Otro triángulo erótico

Otra obra de autor venezolano está en el escenario, gracias al trabajo tesonero de un puñado de artistas que crearon al grupo Quintaescena, el cual pretende dar vida a nuevos y esperanzadores proyectos multidisciplinarios en varias ramas del quehacer artístico, como son el teatro, el cine y la televisión. Y todos sus integrantes saben, muy bien, que cada vez que un texto criollo se confronta con la comunidad de donde ha emergido, se habrán incrementado los imperecederos lazos de comunicación que deben existir entre artista y pueblo. Y, muy especialmente, cuando se trata de dramaturgos nuevos o emergentes, porque pobre del país que solamente cuenta con figuras del pasado y carece de voces contemporáneas. Hechos, como este, serán siempre plausibles, porque el teatro habrá avanzado más kilómetros hacia la cúspide del desarrollo deseado, siempre que haya empresa pulcra y buena literatura dramática para hacerla espectáculo. ¡A pesar de todas las rémoras que afectan a la nao teatral creemos en el futuro que se construye ahora y no precisamente en el que se sueña o se inventa al calor del café con leche!
Sagrada familia
Y por eso recordamos como el 31 de octubre de 2006 se estrenó la comedia Sagrada familia en la Sala Horacio Peterson. Su autora Mayling Peña Mejías (Caracas, 30 de diciembre de 1976) mostró en la escena, bajo la dirección de Luis Alberto Rosas, algunas aristas de la descomposición social venezolana, consecuencia de la crisis económica y la pérdida de valores morales, una mezcla explosiva que engendró la espectacular oleada de violencia que anonada a sus habitantes.
Esa Sagrada… es la saga de un trío familiar -José, María y la hija- empeñado en no perder su status de clase media; pero ese terceto en vez de buscar un trabajo o una actividad “legal” que le permita un ingreso para cubrir sus gastos, opta por la discreta mendicidad, los inverosímiles secuestros de un muerto y de una enferma anciana para robar sus supuestas fortunas, y llega, incluso, hasta coquetear con la prostitución y el proxenetismo de las féminas, además de juegos ilícitos y el narcotráfico.
En fin, Sagrada… cuenta y recuenta las cotidianas peripecias de los vivianes empeñados en sobrevivir a costillas de los demás. Sorprende la agudeza de su crítica, bien hilvanada y con delicioso humor, además de su propuesta didáctica ante los difíciles tiempos que acorralan a la clase media, cuyos integrantes luchan para vivir primero y nunca descender, aunque tienen que asumir conductas maquiavélicas: primero el estómago y después la moral.
Mi cama tiene tres lados
A cuatro años de tan prometedor debut, irrumpe Quintaescena y Mayling vuelve con Mi cama tiene tres lados, divertida comedia integrada con seis micro obras centradas en las diversas conductas sexuales de hombres y mujeres y, para que nadie se queje, hasta hay un patético travesti criminal y además rocambolesco ladrón de órganos de seres humanos, y, por si fuera poco, el espectáculo tiene colofón reflexivo con cinco actores-personajes angustiados porque la soledad los acosa y no han conseguido el amor.
Mi cama tiene tres lados es un conjunto de situaciones ambientadas en un contexto de clase media, que debe entretener a la audiencia con las situaciones triangulares de amantes descubiertos en aventuras eróticas, o por el bisexual que sale del closet porque su esposa así lo provoca. De todos los seis cuadros u obras, la saga del travesti delincuente no está “redonda”, es un cuento escénico abrupto, sin verosimilitud y luce afectado por la truculencia de su situación. La autora debería detenerse en esta micropieza, estudiarla y entregar, en otro montaje, un excelente policial, tema que también gusta al público. La prueba de fuego de todo texto teatral es el escenario y su interrelación con los comediantes, tal como lo enseñaron Shakespeare, Moliere y otros señores del teatro. Eso, hasta ahora, no ha cambiado, o sea que todo aquello que el estomago de la escena no macera, no llega a las butacas, no alimenta el espíritu y no sirve.
Mi cama tiene tres lados es un grato espectáculo gracias al talento del director y versionista Aníbal Grunn, quien trabajó, muy profesionalmente, o sea que le hizo dramaturgia escénica al texto de Mayling, para que esos cuentos recibieran una fina producción general en el espacio escénico creado, por Héctor Becerra, para tal fin: dos minihabitaciones de hotel, donde ocurre todo, sin que sus ocupantes se enteren de lo que sucede al lado.
Francis Romero y Pedro Pablo Porras, los más lucidos con sus personajes, trabajan codo a codo con Marco Antonio Alcalá, Alba Vallvé y Alexander Montilla, en la sala Teatrex, en El Hatillo.

CICA, palanca para el teatro

Ante los tiempos difíciles solamente queda trabajar, trabajar y trabajar. Así piensa y procede el primer actor Karl Hoffman (Caracas, 13 de enero de 1965) y por eso lo hemos entrevistado, ya que es mucho lo que tiene para decir.
-¿Qué hace un actor como usted, en el pleno ejercicio de sus capacidades y condiciones físicas, metido en los avatares de la educación teatral?
- La misma vida me ha llevado allí. Todo comienza cuando mi hermano, dueño de una compañía de capacitación gerencial nacional e internacional, me invita a preparar algunos talleres de voz y dicción para empresas. “Voz y Dicción” fue una materia que estudie, con Humberto Duvachelle y el difunto maestro Esteban Herrera, en la que considero que siempre será mi segunda casa, la Escuela Juana Sujo. Ahí me enamoré de esa cátedra y la he cultivado desde siempre. Me dí cuenta de la efectividad que tiene en la vida personal y profesional y aunado al feed back de los participantes cuando terminaba los talleres, fueron factores importantes para tomar en serio el tema de la docencia. Entonces así fue como comencé a dictar talleres puntuales. Hasta que comencé a dar clases y cursos de actuación –sobre la base de la experiencia- en varias escuelas. Fueron dos años de análisis profundo, de observar que necesitaban los alumnos, que pedían, de que se quejaban, y detallar en que se podían mejorar las clásicas estructuras de enseñanza. Ahí hice hincapié y diseñé mi propio sistema de educación y metodología, implementando nuevas tendencias y tecnicismos. Los alumnos de esas escuelas pedían que les dedicara más tiempo. Así, impulsado por mi esposa, nos independizamos y abrimos CICA, Centro Integral de Capacitación Artística y Actoral, que en cuatro años se ha posicionado en el mercado ofreciendo a todas aquellas personas que desean incursionar en el mundo del arte y en el mundo del desarrollo personal una alternativa decente, viable, efectiva, profesional, amable y segura.
“La gente piensa que tener una escuela de actuación es juntar a un grupo de jóvenes y decirles: muévete para aquí o muévete para allá. O improvisar un taller y lanzarlo al mercado sin planificación alguna. O unir a un poco de panas y decir: tengo una escuela. CICA va más allá de eso. Como dice mi compadre Rolando Padilla, en CICA, no se tigrea, Aquí nos caracterizamos por la seriedad, el compromiso, el cumplimiento, el diseño, la organización y el profesionalismo. Pero créeme que si hubiese sabido que era tan complicado lidiar con todo esto, no la hubiese abierto. Pero ahora estoy enamorado de lo que hago y mi mejor tarjeta de presentación son mis alumnos. A pesar de todo lo anterior, esto no me ha prohibido ejercer mi carrera de actor. Desde hace cuatro años que existe CICA y he hecho dos telenovelas, cuatro obras de teatro y hasta una película. Me gradué de Licenciado en Gerencia y Producción y ahora estoy haciendo una especialización en Mercadeo para empresas en la UCV. Y ensayando dos piezas teatrales más que se estrenan en julio y noviembre. He tenido tiempo para eso y para atender a mi familia”.
-Se lo pregunto por que el teatro, como disciplina artística, es muy complejo para su docencia, la cual va desde la actuación y llega a la dramaturgia, pasando por la dirección y los aspectos técnicos como iluminación y estenografía, sin dejar por fuera la producción y la promoción del mismo.
- Excelente pregunta y le felicito por ella. Usted mismo ha dado la pregunta y la respuesta prácticamente. Y ojalá los lectores así lo entiendan. Es justo lo que hacemos aquí en CICA. Los actores salen preparados integralmente. Y de eso pueden dar fe quienes han pasado y aún permanecen en las líneas de la docencia de CICA: Moisés Guevara, Diana Volpe, Markel Méndez, Enzo de Paola, Manuel Salazar, Iraida Tapias, Otto Rodríguez, Amado Dehesa, Mario Sudano, Carlos Montilla, Mónica Pascualotto, Robert Castro, María López, y yo mismo, entre otros tantos......Justo es lo que dice sobre el complejo mundo del arte. Un actor para mí debe saber no solo a actuar. Está obligado a saber de todas las disciplinas que enmarcan la carrera; y al aprenderlas a entender y a manejarlas, desde el punto de vista actoral, será un profesional plenamente más capacitado. Todo va desde las vivencias, pasando por la cultura general, sin olvidar la disciplina, el compromiso y todo lo que tu has dicho en la formulación de la pregunta. Hay un factor que es nuevo en el mundo de la disciplina artística y que ahora cobra vital protagonismo: la publicidad y la promoción. De eso también CICA se encarga.
-¿Cómo son sus talleres, durante qué tiempo se realizan y qué le enseña a sus alumnos?
-CICA es un centro multidisciplinar. Por ejemplo, tenemos un taller única y exclusivamente para adolescentes, entre 12 a 17 años, que no se hayan graduado aún de bachilleres. Se dicta los sábados de 8 AM á 12 M. Esos talleres para adolescentes tienen dos niveles, cada uno de 6 meses y ambos niveles terminan con un montaje teatral. Básicamente, es la unión entre un taller montaje y la enseñanza de lo que son las técnicas básicas para adolescentes a nivel actoral, entre otras materias propias de la edad a la cual está diseñado la capacitación.
“Luego está el taller para adultos. Dictado los jueves y/o los sábados. Destinado a aquellas personas que quieren estudiar para ser actores y/o crecer a nivel personal. Esta fase está diseñada en tres niveles. Un nivel básico, donde se ve: Voz y Dicción, Iniciación a la actuación (método Stanislavsky), Interpretación y juegos escénicos y Psicodrama. Luego un nivel Intermedio, allí hay: Actuación y construcción del personaje (Método Stanislavsky), Análisis del texto dramático, Psicología aplicada a la actuación y Expresión corporal". Cabe destacar que ambos niveles terminan con un taller montaje. Y el último nivel, el avanzado, dedicado única y exclusivamente al manejo actoral en cine y televisión. Terminando con la grabación de un cortometraje y otras herramientas en pro del desempeño profesional del egresado”.
“ A groso modo es un tema muy completo con materias que sólo en CICA se dictan porque han sido diseñadas observando el nuevo comportamiento y las nuevas tendencias actorales. Las clases siempre comienzan en enero y en julio de cada año y las inscripciones están abiertas durante todo el año. Aprovecho esta oportunidad que me brindas para invitar a todos aquellos que quieran estar con nosotros en CICA que las inscripciones para el período Julio-Diciembre ya están abiertas y nos pueden contactar por los telfs: 0212-815-6966 / 915-3550. O también por la página web: www.cicakh.com.ve.
-¿Qué le ha llevado a esa tarea tan compleja y tan completa, como es la educación artística?
-Bueno, como le respondí en la primera pregunta, la misma vida. En algún momento, al inicio, me paso la idea de retirarme de la educación, por lo complejo de la responsabilidad, pero veo a mis amados alumnos tan emocionados y motivados que lo que me dan ganas es de tener un canal de televisión o una compañía cinematográfica para que cada uno de ellos tenga mas trabajo a penas salgan egresados. En el mejor sentido de la expresión: uno se enamora de sus alumnos, los ve crecer, mejorar, escalar posiciones, y cuando los vez trabajando es la mejor recompensa. Creo que eso es de lo que ahora no me puedo desprender, de sus alegrías, sus emociones y de sus triunfos. Ya algunos han trabajado en novelas, obras de teatro, series de televisión, propagandas, lecturas dramatizadas, asistencias de dirección, producción, entre otras oportunidades que han llegado a CICA y nosotros se las brindamos.
-¿Cuáles son sus balances en esta etapa como docente y empresario?
-Descubrir que Dios me dio esa capacidad de enseñar, de transmitir conocimientos; y que si el me puso en este camino debo continuar hasta que el mismo lo decida. Que he encontrado en CICA la posibilidad de brindar alegrías, satisfacciones, oportunidades y triunfos a muchos. Que tengo entre mis alumnos a gerentes, médicos, ingenieros, abogados, publicistas, ejecutivos adolescentes, adultos, gente de la tercera edad, y esa combinación ha sido perfecta y están felices de mis enseñanzas. Como ellos mismos dicen: "Quiero que llegue el día de clases porque me siento en casa". Darme cuenta que tener un centro de formación artística exitoso genera mucha envidia. Que mientras más temprano me levanto y organizo mi vida y mis actividades, mejores cosas consigo. Que la honestidad siempre será mi norte como persona, como empresario, como docente y como profesional. Y que la ambición, la mentira, la intransigencia y la prepotencia, es para los desasistidos. Saber que los amigos van y vienen y aparecen otros. Y que algunos de los que decían ser tus amigos.... más nunca aparecieron, ni llamaron. Esos fueron tus enemigos siempre. Entender y agradecer que gracias a que grandes empresas, los medios y los amigos periodistas, han creído en mi trayectoria y en el proyecto de CICA como eje motivador de las nuevas generaciones y de los que quieren crecer profesional y personalmente, en esa misma medida nos han ayudado a darnos a conocer y a crecer como una institución sería y reconocida. Creo que CICA es otra palanca importante para el desarrollo teatral contemporáneo.

