jueves, diciembre 08, 2016

Siniestro psiquiatra en escena

Héctor Manrique es el propio Edmundo Chirinos,en versión escénica
El teatro venezolano siempre ha estado a la izquierda del Estado y mantenido relaciones con el Poder o los Gobiernos de turno porque sus artistas son gente civilizada y respetuosa de las leyes. Los gobernantes, casi siempre, han respetado la ideología de los teatreros y no han ido más allá de las formalidades establecidas, aunque hubo tiempos cuando los teatreros terminaron haciendo sus comedias en las cárceles o en los cielos, algunos,  y otros tantos fueron desaparecidos, tal como ocurrió en los tiempos del general Marcos Pérez Jiménez, según lo narra Héctor Rodriguez Bouza en su libro Ida y vuelta de la utopía, específicamente en el capítulo referido al grupo teatral Máscaras, fundado por César Rengifo en el año 1952.
Esto es bueno recordarlo, para tirios y troyanos, porque sigue en temporada, uno de los espectáculos más desgarrados y controversiales que nunca jamás se haya representado en esta Tierra de Gracia: Sangre en el diván, gracias al actor y director, además versionista, Héctor Manrique, donde se aborda una descarnada faceta de la vida real de Edmundo Chirinos (Churuguara, 12.08.1935/ Caracas, 24.08.2013). Un unipersonal para entender porque pasan ciertas cosas en nuestra Venezuela y para pedirle a Dios que nos salve siempre, porque los científicos o los sabios y las instituciones policiales, en ocasiones, son cómplices. ¿Cuántos como él hay por ahí, sueltos y además matando? ¿La echonería es otra pandemia? ¿No podemos ser más un país de cómplices?
AJUSTE DE CUENTAS
Griselda Gambaro enseña que toda escritura es teatral o susceptible de ser teatralizada y siempre generará una confrontación, porque el teatro es arte profundamente imbricado con lo social. Es acción escénica que, quien la ve, recibe un destello que lo ilumine, le de placer o ideas o imágenes que lo enriquecen, aunque sea mínimamente. No es elitista, ni críptico, ni superfluo.  A través de la estética teatral se puede decir no a la corrupción, a las dictaduras, al olvido de la memoria colectiva, desde lo teatral y lo no teatral. Por eso toda pieza de teatro es un ajuste de cuentas, un enfrentamiento más o menos inmediato con la sociedad. Es impredecible lo puede ocurrir con un público tras haber visto un espectáculo que le pegue en el estómago y lo haga maldecir desde muy adentro. Por eso el teatro tiene sus enemigos y estos están desvelados, además.
Y citamos a Gambaro (Buenos Aires, 24 de julio de 1928) porque leímos sobre Edmundo Chirinos, eminente médico, psiquiatra, psicólogo y político, quien tuvo un trágico epílogo vital, el cual ni él mismo hubiese deseado. Él, en su avatar existencial, se topó con una paciente, pero su naturaleza humana lo llevó hasta el asesinato, quizás para degustar el placer en situaciones extremas. La justicia venezolana lo condenó a una severa pena pero la muerte lo sacó de escena; convirtiendo su saga en una desgraciada lección de vida para todos aquellos que se creen autosuficientes, histriones, seductores y amantes del peligro. Y, además, su trágico desenlace le recuerda a la sociedad que los códigos de conducta de todas las profesiones son obligatorios para detectar la corrupción, terrible cáncer que derrumba imperios, como el romano, para citar a uno de tantos.
Ahora Chirinos revive porque desde el 10 de octubre de 2014 (en una sala del BOD) el Grupo Actoral 80 ha estado escenificando un unipersonal basado en el libro Sangre en el diván: el extraordinario caso del Dr. Chirinos, de Ibéyise Pacheco, dirigido y actuado magistralmente por Héctor Manrique. Ahí, el otrora famoso ex rector de la UCV y miembro de la Asamblea Constituyente y hasta candidato presidencial del PCV, revive semidesnudo y reposando en un diván blanco en medio de un alba habitación que puede ser una celda o un consultorio. Se viste parsimoniosamente para contar, muy convincentemente, lo que ha sido su vida profesional e íntima, haciendo énfasis en sus relaciones amatorias, causando hilaridad por el cinismo de sus cuentos o por la ingenuidad de sus juicios de valor sobre sus coterráneos. Incluso llega a producir conmiseración porque estaba enloqueciendo y no se sabía ni tampoco la sociedad se enteró hasta que mató a su paciente.
Manrique asumió tal caracterización tras un acucioso trabajo de estudio del complejo personaje y además logró una transformación física apuntalada en un preciso maquillaje actoral, interna y externo. Es un espectáculo ejemplar con su aleccionador y crítico contenido y por la pulcritud de la producción global. El histrión, sin juzgar a su siniestro personaje, juega con el público, en el buen sentido del término, y este, como es obvio, ríe, disfruta, pero queda en estado de shock. Lo vimos el año pasado. Y lo volvimos a ver, por supuesto, recientemente una función en el Trasnocho Cultural, y todo aquello es más contundente y estremecedor en estos tiempos. Por eso es que ya contabiliza más de 200 funciones y puede mostrarse mucho más, pero el artista se va de vacaciones, por ahora. Ojalá que los jóvenes actores y los veteranos también puedan verlo y hacerle un foro o pedirle un taller. ¡Gana el teatro entero!
HISTORIA REAL

