Rosendo sigue en guerra

Las sangrientas montoneras heredadas de la Guerra Federal no han culminado. Y para analizarlas y advertir sobre su peligrosa permanencia vive el dramaturgo Gilberto Pinto. Un caraqueño de 79 años, quien reitera que su “final de partida” no ha llegado aún y lo demuestra con un incesante trabajo intelectual, ya que su grave dolencia cardiaca no le impidió terminar la obra La visita de los generales. Y ahora se dispone a recibir un emotivo homenaje del grupo Thalia con el montaje de su pieza La guerrita de Rosendo, creado por el director Carmelo Castro, la cual se podrá ponderar desde el miércoles 1 de octubre en el Teatro Luisela Díaz del Caracas Theater Club, en San Román, donde permanecerá hasta el domingo 2 de noviembre.
Escrita en 1975, La guerrita de Rosendo es una oportuna ficción, inspirada en hechos reales y ambientada en los confusos tiempos de la posguerra federal venezolana del siglo XIX. Sus protagonistas, seres anónimos que pretenden continuar con su guerrita de montoneras, son personajes muy bien definidos, casi arquetípicos, que tiene gran vigencia tanto en la Venezuela actual, como en Latinoamérica. El protagonista es el mayor Rosendo Calcurían, un militarzote de las huestes “amarillas” que para escapar de sus rivales, una patrulla de “azules” se refugia en un rancho perdido en los llanos, pero hasta ahí lo sigue una misteriosa mujer que le tiende una celada, con sexo incluido, mientras ella espera a una escuadra de “amarillos”, quienes le harán un juicio sumario y lo fusilarán porque es un soldado corrupto y un abusador de sus poderes, especialmente con el sexo femenino. La metáfora es tan obvia que explicarla nos parece innecesaria, porque alude en gran parte “a lo que somos hoy en día. En lo que respecta a los valores de la pieza, la trama está montada sobre un suspenso que conecta al espectador de inmediato y en cuanto a los personajes, puedo afirmar que pasan por toda una gama de emociones que es difícil encontrarla en otro texto teatral”, puntualiza Carmelo Castro.
Gilberto Pinto es una de las personalidades del teatro venezolano contemporáneo. Basta revisar sus 18 piezas, muchas editadas y además escenificadas por toda América y Europa. Hay que recordar los valores de Los fantasmas de Tulemón, El hombre de la rata, La muchacha del bluejean y Pacífico 45. Y se encuentra en proceso de publicación por el Celcit un volumen con Un domingo de verano, El peligroso encanto de la ociosidad y El esclavo de la luna. Tambien ha escrito ensayos y por eso tiene: Reflexiones sobre la condición y preparación del actor, Gómez Obregón y su época y El Texto Teatral, notas y contranotas para jóvenes dramaturgos. Como actor y director ha interpretado piezas de Pirandello, Sastre, Camus, Chejov, Ionesco, Shaw, Rengifo, Brecht, O´Casey, Lorca, Miller, Strindberg, O´Neill, Beckett, Synge, Durremat, Coward, entre otros. Ha impartido clases en los más importantes institutos teatrales del país. Ha trabajado para la radio, el cine y la televisión.
Carmelo Castro afirma que siempre le ha preocupado la fragilidad de “nuestra memoria, defecto que nos lleva a condenar al olvido tanto a figuras como acontecimientos que han forjado nuestra historia como país y en el caso que me toca de forma directa, el teatro”. Le impacta enterarse como las nuevas generaciones no saben quien era Alberto de Paz y Mateos, de quien sólo queda su nombre en un teatro que está cerrado, y casi rayando en el escándalo por estar más cercano en el tiempo, Carlos Giménez, quien tanto influyó, entre otras cosas en la consolidación de un público a través del Festival Internacional de Teatro que inventó. “Gilberto Pinto fue mi maestro de actuación en la Escuela de Arte Dramático Juana Sujo, ya hace más de 30 años, A partir de ahí comencé a conocer los alcances de su obra. Por eso decidimos hacerle este justo homenaje al maestro”.
Sensualidad y suspenso
La propuesta de La guerrita de Rosendo no es hiperrealista. Está basada en la sensualidad y el suspenso planteados en el texto. La trama es cruda por el tipo de personajes y el momento histórico que les toca vivir. “María de las Casas, a quien invité para el diseño del vestuario, me dijo que mi puesta era poética y así quisiera describirla. La escenografía, creada por Héctor Becerra, tiene una sorpresa que capta el concepto de la obra. La música escrita por Leonardo Small e Hilda Carmona es sublime y contribuye al realce del espectáculo. Isaac D´Lima es el responsable de la imagen sobre la base de la fotografía de Guillermo Felizola. El diseño de maquillaje y de iluminación es de José Manuel Ascensao, cofundador de Thalía junto conmigo, hace 26 años. El reparto lo integran: Luis Serrano interpreta a Rosendo Calcurían, Maryeliz Montilla es Hermelinda, Daniel Landa es Cristóbal, Christian Rivero es Jacinto y Yeskar Fuentes es El Cunaguaro. Son jóvenes y talentosas figuras de la actuación que han asumido con profesionalismo y dedicación este inmenso reto”, asegura Carmelo Castro.

Entre Jericó y Hamlet

Durante los años noventa del siglo XX se atascó el crecimiento del teatro venezolano. Una peste sin nombre diezmó a todo lo que había significado cinco décadas, por lo menos, en formarse y exhibirse. Un “hueco negro” devoró al gran motor de creación y gerencia que era Carlos Giménez, además del excelente director Enrique Porte y los dramaturgos José Ignacio Cabrujas y Fausto Verdial, y, por supuesto, varios actores y actrices de valía.
No está desierta la escena criolla de la centuria XXI gracias a un milagroso puñado de supervivientes y una briosa generación de relevo, salida en buena parte de la Escuela de Artes de la UCV, del Iudet y de agrupaciones independientes. Todos desafiaron a la guadaña del Sida, el alcohol, las drogas y las crisis cardíacas. El actual proceso lo dinamiza un conjunto de agrupaciones de jóvenes con ganas de ser sucesores de los ausentes y así lo demuestran día a día en escenarios de Caracas y otras poblaciones venezolanas. La diferencia de esta nueva cohorte de artistas con las anteriores es que sí saben de la importancia de la difusión de sus trabajos y para ello piden -esa es la palabra precisa- tener acceso permanente a los espacios teatrales y además que periodistas y críticos no los dejen solos, que los acompañen, porque recuerdan que el teatro es el más antiguo vehículo que se inventó la humanidad para comunicar e informar sobre hechos trascendentales de la comunidad, además de ser herramienta eficaz de la culturización y medio útil para las actividades lúdicas de la sociedad misma.
Y es por eso que la agrupación Teartes insiste con su temporada del Proyecto Hamlet hasta el 21 de septiembre en el sótano 1 del edificio San Martín de Parque Central, en el espacio de GA-80. Este experimento teatral, macerado con textos de William Shakespeare y Heiner Müller, rondaba desde hace varios años en la cabeza de Jericó Montilla y ahora lo presenta con su grupo, convertido en desgarrado hecho escénico, alejado de la palaciega idea shakesperiana y transformado en violenta ceremonia dentro de un decadente espacio underground. Ahí la tragedia por la conquista y el abuso del poder se plasma con ferocidad y masacra los más nobles sentimientos de los seres humanos, todo eso en medio de una alucinante saturnal con elementos y códigos de las contemporáneas y agresivas tribus urbanas.
Héctor Castro, Alí Rondón Pérez, Jariana Armas, María Claret Corado, Louani Rivero, Mónica Quintero, y Sara Valero Zelwer son los felices interpretes que agreden al público con textos, provenientes de la libérrima versión del poeta inglés, hilvanados con fragmentos de La maquina Hamlet del autor alemán. Y por si fuera poco, Jericó sumó al espectáculo una serie de imágenes escénicas influenciadas por el pintor Francis Bacon, para acentuar así el carácter plástico y simbólico de su propuesta, y llevar a los actores y la audiencia por los más oscuros caminos del alma, donde lo cándido es sombrío, borroso y desfigurado.
No hay que olvidar que el Hamlet de Shakespeare se centra en dos aspectos fundamentales para la sociedad isabelina: la familia y el poder. Los que después han asaltado las páginas de tan sórdida pieza han buscado lo oculto que dejo ahí sepultado el poeta de Avon. Müller hizo lo suyo y por eso inventó una “maquina que muele gente”, en sentido figurado, para mostrar el monstruoso aparato que los nazis crearon para conquistar el poder y las conciencias de su pueblo primero y después lo intentaron con el resto de Europa. Lo que ocurrió ya es una historia que ha servido para lucrar a unos vivos, pero la formula que patentó Adolfo Hitler no está sepultada y eso es lo que pretende demostrar este venezolana que tiene hasta un nombre con resonancias bíblicas: Jericó.
Es, pues, un trabajo inteligente y de mucha fuerza escénica o de violencia actuada. Una muestra del teatro que viene para este siglo XXI, un teatro que puede aturdir el público desprevenido, donde pululan Hamlets y despechadas Ofelias, donde abundan traidores tíos y madres disolutas, y donde siempre esta oscilando, cual péndulo trágico, la eventualidad de una invasión disfrazada por un amistoso Fortimbras.¡Nunca el príncipe Hamlet fue tan contemporáneo y no es precisamente por el juego que se inventó Müller!