Muerte en directo

Los unipersonales pululan desde que existe el teatro griego. Y en la historia del arte escénico criollo, particularmente durante la última década del siglo XX, el monólogo más destacado fue creado por la autora Mónica Montañés, el director Gerardo Blanco López y la cómica Mimi Lazo. Exhibido en Europa y en casi toda América, tras estrenarlo durante la temporada 1996 del Ateneo de Caracas, El aplauso va por dentro ahora espera su versión cinematográfica, para lo cual sólo falta decidir qué actriz dará carne, sangre y temperamento a la histérica cuarentona Valeria, empeñada en casarse por segunda vez o pasarla muy bien con un caballero que la pretende, pues ella se niega a llevar su soledad en solitario e insiste en la utopia del amor.
El histórico espectáculo Montañés-Blanco-Lazo, el cual aún se exhibe, suscitó una necia revuelta entre periodistas, críticos y teatreros de todos los plumajes. Nadie quería explicarse el éxito de “ese monólogo de mono rojo”, solamente el público acudía, y aún así ocurre cuando lo presentan, para divertirse con los patéticos enredos de una divorciada empeñada en ponerse buena o sexy para conquistar a un caballero, quien lleva una vida íntima complicada.
Ese teatro “ligero” o “comercial” se convirtió en monumental diván de Freud al cual mujeres y hombres iban, o van, para disfrutar del dolor ajeno, a sabiendas que también es el de ellos o ellas .Y brotó, cual verdolaga, la monologüitis. Todos y todas saltaron a la escena con sus soliloquios. Hubo ganancias, perdidas y hasta liquidaciones por desalojos, pero los espectadores hicieron sus cojonudas catarsis, porque únicamente para ellos se trabaja, desde que Tespis inventó el ritual teatral para su comunidad.
Teatro como pretexto
Pero mientras en Buenos Aires, donde puede faltar la carne y el vino pero nunca el teatro, cinco mujeres monologan simultáneamente y conmueven al público con sus sagas, aqui en la Sala Horacio Peterson de Unearte, la consagrada actriz Alma Blanco pierde cada noche su vida, mejor dicho encarna a una comedianta que se pasea, durante unos 55 minutos, por lo que ha sido su existencia, repleta de metas o de anhelos factibles de escenificar, porque se suicidará al culminar su discurso, ya que así lo ha determinado, porque es una decisión propia y no inducida.
Pero antes de ejecutar su mutis final, comparte sus reflexiones y preguntas con los espectadores. A su vez, diserta enfáticamente sobre el arte teatral, sus técnicas, métodos, personajes y el lugar que ocupa en el ámbito social; alude al lugar del actor, sus fantasías y fantasmas, y remata con una analogía que al mismo tiempo es una paradoja: teatro-vida-muerte. Todo en un tono irreverente, mordaz, sombrío y en momentos hasta luminoso. El autor utiliza a ese asqueado personaje para arremeter contra los medios de comunicación masivos del arte y propalar su alegato a favor del teatro de arte, de la toma de posiciones necesarias de los artistas y hasta opina o evalúa el mítico libre albedrío, ese que volvió loco, dicen algunos, al mismo príncipe Constante.
Se trata del monólogo Muerte en directo, de Guillermo Heras (Madrid, 1952), quien lo trajo a Caracas durante una de sus teatrales y quijotescas visitas y se lo dio a la actriz Alma Blanco y la directora Gladys Prince para lo hicieran espectáculo vivo. Ellas lo adaptaron y desde la temporada 2006, en el Teatro Luis Peraza, ha estado en escena y ahora busca nuevos espacios y espectadores, a sabiendas que su temática puede ser críptica por momentos pero que puede disfrutarse cual un bálsamo para los malos tiempos.
Es, pues, un texto culto, donde no hay desperdicio, donde todo está justificado. Todo es plausible, menos el suicidio fuera de escena, de un pistoletazo, de la actriz- personaje, que vive y hasta apasiona al auditorio gracias al trabajo profesional de Alma Blanco, una veterana y estudiosa integrante del Centro de Creación Artística TET, institución que comenzó a caminar desde 1972, de la mano de Eduardo Gil y que después ha comandado Guillermo Díaz Yuma.
Amor y soledad
La periodista Carolina Prieto, del diario bonaerense Pagina 12, publicó, el pasado 4 de junio, un extenso reportaje sobre la proliferación de los unipersonales creados y encarnados por actrices, obras de cámara con centímetros de distancia entre escenario y platea, de mucha intimidad y una comunicación casi directa con el público argentino. Entrevistó a Ximena Banús, María Merlino, Deby Wachtel, Irene Sexer y Leticia Torres Ximena Banús, quienes hablaron del público, el amor y la soledad:
–Todo lo que suceda va a depender de tu ritmo, de tu actuación, de tu percepción del público. Un público más risueño hace que yo me vuelva más risueña aún, y un público menos expresivo me lleva por otro lado, hace que no me acelere para causarle simpatía o risa. Termino más arriba después de actuar con un público festivo, pero un público que no se manifiesta tanto me ayuda a actuar mejor. Aprendí que al espectador hay que darle aire, no hay que darle material todo el tiempo sin respiro
-¡La mujer es el amor! Es atávico e inherente a su naturaleza, dentro del cuerpo femenino se forman los bebés. Creo que todo el mundo emotivo de las mujeres ve en el sufrir, en la falta y en la búsqueda del amor un territorio vastísimo donde saciarse.
-Todos sentimos amor, alegría, tristeza, soledad. Pero las mujeres tenemos una manera de contarlo más cruda, más desnuda y explosiva. Como si no pudiéramos callar todo lo que nos pasa y, en muchos casos, como si tuviéramos la necesidad de hacer algo y transformarlo en un hecho poético.
–Sufrimos la soledad y la falta de amor por igual, sólo que los hombres lo manifiestan de otra manera porque pesan diferentes mandatos que incorporamos y asimilamos. Sobre nosotras pesa distinto el estar sola y a medida que pasa el tiempo, pesa cada vez más. Hablamos porque nos gusta hablar de lo que nos pasa, nos gusta que nos escuchen. Qué mejor para eso que plantarse solita en un escenario.
-A mí no me interesó hablar de la soledad sino meterme con la obsesión y cómo la obsesión hace que desarrolle un poder de observación tremendo y conozca los vericuetos del ritual, hasta los pies hinchados de la novia apretados en sus zapatos nuevos o el ruido de las medias con el roce de las piernas. Es como si percibiera todo con lupa, con un zoom.

In Memóriam Ricardo García

Apareció muerto en su apartamento el 16 de diciembre de 2005. Este barquisimetano, de 46 años, dejó un valioso legado como guionista de cine y televisión, pero especialmente era dramaturgo. Y para que su memoria no desaparezca, un grupo de artistas, con los venezolanos Oscar Mendoza (director) y Gabriel Comrie Pepin (diseñador) a la cabeza, están exhibiendo en el downtown de Nueva York su pieza Manhattan Project, traducida por Adolfo Pérez Álvarez, dentro de la programación del Green Festival Planet Connections Theatre Festivity, el cual se realiza durante este mes de junio.
Ricardo García inició su carrera como autor teatral y posteriormente trabajó en los guiones de las películas Ifigenia y Tosca de Iván Feo y Reflexiones de César Bolívar. Intervino como libretista en diversas telenovelas, como Quirpa para tres mujeres, Caína y Amor mío. Viajó a México, en 1996, donde tuvo una parte activa en el equipo de escritores Argos que laboraba para TV Azteca. Su labor en el teatro fue extensa y tiene obras importantes como Niño lobo, Harry Dickson y Lobo Rojo, entre otras.
El director Mendoza, vía email, comenta que cuando se instaló en Nueva York, hacia 2001, se llevó casi todas las obras de Ricardo García. “Nunca pude entender como un escritor con su inteligencia y su solidez jamás fuera publicado. En 2003 tuve mi primera comunicación con él, quien se había instalado en la capital mexicana. Mi intención era hacerle saber que tenía sus textos y quería traducirlos al inglés y montarlos. Comenzó a revisar sus escritos y vino a hablar conmigo. Yo estaba trabajando en un montaje de dos comedias de John Guare en el Gene Frankel Theater aquí en Manhattan. Nos vimos en la Pequeña Italia y allí le mostré lo que teníamos. Se contentó muchísimo y estaba, muy entusiasmado. De aquí viajó a Caracas donde fue, dos días después, asesinado cobardemente. Mi interés por su dramaturgia trasciende al mensaje, al argumento. Mi interés por Manhattan Project es estético. Él podría ser leído en cualquier idioma y la estructura estética quedaría intacta. Por mi parte, ésta es mi segunda invitación a este evento que se desarrolla en tres salas con más de 50 producciones independientes”.
Sobre Manhattan Project comenta que el autor la tuvo guardada durante diez años, porque creía que era confusa, pero finalmente la dejó conocer. Tomó el titulo y elementos para su creación literaria a partir del nombre de un plan científico-militar, desarrollado, especialmente durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), para obtener las primeras bombas atómicas antes que Adolfo Hitler y sus secuaces lo lograran. Estados Unidos, el Reino Unido y Canada lo liderizaron y lo ejecutaron. El general Leslie R. Groves y el físico J. Robert Oppenheimer fueron sus líderes. Empleó a más de 130 mil personas y costó cerca de 22 mil millones de dólares del valor actual.
La pieza teatral se centra en una entrevista por televisión a la científica Margaret que ha participado en un proyecto destinado a la fabricación de los artefactos que después explotarían sobre Hiroshima y Nagasaki, para imponer la capitulación a Japón e iniciar así una espeluznante carrera nuclear que puede destruir al planeta Tierra en cualquier momento.
Ricardo García -estudió en la Escuela de Artes de la UCV, pero nunca presentó la tesis, contó Xiomara Moreno- escribió que su pieza es un declarado ejercicio de literatura, donde el entrevistador Charles al insistir en mostrar el lado humano de la madura mujer, termina tejiendo una historia de amor y de traición tan explosiva como ese preámbulo que inauguró la amenaza del holocausto atómico para la humanidad. “Quizás no sea más que un melodrama que el autor y el entrevistador disfrazan de disertación científica por cuestiones de pudor”.
¿Y se podrá ver alguna vez esa pieza aquí en Caracas? Ojalá que Oscar Mendoza y su gente lo consigan, para así exaltar la memoria de un artista criollo malogrado en la mejor etapa de su carrera profesional.