En el libro Sangre en el diván: El extraordinario caso del Dr. Chirinos se cuenta la vida del polémico psiquiatra, quién fuera hallado culpable del asesinato de la joven Roxana Vargas (19 años), uno de los casos policiales más sonados de los últimos tiempos. Ella, estudiante de periodismo fue llevada por su madre, Ana Teresa a la clínica psiquiátrica de Chirinos. Ahí, él, como médico le dice que tiene esquizofrenia y le receta cura de sueños. La estudiante tenía problemas por su físico- estaba pasada de peso -y estaba enamorada de un hombre que la veía como su amiga. El doctor abusó de forma sexual de ella e inician una relación amorosa. Ella escribía en su diario y en su blogs en Internet lo que sentía y le pasaba. Un día no llegó a casa y fue hallada muerta. Chirinos fue condenado a 20 años de cárcel, pero murió cuando pagaba la condena en su casa. El libro está dividido en seis partes y una especial entrevista que le hizo Miyó Vestrini al susodicho personaje. El texto, pues, consta de: Capítulo I El Crimen, capítulo II La investigación, capítulo III El sospechoso, capítulo IV El delirio, capítulo V El diagnóstico, capítulo VI La sentencia y el anexo de la entrevista. Lo que se relata en esas páginas  es una saga triste pero sorprendente ocurrida en Venezuela en el año 2007 donde una familia perdió a una de sus integrantes porque conocía muchos secretos de un psiquiatra muy importante en el país, quien además atendía a políticos muy poderosos.  