El poeta Ramos Sucre revive en el teatro

Al ciudadano José Antonio Barrios Valle no le gusta decir cuándo nació, ni tampoco dónde. Pero, convencido de la inutilidad de su secreto a voces, “porque esta cara me delata”, reconoce que es oriundo de Cádiz, Andalucía, España, y su primer grito “lo di a las diez de la noche del 22 de julio de 1964, como lo cuenta mi madre Maria Antonia”.
Explica que su resistencia a detallar su origen es para evitarse “desagradables detalles xenófobos” de los disociados, que por ahí existen, “engavetados la mayoría”, quienes no saben que él hizo todos sus estudios aquí en Caracas, porque lo trajeron a los ocho años y gracias a ello ahora avanza con una nueva generación ascendente de dramaturgos venezolanos, “porque sí pertenezco a este país”.
Y al entrar en confianza da la noticia que justifica este reportaje:
-Acabo de ganar el Primer Concurso de Dramaturgia Breve Gilberto Pinto, organizado por la Casa Nacional de las Letras Andrés Bello, según el veredicto, unánime, del jurado que integraron los dramaturgos Rodolfo Porras, Gustavo Ott y Carlos Arroyo. El galardón consiste en mil quinientos bolívares fuerte y la publicación de mi obra Mi reino por un sueño…una cuerda tensa a punto de romperse. Ellos avalaron su decisión porque en mi pieza encontraron, como registra la respectiva acta, “un carácter innovador propuesto en la estructura dramática, la creación de atmósferas, la visión humanista y poética de los personajes, así como un consistente dominio de la escritura escénica”.
-¿Por qué el teatro?
-Escribo para que los personajes que están en mi interior puedan ser escuchados. Siento que al escribir teatro los personajes que salen de mí o se me presentan, pueden tomar el cuerpo del actor y vivir mientras dura cada función. Se materializan y expresan sus inquietudes. Persigo o anhelo ser escuchado especialmente a través del montaje de mis obras.Mis primeros maestros y de quienes recibí mayores influencias en mis comienzos dentro del teatro en general y especialmente en mi formación como actor fueron Carlos Giménez y Enrique Porte, con quienes realicé sendos cursos en 1981 y 1983, respectivamente. Además hice diversos talleres con otros maestros. En la dramaturgia he recibido excelentes enseñanzas de profesionales como Marcos Purroy, Gustavo Ott, Mónica Montañés, José Gabriel Núñez y Elio Palencia.
-¿Cuántas obras escritas hasta ahora?
-Hasta ahora, en global, son 13 piezas, que yo divido en cinco obras largas, más un monologo y ocho mini-obras o mínimas. De las cinco, tres han recibido premios. Mi ópera prima, La cotufa no baila más, una leyenda urbana del Parque Central, ganó el Premio de Dramaturgia Fundarte 2006. La penúltima, El sitio, quedó en tercer lugar en Inglaterra en el Concurso Premio CASA de Dramaturgia Venezolana 2008 y la última, por ahora, Mi reino por un sueño... una cuerda tensa a punto de romperse acaba de ganar el concurso de la Casa Andrés Bello.
-¿Cuáles son las temáticas de sus obras?
-Hasta ahora me han interesado temas como el absurdo en las relaciones humanas dentro del entorno urbano, la incomunicación, los dramas de algunos personajes históricos y la intolerancia.
La poesía siempre me ha habitado y trato de canalizarla en mis obras de teatro e incluso tengo tres poemarios hasta ahora inéditos. Mi nueva obra surgió durante un taller de poesía que efectué el año pasado 2007 en Monte Ávila Editores bajo la guía de Miguel Márquez. Fueron momentos maravillosos los que allí compartimos ya que disfrutamos tanto de la poesía de diversos autores, pero me atrapó la obra y la vida de José Antonio Ramos Sucre (Cumaná, 9 de junio de 1890/Ginebra, 13 de junio de 1930). Decidí profundizar en ese malogrado venezolano y en sus escritos. Leí sus poemas, sus cartas y las biografías escritas por gente que lo conoció. Así surgieron diversos personajes, acciones, situaciones y se fue armando la estructura escénica de mi obra, que ha resultado premiada. Ahora espero que algún director se enamoré de ella y la escenifique, porque sería exaltar al gran poeta que fue Ramos Sucre. Es posible que para el Festival Festea 2009 Mi reino por un sueño…una cuerda tensa a punto de romperse pueda verse en escena.
-¿Cómo son sus relaciones con grupos y directores interesados en sus obras?
-Considero que he tenido suerte en este sentido ya que las relaciones han sido armoniosas y respetuosas. Mis textos crecieron y se enriquecieron con los aportes y la creatividad de las agrupaciones y los directores que hasta el momento se han interesado en mis obras.
-¿Le interesa escribir para el cine y la televisión?
-Me interesa muchísimo, recientemente he tenido el privilegio de participar en talleres de guiones cine y televisión con profesionales como Patricia Kaiser e Ibrahim Guerra. Por lo tanto es una asignatura pendiente. Hacia allá pienso dirigir mis próximos pasos, sin abandonar por supuesto la escritura para el teatro.
EQUIPAJE TEATRAL
Barrios Valle tiene en su haber cinco obras largas: La cotufa no baila más, una leyenda urbana del Parque Central (estrenada en 2006), ¡Que bodas tienes tú! Cursillo pre-matrimonial para parejas indecisas, Rasputín en Caracas, El sitio y Mi reino por un sueño... una cuerda tensa a punto de romperse.
Añade el monólogo La novia viuda. Y cierra con ocho piezas mínimas: De la Carraca a Palo Verde... un metro para Miranda, El año del perro, Punto y coma, Pañito blanco para el altar, Doble despecho... ese bolero ya no es para ti (2007), La novia es mi hijo, Me sacó la piedra y Barajita repetida no llena álbum (estrenada en 2008).

Elio Palencia vive de la escena

Durante las dos últimas temporadas teatrales caraqueñas, tres de sus 22 obras ganaron premios de la Alcaldía del Municipio Libertador. Pero La quinta de Dayana (2007), Penitentes (2008) y Mi hermano José Rosario (2008) -montada por la agrupación Abrapalabra- no le dieron suficientes bolívares como para irse de vacaciones o dedicarse de lleno a la dramaturgia, que es su gran pasión. Y es por eso que Elio Palencia (Maracay, 13 de diciembre de 1963) prosigue escribiendo con el equipo responsable de la telenovela ¿Vieja yo? , que transmite Venevisión.
“En el canal 4, donde trabajo desde hace tres años, estoy bajo la batuta de Mónica Montañés, a quien conocí durante el proyecto Voltea pa´ que te enamores. Ella, junto con otros escritores, como Leonardo Padrón y Alberto Barrera, ha retomado el hilo sembrado por Cabrujas, Garmendia y Chalbaud para hacer una televisión comercial de calidad, y, sobre todo, ética, entretenida y respetuosa del espectador. Además, la cinematografía, que era una asignatura pendiente, ya cuenta conmigo. Hice un taller de guiones y la Villa del Cine me premió llevándolo a la pantalla. Se trata de Una casa pa´maita, versión de La quinta de Dayana, protagonizada por el transexual colombiano Endry Cardeño, bajo la dirección de Eduardo Barbera. No me puedo quejar: trabajo para el teatro, la televisión y ahora el cine. Vivo, pues, para las artes escénicas”, puntualiza Elio.
Desde niño, comenta Elio, su vocación fue definida por una especie de encantamiento hacia todo lo que fuera “representación”. En la escuela reunía a compañeros y rayaba algunas líneas para ser montadas. Igual en el liceo y al entrar la universidad, fue la gran definición vocacional, el descubrimiento de un camino y el principio de una visión hacia lo creativo en el teatro en paralelo con su propio crecimiento vital. Terminó sus estudios en Turismo, empezó Sociología, que no terminó, porque la mayor parte de su tiempo estaba ganada por el intento de profesionalizarme. Es decir, comenzó a escribir desde el hecho teatral en sí, por necesidades expresivas dentro de la escena, donde se inició como actor y luego fue interesándose por otros campos y posibilidades de contenido y forma, tanto en la dramaturgia como en la puesta en escena y la producción, a cuyos círculos casi siempre he estado ligado. De hecho, varias de sus piezas han sido escritas para colectivos de actores, en una dialéctica creativa con ellos y también con directores. Porque para él la pieza termina de escribirse sobre el escenario. Los demás géneros literarios le han dado cierto pudor, aunque se atrevió con la prosa y tiene una serie de relatos que, bajo el título de Re-sentir, abordan un tema recurrente: el de la memoria, pero desde la perspectiva de un niño.
A pesar que sus obras mantienen demanda de público y los artistas las buscan para escenificarlas, Elio comenta que hay un peligroso letargo en el teatro venezolano, después que durante los años setenta y ochenta se vivió un fenómeno inédito. Detecta una indefinición o aturdimiento respecto a la escena, una medianía que parece haber sido definida por el mercantilismo de la última década. “Pero hay gente como Xiomara Moreno, y agrupaciones como Teatrela, TET, Textoteatro, La Bacante y Contrajuego, además de los festivales de Occidente y de Oriente y unos cuantos creadores emergentes. Creo que en ellos está el hilo, la conexión con riguroso nivel de compromiso con el arte teatral, que en la medida de su coherencia es compromiso con la sociedad. Creo que es importante destacar la edición de la dramaturgia y vaya mi reconocimiento a la iniciativa de la editorial El perro y la rana, pero gran parte de la construcción de un teatro nacional pasa también por montar lo que escriben sus dramaturgos, y además montar bien sus piezas y llevarlas a todos los rincones del país. Pero sobre toda es necesario revisar a la política teatral oficial como inversión social y eso pasa por darle a los creadores una vida digna, propiciando su perfeccionamiento para que puedan dar lo mejor de si a los demás. La reivindicación del creador teatral sigue siendo una deuda histórica”.
Las minorías
Su teatro toca temas que van desde el Sida hasta la transexualidad, la homosexualidad y otros más. Defiende lo que escribe porque el teatro es un espacio posible para lo que no existe y puede ser. Y también para que “precisamente salga a la luz la diversidad que somos. Las minorías son parte de nuestra sociedad, la enriquecen y deben ser respetadas”. Su debut fue en la temporada caraqueña de 1990, cuando el Centro de Directores para el Nuevo Teatro le montó Detrás de la avenida. Desde entonces ha presentado: Penitentes, La quinta de Dayana, Un patio, dos islas, De bodas, Carmiña, una yegua de otra tierra, Pasajeros, Doña Bárbara, la perfecta ama de casa, ¿Niña o hembra?, Anorexia, rapsodia náutica, Del Alma Querida, Mi hermano José Rosario, La reina del soufflé, Arráncame la vida, Fronteras, Campeones, Escindida, Sintonía o... ¿hay un extraño en casa?, Habitación independiente para hombre solo, Secuestro Rosa, Camino a Kabaskén y Oasis Pub.