Pareja con 18 huecos

Si quiere aprender mecánica automotriz puede intentarlo de inmediato. Abundan escuelas que enseñan los rudimentos y hasta unas cuantas especialidades. Pero si pretende dominar el abecé de la escritura teatral encontrará complejos obstáculos. No hay institutos con sólidos programas dedicados a esa labor, salvo algunos avezados dramaturgos que reparten sus conocimientos a quienes acepten sus métodos. ¿Y ellos donde aprendieron? Lo que si pululan son cursillos sobre escrituras de telenovelas o guiones de cine, por lo que los interesados en la dramaturgia terminan sumergidos en otras complejidades y al final el teatro sale perdiendo, como tal.
Pero el teatro criollo avanza a pesar de su larga lista de problemas y el inexplicable desinterés de grupos, productores y directores para mostrar textos de sus compatriotas, salvo cuando los interesados financian sus montajes o ganan premios internacionales. Algunos exhiben sólo obras de sus amigos y gerentes y hasta una que otra pieza foránea para guardar apariencias. Son versiones, al revés, de El Nuevo Grupo, el “portaaviones” más importante del teatro criollo durante el siglo XX.
Esta introducción busca ambientar y festejar el estreno y la temporada, por ahora en el Celarg, de Nueve huecos, de Javier Moreno (Caracas, 12 de diciembre de 1960), dirigido y producido por su hermana Xiomara Moreno, con el profesional respaldo de Frank Silva y Mayte Parias. El autor, con 21 obras estrenadas, y el espectáculo demuestran como cuando hay talento, se quiere y además se cuenta con un poco de ayuda de sus amigos y de la familia, sí se puede exhibir una útil comedia dramática sobre la contemporaneidad venezolana y hasta permitir que un dueto de interpretes demuestren que tienen condiciones y puedan avanzar en el difícil camino de las actuaciones convincentes.
Nueve huecos es una inesperada comedia contemporánea que pendula entre la jocosidad erótica y la intensidad de una eventual rivalidad sexual. Es una saga, como lo precisa la directora Moreno, sobre la convivencia entre una mujer depredadora y un hombre manipulador. Una oportuna obra sobre el exacerbado materialismo y el interés individual que se combinan para hacer naufragar la necesaria o terapéutica relación de la pareja, más allá de las conductas sexuales.
Esa es la lectura escénica que hemos hecho del enfrentamiento entre Dalia (Mayte Parias) y Raúl (Frank Silva). Ella es una arribista que en ciertas circunstancias debe pedir alojamiento a él, un escritor de medio pelo y empleado de ministerio, en su alquilado apartamento. La forzada relación de pareja que surge va acrecentando las respectivas capacidades y las ambiciones de salirse cada uno con lo suyo: Dalia pretende asegurarse un medio material de supervivencia a costillas del otro. Raúl busca granjearse la satisfacción sexual y la comodidad de una relación abierta aunque jerárquica. Como sería lógico esperar la acción se desenvuelve hacia el terreno de las fricciones, de los malestares y la antipatía. La obra está armada en nueve cuadros que representan respectivamente cada una de las cavidades del cuerpo humano y a la vez los escalones que desciende la relación de pareja, en medio de un enfrentamiento de diálogos y acciones de fino humor y alta comedia, hasta el plano de la vergüenza o la mutilación.
A pesar que no creemos que las obras de arte dtengan que ser explicadas por sus creadores, destacamos el hecho de que el programa de mano revelan que el titulo Nueve huecos está inspirado en una frase de Johannes Von Tepl que aparece en su obra Labrador de Bohemia: “Cada hombre perfectamente creado posee nueve huecos por donde corren las inmundicias mas repulsivas”. Y, por si fuera poco, además agregan que “con esta premisa preséntanos las dificultades de la convivencia, la aceptación del otro y de uno mismo como ser diverso, y el materialismo exacerbado como temas de siempre”.
La verdad es que esas instrucciones o guías para degustar a Nueve huecos están de más, porque el producto artístico es bastante explícito y hasta un tanto didáctico. El espectador podrá concluir, entre otras cosas, que hoy por hoy Nueve huecos es un conflicto de heterosexuales, pero también es de homosexuales o lesbianas, porque lo que ahí se advierte es la gravedad de una relación disfuncional, del nefasto acoplamiento por intereses materiales, del animal acompañamiento para matar el tiempo, de la ausencia de amor que se transforma en una agresión diaria como arma de lucha y que no se sacia hasta la aniquilación total del contrario. Es aceptar dormir con el enemigo para acompañar la soledad. Ya el dramaturgo Moreno denunciaba esa terrible situación en el unipersonal La golpista.
Es buen teatro comprometido con la actualidad y corre como agua fría por la garganta del sediento, gracias a la pulcra dirección, las placenteras y conmovedoras actuaciones y la minimalista producción. Y reiteramos que ha servido de gran manera para relanzar a esa pareja de histriones valiosos, Frank Silva y Mayte Parias, porque son los cuerpos y las almas de esos contemporáneos Dalia y Raúl, modelos de angustiados seres destruidos por una sociedad que no permite la utopia del amor y que sí exige el pingüe negocio con las más elementales relaciones humanas.
Y no podíamos olvidarnos de la tenacidad de Xiomara Moreno con su paciente trabajo de directora general y en especial por la conducción de los actores. Un trabajo perfecto, donde está además el gran soporte de la música creada por Laden Horvat.

Wilde juzgado en Caracas

Lo que más ambicionan o desean los artistas e intelectuales venezolanos es ser exaltados en su propio terruño. Pero, en ocasiones, ese anhelado reconocimiento no llega sino cuando se triunfa en el exterior. El más reciente caso de tan “curioso fenómeno cultural” es precisamente protagonizado por un caraqueño que a los 24 años se instaló en Estados Unidos de América para estudiar dirección teatral. Sus profesores de la Universidad de Nueva York le aconsejaron que formara una agrupación con estudiantes o jóvenes comediantes, por supuesto, para que así la teoría y la práctica fuesen de la mano. ¡Sabia recomendación!
Así lo hizo y con su Tectonic Theater Project, fundado en 1992, comenzó una producción “silenciosa” de espectáculos hasta cuando, tras escribir y exhibir, su primer texto Actos Indecentes. Los tres juicios de Oscar Wilde (1997), la exigente critica teatral ponderó su trabajo y el todopoderoso periódico The New York Times, lo catalogó como uno de los 10 personajes que había logrado transformar el ámbito cultural de Estados Unidos de América, en aquella última década del siglo XX.
Pero es ahora cuando en Caracas se podrá ponderar esa pieza que lanzó a Moisés Kaufman (21 de noviembre de 1963), gracias al montaje que dirige Michel Hausman y protagonizan Javier Vida, Alejo Felipe, Juan Carlos Alarcón, Rolando Padilla, Christian McGaffney, Fernando Yvosky, Elvis Chaveinte y Eben Renan.

El estreno de este montaje, gerenciado por Yair Rosemberg para Producciones Palo de Agua , seríal próximo 15 de julio en el teatro Escena 8 , en Las Mercedes. De esta manera, se conocerá en Venezuela la “ópera prima”, que lo hizo famoso, hasta colocarlo entre los más importantes artistas del medio teatral estadounidense. Hay que reconocer, que su prominente sensibilidad e inteligencia le han permitido además elaborar un discurso estético propio y poner en práctica una metodología de trabajo que apunta hacia las más hondas interrogantes de la condición humana. ¡Su patria ya no lo ignorará jamás!
110 años después
Actos indecentes. Los tres juicios de Oscar Wilde tiene como eje la tripleta de procesos a los que se enfrentó Oscar Fingal O'Flahertie Wills Wilde (Dublín, 1854/París, 1900), pero no es una interpretación de su vida. A escasos meses de cumplirse 110 años de su muerte, gracias a la pieza de Kaufman el poeta irlandés “vuelve” al banquillo de los acusados, por haberse enamorado del joven lord Alfred Douglas, ya que en la sociedad victoriana, de finales del siglo XIX, sostener relaciones homosexuales era un grave delito. El castigo fue impuesto y la mala reputación marcó la vida del escritor para siempre. Años después, fue reivindicado, cuando la sociedad británica ya no castigaba tal delito.
En el texto no se maneja la dimensión de un ser revolucionario o de un Wilde arquetipo del gay, sino de un ser humano que tiene las mismas contradicciones que tienen todos. Plasma a un ser humano que se encuentra de repente inmerso en una realidad ante la que toda creación choca contra las estructuras sociales, la ley, la moralidad, las ideas convencionales y el puritanismo.
Esta obra, que se ha presentado en más de 40 ciudades en Estados Unidos de América y en otras tantas urbes americanas y europeas, exhibe a Wilde en pleno romance con el tercer hijo del marqués de Queensbery. Este, John Sholto Douglas, arrogante, malhumorado, excéntrico y quizás incluso desequilibrado mental, noble escocés cuyo mayor logro había sido desarrollar y promover reglas para el boxeo amateur (Normas Queensberry), hace todos los esfuerzos posibles para romper la relación.
El marqués deja una nota a Wilde en el club social al que este concurría, acusándolo de “sodomita”, Wilde comete el error de seguir los consejos de su amante e inicia un juicio contra su “suegro”. Cuando Queensberry intenta probar que Wilde es homosexual, éste decide abandonar el juicio pero con ello no consigue impedir su propio arresto por el cargo de “Actos indecentes”. Durante el nuevo juicio, varios jóvenes testifican haber tenido relaciones con él. El bardo se defiende utilizando argumentos estéticos pero en el tercer y último juicio las consideraciones políticas juegan en su contra y sus intentos por impresionar al jurado no logran evitar que fuese declarado culpable de “Actos indecentes”.
Pasaporte
Moisés Kaufman ha manifestado, en repetidas ocasiones, sus deseos de regresar al terruño -vino con I Am My Own Wife, otro de sus más exitosos espectáculos, al caraqueño Festival Internacional de Teatro del 2006- para dictar algunos talleres sobre dramaturgia y dirección y hasta eventualmente hacer un montaje. Por ahora no piensa en otra cosa que en su apretada agenda de trabajo para 2010 y 2011 con Tectonic Theater Project, su "máquina de hacer teatro", con la cual ha creado, entre otros, tres espectáculos que lo colocaron en la órbita de la nueva estética teatral estadounidense. Gross Indencency: The Tree Trials of Oscar Wilde, The Laramie Project y I Am May Own Wife, le dieron premios, nominaciones, dólares y prestigio, materiales con los cuales ha elaborado un impactante “pasaporte artístico” que le abre las puertas de las instituciones públicas o particulares para apuntalar sus ambiciosos proyectos creativos, como su más reciente 33 Variations, donde el gran personaje de fondo es nada menos que Ludwig van Beethoven.
Epigramas
''El pasado es lo que el hombre no debía haber sido. El presente es lo que el hombre no debe ser. El futuro es lo que los artistas son'', decía Oscar Wilde. Ese pensamiento, y otros más del legendario vate, lo leyó Kaufman en Los epigramas de Oscar Wilde, una antología de Alvin Redman, con introducción de Vyvyan Holland. A partir de ahí, revisando biografías, periódicos de la época, transcripciones de los juicios y hasta los propios escritos de Wilde, le permitieron construir su monumental reportaje teatral con un fascinante mosaico de perspectivas, como lo ponderarán ahora los venezolanos. Esa técnica o metodología la ha aplicado también, con éxito, en El proceso Laramie y en 33 variaciones. Él escribe o hace una exhaustiva dramaturgia al texto que escenifica. Esa es una parte del método Kaufman.

