupación Teatro del Encuentro para festejar su primera década de labores útiles en pro de la cultura de la comunidad aragüeña. Y lo han celebrado con su más reciente espectáculo La quema de Judas, que presentaron durante tres fines de semana en la sede del TET, en el sótano de la Iglesia San Pedro, en Los Chaguaramos. Y ahora piensan regresar a Caracas, después de una breve gira internacional, para exhibir, entre otros montajes, El pelicano de August Strindberg y, como es lógico, Los ángeles terribles, que están “cocinando”.
Versionada para este 2008 por Ever Garcés, La quema de Judas denuncia la corrupción en los cuerpos policiales, pero va más allá de mostrar tal o cual episodio y se adentra en los orígenes de la descomposición social, en los núcleos familiares donde los hijos se crían sin Dios y sin ley alguna. La anécdota es simple: una madre desconsolada vela el cadáver de su hijo, un agente policial muerto por los atracadores de un banco, mientras una periodista la bombardea con preguntas precisas sobre el pasado de su muchacho.
Ahí van desfilando todos los antecedentes de esa familia y sus amigos o compinches, en especial lo que hacía el occiso antes de ingresar al cuerpo se seguridad. Sí era un delincuente de poca monta que aceptó ponerse el uniforme y portar el revólver y un rolo para facilitar una serie de atracos posteriores, especialmente a las entidades bancarias, planificados por unos asaltantes adiestrados para tales fines, pero a esa delincuencia organizada le salió un rival inesperado: un grupo de guerrilleros decidió dar el golpe primero, porque necesitaban urgentes recursos económicos para su lucha reivindicativa, y por eso eliminan al hijo de la desconsolada mujer, sin saber lo que había detrás.
Román Chalbaud (Mérida, 10 de octubre de 1931) ambientó su obra en medio de una Semana Santa para que la tradicional fiesta popular de La quema de Judas, la cual se organiza para castigar al traidor apóstol que vendió a Jesús de Nazareth por 30 monedas de oro, simbolice el repudio de la sociedad al delincuente “disfrazado” de agente policial.
El espectáculo, creado y dirigido por José Jesús González, se realizó en un espacio bifrontal y transcurrió con excelente ritmo y estremecedoras imágenes, entre atmósferas de brutal realismo y refinada fantasía onírica. Consideramos que ha sido una muestra del mejor teatro contemporáneo, gracias a las actuaciones de Iliana Hernández, Jesús Utrera y Weston Liscano, entre otros.
Precisamente el director González ha dicho que “La quema de Judas es la obra de Chalbaud que mejor expone la gran problemática venezolana y latinoamericana sobre la violencia, la traición y la corrupción. Es un teatro donde el tiempo es vital por esa conexión entre pasado y presente, lo cual para un puestita es un reto; hay que establecer esa diferencia y llegar así a la piel del público. Es una obra dramatúrgicamente perfecta y con todos sus personajes afinadamente delineados”.
Al culminar la función inaugural, Chalbaud reconoció a viva voz el trabajo creativo de los teatreros maracayeros, el cual permitió contextualizar la anécdota en los tiempos que vivimos, ya que La quema de Judas no recibía un montaje profesional de tan depurada calidad desde hace décadas.
“Hay que seguir con la quemazón de los Judas, los hipócritas y los corruptos”, era el criterio unánime del autor y los espectadores en aquella función que permitió ponderar a un director ambicioso y a un elenco entregado a sus labores histriónicas.
Década valiosa
Fundado en 1998, por José Jesús González (Mendoza, Trujillo, 1975), el Teatro del Encuentro ha escenificado textos de la mejor dramaturgia latinoamericana y universal. Entre sus montajes destacan: La sombra inmensa de mis lágrimas (1999-2000), en homenaje a Federico García Lorca; Manos de poco hablar (2000); Caricias (2001); Tal vez ocurra un milagro (2001), Dos de amor (2002) con los primeros actores de Aragua, Marietta Arias e Ivor Muñoz; Plaza de toros (2003); Romeo y Julieta: Amor en tiempos violentos (2004) de William Shakespeare ; el unipersonal El fantástico viaje de Landú (2005), de narrativa infantil venezolana con el actor Weston Liscano; La quema de Judas (2006) y El pelicano de August Strindberg.

¡Madre solamente hay una!

Pocas veces un espectáculo teatral nos ha entusiasmado tanto. Su texto, intervenido por un sólido puestita venezolano, además de su pulcra producción y la realización profesional del montaje, nos ha permitido disfrutar de un auténtico trabajo artístico, como pocos hemos visto en lo que va de la temporada 2008-2009.
Tras esta introducción, hay que agradecer al productor Tullio Cavalli y al director Orlando Arocha y sus diestros actores Diana Volpe, Elio Pietrini y Albi De Abreu porque han materializado un conmovedor y ejemplar espectáculo La fiesta, creado sobre el texto del dramaturgo Spiro Scimone (Italia, Mesina,1964), en ese mágico escenario de la Sala Experimental del Celarg.