Marina Baura reaparece en el teatro

Presenciamos el debut del director Carlos Omobono (Caracas, 1959), durante la noche del 18 de enero de 1979, en la sala Juana Sujo del Nuevo Grupo. Fue con la comedia Mónica y el florentino de Isaac Chocrón, quien celebró así, con un puestista que insurgía y una actriz que ya descollaba, Elba Escobar, sus primeros 20 años teatrales. ¡La memoria siempre reitera la importancia de la historia!
Mucho teatro ha visto Caracas durante los últimos 29 años y es seguro que las mejores épocas vendrán, precisamente cuando los elencos de sus exigentes espectáculos tienen actrices de la talla de una Marina Baura, “estrella” de la mejor televisión venezolana exhibida durante en los últimos 50 años. Y por ello, Carlos Omobono puso su granito de arena al llamar a la venezolana Julia Pérez (nombre legal de la primera actriz, nacida en Vigo, España, el 1 de noviembre de 1941), para encarnar a Graciela, obstinada colombiana que después de 12 años de matrimonio opta por deshacerse de su marido, tal como lo escribió Gabriel García Márquez en Diatriba de amor contra un hombre sentado, el único monólogo que se le conoce al Nobel de Literatura 1982.
Diatriba de amor contra un hombre sentado no es otra cosa que el conflicto entre la dicha pública y la infelicidad privada de la mujer que pretende festejar sus bodas de seda, pero Graciela se quita la máscara y descarga sus frustraciones y en especial arremete contra la frialdad íntima del esposo -“se nos agotó el amor de tanto usarlo”, como dice la canción- al parecer cansado de ella, quien aún es diestro seductor de jovencitas y posiblemente menos poderosas económicamente.
Este monólogo, estrenado hacia 1988 en Buenos Aires y ocho años después en Bogotá, es una bella pieza literaria. Todo un exacerbado alegato sobre la infelicidad de la mujer que lo tiene todo, menos la paciencia ante la desaparición del amor que la unió a su marido. Pero los 90 minutos que consume el montaje caraqueño son insoportables ante la carencia de teatralidad del texto, a pesar de las hábiles alusiones y guiños musicales que el director hace con la cantante venezolana Maria Teresa Chacín y los juegos de los actores con la escenografia creada por Valentina Herz para animar la escena.
La impactante performance de Marina Baura y la estoica participación del joven intérprete José Alex Romero, como “el marido”, lograron atrapar al cómplice público del estreno, función fatal por fallas con el sonido, pero que fue exorcizada con los positivos deseos de los entusiastas amigos del elenco y del director, además de los interesados espectadores ante la aparición de una nueva compañía productora de espectáculos teatrales, el Grupo Halternativa.
Marina Baura demostró que está en plena madurez de su carrera actoral, tiene un mágico dominio de escena y una habilidad única para obviar desatinos técnicos y hacer llevadero el tiempo escénico lastrado por la fantástica abundancia literaria del escritor. ¡No siempre los novelistas son buenos dramaturgos,aunque trabajen con las palabras; los buenos autores teatrales hacen poesía escénica, o sea manejan aquello que los teóricos llaman "dramaturgia de la imagen" o están en vías de conseguirlo

El director Carlos Omobono debe cortar tanta prosa literaria para salvar la teatralidad, precisamente después que les “rebajò” las bodas de plata a la pareja y se las convirtió en bodas de seda. Hay que volver a Escena 8 para ver si es cierto que el director Carlos Omobono hizo los cortes precisos que aligeran la pieza y la hacer más soportable para el público o el crítico de las mil cabezas, con lo cual los actores, especialmente Marina Baura, tendrán más oportunidad de lucirse

A Isaac Chocrón nunca le gustó el disfraz femenino

A sus 78 años, que los cumple el próximo 25 de septiembre y con no menos de 30 libros, entre piezas de teatro, novelas y ensayos, presentes en su dilatada, positiva y premiada hoja de vida, el escritor maracayero Isaac Chocrón niega, rotundamente, que tenga entre sus proyectos entregar una pieza literaria relacionada o vinculada con la transexualidad y otros temas tan densos como ese. Él, nos dijo: “nunca en mi vida me interesó disfrazarme de mujer; siempre he sido una persona definida en mi vida y eso se puede ver en mi saga personal o leer en mis obras, donde no hay disfraces. Respeto a los que lo hacen, pero eso no me interesa a mí”.
-Lo vimos al lado de Mario Vargas Llosa, el pasado 16 de agosto, mientras presenciaban una función de la pieza Al pie del Támesis, donde el escritor peruano plasma una metáfora sobre la transexualidad de uno de sus personajes. ¿Qué pasó? ¿Qué hablaron?
-Sí, ahí nos vimos. Conozco a Mario desde hace varias décadas, es un caballero muy fino; además, pudimos hablar previamente, de varios temas, en un restaurante en el Trasnocho Cultural y conmigo tuvo una especial deferencia.
-¿A dos años de haberse estrenado Los navegaos, dirigida por Michel Hausman, ya tiene otra pieza lista?
-Sí, la tengo lista, pero no puedo revelar todavía su nombre, ni su contenido. No se debe contar el cuento hasta su debido momento, porque cuando se cuenta se va. Es una vieja costumbre del mundo del teatro. No es sano hablar antes de que el proyecto esté bien definido, especialmente en aquello de los elencos.
-¿Y el director quien sería?
- El mejor o el de siempre. Será uno de los que siempre ha sido.
-¿Entre Ugo Ulive, que está retirado, y Michel Hausman a quien elegiría?
- No sé, aunque Ulive que, es mi gran amigo, podría regresar, y Hausman es un brillante joven, preocupado en incrementar su talento como director y productor de bellos espectáculos. De eso hablaré después, te lo aseguro.
-¿También tiene otra novela para publicar?
-No, no estoy obligado a decir lo que estoy haciendo. ¿Verdad? No quiero advertir sobre lo que proyecto. Pero insisto, que cada vez es más difícil escribir, porque la suerte del éxito es que te estimula, pero lo difícil del éxito es que te exige.
-Una persona que escribe todos los días, desde las nueve de la mañana hasta la una de la tarde, primero a con la zurda y después lo vierte en la computadora, debe tener un cerro de piezas terminadas. ¿De acuerdo?
-Eso es verdad, escribo todos los días, sin que la fecha me detenga o me lo impida. Si no escribo, paso el resto del día malhumorado, me deprimo, y siento que no valgo la pena. Antes terminaba más rápido las obras, pero ahora todo es más lento o más madurado. Lo hago poco a poco y sin ningún apuro. No me interesa estar figurando en los medios de comunicación todo el tiempo. Insisto: si yo dejo de escribir no tengo razón para vivir. Uno escribe lo suyo, en mi caso mis obras teatrales o mis novelas, y las lanza al mundo para que vivan sus vidas. Yo, a diferencia de los padres, de papá y mamá que se pasan toda la vida educando a los hijos y después los hijos no los ayudan, mis obras si me hacen llegar plata, o sea, los respectivos derechos de autor, porque los empresarios me pagan.
-¿Prefiere el bajo perfil, a estas alturas de la vida?
-Sí, como me lo dijo un amigo, “si sigues así, de bajo perfil, de vas a convertir en una versión de la Greta Garbo".
-¿Quiere ser la Greta Garbo del teatro venezolano?
-No, nada de disfraces; aclaro. Ella, Greta Garbo, vivía en las inmediaciones del edificio de la ONU, en Nueva York, al lado del building donde moraba Truman Capote. Ella salía desde su apartamento, hacia las cinco de la tarde, vestida con impermeable y con una pañoleta en la cabeza, además de unos grandes lentes oscuros, para pasar desapercibida, mientras iba a la farmacia o alguna tienda. Todo el mundo sabía que era ella, pero nadie la inoportunaba. Paseaba en paz y sin alboroto por su barrio.
-¿Usted no se disfraza para salir a la calle?
-No, ni soy tan famoso como la Garbo, pero si quiero caminar sin que tenga estar dando explicaciones a la gente sobre tal o cual tema.
CUMPLEAÑOS
-¿Cómo celebrará su 78 cumpleaños?
-Para esa fecha no estaré en Caracas.Es posible que viaje, así lo tengo planificado.
-¿Qué aspiraciones tiene al arribar a 78 años?
-Cuando cumplí 75 años dije que tenía todas las imaginables. Eso lo reitero ahora.
-¿Qué más espera de la vida?
-Todo.
-¿Y como profesional de las artes que espera?
-Mucho.
-¿Qué pasó con sus obras en el exterior?
-Se siguen representando; el año pasado montaron O.K. y este año le tocó el turno a Escrito y sellado. Ambas producciones lo hizo el grupo Repertorio Español, en Nueva York. Es posible que lleven a escena Los Navegaos, porque el director Rene Buch está enamorado de esa pieza. No olvides, que mi debut teatral fue el 9 de marzo de 1959, cuando Romeo Costea montó, en el Teatro de Bolsillo, que pertenecía al Instituto Venezolano Francés, mi ópera prima Mónica y el florentino. El año próximo cumplo mis bodas de oro teatrales. Seguiremos hablando.
-¿Cuál es su balance de vida al arribar a los 78?
-Yo te dije, hace tres años, que quiero hablar siempre de mi presente y mi futuro. No quiero que me pregunten cosas como si ya hubiese acabado todo para mí. Esos balances los deben hacer los periodistas o los críticos. Eso del debe y el haber en el libro de la vida no va conmigo, porque soy un vitalista, un hombre que lo que ha hecho es vivir, más nada. No quiero hacer ese trabajo de contable. Tú has leído mis novelas y visto mis obras, por lo que esa tarea te corresponde a ti.