La contemplación desafía a la estupidez

El caraqueño Edgar Borges (44 años), tras escribir y lograr la publicación de su texto literario La contemplación, el cual a su vez conquistó el Primer Premio Internacional de Novela Albert Camus, se puso al frente de la indispensable promoción para llegar al mercado español, por ahora. Semejante tarea de ayudar en la “venta” o “distribución” de la obra de arte no es nada fácil y menos dentro de una comunidad culta y ducha en el placer de la lectura, pero he aquí lo que nos responde, desde Madrid.
-¿Cual es el balance de esa primera temporada de promoción con su novela?
-La primera temporada de La contemplación ha caminado según el ritmo que se le debe pedir a una novela que pretende ser obra literaria: de menos a más, en pequeño, lento pero seguro; incluso, si pienso en el tiempo de prisa absurda que estamos viviendo, cuando se le pide a un libro que dé resultados inmediatos (cuando lo norma es que una obra se mida en el tiempo), debo decir que La contemplación, al no ser una novela desechable, ha dado excelentes resultados. En las primeras presentaciones no vendió ni un sólo ejemplar, pero ya en la más reciente terminó vendiendo todos los libros que mandó la editorial. Ese balance te lo hago desde la lógica del mercado, pues a mí, como lector, que es el inicio y el final de mi pasión hacia las letras, me parecen sospechosos muchos de los libros que más se venden.
“No estamos en tiempos de gustos exigentes; atravesamos, en el mundo, una profunda crisis de pensamiento. No me canso de repetir que la próxima gran crisis que enfrentará la humanidad, ya como un auténtico apocalípsis, será el imperio de la estupidez. Creo que en el mediano plazo la estupidez ocupará todos los espacios de poder que aún le faltan por ocupar. Veremos a los estúpidos invadirlo todo, absolutamente todo; es hasta posible que quienes nos resistamos a ser estúpidos tengamos que escondernos en las bibliotecas, si es que aún existen para entonces. De lo contrario, el mejor escondite, o trinchera, podrían ser los subterráneos o fingirnos estúpidos. Desde el punto de vista literario, que es el que me importa, la novela ha tenido múltiples logros e interpretaciones. Es más, creo que marcha rápido para lo que yo esperaba. Igual, lo mejor será dejársela al tiempo para que se determine su espacio o su vacío. Las dos cosas, como paradoja, me sirven”.
- ¿Cómo están las ventas y las otras operaciones comerciales, como contratos y reediciones?
-Lo de las ventas bien, como dije antes, según la lógica del mercado va bien, de menos a más, es lo menos que se le puede pedir a una novela que no cuenta historias ni de vampiros, ni de catedrales, ni de zombies (aunque sí de vivos que lo parecen), ni de nada que esté de moda por estos días. Además, tomando en cuenta que no soy un autor nórdico, que ahora se publican a 30 por día, me va bien. Si algún día se ponen de moda los autores venezolanos, es posible que, para evitar la moda, me ponga a escribir en francés o en chino, nunca se sabe de lo que uno es capaz para escapar de las modas. Aunque pensándolo bien lo mejor será ponerme a escribir en una lengua originaria de las tantas que tenemos en América.
“Nunca he descartado la idea de irme a estudiar con los grupos que fundaron nuestro continente, seguro que ellos son quienes me pueden contar las historias que no están escritas en los libros oficiales, lo que sería la historia interrumpida. Eso me haría sentir muy bien con mi conciencia y con el futuro”.
-¿Qué hay de compromisos o contratos ?
-El mejor contrato que he firmado, respecto a La contemplación y mi carrera en general, lo acabo de firmar con la agencia literaria Bookbank. Con la agente Alicia González Sterling el camino se presenta interesante; ella viene a representar algo así como un centro de energía que requería mi idea literaria para seguir escribiendo cosas. La representación cubre tanto el espacio literario como de de las conferencias, que es algo que me interesa mucho. Y en este sentido se vienen ofreciendo conferencias que se distancian mucho del estilo clásico, pues hay que introducir cambios para no quedar atrapado en el charco global. Sobre las reediciones y sorpresas de La contemplación aún no puedo hablar, dale tiempo al libro y lo verás. Su tiempo ya no es el mío.
-¿Qué han dicho los críticos o los especialistas?
- La contemplación (salió el 31 de marzo de 2010), a dos meses de su lanzamiento (muy discreto por lo demás a nivel de distribución), ha originado más de 15 artículos con importantes análisis. Desde Enrique Vila-Matas que la define como una novela sobre las identidades olvidadas; pasando por Salvador Moreno Valencia quien la ve como una obra que invita al enfrentamiento de las identidades del yo; hasta la tuya que la asume como la metamorfosis de un transexual y la del antropólogo Ariel José James quien (además de recordarle a Pedro Páramo de Juan Rulfo, por los personajes que parecen estar muertos) la analiza desde muchos perspectivas que giran en torno al estudio del yo en tiempos de uniformidad de las masas. Tampoco puedo dejar por fuera la interpretación del amigo Luis Britto García que la toma como una novela que muestra la violencia que la globalización ejerce contra el individuo y la lectura del poeta Francisco Vélez Nieto que sintió la presencia de César Vallejo y de Robert Walser. Por otra parte, Antonio Gómez Rufo dice que La contemplación es el paseo por la existencia de una persona y Pedro Antonio Curto centra su estudio en los enigmas de un calle que devora personas, en este caso la calle 11, que es la calle emblemática de la novela. Pero también están los lectores que me escriben y me dicen sus lecturas. Cada una ha sido diferente, eso es lo que más me satisface de la novela, pues en el diseño de su estructura esa fue mi intención; generar, desde la influencia que ejerce en mí Julio Cortázar, un juego donde el lector pudiera participar con su inventiva. Algunos escritores y hasta lectores me manifestaron su asombro por la existencia y la vida del transexual venezolano Esdras Parra, que es uno de los personajes de mi novela, por así decirlo.
- ¿Cómo es que en España no sabían de la existencia del transexual Esdras Parra, precisamente un escritor venezolano con obra?
-Es un problema más común y paradójico de lo que a veces imaginamos; el gran mercado editorial, al igual que las grandes plataformas informativas, no nos comunican como se suele decir. Ya no es como antes, un libro, por muy importante que sea, no sale al mismo tiempo en un país y en otro. Incluso, esto ocurre hasta en países vecinos. Poco sabemos los venezolanos de la nueva literatura colombiana y viceversa; pero mucho de esto pasa en todas partes. Los únicos libros que hoy se editan, al mismo tiempo, en todo el planeta, son los libros de entretenimiento barato; hay excepciones, claro, no puedo generalizar, pero es una regla. Con Esdras Parra ocurre el gran drama de la literatura venezolana; como no tuvimos un bendito representante en el famoso boom, se piensa que la literatura venezolana no vende, por ello hay un prejuicio. Pero eso hay que derribarlo, pues Venezuela ha contado y cuenta con excelentes escritores, no voy a citar a ninguno porque me molestan las listas, pero Venezuela tiene muchos Esdras Parra y de cualquier sexo, pensamiento y color. Hay que pasarle por encima a todos los paradigmas.
- ¿Y ahora qué escribes y para cuándo lo anuncia?
- Estoy escribiendo una novela sobre la estupidez; no puedo decir más pero ese será el tema que centrará, creo, mis próximas novelas y relatos, pues, lo más probable es que el gran tema del arte de los próximos tiempos sea parodiar la estupidez. Claro, este será mi tema mientras yo no forme parte de la estupidez. Si eso pasa es posible que sean los lectores quienes se den cuenta cuando publique un libro titulado Cómo amar en tiempos de crisis. Yo para entonces estaré disfrutando en alguna isla viendo a los intelectuales de lejos, muy de lejos. Y me uniré a los foros virtuales que andan diciendo, como loros, que Umberto Eco es un dinosaurio y que los libros son un problema para la tranquilidad. Positivo y positivo, hermano, más nada. Bien lejos los pesimistas ilustrados que tanto daño le hacen al mundo. Pero tampoco te creas esto al pie de la letra, Tocayo, es posible que algún día, debajo del sol, me venga a la mente alguna mala palabra de Arthur Rimbaud, por ejemplo, y me devuelva a la ciudad cargado de ideas peligrosas.
- ¿Cuándo traen a Caracas su novela La contemplación?
- Cuando alguien quiera que así sea; yo lo quiero, por los lectores venezolanos que necesitan enfrentarse a la literatura de la gente que nace ahí, y por los escritores que también necesitamos lectores de nuestro suelo, no por exclusividad geográfica, que no creo en eso, sino por necesidad de interpretación existencial, que es un punto importante para saber dónde estamos parados, nacional, internacional y universalmente, porque, aunque ya pocos lo recuerden, el universo existe.