Agradezco no sólo por lo que a mi respeta, sino porque el público se los reconocerá eternamente, ya que ese montaje, lúdico y grato además, es clase magistral sobre sociología familiar, núcleo básico de las sociedades occidentales, desde que Roma civilizó a Europa e impuso sus leyes, algunas de las cuales aún imperan, con ciertos maquillajes. Quienes no conocían los orígenes de la más fiera dictadura que existe en el mundo y a la cual se disfruta, se ama o difícilmente se repudia, pues lo aprenderán y terminarán aplaudiendo a rabiar. ¡Ahí están esas madres, padres y hermanos que tenemos o somos!
Y como no puede existir familia sin madre, pues La fiesta es un modesto ágape que organiza y ejecuta la señora de la casa para recordar los 30 años de matrimonio con el progenitor indudable del hijo. Pero durante los prolegómenos de esa mínima fiesta, con torta de chocolate y botella de champagne, se desnudan todos los mecanismos de la convivencia del triángulo familiar y hasta es posible reflexionar sobre la madre que lo domina todo y además impone lo que hará su vástago, a quien desde ya le recomienda, por ahora, una muchacha virgen, porque, según ella, así tienen que llegar las hembras al matrimonio.
La madre es la gobernanta de todo, quien amorosa e impositiva pela y da la fruta al padre, decide los niveles de sal de la ensalada que él consume, cuida del calentador de agua para el matinal baño, sube o baja el volumen del televisor que transmite el partido de fútbol, y quien en medio de la mínima fiesta le quita la botella a su marido para que no se emborrache. Es la tirana a quien todos odian y quieren matar, pero nadie le toca un cabello, porque se les cae el mundo y sería la ruina social o moral.
Esos tres humanos seres teatrales, materializados en la escena con depurados conceptos estéticos hiperrealistas, son arquetipos de millones de personas como ellos que, con muchas dificultades y terribles complejos de culpa, intentarán romper tales ordenamientos, pero ellos mismos, más temprano que tarde, los impondrán en las familias que formen u originen. ¡Nadie escapa de esa rutina milenaria!
No es original Scimone en la temática, pero construye un argumento, de corte beckettiano, donde “entre malentendidos fingidos y respuestas esperadas, reina una confusión muy ordenada que le permite al padre todos sus caprichos malhumorados, a la madre todas sus fantasías obsecuentes y al hijo sus escapadas de solterón”.
La dirección adelantada por Orlando Arocha (54 años) demuestra su madurez profesional y en especial su equilibrio para marcar los personajes y llevar a sus actores a un estado de perfección que pocas veces se ve en la escena criolla. Uno de sus positivos aportes a la escena es el manejo del lenguaje gestual de sus intérpretes, quienes dicen más con sus muecas o sus desplantes que lo que pide el autor en cada una de sus líneas. Ahí, por supuesto destaca Diana Volpe en un rol que marcará historia en el teatro venezolano, pero también sus compañeros hacen sus personajes con la precisión adecuada y el ritmo que requiere el montaje, que no supera los 60 minutos.Los espectadores reflexionarán sobre el estado y el sentido de la familia, nido de afectos y trampa de convivencias obligadas. ¡Un teatro que llega para clarificar dudas y recordar fracasos!

Teatro contra la mala memoria de los venezolanos

El director Carmelo Castro, sobrino nieto del legendario general Cipriano Castro, siempre ha estado preocupado por la fragilidad de la memoria del pueblo venezolano, “defecto que nos lleva a condenar al olvido tanto a figuras como acontecimientos que han forjado nuestra historia como país y en el caso que me toca de forma directa, el teatro”.

Es por eso que organizó un homenaje para el dramaturgo, director y educador Gilberto Pinto (Caracas, 1929), el cual consiste en el montaje y la temporada de uno de sus textos más memorables, La guerrita de Rosendo.
“Este espectáculo, con el que mi grupo Thalia además festeja sus 26 años de labores continuas, lo presentamos desde el próximo martes 8 de octubre y se prevé que estará en cartelera hasta el domingo 2 de noviembre, en el Teatro Luisela Díaz del Caracas Theater Club, en San Román. El elenco de La guerrita de Rosendo lo integran: Luis Serrano quien interpreta al jefe de la montonera, Maryeliz Montilla es Ermelinda, Daniel Landa es Cristóbal, Christian Riveros es Jacinto y Yeskar Fuentes es El Cunaguaro. Son jóvenes y talentosos figuras de la actuación que han asumido con profesionalismo y dedicación este inmenso reto. Además, María de las Casas realizó el diseño del vestuario, mientras que Héctor Becerra creó una sorpresiva escenografía. La música, escrita por Leonardo Small e Hilda Carmona, es precisa y contribuye al realce del espectáculo. El diseño de maquillaje y de iluminación es de José Manuel Ascensao, cofundador de Thalía junto conmigo”.