Otros días felices para trasnocharse

¿Qué piensan los teatreros cuando eligen y escenifican una obra? Ni ellos mismos lo saben o pueden explicarlo. Hay un mágico mecanismo cultural que les impone tales decisiones cruciales, en las que pueden perder o ganar prestigio, además de los aplausos de los espectadores, que en ocasiones no los toman en cuenta. Declaran vaguedades para salir del paso y nosotros lo que hacemos es ver sus producciones y opinar sí es importante lo hecho o no tomarlos en cuenta, ni tampoco escribirles la reseña. ¡Porque la ausencia de crítica es de por si una crítica!
Recalcamos esto, frecuente en el contexto caraqueño, porque hemos visto en la temporada 2008 sendos montajes de la obra Los días felices, de Samuel Beckett: una producción de la Compañía Nacional de Teatro, con puesta en escena de Dairo Piñeres, y otra, que se exhibió, en la Sala Plural, lograda con la suma de los aportes creativos de los actores Haydée Faverola y Marco Villarubia, el director Humberto Ortiz y el maestro de la escenografía Fernando Calzadilla.
Los días felices fue escrita por Beckett a comienzos de los años sesenta, después que el escritor vio a la esposa de un amigo enterrada hasta el cuello en la arena de una playa francesa. El artista poetizó aquello y desde que la estrenó se convirtió en referencia esencial del teatro contemporáneo. Ahí plantea su metáfora con Winnie, distinguida señora que es engullida lentamente por una especie de roca (en el segundo montaje caraqueño es un monumental mesón de cocina), mientras ella parlotea y proclama lo feliz que se siente, al tiempo que está pendiente de su esposo Willy, quien duerme o lee o no hace nada. Winnie aparece en el primer acto inmovilizada hasta la cintura, pero en su constante hablar, enmarcado por la manipulación de distintos elementos, evoca una felicidad que parece contradecir su situación. Su pareja, Willy, la escucha parlotear sin prestarle mucha atención. Winnie habla, discute, recuerda, regaña a Willy, lo aconseja y no cesa de intentar puentes comunicantes. El constante empeño del personaje por ser feliz pareciera darle sentido a su existencia. En el segundo acto, Winnie está ya imposibilitada hasta de manipular los elementos que aún la rodean. Las palabras y sus silencios se hacen, entonces, sus únicas verdades. Ella sigue apostando por la felicidad.
Y, como es obvio, el público queda preguntándose por qué o para qué todo aquello. Preguntas que sí tienen respuestas en función de la capacidad de análisis de cada uno o tomarse el espectáculo como un acto lúdico más, esto por supuesto no es tan fácil porque el teatromaníaco es crítico por naturaleza, no traga entero jamás.
Pero gracias al montaje de Ortiz y Calzadilla, muchas cosas quedan aclaradas, por el preciso y ejemplar trabajo escénico materializado con los actores Faverola y Villarubia. Se trata de uno de los montajes más decantados que hayamos visto en muchos años de ese difícil texto beckettiano y, además, es una de las producciones más inteligentemente pensadas y realizadas para la reflexión y el disfrute del público, que sale favorecido ante ese desborde creativo destinado a materializar el crítico pensamiento del autor sobre la sociedad burguesa contemporánea, entregada al insaciable consumo como única meta o razón para su existencia.
Este montaje hace “digestivo” el espectáculo de tan absurda obra, gracias a la solución escenográfica creada por Calzadilla y al orgánico trabajo actoral de Faverola, gracias a sus transiciones y a esa patética resignación que trasmiten sus músculos faciales y los tonos de su bien colocada voz, todo eso acompañado por el sonido de una cortina de varillas metálicas que ocultan al indispensable Willy (Villarubia). Hay un laborioso trabajo de dirección, una lectura escénica sobre el pensamiento de Beckett, apuntalado en algo más que un aporte escenográfico. Fue tan acertado el trabajo de este equipo, que un jurado de cinco críticos concedió los Premios Municipales a la Mejor Actriz y al Mejor Dispositivo Escenográfico.
Agradecimientos
Fernando Calzadilla agradece el Premio Municipal de Escenografía por Los días felices en el Espacio Plural de Trasnocho. Y subraya que nada pasa en el escenario sin la presencia del actor. “Doble mi fortuna en este caso, porque además de mi reconocimiento también se reconoció a Haydée Faverola, quien junto con Marco Villarubia, fue quien le dio vida a lo que de otra manera hubiera sido simplemente parapeto. Además del reconocimiento que esto significa para Humberto Ortíz, director de la obra y por ende guía del espectáculo, estos premios son para los que seguimos creyendo en el teatro sin diferencias ni categorías. Este preámbulo es para decir que este premio es además muy especialmente para Moisés Guevara, director artístico de Trasnocho, quien con su visión y apoyo a hecho posible que este espectáculo, y tantos otros como este, hayan tenido lugar y expresión”.

La jaula de Rajatabla

Al morir el director argentino-venezolano Carlos Giménez (28 de marzo de 1993) se dijo, con cierta perversa intención, que la agrupación Rajatabla desaparecería en semanas. No ha sido así. El actor Francisco Alfaro (Madrid, 24 de octubre de 1950) asumió la gerencia y lleva tres lustros luchando para que la nao no se hunda, pero carece de un director artístico a la altura del finado, algo imposible de conseguir, aunque sí podría haberse ejercitado. Se aplicó la formula de “un esteta para cada montaje”, con lo cual las características vanguardistas de la agrupación sí desaparecieron. ¡Craso error, pues se trata de una institución dedicada a la producción de espectáculos teatrales de índole artística!
La institución, que ya tiene más de 100 piezas escenificadas a lo largo de sus 37 años (28 de febrero de 1971), prosigue visitando algunas ciudades claves de la provincia, aunque las giras internacionales son menos frecuentes, y mantiene activa su “fabrica de actores” con el Taller Nacional de Teatro (TNT). Con las ganancias que deja la administración de una taguara, instalada en el patio de su sede, donde venden cervezas y pasteles de queso, y unos cuantos bolívares fuertes provenientes del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, la Rajatabla de Alfaro puso en marcha un proyecto destinado a promover la dramaturgia venezolana. Hizo un concurso y seleccionó cuatro piezas para la temporada 2008 que finaliza en noviembre. Ya mostró Los dioses del sur de Vicente Lira y Cont@cto de Carmen García Vilar. Actualmente exhibe La jaula big shop de Héctor Castro y cierra con José Amindra de Roberto Azuaje.
La jaula big shop, dirigida por José Sánchez y con la participación de Gerardo Luongo, Yurahy Castro, Rossana Hernández, Wolmar Coronado, Freddy Buitrago, Elvis Chaveinte, Vicente Peña, Flor Colmenárez, Ignacio Marchena, Jhonny Torres, Carlos Núñez, Miriam Pareja y Pedro Pineda, no es más que el bar-prostíbulo del municipio Bergantín. Un antro donde más de 12 parroquianos y las meretrices luchan contra el hastío y además preparan una parodia teatral del Descubrimiento de América. Todo eso fracasa por un “golpe de Estado” de la policía contra el alcalde.
Lamentablemente, esa “jaula” no supera las comparaciones con otras dramaturgias criollas y muestra “las costuras” de piezas famosas como El pez que fuma de Román Chalbaud, La revolución de Isaac Chocrón, Baño de damas de Rodolfo Santana, A 2,50 la cuba libre de Ibrahim Guerra y Calígula de José Simón Escalona, las cuales, en su momento, plasmaron a un país convertido en un burdel donde se resuelven problemas sociales, políticos y hasta culturales. No es malo que se tomen detalles de otras obras altamente significativas, pero el texto de Castro no alcanza la intensidad ni la densidad de las aludidas ni tampoco logra parodiar a José Ignacio Cabrujas en su Acto cultural. ¡Con esos seis textos sí se habria podido hacer un insólito cóctel teatral...pero había que arriesgar y eso es lo que ahí faltó!
Y por si fuera poco, al montaje le faltó “carne” y acción para ser un auténtico espectáculo vivo, con lo cual las falencias del texto son más obvias. Se desperdició la oportunidad de crear un cálido carnaval con las rameras interactuando con el público y lograr así esa perenne fiesta característica de los botiquines populares. Un teatro lúdico donde el accionar de la audiencia pudo ser parte importante del montaje. ¡La nostálgica pista musical es excepcional por los temas utilizados!

Los dos no hicieron esperar a los coreanos

¿Qué pasará en una sala de espectáculos sí los actores no acuden a su cita con el público? ¿Podrá alguien del personal técnico suplir esa inesperada ausencia?¿Qué reacción tendrían los espectadores cuándo presencien una función improvisada por los acomodadores o los tramoyistas? ¿Ha nacido una nueva manera de encarnar el teatro o la danza?
Esas preguntas y otras las estará respondiendo, desde el escenario, la agrupación Dramo con su espectáculo Esperando a los dos, el cual, en representación de las sufridas y nunca bien comprendidas artes escénicas venezolanas, participa mañana en la gala inaugural de la decimoséptima edición del Festival Nacional de Danza de Corea, en la ciudad de Mokpo.
Sí, Esperando a los dos, estrenado en el Ateneo de Caracas durante la temporada 2006, fue invitado para que lo aplaudan los coreanos, después que aquí lo vieron los organizadores de ese importante evento de la nación asiática.“Es una oferta que significa un reto, ya que vamos a mostrarnos ante una sociedad culta, con otra lengua y diferentes códigos de valores, pero estamos seguros comprenderán y además disfrutarán nuestro lenguaje escénico occidental. Es un reto que aceptamos y mucho más en estos tiempos tan difíciles”, puntualizó Miguel Issa, director de Dramo y uno de los interpretes que, con Eliana Santander, viajó a Corea del Sur el pasado sábado, después de celebrar el Premio Municipal de Teatro del Municipio Libertador, en su categoría de Mejor Espectáculo para Niños, con la pieza musicoteatral La zaranda, el cual fue anunciado el pasado jueves.
Issa explica que Esperando a dos es un espectáculo donde se combina la danza y el teatro, el cual plasma a dos personajes que trabajan como acomodadores en una sala teatral y quienes, al no llegar los actores del espectáculo de ese día ellos, deciden asumir poco a poco una nueva obra, la cual van creando a partir de todo lo que hasta ese momento se ha presentado en ese espacio.“Esperando a los dos no es otra cosa que un homenaje a los artesanos del teatro, por parte de los trabajadores detrás de bastidores, seres que han visto más espectáculos y las vidas secretas de esos montajes que cualquier crítico y que con su sabiduría referencial pueden o son un verdadero medidor para valorar la calidad de un espectáculo”, afirma.
SAGA DE UNA PASIÓN
Miguel Issa (Caracas, 1962) quería ser cantante lírico, pero su instrumento vocal no dio, o no tiene, los registros adecuados. Eso no lo detuvo y logró estudiar música en la Escuela de Artes de la UCV, donde se licenció hacia 1991. A instancias de Luis Viana participó en su agrupación coreográfica. Eso le gustó tanto que trabajó en varios espectáculos y especialmente con Acción Colectiva, compañía de danza y teatro físico creada en 1985 por iniciativa de Carlos Orta, Julie Barnsley y Diane Noya, y donde además intervinieron Leyson Ponce, Juan Carlos Linares, Pedro Osorio, Marieli Pacheco, Eleonora González, Enid Narváez, Carlos Mujica, Alfredo Orueta y Jacqueline Simonds, entre otros.
Ahí permaneció seis años, hasta que con Leyson Ponce crearon Dramo (Dramaturgia del Movimiento), que desde 1995 se ha caracterizado por abordar la creación a través de la fusión de los lenguajes del teatro, la danza, la ópera, el cabaret, el circo, el ilusionismo y el video.
En 1996, Dramo debutó con Gastone e Meraviglioso y en 1997 presentó Ella, María Callas y Nosferatu, ladrón de cuerpos. Desde entonces no ha detenido su trabajo artístico, donde el entrenamiento corporal o el intenso adiestramiento físico es fundamental para la creación de nuestros espectáculos. En 1998, presentó Medea Material de Müller y la ópera Lo Speziale de Haydn; en 1999, exhibe el auto sacramental El Divino Narciso de Sor Juana Inés de la Cruz y Pascua.
Para el año 2000 realizó una versión de La Divina Comedia de Alighieri y la opera de Kurt Weill: Los siete pecados capitales. En el 2001, entregó La canción de los niños muertos, inspirada en las canciones de Gusta Mahler. En el 2001, creó el espectáculo R.S.V.P., versión de Esperando a Godot de Beckett, y Chez Raymonde. Para 2003, mostró El Mistral y en 2004 estrenó una versión de la ópera La gata Cenerentola y La Fiesta de los Barrosos.
En 2005, Dramo celebró sus diez años con el remontaje de las obras más emblemáticas y Café Inmigrantes. En 2006 produjo Caracas Itinerante, Esperando a los dos y Caracas Intima, bajo la dirección de Miguel Issa. Para el año 2007 estrenó La Zaranda, creada por Miguel Issa en coproducción con la Fundación Morella Muñoz, y El vuelo del ilusionista de Leyson Ponce.
Dramo ha presentado sus trabajos en Francia, ItaliaPortugal, Chipre, México, Colombia, Costa Rica, Indonesia y en Venezuela, además participó en diversas ediciones de los Festivales Internacionales de Teatro de Caracas, de Oriente, de Occidente, de Maracaibo, de Danza, de Solos y Duetos del Ministerio de la Cultura.
ESPECTADORES Y TÉCNICOS
Desde su primer temporada, Esperando a los dos, durante los meses de julio y agosto de 2006, en la sala Horacio Peterson, hasta sus últimas presentaciones en el Espacio Plural del Teatro Trasnocho, de febrero a mayo de 2008, ha sido exhibido 70 veces y ha contabilizado 7.540 espectadores. Para esta creación de Miguel Issa, exhibe un diseño de iluminación resuelto por Gerónimo Reyes; un dispositivo escénico, vestuario y maquillaje, logrados por Edgar Gil; una pista de musicalización y una edición musical donde interviene Miguel Issa y Eduardo Arias. Mientras que las labores de coordinación de escenario y del equipo de producción, cuenta con las fuerzas y las voluntades de Adriana Issa, Alma Kochen y Yarua Camagni y, nuevamente, Edgar Gil.