Las mamás cuentan lo suyo

Papá José fue primero y ahora llega mamá María. No es una competencia erótica, pero sí tiene que ver, y mucho, con los perfiles existenciales de los y las que aman y procrean, rompen y se abandonan, y de quienes insisten en vivir e incrementar la población del planeta que los alberga. Es un proyecto monumental sobre producciones de indagación socioartística de la familia iberoamericana, el cual se realiza en el Teatro San Martín de Caracas, desde la temporada 2007, con la curaduría de Gustavo Ott.
18 para tres
Ahora sube a escena el Proyecto Madre: Obras María con 18 piezas de nueve países en tres espectáculos. Las obras tienen como eje central a “María”, que comparte datos comunes en todas las obras, los cuales toma en los contextos y situaciones de cada país y sus relaciones con el tema de la maternidad. Es la virgen madre o madre de la iglesia, pero también es madre/padre, madre sacrificio, niña madre, madre soltera, madre de la patria, puta madre, malinche, madre abusada y hasta madre de todas las guerras. No sólo mantiene los datos comunes en todas las propuestas sino que en algunas de las piezas se refieren también a “José, el padre”, como si el personaje llevado a escena en las temporadas de 2007, 2008 y 2009 regresará al escenario como ente secundario, para concretar este estudio dramático sobre la célula familiar.
El primer montaje lo integran los textos de Gianni Clementi (Italia) y de Pilar G. Almansa, Diana I. Luque, Alejandro Rodríguez, Antonio Lafuente y José Manuel Lechado (España). Costa Palamides lo dirige y es actuado por María Brito, Nirma Prieto, Juliana Cuervo, Susana López e Ysandra González. La iluminación es de Gerónimo Reyes, la asistencia de dirección de Maritza Briceño y producción general de María Brito y David Villegas.
Bernarda Alba
Palamides escogió el proyecto dramático a cinco manos, proveniente de España, con el título La madre que te parió y el monólogo La sirvienta de Clementi. La propuesta de los hispanos abarca todas las madres posibles partiendo de una nueva visita a La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca y expandiéndose a las madres de alquiler, las adoptivas, las que no quieren envejecer, las que han matado a sus hijos, las madres de algunos dictadores o la madre de la comiquita Marco o el arquetipo totalizador de la Madre del Cordero.
“Me pareció una visión nada benigna hacia la maternidad, pero son una decantación profunda sobre el papel de la madre en nuestra sociedad. El monólogo me impresionó por la creación de la típica criada latinoamericana en el Primer Mundo y por dar a través de esa madre que no pudo ser, un certero acercamiento hacia la realidad política y social de la latinoamericana. Agregué canciones y acentos de nuestros países y un énfasis en la violencia de género y la creación del machismo proveniente de las mismas madres, producto de una maternidad problemática de adolescentes precoces o con ganas de retener al hombre a través de los hijos. También el concepto escenográfico viene de una metáfora producida por la lluvia, donde en la escena comparten una plataforma que es a la vez sexo femenino y cárcel”, explica Palamides.
Este montaje es “una demoledora y satírica visión sobre la Madre, pero además es un acercamiento poético y emotivo, como la que propone Clementi. Mi madre, cada vez que llovía torrencialmente en Caracas, decía que el cielo lanzaba patas de silla”, acota Palamides. “Esa agua violenta era una bendición a la cual no estaba acostumbrada en su Grecia natal. Hoy relaciono este Proyecto Madre con esa imagen, con la necesidad del líquido que a veces nos ama y nos violenta como la vida misma, como la madre misma. El agua es placenta y placer, pero también tsunamis y destrucción. Cuando leo sobre maltrato de género, tortura y totalitarismo descubro la masculinidad del mundo. Pero detrás de cada hombre hay una mujer, está lo femenino, esa que mentamos en la peor blasfemia”.
Como lo hizo antes en el tercer montaje del Proyecto Padre, Palamides creó una dramaturgia para este montaje que le permitió atar y desatar estas dos obras, de manera consecuente, para que el público armara el rompecabezas de estas visiones fragmentadas sobre la maternidad. Como director evitó que el espectador tuviese un acercamiento lineal a las historias y así contribuyó, enormemente, a la acción dramática puesto que así el público teje y desteje, como lo hacen las actrices-personajes.
Quinteto de oro
Pocas veces un proceso tan delicado en lo conceptual ha sido abordado por un puñado de actrices como este que hizo posible la primera entrega del Proyecto Madre, con sagas de maternidad muy particulares dentro del universo mismo de la pieza. Por supuesto contó con la actriz María Brito, bastión del arte dramático de la capital. Destaca la invalorable presencia histriónica de Juliana Cuervos que bordó con excelencia sus diversos personajes del montaje. Nirma Prieto, actriz de gran carrera en Teatrela, brilla en este montaje al ofrecer toda su veteranía y vena artística integral. Susana López e Ysandra González, pichoncitas de comediantas, que tienen bastante garra y provienen de las huestes del San Martín, defendieron ardientemente la propuesta de Palamides.
Este espectáculo es efervescente, ritual, verídico y certero documento sobre la maternidad, la violencia y explotación de la mujer, así como también su triste aporte al mismo machismo que la reprime. Desparpajo total y a veces totalitario en esta primera jornada del Proyecto Madre: Obras María.
13 papás
Primero fue el Proyecto Padre: Obras José , donde participaron Ignacio del Moral y Santiago Martín Bermúdez (España), Benjamín Galemiri (Chile), Ricardo Halac, Patricia Suárez y Mónica Ogando (Argentina), Bernard Lagier (Francia-Martinica), Luis Mario Moncada y Ángel Norzagaray (México), Gustavo Ott y Elio Palencia (Venezuela), Roberto Ramos Perea (Puerto Rico), y Víctor Viviescas (Colombia). Entregaron 13 originales obras, que recibieron montajes crispados y educativos.

¿Cuántos Kombit quedan?

Nos acompaña la negritud desde la prolongada infancia en la ciudadela campamento de un trapiche de caña de azúcar. Nos premió con varias turgentes madres de leche, además de las comidas típicas con las familias de sus trabajadores, todos negros como la noche pero de fantásticas sonrisas blancas y rosadas. La escuela nos apartó de nuestros negritos compañeros de juegos, pero ellos y sus padres nunca se fueron. Están ahí, reiterándonos sus mágicas y milenarias tradiciones y su pasión inconmensurable por la libertad para decidir por ellos mismos, la cual les ha sido negada durante los últimos 500 años en este continente. Nada, pues, de esa variopinta comunidad africana transplantada a las Indias occidentales nos es ajena.

Gracias a la Compañía Nacional de Teatro (CNT), la negritud de nuestra infancia ha regresado al toparnos con otra generación de afrodescendientes, al verlos y disfrutarlos en el espectáculo Kombit, lúcido montaje colectivo, iniciado en el 2009, con actores venezolanos y miembros de la comunidad haitiana, en Caracas, dirigidos por Gregorio Milano y Jorge Cogollo, para dar voz y rostro a una comunidad que mantiene vinculación con Venezuela desde los tiempos de la colonia.
Kombit –se escenifica en la Galería de Arte Nacional-en lengua creole es el espacio o lugar donde los esclavos eran libres dentro de su propia comunidad independiente. Lugar para la libertad de la negritud, que ahora en Caracas es un espacio teatral, donde la historia haitiana, sus paisajes humanos y sus luchas tienen una presencia viva, un aquí y un ahora. Y todo eso entra por la piel y los otros sentidos, gracias a la voz y los gestos de sus hijos, con su trabajo escénico de formas sencillas, canto y memoria sensibles y con palabras esenciales, como lo han indicado Milano y Cogollo. Kombit viene a ser como los guetos de los judíos o los gitanos en la Europa Central de la Segunda Guerra Mundial, donde se protegían parcialmente del rampante fascismo, añadimos nosotros. El fascismo no tiene color, ni tiempo, ni país definido, porque esta ahí, agazapado y esperando dar su zarpazo mortal, casi siempre.
El montaje es una correcta instalación escénica y un recorrido básico para que el espectador pueda desplazarse por diversas “estaciones”, descubriendo los elementos que componen la idiosincrasia del haitiano: el vudú como religión, el mercado como centro de intercambio humano, las historias cotidianas, anécdotas de vida, la venta de frutas, la esclavitud, la travesía por el mar, su riqueza pictórica, su música, sus elementos de percusión, la nostalgia por su país, sus procesos políticos, historias de independencia, entre otros. A este mágico espacio se le suma la colaboración de bailarines y percusionistas del Teatro Negro de Barlovento que completan con su fuerza expresiva la esencia del mensaje estético e ideológico.
El evento es parte de un modelo de producción que adelanta la CNT para que las comunidades sean centro y protagonistas del hecho teatral, el cual plantea la participación creativa de los ciudadanos, otorgando así a los espectadores más que una oferta escénica, formas alternativas de relación y reflexión en torno a la actividad teatral.
Pero Kombit, además, es un evento cultural que en su metamensaje invita a revisar la historia de la nación haitiana, desde que la invasión española liquidó a los indígenas y los sustituyó con esclavos negros. Difícil ha sido la vida para esa comunidad descendiente de los primeros africanos, pero, a pesar de todo, incluso de la misma naturaleza, han sobrevivido y ahí están, en un verdadero vía crucis, precisamente Kombit culmina con un Nazareno negro arrastrando la cruz y el publico atrás, como parte de la comparsa teatral.
No queda duda que se trata de un teatro experimental, que no está culminado y el cual todavía merece ajustes con la música, con los bailes y hasta con el mismo vestuario que está muy limpio y cuidado. Pero, uno critica lo que se hizo y no precisamente lo que no se hizo.
¿Cuántos Kombit hay en América Latina y en el Caribe?
Ficha artística
Obra: Kombit. Dirección: Gregorio Milano, Jorge Cogollo y Alfredo Caldera. Diseño y ambientación: Rafael Sequera. Musicalización: Emile Nervil y Alfredo Caldera. Percusionistas del Teatro Negro de Barlovento: Pedro Key, Yeralfre Bolívar, Pedro Duarte, Juan Sojo y Raúl Urbina. Elenco: Fritz Saint Louis, Inmacula Nervil, Fritz Saint Louis Nervil, Ullyses Wincenson, Jacob Louis Jeune, Emile Nervil, Peterson Samedi, Gyna Allience, Jenifer Registro, Dieufete Joseph, Jeferson Antoine, Richardson Zephir, Tatiana Saint Louis, Jorge Martínez, Demis Gutiérrez, Jesús Gómez, Argenis Ciriaco, Ángel Pájaro, Alexandra Yambo, Tuneixi Villalba, Fernando Ferrera, Jiniva Irazabal, María Téllez, María de los Ángeles Pérez, José Lugo y Derwin Campos.