GUERRILLAS
Para Carmelo Castro (Caracas, 6 de diciembre de 1954) La guerrita de Rosendo, escrita en 1975, es una oportuna ficción, inspirada en hechos reales y ambientada en esos confusos tiempos de la posguerra federal venezolana del siglo XIX. “Sus protagonistas son seres desesperados que pretenden continuar con su guerrita de montoneras, son personajes muy bien definidos, casi arquetípicos, que tienen gran vigencia tanto en la Venezuela actual, como en Latinoamérica”.
El líder de una de esas montoneras, o guerrillas para utilizar el lenguaje contemporáneo, es un militarzote de las huestes “amarillas”, el mayor Rosendo Calcurían, quien para escapar de sus perseguidores, una patrulla de “azules”, busca protección en un rancho perdido en los llanos, pero ahí se le aparece una misteriosa mujer que le tiende una celada, con sexo incluido, mientras ella espera a una escuadra de “amarillos”, quienes le harán un juicio sumario y lo fusilarán porque es un soldado corrupto y un abusador de sus poderes, especialmente con el sexo femenino. “La metáfora es tan obvia que explicarla nos parece innecesaria”, acentúa Castro, “porque alude en gran parte a lo que somos hoy en día”.
“En lo que respecta a los valores estéticos de la pieza, la trama está montada sobre un suspenso que conecta al espectador de inmediato y en cuanto a los personajes, se puede afirmar que pasan por toda una gama de emociones que es difícil encontrarla en otro texto teatral”, puntualiza. “Debo reiterar que en ningún momento la propuesta es hiperrealista. Me he basado en la sensualidad y el suspenso planteados en el texto. La trama es cruda por el tipo de personajes y el momento histórico que les toca vivir”.
CESARISMO
Castro monta “La guerrita de Rosendo porque su trama toca un momento importante de nuestra historia como país. Retrata a una Venezuela que se deshacía en retazos por la ambición de unos cuantos caudillos que conducían a unas huestes famélicas a unas escaramuzas sangrientas donde la principal arma era el machete. Unos movidos por la ambición personal y otros a lo mejor con buenas intenciones pero que no llegaron a concretar un proyecto de nación con todas las de la ley, dicho de otra manera, basada en instituciones sólidas y no el caudillismo o el corrosivo y pernicioso cesarismo”. Y enfatiza que “el caos de la posguerra federal explica en gran parte lo que somos hoy en día”.
AL MAESTRO
“Gilberto Pinto fue mi maestro de actuación en la Escuela de Arte Dramático Juana Sujo, ya hace más de 30 años, para aquel entonces bajo la dirección de Porfirio Rodríguez, quien tomó las riendas de esa institución a raíz de la muerte de la propia Juana Sujo. A partir de ahí comencé a conocer los alcances de su obra. De ahí que en Thalía, en el marco de la celebración de nuestro XXVI aniversario, decidiéramos hacerle este justo homenaje a nuestro educador”, dice Castro.
PERSONAJE
Gilberto Pinto es una gran personalidad del teatro venezolano. Como actor y director ha interpretado numerosas piezas universales y criollas. Ha escrito 18 obras, escenificadas en toda América y Europa; entre ellas: La noche moribunda, El hombre de la rata, Los fantasmas de Tulemón, Lucrecia, La buhardilla, La noche de San Juan, La guerrita de Rosendo, El confidente, La muchacha del blue-jeans, Pacífico 45, y una de las últimas, editada por Fundarte y ganadora del IV Premio de la Feria del Libro, mención Dramaturgia, titulada La visita de los generales. Se encuentra en proceso de edición por el Celcit un volumen con Un domingo de verano, El peligroso encanto de la ociosidad y El esclavo de la luna. Como pedagogo ha impartido clases en los institutos teatrales del país. Ha trabajado también para la radio, el cine y la televisión.
Además ha escrito Reflexiones sobre la condición y preparación del actor, Gómez Obregón y su época y El texto teatral, notas y contranotas para jóvenes dramaturgos. Ha sido condecorado con las Ordenes Mérito al Trabajo, Andrés Bello y Francisco Fajardo, todas en su primera clase. En 1999 obtuvo el Premio Nacional de Teatro.

Salvador Allende en 60 minutos

“El pueblo no quiere violencia. No necesita la violencia. Soñamos con una sociedad distinta y queremos luchar por ella, sin ser imitadores. La revolución chilena la haremos con gusto a vino tinto y sabor de empanada de horno”. Con esas palabras, transmitidas por Radio Magallanes, él, médico prestado a la política, estaba seguro que su sacrificio no sería en vano y alertaba a su gente porque un fracaso podía ser transformado en extraña victoria. Así se despidió el presidente Salvador Allende, aquel negro martes 11 de septiembre de 1973.