Volvió doña Bárbara

Regresó la dueña del hato apureño “El miedo”. Doña Bárbara, a casi 90 años de su huida, cuando dejó atrás a su hija Marisela enamorada del victorioso Santos Luzardo, la mítica cacica está otra vez en sus territorios para imponer sus bárbaras leyes, ahora apuntalada por los fusiles rusos Kalashnikov que portan sus secuaces.
Así se lo cuenta a sus lectores, el periodista y escritor Juan Carlos Zapara (Guasdualito, 1960) en su décimo libro Doña Bárbara con Kalashnikov, el cual exhibe en su portada una fotografía en blanco y negro del jefe de la guerrilla colombiana “Tirofijo” o Manuel Marulanda Vélez. Dos personajes míticos unidos en una publicación venezolana de 2008, con 240 páginas, lanzada al mercado por la Editorial Alfa, que debe despertar pasiones y opiniones encontradas por todo lo que ahí se trata.
Zapata, que es un reconocido autor de ensayos sobre la economía y la política venezolanas, además de una novela “negra” y un interesante búsqueda de huellas e informaciones veraces sobre cuando Gabriel García Márquez era un feliz indocumentado en Caracas, tiene una brillante historia como periodista (fue jefe de redacción de El Mundo) y como revolucionario creador de una pagina Web dedicada a la economía (Descifrado), comentó que su Doña Bárbara con Kalashnikov es el producto de una intensa y extensa investigación como “sólo la podemos hacer los periodistas”.
Todo ese proyecto nació hace tres años cuando Zapata se reunió con su colega Milagros Socorro y tras hablar y revisar la novela Doña Bárbara, con la cual Rómulo Gallegos desafío a las fuerzas de la tiranía en la Venezuela de los años 20 y 30, optó por emprender la búsqueda de las razones o sin razones del regreso de la violencia a los llanos venezolanos desde finales del siglo XX y hasta nuestros días. Él no sabía lo que iba a obtener. No sabía si sería un reportaje periodístico o una novela. Simplemente tenía en su mente la muerte del hijo de una amiga en Guasdualito, que lo conmovió mucho. Comenzó a indagar y así se dio cuenta que también habían matado a mucha gente que había conocido, amigos, otros conocidos y unos cuantos hijos o nietos de amigos. Con lo cual se percató del gran drama de esa gran zona de los llanos venezolanos, de ese clima de miedo, de la innegable presencia de la guerrilla, de los paramilitares, del narcotráfico, de las bandas de contrabandistas. Comenzó, pues, a investigar los hechos como lo hace un periodista, sólo que en ese momento se dio cuenta que se estaban cumpliendo los primeros 80 años del viaje de Rómulo Gallegos al llano para escribir Doña Bárbara. Y es por eso que en su encuentro con la colega Milagros le preguntó cuáles serían los símbolos equivalentes en estos momentos a la barbarie, que servirían para definir en estos momentos a un personaje como el creado por Gallegos. Y así empezó la otra parte de la historia que narra en su obra.
Doña Bárbara con Kalashnikov viene a ser la sumatoria de lo que ocurre en el llano en estos momentos, lo real y lo concreto. Lo que significó Doña Bárbara en su tiempo y lo que hizo Gallegos al escribir la novela y lo que vincula a Gallegos con la realidad venezolana. Y la tercer parte es el actual discurso político del poder centrado en Caracas. Hay tres historias que nos meten en la barbarie: la de Doña Bárbara, la de la guerrilla y toda la violencia que se extiende en el llano y la saga del discurso chavista. Todo eso hace una trilogía, según la creación de Zapata, quien al releer a Gallegos se dio cuenta que “su obra tiene una gran actualidad por todo lo que esta pasando en el país y especialmente en la región de los llanos. Disfruté sus documentos políticos, sus discursos, sus artículos, su parte humana y hasta sus creencias religiosas. Ahí me di cuenta que ha sido el gran presidente civilista que nunca este país había tenido”.
Zapata niega que su obra sea ficción. “Milagros opina que es una novela que tiene su origen o reminiscencias en Memorias de un venezolano en la decadencia, de José Rafael Pocaterra. Teodoro Petkoff dice que es un reportaje o una investigación donde los hechos son reales y donde se han cambiado algunos nombres. Yo diría, como Jorge Volpi, que es una especie de mutación, de una historia que muta al ensayo, al reportaje libre o la crónica y todo conforma una especie de genero novelado”.
Periodista y escritor
Juan Carlos Zapata vendió sus empresas periodísticas y se dedicó a la escritura. Nadie lo amenazó ni cosa parecida. Necesitaba tiempo para atender proyectos creativos y no podía seguir siendo patrono de nadie, sino de él mismo. Ahora entrega su décimo libro y tiene lista la novela El espejo de Venecia, que saldrá a las librerías a principios de años. Está recorriendo al país para otra investigación que será histórica, pues esta centrada en los nuevos ricos venezolanos o la boliburguesía, los surgidos durante los nueve años de la revolución bolivariana. Espera vivir de sus publicaciones. Si eso no es así, regresa al trabajo periodístico, porque lo lleva en la sangre.

Tres lustros del Teatro San Martín de Caracas

Entró en imprenta la publicación Teatro 2008/Apuntes para su historia en Venezuela. Ahí compilamos críticas, entrevistas y reportajes publicados en El Mundo, Últimas Noticias, el semanario Todosadentro y el blog http://elespectadorvenezolano.blogspot.com sobre la temporada (septiembre 2007/septiembre 2008). Un lapso, al igual que el anterior, enriquecido con la exhibición de las piezas criollas Tu ternura Molotv de Gustavo Ott y Escrito y sellado de Isaac Chocrón en escenarios de Washington y Nueva York, respectivamente. ¡Son no menos de 450 páginas, cuya portada y contraportada exhiben fotografías del Teatro San Martín de Caracas (TSMC) y algunos de sus espectáculos ¡
Pero lo novedoso, lo cual incluso nos llevó a escribir el monólogo Novia en rojo, es que el intelectual Esdras Parra Uzcátegui (Santa Cruz de Mora, 1 de enero de 1930/Caracas, 18 de noviembre de 2004), transexual por honda decisión existencial, se convirtió en el pretexto para la octava pieza teatral de Mario Vargas Llosa, Al pie del Támesis, que vimos en el Teatro Británico de Lima. Después la produjo el Grupo Actoral 80, por sus 25 años de labores en pro del desarrollo de la escena criolla, en el Teatro Trasnocho de Caracas, bajo la dirección de Héctor Manrique y con los comediantes Iván Tamayo y Carlota Sosa, para demostrar, una vez más, que nuestros artistas sí están a la altura de los mejores del mundo.
De todo eso y más de 100 espectáculos escenificados en Caracas, Guanare, Lima y Estados Unidos, trata este libro, el vigésimo segundo desde 1993, que hemos dedicado a resaltar la tarea del mismo Gustavo Ott y su equipo de artistas al frente de la gerencia de lujo ejecutada a lo largo de 15 años en el TSMC. Institución convertida en factor vital de desarrollo para nuevas generaciones de teatreros que han logrado proyectarse dentro y fuera del país e incluso ganar premios, no sólo de dramaturgia sino de actuación.
Ott declaró que en el Teatro San Martín de Caracas aprendieron que más difícil e importante que las transformaciones realizadas en la planta física, más vital que todo el rescate de lo que ya existía, era programar, porque eso le da personalidad y confianza a un espacio teatral. “Que el público sepa que siempre está abierto. Y que lo que se presenta posee calidad. La taquilla es entonces un elemento determinante en el presupuesto general, porque se logra la atracción indiscutible de espectadores”.
La programación del TSMC en tres lustros ha sido muy amplia, como lo demuestran los números de grupos y espectáculos exhibidos en sus dos escenarios. En 15 años abrieron el telón casi 400 montajes producidos por más de 100 grupos nacionales y foráneos. Ensayan en las instalaciones alrededor de 32 elencos de teatro y danza de la ciudad. Y ahí se facilitan de manera gratuita las instalaciones y los equipos, y el personal está disponible, para los eventos organizados por instituciones privadas y publicas.¡Creyeron en este país, apostaron y todos ganamos!