Ionesco revolucionario en Caracas

Guillermo Díaz Yuma es uno de los más jóvenes de la generación de los años 70 y 80 del teatro venezolano del siglo XX y además es uno de los pocos que ha sobrevivido a todas las vicisitudes de la profesión de teatrero y, especialmente, de la vida del intelectual o el artista criollo. Este varón, de bajo perfil, que es una especie de catecúmeno porque trabaja sin cesar en los sótanos de la caraqueña Iglesia de San Pedro, en la urbanización Los Chaguaramos, dio magistral lección de como se versiona y dirige un texto del mejor teatro contemporáneo: El porvenir está en los huevos, de Eugene Ionesco. Hizo una temporada en la sala Anna Julia Rojas, apuntalado por los jóvenes comediantes Alí Rondón, Jariana Armas, Claudio Laya, Yazel Parra, Louani Rivero, Areani Rondón, Manuel Chourio, Sara Valero y Vera Linares. Grupo emergente de comprobado talento histriónico, ya capacitado para seguir en la lucha teatral, porque eso exige el teatro que se hace en Caracas o en Venezuela entera, donde los emergentes tienen que combinar la pasión, el talento y la práctica con cierta conducta de paciencia para avanzar y romper los obstáculos.
Autor del absurdo
Ionesco (Slatina, Rumania, 26 de noviembre de 1912/ París, Francia, 28 de marzo de 1994) demostró que el lenguaje es instrumento de exclusión y alineación, para lo cual escribió y montó La cantante calva, hace 60 años, donde nadie canta ópera, pero reitera su alerta sobre la sórdida soledad que acompaña a los seres humanos y lo insignificante de su existencias. A sus planteamientos filosóficos desde la escena les rotularon “teatro del absurdo” y la paternidad de tales discursos se la atribuyen además a Becket, Adamov, Arrabal, Genet, Tardiued y, por supuesto, Camus, quien afirmaba que la humanidad tenia que resignarse a reconocer que era imposible conseguir una explicación racional del universo y que, por lo tanto, al mundo había que verlo como un absurdo.
Sólo huevos
El porvenir está en los huevos es una obra para cuestionar la producción en masa como objetivo principal de la civilización. Plasma el encuentro de las familias burguesas: los Jacobos y los Robertos, blanco constante de la crítica del dramaturgo. Según la crítica, que lleva más de 50 años analizando este texto, es para reflexionar cómo se comportan las sociedades, más allá de los paradigmas de nuevos o ancianos sistemas políticos o económicos. Pretende generar entre la audiencia una reflexión sobre la condición humana, desde la perspectiva del núcleo familiar. El humor se expresa en situaciones hilarantes y aparentemente absurdas con aguda y punzante visión crítica de la realidad.
Es una historia absurda sobre una pareja de jóvenes que se aman y practican sus gimnásticos encuentros cuerpo a cuerpo, pero no tienen el sexo convencional, ni nada que se les parezca, por lo que sus familias están preocupadas ya que necesitan que se casen y tengan hijos. Tanto insisten en que se desposen y consumen las nupcias, hasta que finalmente la esposa termina entregándose a la fantástica postura de decenas de huevos de gallina, los cuales de inmediato son empollados por su marido. Las familias felices festejan que sus vástagos se hayan entregado a la reproducción tan necesaria para su sistema social.
La obra muestra a una sociedad sumida en una serie de esquemas y modos de actuar cercanas a lo inhumano, inverosímiles, donde sólo puede accederse por la vía del absurdo, de la risa, del grotesco. Esta forma de escribir y concebir el teatro, de manera "cruel, humorística, destructiva y creadora a la vez", es para Ionesco la búsqueda de una nueva fórmula dramática presidida por el irracionalismo que caracteriza la vida del hombre contemporáneo. Así, a través del arte, se brinda un espacio a la reflexión, al debate, a la risa colectiva sobre uno mismo y los otros.
El trabajo actoral del conjunto de comediantes es valioso. Ahí ya hay valores individuales, como es el caso de Alí Rondón Y Sara Valero, específicamente. ¡La lucha continúa y Guillermo Díaz Yuma los cuida o los vigila como el Gran Hermano!

Alicia y Pirita hacen historia venezolana

Gracias al accionar cultural de la promotora María Teresa Castillo y el actor Luis Pardi, en 1978, el Poder Ejecutivo instituyó al 28 de junio como el Día Nacional del Teatro para exaltar así la decisión del Consejo de Caracas al autorizar sendos espectáculos teatrales en honor del apóstol Santiago, en la plaza mayor, de aquel 1600.
Ahora se espera que el actual gobierno revolucionario bolivariano haga un reconocimiento similar para subrayar así la importancia de los primeros montajes teatrales destinados a los niños y las niñas venezolanos, los cuales, gracias a su continuidad en el tiempo y en el espacio, desde la segunda mitad del siglo XX, han servido para educar los párvulos y sus padres en la degustación del arte escénico, además de la capacitación de nuevas generaciones de artistas.
Pioneros
Mientras llega ese reconocimiento, que los pacientes teatreros se merecen, hay que recordar como los comediantes chilenos Lily Álvarez Sierra y Gabriel Martínez llegan en 1948 y se quedan con su compañía para exhibir espectáculos infantiles, especialmente su Alicia en el país de las maravillas, en el Teatro Nacional. Viajan a Maracaibo y al Caribe, pero vuelven en 1952 para inaugurar la Televisora Nacional con un teleteatro infantil, de lunes a viernes, hasta 1956. En 1958 fundan su escuela y surge la Compañía Juvenil Venezolana, dirigida ahora por sus nietos César Sierra, Fernando, Natalia y Gabriela Martínez. ¡No hay otra familia venezolana en tales avatares!
Recordamos a Lily y Gabriel, quienes ya hicieron sus mutis finales, porque enseñaron, suficientemente, que el teatro se aprende en la escena y por eso sus clases pasaron de la teoría a la práctica. Predicaron que el teatro infantil no es suficiente para formar actores, porque exige tener más sólida capacitación, pero sí es adecuado para enseñar al público. Formaron a comediantes como Ibrahim Guerra y Carlos Omobono, entre otros.
Evocamos a tan legendaria pareja de pioneros porque culmina la primera década del siglo XXI y su semilla continúa dando frutos. El teatro infantil, o para niños y niñas, es ejemplo por la capacidad de trabajo de sus artistas, quienes desbordan imaginación para crear y producir a pesar de tantos obstáculos que estorban su desarrollo. ¡Todo comenzó con esa teatralización de la obra de Lewis Carroll!
Mortal amenaza
Y como muestra del ambicioso y siempre pujante teatro infantil, recomendamos el espectáculo La lección de Pirita, escrito por Roblan Piñero, el cual, bajo la creativa dirección de Rafael Monsalve (Juan Corazón), hace temporada en el Teatro Trasnocho.
Estrenada en el Teatro Tilingo (1993), y muy oportunamente remontada en este siglo XXI, La lección de Pirita subraya el peligro que emana de la basura o los desperdicios que generan los humanos, y para eso plasma la historia de una niña que le encanta o disfruta tener su cuarto desordenado y sucio, y quien además tiene amigos como el cómico ratón Rocco y la divertida cucaracha Cuqui.
Estos personajes la llevan al Mundo de la Basura, gobernado por la glamorosa reina Desperdicio. En el recorrido, Pirita conoce a diferentes personajes que trabajan incansablemente para mantener el caos en tan asombroso reino. En esa marcha, eso personajes interpretan diferentes momentos musicales para acompañar así los encuentros de Pirita con el fantástico Chatarra, que alimenta a las plantas carnívoras y cuida del jardín de la reina; éste le hace comprender a Pirita que llegó a esa comarca con una misión: eliminar a la temible Desperdicio.
Pirita, con la ayuda de los demás habitantes de tan extraño país, se enfrenta a la poderosa soberana, dándole así un cambio favorable a su ambiente, transformándolo en un lugar más bello y reforzando la experiencia con una moraleja: la importancia de cuidar al planeta Tierra y prevenir la contaminación ambiental, reforzar el aseo personal y luchar para vivir en un mundo mejor, lleno de armonía y paz. ¡Maravillosa y oportuna lección para estos tiempos!
Montaje contemporáneo
Hay que reconocer que las actuaciones observadas demuestran no solo talento y práctica ahí presentes, sino una cierta magia, o sentimiento, de todos ellos por jugar a mostrar lo mejor de si mismos ante un auditorio tan especial, como son los infantes, a quienes no se convence fácilmente de lo que se le exhibe, sino hay verdad, sino hay comunicación. Kelvis Martínez y Verónica Arellano logran las mejores performances con sus personajes, sin que esto demerite a los demás. Todo eso se logra también con las recomendaciones del veterano director Monsalve y por la hiperkinética puesta en escena que logra, para lo cual es vital el preciso juego del mecanismo escenográfico y sus elementos, diseñados por Rosa Helena Arcaya.
La lección de Pirita, desde su estreno el 16 de Enero del presente año, ha cumplido 40 funciones con éxito y casi diez mil espectadores han disfrutado del espectáculo. Atrapa al público infantil y al adulto, por el humanismo de su cuento, su preciso despliegue teatral y la música que crearon Nacho NET y Luis La Rosa. Es una depurada muestra cultural de KJCP Producciones. ¡La historia continúa!
Hija de actores
Últimamente, Josette Vidal Restifo, hija de los reconocidos comediantes Javier Vidal y Julie Restifo, ingresó al elenco para interpretar el rol de "Pirita" y compartir así el personaje con la actriz Estefanía López. La jovencita se ajustó con facilidad y mucha entrega a la propuesta, demostrando tener talento y ganas para superar el gran reto de ser la protagonista de tan singular historia teatral. ¡Hay carne y sangre de cómica en esta mujercita!
Ficha Artística
Obra: La lección de Pirita. Autor: Roblan Piñero. Dirección general: Rafael Monsalve. Asistencia a la dirección general: Ramón Casanova. Productores: Kelvis Martínez y Juan Carlos Pabón para KJC Producciones.Elenco: Josette Vidal Restifo y Estefanía López, Kelvis Martínez, Kellyns Herrera, Verónica Arellano, Sergio Pinto, Juliano Mujica, Juan Ernesto Pabón, Juan Carlos Pabón, Erick Soto y Ericson Soto.

35 años del Teatro UCAB

Se dice con mucha facilidad que ya han transcurrido 35 años de la puesta en marcha del proyecto cultural Teatro de la Universidad Católica Andrés Bello, el Teatro UCAB. Un fenómeno educativo que ha contribuido al fortalecimiento de la sociedad civil y además a la repotenciación de una disciplina artística importante.