Y ahora los caraqueños podrán conocer cómo fueron las últimas horas del mandatario en el Palacio de la Moneda, en el corazón de Santigao de Chile, adonde había llegado a las siete y treinta de la mañana, pero resumidas en los 60 minutos del unipersonal Allende, la muerte de un presidente, de Rodolfo Quebleen, el cual será presentado en la Sala 1 del Celarg, del próximo 29 de octubre al 2 de noviembre, por el actor Roberto Moll, según la puesta en escena creada y producida entre el polifacético Luis Fernández y la actriz Mimí Lazo.
El periodista Rodolfo Quebleen (Rosario, Argentina, 1938), residente en Nueva York desde 1965, explica que el proceso de elaboración de su monólogo fue complicado, “porque es el resumen de una obra de teatro que no funcionaba. Yo insistía que de una forma u otra tenía que ser un trabajo teatral, porque el teatro refleja la vida y los espectadores pueden escuchar la respiración de los personajes, ver como el sudor brota en los rostros de los actores, que en esos momentos no son ellos sino los personajes que ellos están viviendo. Antes de comenzar a escribir había leído docenas de libros y ensayos sobre Allende, su gobierno y su familia. Conversé con mucha gente que lo conoció, entrevisté a su esposa Tencha y a su compañera Payita. Comencé a armar el texto y sufrir terriblemente con la comprensión de la escritura. No tenía demasiado material y tuve que hacer un gran esfuerzo para lograr la versión final”.
El primer montaje de Allende, la muerte de un presidente se realizó en el Theater for the New City, de Nueva York, el 16 de abril de 2006, con una inesperada acogida, “porque durante tres semanas la sala estuvo totalmente llena noche tras noche, al punto que en la última función se decidió hacer otra temporada en septiembre. Días antes de reinaugurar, se viajó a Caracas, invitados por el Tercer Festival Internacional de Monólogos y, pese a ser presentado en inglés con teleprompter, tuvo muy buena acogida. Nos presentamos en la Sala Juan Bautista Plaza. De regreso a Nueva York se reabrió la temporada y tuvo el mismo éxito de público durante otras tres semanas. Este espectáculo fue actuado y dirigido por los excelentes artistas colombianos Ramiro Sandoval y Germán Jaramillo, respectivamente”.
En Chile conocieron de Allende, la muerte de un presidente y el director Fernando Valenzuela y el productor Eduardo Larraín decidieron realizar una película basada en la pieza teatral. Viajaron a Nueva York y rodaron parte del monólogo con enfoque cinematográfico, que se mezcló con textos elegidos de La divina comedia, de Dante Alighieri, y pietaje documental. La película se estrenó en Santiago con buena aceptación del público y la crítica, por ejemplo del especialista Ascanio Cavallo de El Mercurio, escribió: "La pieza teatral es un esfuerzo de estilización sorprendente. Notable funcionamiento de textos clásicos en contextos nuevos e inesperados. Notable idea dramática y fílmica. Sin embargo, a pesar de todo, la mejor pregunta la formula Allende sobre un escenario oscuro: Los presidentes pueden ser desplazados. Pero, ¿cómo puede ser desplazado el pueblo? La pregunta es triste. La respuesta, todavía más”.
“El último día de Allende es el resumen de su vida política. Todo lo que había dicho y hecho tenía una función muy específica: dignificar al pueblo, rescatar lo que le pertenecía y devolvérselo. En el caso específico de los minerales, existían pero no eran chilenos y quienes trabajaban hasta la muerte en las minas para extraerlos, eran los menos beneficiados de esos sacrificios y en varias oportunidades sus protestas fueron reprimidas por medio de la fuerza que representaba a gobiernos al servicio de los capitales extranjeros. Allende cumplió con su promesa de devolver al pueblo lo que le pertenecía materialmente, no podía defraudarlo negándole su derecho a creer en la dignidad humana, y esto significaba defender hasta la última instancia de su vida el mandato que le había sido otorgado por ese pueblo de mineros y mapuches. Ese mandato es preservar las instituciones constitucionales y no era negociable y sólo podía defenderlo con su vida, porque sabía que cuando llegara el momento final iba a estar solo y un hombre solo únicamente tiene su vida para pelear. La vida anterior al 11 de septiembre deja de tener importancia cuando amanece ese martes, porque no era un día más, es el último y él lo sabe. Y sabe que ese día se vive hasta que llega la muerte y en su caso, es la salvación de la dignidad de su pueblo”, subraya Quebleen.
Para Quebleen, Allende, a 35 años de su muerte, cobra una dimensión inusitada en una América Latina plagada de ex gobernantes corruptos y cobardes, defenestrados miserablemente y asilados en cualquier parte, pero nunca sufriendo los sacrificios del exilio, por el contrario, con limusinas con choferes y en el peor de los casos presos, reclamando derechos que nos corresponden. En cuanto a si Allende siguió los pasos de alguien, pues si, del presidente chileno José Manuel Balmaceda, que espero el minuto en que terminó su mandato para suicidarse y no enfrentar así vejaciones, aquel 19 de septiembre de 1891.