"Nosotros que nos quisimos tanto" es terapéutico

El penúltimo de los nueve hijos de José Leandro y Maria Luisa Oráa de Rodríguez se mudó a la capital venezolana para terminar el bachillerato y después estudiar en la UCV. Cursó tres años de sociología y lo abandonó todo por una beca del Instituto Internacional de Teatro en Europa. Vivió el Mayo Francés y presenció la invasión rusa a Checoslovaquia durante aquel histórico 1968. Regresó a Venezuela y realizó una brillante carrera actoral en el teatro, el cine y la televisión, durante las últimas cuatro décadas.
Por eso es que ahora Gustavo Álvaro Rodríguez Oráa (Ciudad Bolívar, 19 de febrero de 1945), para “limpiar” su nombre profesional de cualquier mancha u ofensa al público que lo conoce -tras haber sido “abortada” la temporada de Yo soy Carlos Marx, polémica obra de Gennys Pérez- ha remontado en el Ateneo de Caracas, con al apoyo del director Armando Gota, el pianista Edgar Maceda y la bolerista Gisela Guédez, el espectáculo Nosotros que nos quisimos tanto, texto que le escribió Mariela Romero y al cual estrenó en la temporada de 1998. “Estoy recontando una historia de despecho que todos me agradecerán, porque todos tenemos amores así o vamos a tenerlos, seguramente”.
Gustavo no ahonda en mayores detalles sobre la temporada de Yo soy Carlos Marx, pero sí recuerda, con nostalgia, el éxito de público y de crítica logrado en Maracay. Decidió voltear “tan vergonzosa pagina” y por eso ahora presenta un singular montaje unipersonal, con sendos apoyos, pero antes, para conjurar nefastos fantasmas, puntualiza que tiene dos orgullos que no oculta: ser hijo de José Leandro, ex seminarista y trashumante actor de circo, “de quien tengo, por razones genéticas, esta pasión por las artes escénicas”, y ser padre de cuatro inteligentes muchachas, una de ellas, Giuliana, es la asistente de dirección y su “fiscal” en el remontaje de Nosotros que nos quisimos tanto.
AMIGOS
Gustavo aclara que el teatro no se explica sino desde la escena, pero sí comenta que es amigo de Mariela Romero y Armando Gota, escritora y director, respectivamente, desde hace muchos años y es por eso en 1998 pudo estrenar Nosotros que nos quisimos tanto. Una especie de unipersonal, estructurado dentro de los rigores de la comedia ligera, que contiene rasgos dramáticos y si se le pondera, desde una particular dimensión por el uso del elemento musical, se transforma en evento escénico con estremecedora agudeza dramática y ese fino humor venezolano.
Podríamos decir que es un melodrama muy a la venezolana, por las características psicológicas del protagonista Marco Antonio (Gustavo Rodríguez en este caso) y su saga, la cual se desarrolla a lo largo de 60 o 70 minutos de tiempo real, en un pianobar erigido sobre la escena de la sala de conciertos ateneísta. Ahí, el personaje, que anda sobre la quinta o la sexta década, trata de mantener la esperanza de seguir amando. Y para ello elabora un inusual diálogo con el pianista, le cuenta los detalles de su dolencia sentimental (el divorcio ha llegado para sepultar así una relación de largos años), mientras el músico le responde con un repertorio de no menos de 40 temas musicales (hilvanados o adaptados por el gran Chuchito Sanoja), bien románticos por supuesto, que lo llevan a crear sobre la escena una atmósfera de evocación y hasta recapacitar sobre parte de sus vivencias y pasiones.
Marco Antonio recuenta además una serie de sucesos políticos, sociales, históricos y algunas de las facetas de las utopías izquierdistas de la revolución venezolana, hasta que se consolida, por así decirlo, una pesada bruma nostálgica por el tiempo perdido, pero además emerge la angustiosa espera del beneficio de una jubilación proveniente de la UCV; una espera desde la ilusión. En síntesis, no es más que la patética historia de hombres y mujeres de nuestro país durante las últimas cuatro décadas, especialmente de aquellos que se movieron en el contexto intelectual, con coqueteos hacia la política de turno.
CATARSIS COLECTIVA
En síntesis, lo que se podría interpretar como un “resuelve escénico” para un actor, no es así. Hay una seria y valiente toma de posición ante lo que ha pasado en Venezuela durante los últimos 40 años, tanto por parte de Mariela, como de Armando y, especialmente de Gustavo. Y nadie les pidió que lo hicieran. Les salió desde adentro. Así fue en 1998 y sigue vigente.
No es Marco Antonio el único que hace catarsis. No, es también el público que lo acompaña y siente la frustración de amores perdidos, que es cuando más se sienten, y se convierten en torturas; amores que no traen perfumes ni colonias, sino sentimientos de patria y olores a mastranto... entre otras cosas más. Hay una catarsis colectiva como lo demuestra ese público que corea dos o tres de las canciones que canta esa gran bolerista que es Gisela Guédez. Una audiencia entusiasmada y capaz de acompañar cinco o seis temas más.
Como hace diez años, reiteramos que no hay palabras para testimoniar lo que significa la caracterización de Gustavo Rodríguez, ese doble juego de hombre y máscara, ese darle vida a un ser que quiere saltar a la platea, confundirse con el público y salir huyendo si se lo permiten, cosa que no hubiese logrado porque la audiencia, atrapada de tal manera por la magia escénica, lo habría regresado para que culminara su ritual del despecho. En resumen: una lección sobre lo que es buen teatro, una historia sencilla, corriente y conocida por todos, que se hizo teatro para convertirse en testimonio existencial y generacional, que además, rescata el gran valor de la música romántica.

Cervezas y pastelitos de queso

Es larga la historia de la agrupación Rajatabla. Arrancó en el antiguo Ateneo de Caracas, durante la noche del 28 de febrero de 1971, con el evento músico-poético Tu país está feliz, creado por Carlos Giménez a partir el poemario homónimo de Antonio Miranda, además de la música de Xulio Formoso. Y ya es tan intensa y recargada de curiosas anécdotas, que los investigadores del futuro no lo van creer, especialmente, cuando saboreen las peripecias vividas por la segunda generación, o sea después de la muerte de su fundador (28 de marzo de 1993).
Con Francisco Alfaro al frente, para sobrevivir y mantener activa a la institución, especialmente, durante las difíciles y prolongadas jornadas de la primera década del siglo XXI, ellos y ellas han tenido que vender cervezas y pastelitos de queso, entre otros pasapalos, en improvisada taguara, instalada en el patio trasero del galpón que el Estado armó como sede provisional para las actividades ateneístas (durante el régimen de Luis Herrera Campins), mientras culminaba el edificio sobre el terreno de la derruida Quinta Ramia, donde ahora funciona, desde 1983, el Ateneo que preside, nominalmente, María Teresa Castillo.
Con las ganancias que deja la susodicha taguara y unos cuantos “denarios” provenientes del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, el Rajatabla de Alfaro, que continúa en ese galpón, ahora maquillado por La Estancia-Pdvsa, ha organizado, durante este difícil y coyuntural año 2008, un monumental festival con cuatro nuevos autores venezolanos, seleccionados en peculiar concurso, el cual ahora prosigue con La jaula big shop, de Héctor Castro, tras haber mostrado Los dioses del sur de Vicente Lira y Contacto de Carmen García Vilar, y ha de culminar con José Amindra de Roberto Azuaje, durante el ultimo trimestre
“Con esto sólo pretendemos promover y llevar a la cartelera la nueva dramaturgia del siglo XXI, cosa que debe preocuparnos e interesarnos a todos los teatreros”, es la sobria explicación que da Alfaro a todo ese esfuerzo humano y al gasto financiero respetable, o mejor dicho a esa inmensa e invalorable inversión por el futuro del teatro nacional, que por supuesto sí lo tiene y para eso se trabaja ahora. ¡Y nosotros somos testigos!
País burdel
No es la primera vez que a Venezuela se la metaforiza en el teatro como un burdel o un bar de mala muerte ocupado por un batiburrillo de prostitutas, afeminados, borrachos y otros símbolos carnales de la economía, el aparato militar y el parapeto religioso. Ya Román Chalbaud lo hizo con El pez que fuma y después siguió La revolución de Isaac Chocrón, Rodolfo Santana enseñó su Baño de damas, Ibrahim Guerra hizo lo propio con A dos cincuenta la cuba libre y hasta José Simón Escalona se atrevió con su tropical Caligula. Y citamos esas piezas por ser las más destacadas, pero hay más obras donde el país es mostrado como un campamento petrolero donde machos y hembras sacian sus “bajos instintos” en medio de arroyos de ron, cervezas o wiskies, a la par que se emborrachan con los ritmos musicales de moda, especialmente salsa, boleros y baladas de despecho.
Gracias a la manifiesta libertad de creación que ha imperado en este país, desde los tiempos de El Benemérito, el teatro es tribuna pública para analizar exhaustivamente la conducta de sus habitantes, mostrarlos desnudos, en todos los sentidos, y ver así como sufren, aman y sueñan. Con las obras citadas se puede hacer un sensacional cóctel donde sociólogos, antropólogos y hasta psiquiatras interpretarían lo que pasó y ocurre en este país.
Y para sumarse a los aportes de esos cinco autores, llega Héctor Castro (entre sus ancestros figura el legendario general Cipriano Castro) con su contemporánea pieza La jaula big shop. Ahí retoma espacios y personajes creados por otros dramaturgos, pero los lleva a exacerbados niveles del grotesco o del esperpento hasta que termina por agotar al más paciente de los espectadores, como lo pudimos comprobar el pasado miércoles en un ensayo para la prensa.
No hay nada que asombre en La jaula big shop, pues todo se ha visto antes. Lo importante e interesante es su historia calcada de la realidad que Castro (Santa Teresa del Tuy, 1949) no sólo vio sino que tambien vivió en su población natal, donde funcionaba un monumental mall o “centro comercial” dedicado a los vicios etílicos y carnales, donde todo un pueblo vivía, trabajaba y por ende disfrutaba de aquel antro, que el dramaturgo rotuló como La jaula big shop.
La nueva jaula
Volveremos para ver La jaula big shop y disfrutarla más reposada y con menos gritos y sus personajes asentados. Mientras tanto hay que recordar que ahí participan, bajo la dirección de José Sánchez, Gerardo Luongo, Yurahy Castro, Rossana Hernández, Wolmar Coronado, Freddy Buitrago, Elvis Chaveinte, Vicente Peña, Flor Colmenárez, Ignacio Marchena, Jhonny Torres, Carlos Núñez, Miriam Pareja y Pedro Pineda. Las funciones para este nuevo “burdel teatral” serán, en la Sala Rajatabla, de jueves a sábado a las 8:00 PM y los domingos a las 6:00 PM.