Una de sus fundadoras y columna clave por su accionar dentro y fuera del claustro académico, Virginia Aponte, cuenta que entre 1974 y 1975 se trabajó para arrancar con el grupo teatral de Humanidades que el padre Plaza le había pedido al profesor Marcos Reyes Andrade. “En esa época estoy en el último año de Comunicación Social y Marcos había sido mi profesor de teatro dos años antes. Él convocó a un grupo de alumnos, entre ellos Javier Vidal y yo para darle vida a la pieza de Diego Fabri, El proceso a Jesús. Estuvimos trabajando en esa idea desde octubre hasta abril. La estrenamos el 17 de ese mes y a partir de ese momento empezamos a caminar juntos, Marcos y yo, por consolidar la idea del Teatro UCAB, y yo fungi como asistente de dirección. Comencé a trabajar a partir de 1975 en la Universidad Católica Andrés Bello, después que la dirección de Cultura me contrató como profesora a tiempo completo. Marcos se fue pocos años después de la UCAB y el rector Guido Arnal crea el cargo de director del grupo UCAB y se me da el nombramiento”.
De los fundadores de ese primer grupo hay que recordar a Javier Vidal, Elisa Martínez quien posteriormente fue directora de la Escuela de Comunicación Social. María Matilde Zubillaga, graduada en Ciencias Sociales y posteriormente directora del Centro Santa Inés de Salud, una institución enfrente a la UCAB, que es uno de los logros de la Universidad para las comunidades menos favorecidas. Nelson Rivera, alto ejecutivo de El Nacional. Aminta de Lara, actriz, directora y escritora.Carlota Sosa, Alba Roversi, Julie Restifo y Corina Azopardo, actrices. Unai Amenabar, periodista. Flor Alicia Anzola, periodista, Antonio Delli, actor. María Isabel Párraga, periodista e Ignacio Serrano, Premio Nacional de Periodismo Deportivo, entre otros.
El horizonte profesional de Virginia era que el emergente grupo de teatreros pudiese hacer conocer el mejor teatro posible en el ámbito universitario y además estas en condiciones de presentarlo en el interior del país. “La idea fue llegar a quienes no podían acceder al teatro comercial”.
El primer montaje del Teatro UCAB fue El malentendido de Camus y actuaron en ella Aminta de Lara y Elisa Martínez. “Después llegó Madre Coraje, pieza en donde compartí la dirección con Marcos Reyes Andrade. La casa de Bernarda Alba me permitió una extraordinaria experiencia actoral con Aminta de Lara como la Bernarda, Carlota Sosa era Martirio y Corina Azopardo era Adela. Una pieza que marcó una diferencia en el grupo fue Las brujas de Salem, posteriormente vino Diálogos de Carmelitas, pieza que me permite entender las mejores razones del hacer teatro universitario y me daba los cimientos para seguir con el proyecto de hacer del teatro universitario una experiencia estable. Todas estas piezas se montan durante sus primeros 5 años En total no son menos de 100 textos los que hemos llevado a escena.
-¿Cómo fue recibido el Teatro en la UCAB?
-Con indiferencia en un principio. Era muy difícil conseguir el apoyo del sector académico de la Universidad. Los profesores no ayudaban a quienes tenían que cumplir un ensayo y eran castigados con malas calificaciones. El comienzo fue muy duro. Apenas éramos suficientes para cubrir un elenco de cuatro personajes en El Malentendido.
“La actividad nuestra se ha mantenido muy hacia dentro de la Universidad y en la provincia. Las repercusiones han tenido sentido muchos años después de la creación del grupo universitario. Hace 20 años se comenzó a consolidar el trabajo con los egresados y se crea Agoteatro Con este comienzo el grupo salió de los ámbitos universitarios y comenzó un trabajo de proyección, pero siempre de manera sencilla y con trabajos que implicaban una investigación”.
-¿Cómo se ha financiado el Teatro de la UCAB?
-La Universidad me contrató como profesora a tiempo completo, adscrita a Cultura. En solitario desarrollé el proyecto. Me asignaron un auditorio y allí trabajé sola hasta hace 15 años, cuando se me nombró como asistente al profesor Rafael Briceño, mi compañero de aventuras desde ese entonces. Y desde octubre, está junto a nosotros la profesora Ana O'Callaghan. Somos tres en el equipo y seguimos con dos sueldos porque yo trabajo desde octubre “Ad Honorem”, dado que me ''retiré'' o adopté una jubilación formal.
-¿Qué repercusiones se conocen del Teatro de la UCAB allende los muros del claustro?
- No soy yo quien va a exaltar lo que hemos hecho. Pero si puedo demostrar que logramos crear un proyecto educativo a partir de la docencia teatral en la UCAB. Logramos demostrar que hacer teatro no significa simplemente representar una obra sino también escribirla o ser productor o escenógrafo. Cualquier vinculación con el teatro permite representar sentimientos o deas ajenas o propias y esto ayuda a crecer en dimensiones tan importantes como la seguridad personal, la autoestima, el equilibrio interior, el incremento en destrezas comunicacionales, la disposición al compromiso, la solidaridad, el amor, en una palabra en todas sus facetas . Tengo un libro, A partir de la docencia en el Teatro UCAB :una propuesta educativa, que resume esa utopia educativa. Recibimos el Premio Internacional en el Festival de Liverpool en Canadá, porque nadie es profeta en su tierra...
-¿Después de 35 de labores teatrales,las cuales incluso han trascendido los muros universitarios, porque la UCAB no han creado una Escuela de Teatro?
-Siempre resultó difícil convencer a la Universidad de crear la Escuela de Teatro, no se consideraba una carrera acorde con los fines académicos de la UCAB. Eso ha cambiado desde hace un año para acá y la Escuela de Comunicación Social ha considerado crear una mención en Artes Escénicas. Todo se puede con la paciencia y la perseverancia.
-¿Cómo se ha garantizado la sobreviviencia del Teatro UCAB?
-Con mística. Al salir de mi cargo de directora queda a cargo del grupo alguien que durante 15 años se formó a mi lado y junto a él, alguien que lleva 10 años preparándose para ser la directora adjunta del grupo. La creación de Agoteatro garantiza un lugar hacia donde ir al terminar los años universitarios. Medatia le da al UCAB su dimensión social y educativa. Estamos haciendo para Venezuela lo que podemos y queremos hacer. Una acción en positivo vale más que mil palabras en teoría. Por lo menos así seguimos viviendo la experiencia. Hoy el grupo lo conforman más de 100 jóvenes, que trabajan todo el año dando y recibiendo talleres de formación. Los mayores enseñan a los más jóvenes y todos se vuelcan a las comunidades a trabajar a través del teatro.

Para impedir otra muerte de Carlos Giménez

La Fundación Rajatabla hace otro esfuerzo para impedir la segunda muerte de su fundador Carlos Giménez, que será cuando nada ni nadie lo recuerden ni lo citen. Puso en marcha un ambicioso proyecto artístico destinado a escenificar siete piezas teatrales venezolanas, además de un montaje especial en homenaje a Rodolfo Santana. Así, con tan abundante programación, espera festejar sus primeros 40 años de actividades culturales, el 28 de febrero del año 2011.
Pero el preámbulo de este relanzamiento de Rajatabla ha sido el remontaje y una temporada en España con el espectáculo musical Tu país está feliz, la teatralización que Carlos Giménez (1946-1993) hiciera del poemario homónimo de Antonio Miranda, y con el cual debutó la agrupación: 28 de febrero de 1971. !La serpiente que se muerde la cola!
Homenaje criollo
No quieren en Rajatabla que Giménez desaparezca de nuevo, o sea de los escenarios, y que ya nadie hable de él e ignoren su leyenda humana y artística, o su legado como creador de un movimiento que ha desafiado al tiempo, y por eso se han propuesto el homenaje a Santana con la escenificación de su Pieza para dormir al público, la cual será estrenada próximamente. También, después de un riguroso concurso que realizaron, producirán las obras Honor a mis padres de Elio Palencia, Mi reino por un sueño de José Antonio Barrios, Yo soy John Lennon de Paúl Salazar, Agridulce de Glener Morales, El robo de la arrobita (teatro infantil) de Carmen García Vilar, Nosotras de Marisabel Dávila Lobos y El más mejor de Roberto Azuaje. Así mismo, decidió hacer una muestra de lecturas dramatizadas de otros seis títulos que por su alta calidad dramática merecen ser conocidas por el público, abriendo las puertas a otras agrupaciones a interesarse por ellas. Es una programación planificada milimétricamente y la cual además contará con el pleno respaldo de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, como socio estratégico.
39 años después
El poemario del brasileño Miranda, versionado por Carlos Giménez y con la música de Xulio Formoso, hizo debutar al grupo Rajatabla. A escasos 40 años de aquel suceso artístico, el cual alteró la paz bucólica del teatro venezolano por las consecuencias que tuvo tan peculiar espectáculo y además la insurgencia estética de la agrupación que comandaba aquel “huracán argentino”, volvió, con actores y director diferentes, a la Sala Rajatabla.
Para nadie es un secreto, que el debut de Rajatabla “dividió la historia del teatro venezolano en un antes y un después”, como escribió, para ese entonces, el periodista Igor Molina.
El espectáculo, como tal, en este crispado 2009, todavía es un apacible híbrido de recital poético, con unos actos actuados, un endemoniado ritmo escénico, una música pegajosa y un texto en prosa poética preñado de unas cuantas consignas revolucionarias y de toda esa versión caribeña de la rebelión de la juventud francesa de 1968.Y para rematar hasta hay un fugaz desnudo colectivo, después de una depilación forzada, además, porque en aquellas épocas iniciáticas esa no era la moda. Se espera que sus voces reciban los ajustes merecidos ante la magnitud del compromiso internacional. Nosotros creemos que ya es oportuno inventar otra puesta en escena para tan exquisito texto, que no se ha desgastado por su universalidad.
El actual gerente general de Rajatabla, Francisco Alfaro, explica, como también lo dijo para la reposición durante la temporada 2006, que volvieron a montar Tu país está feliz porque era un proyecto de hace varios años y querían exaltar a los ausentes,”a los que se fueron de gira”. También querían hacerlo conocer a la generación de este siglo XXI. “Revisamos textos y poemas y nos dimos cuenta que tienen vigencia absoluta por su canto de protesta y por su rebeldía. Además está dirigida a la juventud de este siglo y porque necesitamos que ese público nos acompañe en los otros proyectos que tenemos en mente. No hay que olvidar que el teatro es el barómetro de un país, como lo enseñó Federico García Lorca y lo repetía constantemente Giménez”.
¿Qué por qué gustó tanto durante las diversas temporadas que se ha exhibido? Porque reflejaba la Venezuela de los años 70, país saudita, feliz en apariencia pero con muchos habitantes deseos de emigrar allende los mares, además de una gran descomposición social. ¿Gustará ahora que agoniza la primera década del siglo XXI? ¿No ha pasado nada en las ultimas cuatro décadas? ¿Qué aun nos queda de la otra Venezuela, esa donde tirios y troyanos se comían y no precisamente a besos? Son preguntas que se harán necesariamente los espectadores.
En Valencia
Rajatabla ha sido invitada por la Fundación por la Justicia de la Comunidad Valenciana, en colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo (AECID), al 1er Festival Internacional de Teatro Social: ReACT, del 15 al 23 de Mayo de 2010, con actuaciones y actividades diarias. El objetivo principal que persigue este evento, es convertirse en punto de encuentro para los diversos grupos teatrales invitados con la finalidad última de sensibilizar a la sociedad de la Comunidad Valenciana sobre las violaciones de Derechos Humanos y el acontecer de una convivencia social concienciada.
Ficha artística
Para la producción del 2009 se respetaron las líneas generales del primer montaje que hizo Giménez. Este elenco es casi el mismo que trabajó en el versión de Tu país está feliz de 2006, el espectáculo número 100 de Rajatabla. Fue seleccionado, tras los consabidos castings, y quedó integrado por Rafael Marrero, Rossana Hernández, Carolina Gentile, Indira Jiménez, Gabriel Agüero, Elvis Chaveinte, Jean Carlos Rodríguez y Jean Franco De Marchi, acompañados por los músicos Roger Ramírez y Jeal Paul Bozo del grupo “Abejas”. La iluminación es de David Blanco, la dirección técnica de Ángel Pájaro, la producción artística de Gerardo Luongo, la producción general de Francisco Alfaro y el director repositor es José Domínguez.