El teatro para niños es un arte anónimo

“Hoy, más que nunca la primera necesidad de nosotros los venezolanos es la educación y la cultura, una responsabilidad compartida entre la familia y el Estado, consagrada en la Constitución Nacional Bolivariana de la República de Venezuela. Pero erradicar el analfabetismo es solo un paso. Hay que acabar con el analfabetismo funcional, es igual o peor a no saber leer y escribir porque nos convierte en tontos útiles, fáciles de manipular. El teatro bien hecho contribuye en gran parte a paliar esta urgencia que va desde algo que pareciera elemental como lo es aprender a comportarnos en público con la premisa del respeto a los demás, a enriquecer nuestro lenguaje y a contemplar un hecho artístico, sólo por nombrar algunos aspectos positivos”.
Así piensa el director de teatro, dramaturgo y guionista para televisión Carmelo Castro (Caracas, 6 de diciembre de 1954), al solicitarle su opinión sobre el estado actual del teatro para niños en Venezuela.
Castro advierte que “es necesario aclarar que hay autores como Alfredo Mantovani, que establecen una diferencia entre “teatro infantil” y “teatro para niños”. Para el caso que nos ocupa utilizaré esos términos indistintamente”.
-¿Qué pasa con el teatro infantil?
-El teatro que se hace para niños en nuestro país está a cargo de agrupaciones independientes, muchas de las cuales con más de 20 años en la escena y en una pequeña porción en manos de nuevos empresarios con buenas intenciones, pero con poca experiencia, quienes comienzan a explorar lo que en publicidad se podría catalogar como un “nicho”, más, si tomamos en cuenta que el grueso de nuestra población está conformada por niños y jóvenes.
Subraya que desde “unos años para acá existe el Teatro Infantil Nacional (TIN) institución de la cual compartí la responsabilidad de su fundación, junto a José León, Juan Carlos Azuaje, Dagoberto González y Armando Carías, y desde donde se han generado programas con el objeto de estimular a las agrupaciones y de preservar la memoria del teatro para niños en Venezuela, todos con las mejores intenciones pero que aún son insuficientes para abarcar todo el país. El caso es que se requiere un mayor esfuerzo por parte del Estado que quien posee los recursos”.
-¿Qué caminos lleva?
-Si hacemos un balance justo, nos damos cuenta que el público que demanda esos espectáculos ha ido creciendo con el tiempo, de otra manera cómo explicar que se pueda mantener un montaje en cartelera durante meses y con una asistencia calculada en más de 12 mil espectadores, muchas veces superior a los espectáculos para adultos más taquilleros. Otro tema sería analizar la calidad de lo que se está haciendo y eso es algo que cada director y cada agrupación debe revisar con mucha objetividad por la responsabilidad que implica el destinatario de nuestro trabajo, el niño. Por ser un optimista incorregible pienso que el límite es el cielo. Las generaciones que vienen detrás tienen que ser mejores que las presentes porque si no, no hay evolución. Hay un público cada vez más ávido de buenos espectáculos.
-¿Es comercial o altruístico?
-El artista al igual que cualquier otro ser humano tiene necesidades imperiosas que atender. Siempre he pensado que hay que dignificar la profesión. Me opongo de manera rotunda a que el artista de cualquier disciplina, se siga viendo como un ser etéreo que se alimenta del aire al mejor estilo de los bohemios románticos del siglo XIX. Más, si desde hace muchos años a esta parte, la política del Estado ha sido ir disminuyendo el apoyo económico a los grupos teatrales en contraposición con el estimulo que sí recibe la música, por ejemplo. Craso error, ya que no han entendido que la fortaleza del teatro está precisamente en las agrupaciones consolidadas, de las que hay muchas en todo el país. Eso en cuando a la primera parte de la pregunta, en lo que respecta al altruismo, siempre está presente, comenzando por el hecho de que el teatro infantil es un arte anónimo, ya que al niño no le interesa quien actúa, ni quien dirige, lo que quiere es pasarla bien.
-¿Sirve para preparar actores o espectadores?