Perfume de arrabal y tango

Llegó a Colombia detrás de un amor y se quedó por amor al teatro, su gran pasión. La conocimos en el rumboso Cali de los años sesenta, cuando acompañaba a Enrique Buenaventura, durante los prolegómenos del TEC. La volvimos a disfrutar en el viejo Ateneo de Caracas de los años setenta con su actuación en el memorable montaje I took Panamá, de Luis Alberto García, donde se revela como Estados Unidos había despojado a Colombia de su istmo. Y desde entonces nunca más le perdimos la huella, mucho menos cuando en 1988 hizo llave común con Carlos Giménez (Rosario, 1946/Caracas, 1993) para crear su Festival Iberoamericano de Bogotá, el cual, con el paso del tiempo, se convirtió en el más importante del continente y uno de los mejores del mundo, a pesar que trataron de saboteárselo los disociados que no quieren el progreso colombiano.
La volvimos a ver, por ultima vez, el año pasado, en la sala Anna Julia Rojas, cuando vino para tomarle el pulso al espectáculo Golpes a mi puerta, de Juan Carlos Gené, dirigido y protagonizado por Luis Fernández y Mimí Lazo. Le gustó tanto aquello, que durante este 2008 Venezuela participó en su festival bogotano, precisamente con una obra que denuncia a gobiernos genocidas y perseguidores de todos aquellos que desentona de las políticas oficiales. El éxito de los artistas criollos fue ejemplar. O sea que Fanny Mikey (Buenos Aires, 1930/Cali, 16 de agosto de 2008) también cuidó de la escena venezolana, a su manera. ¡Gracias!
Ahora esa extraordinaria mujer, actriz, directora, dramaturgista y gerente cultural -importante especialidad que no se estudia en ninguna universidad- se fue de gira... y solamente retorna en el Dia del Juicio Final. Dejó atrás una huella de 49 años de actividad cultural por Colombia y allá, en reconocimiento, la despidieron desde el Capitolio Nacional, donde se hacen las leyes que rigen al ex virreinato, por donde desfilaron sus espectadores, no los millones que tuvo, sino los que pudieron aceptar que ya no estaría trabajando más para hacerlos reír ante los malos tiempos o amar desenfadadamente a los que tienden una mano amiga o te dan una oportunidad para trabajar.
Como el gran Moliere, murió después de hacer una representación, pero en Cali, sí, la ciudad donde recomenzó su vida. Se despidió desde el escenario del Teatro Jorge Isaac con Perfume de arrabal y tango, espectáculo con un elenco de bailarines profesionales y un montaje con rojos, azules y negros, donde ella fungía de presentadora y de alma del montaje. Lo había producido y creado para festejar sus 60 de vida artística y no lo hizo más. Le fallaron los riñones y eso fue fatal. ¡Que cosa es el destino!
Ahora sus biógrafos podrán enumerar lo que hizo, enseñó y dejó. Todos coincidirán en que ahora la vida cultural colombiana será un poco aburrida, porque se marchó esa pelirroja que hizo del teatro un pan para las almas de millones de colombianos. “Cada vez que muere un artista, desaparece un guerrero de la paz”, reza su público huérfano.

"Al pie del Támesis" pasó la obra del autor

Vino para ver una función de su obra Al pie del Támesis, pero antes, acosado por los reporteros interesados en saber qué pensaba o piensa del teatro, la literatura y del devenir de las repúblicas latinoamericanas, habló ampliamente del arte y de la política. Y, como lo prometió a este periodista, desde el mismo escenario, en compañía del director y los comediantes, expresó, muy emocionado, su opinión sobre la representación que presenció en esa noche del sábado 16 de agosto en el Teatro Trasnocho.
El escritor Mario Vargas Llosa (Arequipa, Perú, 1936), con más de 30 libros publicados, reconoció que lo visto en Caracas es una experiencia difícil de expresar, como es “la de ver hecha realidad, actualizada y vivida sobre un escenario una historia que uno ha inventado, sobre todo tratándose de una puesta en escena tan original, tan creativa, tan rica en matices. Ha sido una lectura tan personal de la historia que yo inventé. La he ido reconociendo y desconociéndola porque eso es lo maravilloso que tiene el teatro... el teatro es la vida y la vida siempre permite interpretaciones diferentes según los ángulos desde la cual se le observe y el ángulo que Héctor Manrique ha optado, para recrear esta obra, es realmente muy original. Está llena de pasión, de humor, de juego y también de misterio. Una puesta en escena cuando es tan creativa, tan maravillosamente bien interpretada, extrae riquezas escondidas de un texto teatral. He visto esta noche a mi texto enriquecido por la originalidad de la lectura escénica que adelantó el director y, desde luego, por la maravillosa interpretación que hizo esta pareja de actores, Iván Tamayo y Carlota Sosa. Muchísimas gracias a todos los comprometidos en esta producción, y a todos ustedes, los espectadores, en esta noche que quedará siempre viva en mi memoria como una de las experiencias más gratificantes que he tenido como autor de teatro”.
Durante los largos 90 minutos de su encuentro con los periodistas, Vargas Llosa reconoció que sabe cuándo una historia es para teatro y cuándo es para novela, “pero lo que no sé es por qué es así; no sé si es que porque esas historias son para mí más visuales, porque ese personaje se me presenta de una manera muchísimo más viva; no como los personajes de la novela que son siempre muchísimo más borrosos, sobre todo al principio, o porque la historia es mucho más compacta; una historia de teatro es mucho más compacta, mucho más cerca del cuento que de la novela; pero sí sé con gran claridad desde el primer momento si esa historia es para el teatro o no lo es”.
Enfatizó su placer porque en Caracas se haya escenificado Al pie del Támesis, porque “esta obra tiene una inspiración venezolana”, ya que aunque la estaba preparando desde hace muchos años, todo se le clarificó cuando su amigo Guillermo Cabrera Infante (falleció en 2005), le contó que por teléfono el escritor venezolano Esdras Parra le había comunicado su deseo de visitarlo en su residencia en Londres, “pero la gran sorpresa fue cuando al recibirlo se encontró que aquel se había sometido a una operación de cambio de sexo, o de reasignación de sexo, lo cual desconcertó a Guillermo o le produjo un grave trastorno”.
Dijo que la temática, donde está presente la transexualidad, le había llamado la atención y para eso hizo “varios bocetos” pero nunca quedaba satisfecho hasta que supo la anécdota del escritor cubano y el venezolano Parra, “a quien yo también había conocido en Caracas, a lo largo de los años sesenta, cuando trabajaba en la revista Imagen. Eso que le había ocurrido a Cabrera Infante me impresionó mucho e inmediatamente encontré el eslabón que necesitaba para elaborar mi obra sobre el encuentro de dos amigos peruanos”.
Y así nació Al pie del Támesis, la cual fue estrenada el pasado 29 de marzo en Lima, que es la historia de una pareja, pero ocurre en Londres, y ese encuentro casual o fortuito provoca una reminiscencia que les descubre a los dos una verdad sobre ellos mismos que hasta entonces tenían enterrada, que no querían conocer. “Así, pues, que de una manera indirecta, esta obra tiene una inspiración venezolana y el hecho de que aquí se represente me creó una enorme curiosidad y por eso vine para verla”, puntualizó.
Preguntado acerca de sus próximos proyectos, anunció que está embarcado en la escritura de una novela sobre el irlandés Roger Casement, cónsul británico en el Congo a principios del siglo XX y amigo del escritor Joseph Conrad.
Vargas Llosa ha enfatizado que un personaje de ficción, sea teatro o novela, no es nunca el personaje de carne y hueso, no es nunca el personaje que lo inspira, muchas veces lo inspiran personajes reales. “En realidad, el personaje de la ficción es un personaje que existe sólo dentro de la ficción, que existe hecho de palabras, no de carne y hueso y que además existe sólo dentro de un contexto, que es el contexto imaginario, el contexto inventado. Pero creo que es difícil para el profano, aceptar que el personaje de la ficción es un personaje que no está íntimamente conectado con la realidad viva.
Y no podía concluir su larga disertación, sin manifestar que el teatro fue su primer amor y que el teatro es lo que primero empezó a escribir. Y lo hizo a raíz del espectáculo La muerte de un viajante, de Arthur Miller. Hasta ahora ha entregado ocho obras, a saber: La huida del inca (1952), La señorita de Tacna (1981), Kathie y el hipopótamo (1983), La Chunga (1986), El loco de los balcones (1993), Ojos bonitos, cuadros feos (1996), Odiseo y Penélope (2007) y Al pie del Támesis (2008),cuyo gran tema es la identidad.

Esnobistas del mal

Fedosy Santaella (Puerto Cabello, 1971), el escritor de la novela Rocanegras donde se revisa la oscura saga sobre el misterioso asesinato del vicepresidente Juancho Gómez, en el Palacio de Miraflores de El Benemérito, ahora entrega Piedras lunares. Un volumen de 11 cuentos (Ediciones B, 2008) que no son fruto de un proceso de investigación. Surgieron a lo largo de los años, directo desde las oscuridades de su mente, “procesados ya por el horror que a diario te asalta a la vuelta de la esquina, pero después vino el trabajo de ponerle literatura a todo eso”, explica.
Lleva muchos años devorando cuanta literatura policial o negra cae en sus manos, porque ahí hay algo que le atrae, como la representación cruda del mundo que le parece “fascinante y muy verosímil”, pero lo que más le gusta son los libros con historias, con argumentos, con intrigas, y no tanto “esas cosas con pensamientos o mensajes filosóficos disfrazados de ficción; por esto leo policial, terror, humor y literatura infantil”.
Atraído por el género negro, se descubrió pensando algunas historias al respecto. “Es inevitable, es parte del virus de la escritura que transmiten los libros que te gustan. Ahora, una vez que te encuentras pensando historias de este tipo, te das cuenta que la realidad está llena de ellas y eso te hace meditar si acaso al lector le interesa verlas escritas. Pues bien, creo que esta cruda realidad de la violencia, el delito y el crimen, es una masa amorfa que acontece, y el escritor debe darle un sentido, estructurarla y hacerla entretenida al lector. Entretenida, por supuesto a un primer nivel. Porque también es muy importante darle una vuelta de tuerca para que la reflexión surja sin volverte moralista, beata, retardataria o qué sé yo”.
En Piedras lunares, admite, se fue por la desmitificación, por la ridiculización, por el humor negro e incluso por el surrealismo, siempre a la búsqueda de esas bombas mentales que dejan una marca y un cauce de pensamiento. “Quizás esta sea mi manera de sacudir a los lectores, demasiad0s acostumbrados a los horrores del Parque Caiza. Ellos, claro está, darán el veredicto final, como pasó con Rocanegras que va para la segunda edición, lo cual es un buen índice”
Reconoce que “las páginas rojas” de los periódicos son un espejo de la sociedad, pero “ahí tenemos una lectura amorfa, una lectura que le falta sentidos, imaginación y poesía. Porque si bien es cierto que los acontecimientos de la realidad son insólitos, carecen del arte de la literatura, y eso es un trabajo que hay que hacer para embellecer la realidad. Por supuesto, esta sociedad que se cae a pedazos sumida en la violencia, te aporta tanto horror que uno siente la necesidad de hacer algo con la literatura. Quizás sea un iluso al pensar que la literatura puede servir para hacer que las cosas tengan algún sentido”.
La censura o el ocultamiento de datos no lo han detenido, pues, eso le ha permitido fabular, rellenar los huecos, ya que “la literatura es una mentira fascinante y el escritor lo que tiene que hacer es trabajar para que lo que escribe parezca verosímil. La literatura no es una verdad histórica. No es ciencia, es arte. Su verdad está a otro nivel. De allí que yo no entienda, por ejemplo, el horror de los historiadores ante las novelas históricas. Son ficción, no persiguen verdades comprobables, y como tal, son válidas”.
No titubea cuando afirma que la violencia de sus 11 cuentos salió de mismo lado donde brota toda la violencia del mundo: de la brutalidad, de la falsa fascinación por el mal, de la impotencia, la pobreza, la ambición, la corrupción y de algo más que flota en el ambiente y que quizás huela a azufre. “En el caso de Piedras lunares, su violencia surge de la falsa fascinación por el mal. Pero toda esa violencia de la realidad es superada y convertida en algo lleno de significados gracias a la función poética del lenguaje. Así debería ser para que la literatura tenga algún sentido en los hombres”.
Un vampiro mafioso
En las 150 páginas de Piedras lunares hay un jovencito medio tonto que, precisamente, juega a ser asesino en serie, un paranoico que se toma en serio la literatura policial, un mafioso criollo que se cree vampiro y superior al resto de los humanos, un merodeador invisible que busca al detective ideal, una mujer celosa de unas damas muertas y otros personajes, esnobistas del mal, que no saben en qué lío se meten, qué tan cerca puede estar la locura de todo esto y qué tan implacable puede ser el destino con sus errores. Es una singular galería de extraños personajes y siniestras circunstancias donde hay fantástico cóctel de locura y tontería humanas. Cree que hay que escribir una historia a lo Corín Tellado, pero con extraterrestres a los que le huelan mal los pies. “Es totalmente sociológico. Y creo que ya lo hice”.