Estrenan "Baño de damas"en Barcelona

A finales del año 2008 e impulsados por haber obtenido una beca de la Fundación Carolina para cursar un MBA en Empresas e Instituciones Culturales en el Centro de Formació i Investigació Teatral La Casona, los venezolanos Roberto David Urbina y Roxmary Povedano, director y actriz de la compañía Abrapalabra Teatro. decidieron trasladarse a Barcelona, España, y continuar con su desarrollo profesional.
A escasos dos años de su instalación en la península ibérica, Abrapalabra Teatro prepara el estreno de Baño de damas, de Rodolfo Santana, pero antes hay que informar, porque asi lo insistió Urbina, que se trata de una juvenil agrupación de criollos, que al iniciar esta aventura en España contactaron con teatreros venezolanos que desembarcaron antes y estaban también en la misma sintonía. Buscaron darse a conocer en el medio teatral barcelonés, sabiendo de antemano que ese sector artístico exige una fuerte disciplina y convicción para lograr superar las barreras que cualquier proceso de adaptación ofrece, sin embargo no faltaron anécdotas, que más que obstáculos fueron oportunidades para fortalecer su trabajo.
Recuerdan que al principio no tenían espacios donde ensayar y se reunían en los espacios abiertos como el Arc de Triomf, Parc de la Ciudadella, o en un patio del Centro Cívico; una vez ante el implacable frío tuvieron que reunirse en una cabina de una entidad bancaria que tienen calefacción, (actividad que realizan las personas que viven en la calle para protegerse del frío), una anécdota que resaltan entre risas.
Buscando espacios para ensayar y llevar su propuesta de teatro latinoamericano, contactaron con muchos sitios y entre ellos con Casa América Catalunya, donde de inmediato se interesaron en el proyecto y les programaron una lectura dramatizada de la obra Nuestra Señora de las Nubes de Arístides Vargas, para el 30 de junio de 2009.
La primera experiencia teatral en Barcelona fue muy acertada para el grupo que ya contaba con tres nuevos miembros, que de inmediato se dispusieron a crear el proyecto para su montaje escénico, pero luego de este entusiasmo inicial, los nuevos integrantes decidieron no continuar y los dos volverían a comenzar todo de nuevo.
El 04 de julio se celebraría una lectura dramatizada en el Centro Cívico Cotxeres Borrell, por parte del Grupo Forte, dirigida por el también director venezolano Vladimir Vera y la actriz Fedora Freites, quienes venían desarrollando un excelente trabajo en la marquesina barcelonesa desde hace tres años.
En este encuentro, el Grupo Forte decide invitarlos al Primer encuentro de jóvenes talentos en Barcelona, evento auspiciado por el Consulado venezolano y que reuniría a dos personalidades del medio teatral catalán y dos jóvenes venezolanos, es allí dónde surge la idea de realizar lecturas dramatizadas de autores catalanes y criollos como punto de partida para un futuro intercambio internacional.
Abrapalabra Teatro decide entonces realizar la lectura dramatizada de Llueven vacas del autor catalán Carlos Be presente en éste encuentro.
Dándole continuidad al proyecto de Nuestra señora de las Nubes, establecieron contacto con el Centro Cívico Drassanes, se organizaron los ensayos y se programó estrenar el 30 de octubre de 2009.
Para llevar a feliz término este proyecto conversaron con Rafael Álvarez, venezolano que había trabajado con el Grupo Forte y en Caracas con el Grupo Séptimo piso, y le dan a conocer el proyecto y decide aceptarlo.
Se ensayó en los meses de agosto, septiembre y el 30 de octubre se hizo el estreno, y de inmediato se empezó a trabajar sobre la lectura dramatizada de Llueven vacas que tenia fecha de estreno para el 19 y 20 de Noviembre; dos nuevos integrantes deciden participar y se completa el elenco, de igual forma recibían noticias de que el Espai d’art cincómonos se había interesado en la propuesta de Nuestra señora de las nubes y deseaban programar una temporada para el mes de diciembre de 2009.
El 19 de noviembre se estrena la lectura dramatizada de Llueven vacas de Carlos Be y dentro del público se encuentra la programadora de la Sala Pepita Casanellas, que estaba interesada en una obra sobre la violencia de género y les invita a participar el 25 de noviembre en el evento Día Internacional contra la Violencia de Género organizado por la Unió d’Entitats de La marina, luego realizarían una última función el 26 de enero en el Convent de San Agustí, en Barcelona.
Abrapalabra Teatro, comienza su primera temporada en la escena barcelonesa, en el Espai d’art cincómonos, para este estreno se les une Brenda Berrocal, periodista venezolana que había trabajado para el Teatro San Martín en Caracas.
Recuerdan que la primera función hubo que suspenderla porque no había espectadores; fue un baño de agua fría pero la temporada debía continuar y vendrían tiempos mejores.
Se programaron más funciones, el público comenzó a conocerlos y el boca a boca empezó dar sus frutos, hasta que un día agotaron taquilla y la repercusión en los medios de comunicación empezó a gestarse; varios periódicos se interesaron; así como revistas y emisoras de radio abrieron espacios para entrevistar al grupo, había una propuestas de teatro latinoamericano en la calle, que resultaba de escasa a nula en la programación habitual en la cartelera teatral, un texto magnífico y unas excelentes interpretaciones sorprendió y gusto al público catalán. Cuatro meses de temporada, más de 15 entrevistas de radio y despliegue en los periódicos regionales, son los testimonios de lo que fue aquello.
Terminada la temporada de Nuestra señora de las nubes el 27 de Marzo, el Espai d’art cincómonos recibía una nueva propuesta por parte del grupo Abrapalabra.
El día 03 de abril, a las 21:00 hrs se estrenaba en Barcelona La lección de Ionesco y se programa una primera temporada de dos meses.
Las relaciones con el Espai d’art cincómonos y Abrapalabra se ven fortalecidas con un proyecto en común: llevar a escena la obra Baño de damas del venezolano Rodolfo Santana, la misma se espera que esté lista para finales de mayo y seguir así apostando por un teatro sin fronteras.
-¿Por qué deciden instalarse en España?
-En primer lugar porque yo quería conocer otra realidad teatral y Roxmary quería entrar en una escuela de teatro y seguir formándose como actriz. Además su padre estaba viviendo acá y nos pareció una buena posibilidad a considerar.
-¿Y la historia de la beca?
-Vino después, es decir, nosotros lo habíamos planificado todo antes y analizamos los pro y los contra y entre las dificultades inmediatas, estaba el hecho de que yo no tenía nacionalidad española y me exponía a los rigores propios de la ilegalidad, es por ello que me postulé en la Fundación Carolina, para un Máster, claro tú sabes que esto de las becas es complejo, pero era una posibilidad de crecer profesionalmente y de obtener un visado estudiantil. Esperamos hasta el mes de marzo, que era el plazo de tiempo máximo para saber la respuesta por parte de la Fundación Carolina. Entonces me llamaron del consulado de España en Caracas para una entrevista y me dieron el visto bueno, todo parecía andar de maravillas, sólo que la beca otorgaba boletos aéreos y matrícula pero no ofrecía manutención, así que yo debía garantizarles que durante mi estadía alguien debía cubrir mis gastos, como unos mil euros mensuales, ya que con visado estudiantil sólo puedes trabajar cuatro horas y claro pienso que ellos ya intuían lo de la crisis y suponían que lo de conseguir empleo no iba a ser fácil.
-¿Entonces?
-Pues nada ,empezó un verdadero vía crucis, contacte con el Estado, por la obtención de divisas, contacte con la Fundación Carolina explicando mi caso y lo difícil que era dar una respuesta inmediata sobre la divisas, contacte con una institución financiera que la misma fundación ofrecía para dar créditos y el banco me pedía un aval, al final lo conseguí y luego lo rechazó por que no era de un familiar directo y bueno de allí todo empezó a dar vueltas, la fundación me dio prórroga, y empecé a negociar, con ellos, llegue a España y converse con ellos, pero al final nada decidí abandonarla y me vi en Barcelona y decidí buscar trabajo para estar al menos un año.
-¿Cómo resolvió lo de la permanencia legal?
-Roxmary tiene nacionalidad y decidimos casarnos.
-¿Qué precauciones tomó antes de irse?
-Lo primero fue considerar lo de la permanencia legal, porque es muy importante sobretodo porque no conoces el terreno y genera un estrés terrible, además que no cuentas con seguridad social y si te pasa algo, se puede complicar todo. Contactamos a teatreros venezolanos que ya han venido acá y saber que hacen y dónde lo hacen. Es bueno armar algo un monólogo, o algo que se pueda mostrar, en Barcelona existen más de cien espectáculos teatrales en cartelera, así que si lo traes tenlo en video porque todas las salas lo piden, además de su dossier claro. Y algo fundamental y es que acá no te conocen y eso es importantísimo, tenerlo claro te evitará muchos conflictos.
-¿Cómo ha sido su proceso de adaptación?
-Barcelona es una ciudad caprichosa, a veces se muestra generosa y otras veces ofrece su cara mas hostil, pero en líneas generales es estupenda para el teatro, así que la movida teatral me ha fascinado, las complicaciones con el catalán es algo que he tenido en consideración, yo que me vine pensando que el idioma no sería un inconveniente y resulta que el 90 por ciento de las producciones teatrales son en Catalá y el resto en castellano, pero bueno entonces me tocará trabajar en el 10%. Se extrañan muchas cosas pero el teatro te salva.
-¿Cómo armó su agrupación?
-Bueno, nosotros venimos de una agrupación ya formada. Abrapalabra Teatro se fundó en el 2003 en Venezuela, acá han sido las presentaciones las que han llamado a los integrantes, por ejemplo Brenda Berrocal, nos vio en Dassanes y nos contacto, Sergio estudia en La casona y se enteró de la obra por parte de Roxmary, vino a ver la obra, le gusto nuestro trabajo y se apunto para Llueven vacas y de allí paso a La lección, con Rafael fue esa necesidad mutua, él como actor quería una propuesta que le exigiera un trabajo actoral intenso y yo necesitaba un actor que fuese capaz de entregarse con nosotros en esta aventura sin miedo, el resto del elenco de Baño de damas han venido de igual forma, han visto la obra Nuestra señora de las nubes y se han enganchado.
-¿Qué han hecho para adaptarse?
-Fortalecer los lazos institucionales con el Centro Cívico Drassanes, Espai d’art cincómonos, Casa América Catalunya, Fedelatina, biblioteca vila i vila, y personalmente seguir apostando por el nuestro teatro.
-¿Qué planes hay para trabajar?
-Por ahora, estrenar Baño de damas, tener en cartelera cualquiera de las producciones anteriores, sea en otra sala, pero por ahora queremos consolidar el trabajo con el espai d’art que han sido unos artistas generosos que han creído en nuestras propuestas. Hemos concursado en varios festivales, hasta los momentos no hemos salido favorecidos en ninguno, esperamos respuesta del festival ULLS que se celebra en octubre y en noviembre tendremos una presentación en Bilbao, de Nuestra Señora de las Nubes.
-¿Cuál es su visión del teatro ahora que está en España
-Es fundamental seguir apostando por las estructuras teatrales, sean del Estado o privadas, los grandes teatros ofrecen una programación anual y coherente, la publicidad esta a la par del cine, y claro la manera de vender los espectáculos es distinta, la inversión económica se puede cubrir y esto hace que se realicen grandes proyectos teatrales, haciendo que los teatros gocen de buena salud. A nivel actoral, abundan las escuelas y se pueden conseguir altos niveles de formación, cada ayuntamiento realiza concursos de teatros y en un dos por tres estas metido en festivales y muestras artísticas. Barcelona es una ciudad multicultural y turística por excelencia, y abundan las ofertas para diversos públicos, desde monólogos de humor, hasta grandes musicales muy propio de Broadway.Personalmente creo que en Venezuela tenemos un teatro tan, pero tan bueno, que si llegásemos a presentar varios de nuestros espectáculos, muchos se quedarían atónitos.
-¿Se puede sobrevivir con el teatro?
-Sí, pero no es rentable como diría Carlos Giménez, como tampoco son rentables los hospitales ni las universidades. Creo que hay un tipo de teatro que te da la posibilidad inmediata de tener dinero y otro que toda la vida te lo va hacer gastar, lo bueno sería buscar un equilibrio entre ambos.
-¿Y Venezuela está presente?
-Claro que está presente, siempre lo está, precisamente la Dirección de Cultura de la UCV nos acaba de hacer llegar la invitación para su encuentro teatral en junio, pero creo que no podremos ir por estar en temporada, pero de seguro que iremos además es nuestro mayor anhelo.
Baño de damas
Para el 29 de mayo, a las once de la noche, está fijado el estreno de Baño de damas. El elenco esta conformado por Lucia Jurjo (argentina), Rafael Álvarez (venezolano), Roxmary Povedano (venezolana), Mélanie Taisne (francesa), Nadeska Abreu (venezolana), Susana Fernández (catalana), Sergio Martínez (catalán), Maite Pons (Catalana), Alejandra Pisano (peruana), Cathaysa Hernández (española), Elizabet Assens (catalana), María Fernanda Cardenas (colombiana) y Anna Llebaria (catalana) . La cita es en el Espai d'art cincómonos, Carrer Consell de Cent, 283, Barcelona, España.