-Por supuesto que sí. En el caso de los actores, siempre se ha dicho que el que haya hecho teatro para niños o teatro de calle es capaz de enfrentarse a cualquier tipo de público. Muchas de las figuras de nuestro teatro de hoy provienen del teatro de la escuela primaria o del liceo. Otro ejemplo a mencionar es la Compañía Teatral de Lily Álvarez Sierra, donde se iniciaron personalidades como Elianta Cruz, Ibrahim Guerra, Carlos Omobono y Orlando Urdaneta. De Thalía, la agrupación que dirijo, puedo mencionar a: José Manuel Ascensao, Wilmer Ramírez, Karl Hoffman, José Ángel Ávila, José Romero, Miguel Lizardi, Javier Zapata, César Rojas y a Natalia Capelleti. En lo que toca a los nuevos espectadores, siempre insisto ante los actores que en cada función tenemos la responsabilidad de develarles la magia del teatro a muchos niños que seguramente asisten por primera vez a un espectáculo teatral y de ahí nuestra responsabilidad de que esta experiencia los marque de una manera positiva para el resto de sus vidas. Prefiero hablar del niño como espectador en evolución y no como espectador del futuro, porque desde que el público pisa la sala ya recibe una información, está en contacto con el arte.
-¿Se enseñan técnicas del teatro infantil?
-Que yo tenga conocimiento, fuera de los grupos dedicados al género, no. Sé que Armando Carías, fundador y director del Grupo Chichón de la UCV por muchos años, ha abogado porque se imparta como materia en las diferentes instituciones que tienen a su cargo la formación de actores. En una oportunidad, ambos formamos un equipo, junto a Néstor Caballero y a José León. para diseñar y dictar una maestría de teatro infantil a licenciados egresados del IUDET, pero la experiencia no se volvió a repetir, ahora el teatro infantil sólo ha quedado reducido a un crédito de la mención docencia teatral, sin mayor trascendencia.
-¿Qué pasa con el público y el teatro infantil?
-Ya he mencionado que contamos con un público cada vez más exigente y continuo crecimiento. Creo que la cuestión está en llevar el teatro a aquellos niños que bien por falta de iniciativa de sus padres o por carencias económicas hasta el momento no ha sido favorecido. Hace unos 25 años tuvimos la oportunidad por iniciativa de Carlos Alfaro, estando al frente de la Dirección de Cultura del Municipio Sucre, de realizar funciones de calle en diferentes barrios de Petare, contando con todo el poyo de la comunidad en esa ocasión.
-¿Cómo se comportan los padres y cómo los niños?
-El padre o representante es quien escoge la obra que va a ir a ver el niño, en algunas ocasiones por aquello de que “protección implica dominación”. A partir de ahí hay detalles significativos que resaltar como es el caso de que son las madres en mayor números las que conducen a su prole al teatro. Lo primero que hacen, ya en la sala mientras esperan el inicio del espectáculo es leerles la sinopsis a los pequeños (de ahí que recomiendo que siempre se escriba esta, en forma de cuento para hacerla más amena pero sin revelar el final). Ya iniciada la obra, el adulto participa y disfruta. En cuanto al niño, siempre responde de manera honesta ante el espectáculo. Si no le gusta, enseguida muestra el rechazo que va desde el llanto a la protesta airada pero si lo logras enganchar, se convierte en el mejor espectador del mundo premiándote con su sonrisa.
-¿Es un buen negocio?
-La mayoría de los que hemos escogido con responsabilidad el género del teatro infantil como campo de trabajo, primero pensamos en el niño y después en lo demás. Con la ausencia de un verdadero apoyo por parte del Estado para quien ahora la prioridad del circo pareciera estar por encima a la del teatro y también ante la indiferencia de gran parte de la empresa privada, se hace imperante cada vez más depender de la taquilla para la supervivencia del teatro para niños. Se debe tomar en cuanta también que hacer un buen espectáculo tiene sus costos. No podemos regatear con un producto que va a consumir lo más preciado de cualquier sociedad, su infancia.

"Te querré infinito" abre otra senda

Desde el 21 de diciembre 1879, con el estreno de Casa de muñecas de Henrik Ibsen, en Copenhague, el teatro mundial revela el maltrato contra las mujeres dentro del matrimonio y propone reflexionar sobre la necesaria igualdad en las relaciones de la pareja desposada legalmente o arrejuntada. Ante tales peticiones desde la escena, las reacciones de la sociedad son notables y han generado cambios con leyes que garantizan derechos para las féminas que son víctimas o personas sin derechos en las uniones matrimoniales.
Pero aún así y cuando ya son 129 años de esa lucha teatral, los índices de “la violencia domestica” -así se rotula al gesto de que el macho dé puñetazos o pique a la aterrada hembra con el cuchillo de la cocina- les paran los pelos a personas sensibles. Y sólo hablamos de la sociedad occidental, porque en otras latitudes a las hembras se les tiene como “muebles caseros” y cuando las desposan el maltrato es peor. En síntesis, la total igualdad aún no existe, por más exaltación del feminismo que transmita la televisión, la gran Celestina del siglo XX y la que más provecho saca de esa falsa realidad, porque el machismo es conducta familiar y base cultural del sistema occidental, y eso no se cambia con leyes o decretos.