Otros días felices

¿Qué piensan los teatreros cuando eligen y escenifican una obra? Ni ellos mismos lo saben o pueden explicarlo. Hay un mágico mecanismo cultural que les impone esas decisiones cruciales, en las que pueden perder todo o ganar prestigio y los aplausos de los espectadores. Nosotros lo que hacemos es ver tales producciones y opinar sí es importante lo hecho o reconocer que no hay que tomarlos en cuenta, ni tampoco escribirles la reseña.
Recalcamos esto, que es frecuente en el contexto caraqueño, porque hemos visto en esta temporada 2008 sendos montajes de la obra Los días felices, de Samuel Beckett. Una producción de la Compañía Nacional de Teatro, con puesta en escena de Dairo Piñeres, y otra, que aún se exhibe, en la Sala Plural, lograda con la suma de los aportes creativos de los actores Haydée Faverola y Marco Villarubia, el director Humberto Ortiz y el maestro de la escenografía Fernando Calzadilla.
Creemos que es casi obligatorio recordar que Los días felices fue escrita por Samuel Beckett a comienzos de los años sesenta, después que el escritor vio a la esposa de un amigo enterrada hasta el cuello en la arena de una playa francesa. El artista poetizo aquello y desde que la estreno se convirtió en una referencia esencial del teatro contemporáneo. El personaje central, Winnie, aparece en el primer acto inmovilizada hasta la cintura, pero en su constante hablar, enmarcado por la manipulación de distintos elementos, evoca una felicidad que parece contradecir su situación. Su pareja, Willie, la escucha parlotear sin prestarle mucha atención. Winnie habla, discute, recuerda, regaña a Willie, lo aconseja y no cesa de intentar puentes comunicantes. El constante empeño del personaje por ser feliz pareciera darle sentido a su existencia. En el segundo acto, Winnie está ya imposibilitada hasta de manipular los elementos que aún la rodean. Las palabras y sus silencios se hacen, entonces, sus únicas verdades. Ella sigue apostando por la felicidad. Y, como es obvio el público queda preguntándose por qué o para que todo aquello. Preguntas que sí tienen respuestas en función de la capacidad de análisis de cada uno o tomarse el espectáculo como un acto lúdico más, esto por supuesto no es tan fácil porque el teatromaníaco es crítico por naturaleza, no traga entero jamás.
Beckett plantea su metáfora con Winnie, distinguida señora que es engullida lentamente por una especie de roca (aquí es un monumental mesón de cocina), mientras ella parlotea y proclama lo feliz que se siente, al tiempo que está pendiente de su esposo Willy, quien duerme o lee o no hace nada.
Pero gracias al montaje de Ortiz y Calzadilla, creemos nosotros, muchas cosas quedan aclaradas, por el preciso trabajo escénico materializado con los actores Faverola y Villarubia, el cual nos resulta ejemplar. Se trata de uno de los montajes más decantados que hayamos visto en muchos años de ese difícil texto beckettiano y, además, es una de las producciones más inteligentemente pensadas y realizadas para la reflexión y el disfrute del público, que sale favorecido ante ese desborde creativo destinado a materializar el crítico pensamiento del autor sobre la sociedad burguesa contemporánea, entregada al insaciable consumo como única meta o razón para su existencia.
Este montaje hace más “digestivo” el espectáculo de tan absurda obra, gracias a la solución escenográfica creada por Calzadilla y al orgánico trabajo actoral de Faverola, gracias a sus transiciones y a esa patética resignación que trasmiten sus músculos faciales y los tonos de su bien colocada voz, todo eso acompañado por el sonido de una cortina de varillas metálicas que ocultan al indispensable Willy o Villarubia. Hay, pues, un creativo trabajo de dirección, una lectura escénica sobre el pensamiento de Beckett, apuntalado en algo más que un aporte escenográfico.

La identidad sexual en la escena caraqueña

Aún el transexual Esdras Parra Uzcátegui no está en los escenarios venezolanos, pero llegará y se le aplaudirá como personaje teatral, porque a ese ciudadano, identificado con la cedula No. 662.843 (Santa Cruz de Mora, 1 de enero de 1930/Caracas, 18 de noviembre de 2004), lo execraron por su decisión existencial.
Mientras tanto, para cuando corresponda ponderar lo que él hizo y lo que vivió, se puede ir degustando la pieza Al pie del Támesis, creada por Mario Vargas Llosa precisamente a partir de una “visita inesperada” que ese intelectual criollo sí realizó al escritor cubano Guillermo Cabrera Infante, en su residencia londinense, durante el 2002.
Este aleccionador hiperrealista espectáculo, muy centrado en los conflictos que se presentan con la identidad sexual o identidad de genero, está en el Teatro Trasnocho gracias a las vigorosas actuaciones de Iván Tamayo y Carlota Sosa, la minimalista puesta en escena y la excelente dirección de Héctor Manrique. ¡Y es un regalo que hace el Grupo Actoral 80 al público que lo ha acompañado durante los últimos 25 años!
MELODRAMA
No es “una perita en dulce” esta octava obra teatral de Vargas Llosa, como tampoco lo son ninguna de sus novelas, ensayos y artículos periodísticos. Este intelectual (Arequipa, 1936) ha utilizado su arsenal literario para denunciar las contradicciones sociales, y económicas de America Latina y entrar en conflicto con todas aquellas equivocadas o perversas manifestaciones culturales de las sociedades de los siglos XX y XXI donde la ha correspondido vivir.
En Lima, el pasado 26 de abril, vimos el montaje de Al pie del Támesis, estrenado en el Teatro Británico, el 29 de marzo, por el director Luis Peirano y los comediantes Alberto Isola y Bertha Pancorvo. Es un melodrama donde un asesino lleva 30 años sin purgar una sanción moral hasta que sueña con su victima y ésta se le presenta, de manera inesperada y sin que el otro lo identifique inicialmente, convertido en “mujer”, para obligarlo a que revise lo ocurrido, confiese su culpa e inicie un proceso de aceptación de su verdadera sexualidad, o sea que “salga del closet”.
VISITA INESPERADA
Al pie del Támesis germinó a partir del shock de Cabrera Infante al toparse con Parra Uzcátegui convertido en “mujer”, después de una reasignación de sexo, realizada en Londres décadas atrás. Eso lo utilizó Vargas Llosa para el conflicto de su pieza: un desconocido, o desconocida, irrumpe en la vida y altera la rutina del exitoso limeño Chispas Bellatín (encarnado por Tamayo) le hacer vivir una alucinación en la suite del londinense hotel Savoy, donde se aloja para realizar importantes transacciones comerciales. Ahí lo asalta Raquel Saavedra (materializada por Sosa) y en cuestión de largos minutos le revela que ella es su hermano Pirulo Saavedra, su amigo íntimo a quien mató en un gimnasio, cuando tenia 16 años, porque se atrevió a besarlo.
CREATIVO ENREDO
Todo ese enredo de un muerto que resucita y además cambiado de sexo, es la creación del dramaturgo para confrontar al personaje realista, Chispas Bellatín, con su sórdido pasado y los fantasmas que ahí moran. La crisis, siempre en el ámbito de la ensoñación, muestra a un hombre triunfador, rico en bienes pero incapaz de ser feliz, tras tres matrimonios fracasados y añorando lo que pudo haber pasado sino rechaza el beso de su victima Pirulo Saavedra. Es un macho prototipo que no ha tenido valor para acudir al psiquiatra ni al psicólogo para que le ayuden a poner en orden o clarificar su identidad y su orientación sexuales. La utilización de un transexual es una licencia del autor para mostrar además esa disconformidad de genero cuando un hombre, o una mujer, rechaza su sexo biológico y lucha para cambiarlo aunque tenga que desafiar a una sociedad que no lo acepta.
LECTURAS POSIBLES
Al pie del Támesis es una pieza de teatro perfecta, donde el espectador tiene que aceptar la fantástica propuesta, entrar en su juego de niveles de interpretación y tener claro que lo irreal se hace real y como ésta se transforma en una alucinante pesadilla para el atormentado Chispas. Sus diálogos son breves, punzantes y preñados de corrosivo humor. En Caracas, como en Lima, el director usa una actriz para el rol transexual, cuando podía hacerlo un hombre, para obligar a que el público se introduzca más en la anécdota y acompañe a Chispas en su expiación.
Originalmente, así fue en Lima, la pieza cierra con la irrupción en la suite de un asistente, de nombre Pirulo Saavedra, quien despierta al millonario y lo regaña por su tardanza. Pero Chispas le da como única explicación: “Si te digo qué, te caerías de espaldas, Pirulo”.
Aquí en Caracas, Manrique borró este epilogo de diez líneas y dejó a Chispas emergiendo solitario de su pesadilla. Vargas Losa ha reiterado que escribe historias y que no las interpreta, dejando eso a los hacedores del teatro, al público o los críticos. Creemos que el final que propone el autor es para redondear aquello de “que los sueños son”, para que se interprete como una pesadilla más nada, y que el público debe tomar lo que más le satisfaga.

No hay que olvidar que América lleva 500 años bajo la férula del machismo, recuerda Vargas Llosa, y situaciones como las de esta obra tienen otras soluciones en capitales europeas y grandes ciudades norteamericanas, donde las comunidades se sobreponen al poder de las religiones, pero otra cosa ocurre en las pequeñas poblaciones. Él insiste que el tema de la ficción y la realidad, la fantasía y la vida vivida, son incluso más importantes que la identidad sexual