Y para recordar esos 129 años de “la decisión de Nora”, como se califica al gesto de la heroína de Casa de muñecas, cuando sale del hogar y deja a su esposo y sus hijos, se exhibe en la Sala Horacio Peterson del Ateneo la producción de la pieza Te querré infinito de la española Gemma Rodríguez (Barcelona, 1973), la cual sin ser tan violenta, ya que “los golpes son pocos”, reitera los grados de imbecilidad que sobreviven en el matrimonio y las consecuencias sobre los hijos, victimas de tanta brutalidad.
Gemma con su obra fotografía en dos lapsos a una joven familia contemporánea. El primero muestra el romance y la pasión de Clara y Nico, trabajadores en empresas competitivas, y para quienes el amarse es su norte. En el segundo, siete años después, el amor luce seco, hay secuelas y un niño de siete años es pretexto para que la ex pareja se vea y siga torturándose hasta el infinito en pos de la felicidad que ya no existe.
Si los especialistas consideran a Te querré infinito un refrito telenovelesco, porque el amor real está agotado conceptualmente, este montaje es lo más valioso del director Dairo Piñeres (Caracas, 1975). “Rompe” el texto y crea otra pareja que como espejo reproduce a millones de matrimonios similares. Un excelente aporte creativo para reiterar sus dotes de autor escénico. Además, el espectáculo gana en desarrollo, intriga y desenlace. Y hace más dramática la denuncia de la autora sobre la infelicidad de los matrimonios en pos de una entelequia trasmutada en costumbre animal.
Es ejemplar la dirección para lograr la sincronía de las parejas que componen Indira Jiménez y Janet Rojas con Luis Vicente González y Alexander Rivera, y la relación tragicómica con la directora del colegio del niño de Clara y Nico, la buena actriz Simona Chirinos, todo un personaje positivo dentro de la farándula teatral caraqueña por su capacidad de trabajo y por su innegable versatilidad.
Con este montaje, la agrupación Séptimo Piso, que festeja ahora sus 13 años de labores continuas y altamente positivas para las nuevas generaciones teatrales, inicia una búsqueda estética más centrada en el texto , sin descuidar los aportes escénicos. También hay que reconocer que este grupo es el macronúcleo donde trabajan más directores y creadores escénicos jóvenes y talentosos. Casi todos egresados del Iudet.
Sin pretender hacer comparaciones, que por lo general pueden ser odiosas, Séptimo Piso para el siglo XXI viene ser a lo que fue Rajatabla, con Carlos Giménez al frente durante la pasada centuria. Ahí hay gerencia y creación, pero además se sabe de todos los peligros que tiene la profesión y de la eventualidad de todo lo que hay en el plano cultural. Hay un líder y mucha gente que lo secunda, pero todos están en condiciones de trabajar en donde los ubiquen, para impedir que se repitan aquellas historias nefastas para el teatro mismo. Y por si fuera poco: ya tienen un público cautivo. ¡Todo eso vale oro!

Más reflexión sobre el hecho artistico pide J.A. Sánchez

Actualmente Venezuela carece de creativas investigaciones teóricas sobre sus artes escénicas que ocurren en tiempo real y en presencia de espectadores. Se hicieron algunas en la época de Carlos Giménez, porque críticos como Rubén Monasterios y Leonardo Azparren Jiménez reflexionaron sobre el por qué y el cómo de la mayoría de los espectáculos de ese huracanado argentino y otros creadores. La escena quedó vacía tras la muerte de ese gran artista y después ningún otro logró suscitar tales educativos y estimulantes enconamientos teóricos, claves para evaluar el derrotero del teatro como evento ideológico-práctico ante sus audiencias. Las reseñas periodísticas o las publicadas en la web son el único testimonio sobre lo pasado y lo que ahora ocurre, aunque pueden haber otras reflexiones, no tan difundidas. Y quedan, por supuesto, para conocerse las tradicionales tesis universitarias, cuya difusión es misteriosa o desconocida.
Reiteramos esa lamentable falencia teórica porque durante cinco días se realizó el Taller de Artes Escénicas / Dramaturgias del cuerpo y de la imagen, conducido por el investigador español José Antonio Sánchez (27 de mayo de 1963), en la sede de la oficina tecnica de la Aecid, dentro de los programas culturales que adelanta la Alcaldía de Chacao. Trece personas estuvieron, del 8 al 12 de septiembre, unas 20 horas como máximo, escuchando y aprehendiendo las disertaciones, bien fundamentadas, sin apasionamientos y con puntuales soportes teóricos y audiovisuales, sobre numerosos y selectos espectáculos teatrales, dancísticos y fílmicos de Europa, Estados Unidos y México, Colombia, Brasil y Perú, de las últimas tres décadas.¡De Venezuela como es obvio no había nada!
INVESTIGADOR
Sánchez, catedrático de Historia del arte en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha), es un investigador especial que ha estado más cercano a los artistas de su entorno, por lo que hace 14 años publicó el libro De las dramaturgias de la imagen a las dramaturgias de la imaginación, texto escrito en un contexto muy diferente al actual, pues en los años noventa trataba de apoyar teóricamente una serie de propuestas escénicas realizadas por españoles que intentaban homologar su trabajo con el de colegas europeos, herederos del teatro de imágenes, del teatro posmoderno y de las dramaturgias complejas de la época.
Reconoce Sánchez que su empeño en crearle un discurso teórico a una generación de creadores resultó en términos históricos fallido, pues la mayoría de aquellos colectivos se disolvieron o derivaron hacia trabajos banales, empresas educativas e incluso acabaron abrazando al enemigo, es decir, a la televisión.
Él puntualiza que la enseñanza de la historia del arte “en una facultad de artes sólo tiene sentido en la medida en que contribuye críticamente a la generación de nuevos discursos productivos”. Y reitera que la transmisión de información, uno de los objetivos de la enseñanza tradicional, ha quedado obsoleta, dada la facilidad para acceder a ella, y de lo que se trata ahora es de proponer guías de búsqueda en archivos, bibliotecas y mediatecas, metodologías de lectura, interpretación y elaboración y, sobre todo, incentivar la discusión y el trabajo en grupo. “La parálisis creativa que provoca la desmesurada cantidad de referencias inmediatamente disponibles, sólo puede ser salvada mediante la detección de necesidades de comunicación urgentes derivadas del análisis del presente inmediato. Cada comunidad, física o virtual, requiere unos medios para la elaboración simbólica de su realidad, la pertinencia de los cuales ya no puede ser juzgada de acuerdo a valores propios de la estética moderna, sino en función de diversos criterios de eficacia, uno de los cuales debe ser necesariamente el de eficacia artística (que no estética), pero al que se pueden añadir otros procedentes de lo social, lo micropolítico, lo educativo, lo científico, etcétera”.
Sánchez afirma que el arte ha perdido su posición social y se implica en dinámicas culturales más amplias. “Ello es una consecuencia de la imposición de la cultura visual y de modo de inscripción del arte que recupera ciertas componentes propios de la época premoderna. Los estudios de cultura visual han puesto de relieve la necesidad de considerar los productos artísticos como objetos entre otros con el contexto de la cultura visual. Antes o más allá de la consideración artística de la obra de arte, ésta es un producto visual que comparte códigos y contexto con otos productos visuales no artísticos. Pero la diferencia entre el arte y lo no artístico se fue debilitando en las ultimas décadas del siglo XX., al mismo que se debilitaron las diferencias entre Alta Cultura y Baja Cultura”.
Tras reconocer que no conoce el estado actual de las artes escénicas venezolanas, pero se compromete en posteriores viajes ponerlas más atención, Sánchez afirma que le interesan aquellos creadores escénicos con plena consciencia de la especificidad y los recursos del medio y que utilizan este medio para proponer un discurso abierto a la ciudad, que renuncian a la protección del espacio acotado por la institución teatral e insertan su trabajo en un espacio cultural amplio. “Me interesan los creadores que no se conforman con el oficio y el aplauso de la profesión, aquellos que buscan la formulación de ideas o la exposición de sensaciones de un modo que ningún otro artista en otro medio podría alcanzar”.
A los interesados en mayores detalles sobre lo que hace y adelanta Sánchez, cual versión del legendario Quijote de La Mancha, les recomendamos visitar la página web:
http://artesescenicas.uclm.es/nueva2/.
Ahí comprenderán que su objetivo es poner a disposición de estudiantes, docente y profesional material crítico y documental sobre creadores escénicos contemporáneos iberoamericanos, así como sobre sus contextos de producción, exhibición y crítica. No es un archivo exhaustivo, sino una propuesta documental ligada a un propósito historiográfico definido.
COMPARACIÓN
Este taller fue un viaje al pasado y un repaso del perezoso presente que nos asalta desde la escena o alguna esquina de cualquier ciudad, donde su mejor teatro está en la calle y no lo hacen sus valiosos actores. Más que 20 horas para absorber ese valioso batiburrillo escénico, lo que se hizo fue un agradable y nostálgico ejercicio de imaginación para comparar o confrontar lo ocurrido afuera con lo que transcurrido en Venezuela desde 1993, porque buena parte de lo exhibido también se vio aquí, gracias a los festivales internacionales de Caracas, pero estos perdieron calidad y cantidad por sus gerencias improvisadas, y desaparecieron sin dolientes y “por inventario”.

Al final, este seminario arrojó un balance íntimo sobre la inevitable decadencia del arte de una comunidad cuando la comercialización o banalización se convierte en filosofía y dicta los derroteros de su vida cultural. Todo eso como consecuencia de la desaparición de sus mejores artistas y su mediocre sustitución, porque el arte no se decreta, como diría el más cuerdo marxista, si no que se preparan las condiciones objetivas y subjetivas y además se diseña y apuntala el mejor contexto para que finalmente irrumpa el talento creativo