miércoles, diciembre 07, 2016

Estrenan cuatro teatros venezolanos

Los 8 patriotas del teatro del siglo XXI
Los teatreros venezolanos a diferencia de un sector de los políticos sí creen en el futuro de la Patria y es por eso que ya están listos para hacer posible un evento que permitirá mostrar auténticos valores culturales. Afirmamos esto porque la nueva generación del teatro venezolano espera  demostrarlo por intermedio de  los ocho finalistas del Tercer Festival de Jóvenes Directores Trasnocho, quienes el pasado miércoles 07 de diciembre esbozaron en rueda de prensa detalles de los montajes que subirán a escena entre enero y marzo de 2017 y con los cuales  lucharán por convertirse en uno de los dos ganadores de este concurso único en el país, organizado por Trasnocho Cultural y dirigido a estimular el talento de los creadores escénicos menores de 30 años de edad.
La lista de los competidores de esta edición está integrada por directores de entre 20 y 28 años, algunos de los cuales tienen experiencia como actores o autores de la movida escénica profesional y universitaria. Sus proyectos fueron seleccionados en octubre entre 34 concursantes por un comité ad hoc conformado por el actor y director Héctor Manrique, la productora Eva Ivanyi, la guionista y productora, Pilar Arteaga, y el promotor cultural, Douglas Palumbo, luego de evaluar la originalidad, creatividad y potencial escénico de las propuestas.  
La final del 3º. Festival de Jóvenes Directores Trasnocho arrancará el viernes 13 de enero y culminará el 12 de marzo en el Espacio Plural de Trasnocho, donde cada competidor tendrá la oportunidad de presentar su obra en seis funciones públicas, en las cuales un jurado especial de premiación evaluará la calidad y originalidad de la puesta en escena, además de la conexión lograda con la audiencia. 
Este año, las propuestas incluyen comedia y drama y temas muy actuales que van de la pobreza la muerte, la familia, la emigración, las traiciones, el amor, la represión o la intolerancia, con la visión del teatro como agente de denuncia o cambio. Cuatro de las obras finalistas son de autores venezolanos, las cuales  se estrenarán en el marco del festival. Además compiten cuatro versiones de piezas contemporáneas de reconocidos dramaturgos de España, Inglaterra y Canadá.  
Como ha sido costumbre en el festival, la final de esta tercera edición contará con un jurado de lujo, pues fueron convocadas cinco personalidades de destacada trayectoria en el mundo teatral, encabezadas por la reconocida directora y actriz Diana Volpe, la productora y presidenta del Centro Cultural Chacao, Claudia Urdaneta; la veterana diseñadora de producción y directora de arte, Eva Ivanyi; el joven director y productor, Armando Álvarez; y el productor, director y docente, Dairo Piñeres.  
INICIATIVA EXTRAORDINARIA
“Creo que como jurado evaluaremos si el director entendió la obra, los personajes o la situación planteada por el autor, y si su puesta en escena refleja coherencia entre su visión como artista y lo que el dramaturgo quiso plantear –comenta Diana Volpe-. A mí me parece una iniciativa extraordinaria fomentar el trabajo de la nueva generación de artistas del teatro. Nosotros en La Caja de Fósforos estamos haciendo esto desde hace tres años y es importante que más instituciones se unan para fomentar el nuevo arte dramático nacional. Tiene que haber un relevo y por lo que veo cada día, el relevo es muy bueno en el país”.
Los miembros del jurado anunciarán su veredicto el día 12 de marzo y los dos montajes ganadores tendrán el privilegio de presentarse durante tres fines de semana (del viernes 17 de marzo al domingo 02 de abril) en el Espacio Plural de Trasnocho, luego de lo cual se programarán por otros tres fines de semanas en la sala La Viga del Centro Cultural Chacao.
Como novedad de esta edición, entre enero y marzo se realizarán en el marco del festival conversatorios públicos con expertos para debatir sobre cada uno de los montajes.
LOS OCHO MONTAJES 
Este será el orden de presentación de los montajes, escogido por los propios finalistas en un sorteo realizado el pasado 13 de octubre.
1.- Casa de sangre y cenizas. Original del venezolano José Gabriel Núñez. Propuesta escénica del director Jhonny Romero. Del 13 al 22 de enero de 2017.  (Obra de estreno)
2. Adiós a todos. Original del español Luis García-Araus. Propuesta escénica de la directora Greymar Hernández. Del 20 al 29 de enero de 2017.
3. Recordando con ira. Original del británico John Osborne. Propuesta escénica del director Pedro Indriago. Del 27 de enero al 05 de febrero de 2017.
4.  De alta. Original del venezolano Elio Palencia. Propuesta escénica del director Juan Bautista. Del 03 al 12 de febrero de 2017 (Obra de estreno)
5. Tom en la granja. Original del canadiense Michel Bouchard. Propuesta escénica del director Carlos Fabián Medina. Del 10 al 19 de febrero de 2017.
6.  El triciclo. Original del español Fernando Arrabal. Propuesta escénica del director Axel Valdivieso. Del 17 al 26 de febrero de 2017.
7. Comegatos. Original del venezolano Gustavo Ott. Propuesta escénica del director Rafael Barazarte.  Del 24 de febrero al 05 de marzo de 2017.
8. Cría de canguros. Original de la venezolana Karin Valecillos. Propuesta escénica del director Jesús Navas. Del 03 al 12 de marzo de 2017. (Obra de estreno)
VALIOSO PROYECTO
Desde su inicio en 2014, el Festival de Jóvenes Directores Trasnocho se ha posicionado como una importante plataforma de difusión del talento escénico venezolano. En sus tres ediciones han participado más de 100 concursantes y en las dos primeras competencias fueron premiados jóvenes que están dando de qué hablar en el medio teatral, como Fernando Azpúrua, Pedro Borgo, Leonardo van Schermbeek y Jorge Souki.

Fundada en 2001, Trasnocho Cultural es una asociación civil sin fines de lucro cuya misión es servir como punto de encuentro de pensadores y creadores del quehacer artístico nacional y difundir, durante los 365 días del año, cultura y entretenimiento de calidad a través de una variada y vanguardista programación de cine, teatro, música, danza y artes plásticas de Venezuela y el mundo. 

sábado, diciembre 03, 2016

¿Qué pasará con las redes sociales en Venezuela?

Una verdadera papa caliente para Conatel
Hace pocos días la Comisión Nacional de Telecomunicaciones (Conatel) a través de su director Andrés Eloy Méndez anunció a que a partir de 2017 se comenzarán a implementar controles a las redes sociales en el país, en opinión de Ray Díaz, ingeniero en informática y experto en social media márketing manager, calificó esta acción como un grave error ya que por ejemplo Twitter o Facebook se han convertido para los venezolanos en una plaza de libre expresión.
Ray Díaz explicó que de esta posible regulación de las redes sociales pero esta podría afectar directamente en el alcance e impacto del contenido que es divulgado desde los usuarios, en su mayoría noticias provenientes de la calle. “Un comentario de una persona cualquiera de un barrio de Venezuela por su realismo puede llegar a ser tendencia o tener como un gran impacto como el de una celebridad con millones de seguidores, las redes logran igualar a las personas. De haber una regulación esta persona hasta podría tener responsabilidad penal por emitir ese comentario”, dijo.
Reveló que de haber este control incluso Facebook o Twitter podría evitar que el post sea publicado, coartando el derecho de la persona a publicar su sentir en las redes. “La regulación puede buscar proteger pero en realidad estaría silenciando la opinión de millones de venezolanos, en otros países se aplican regulaciones pero esta es más silenciosa y pasa desapercibida siendo este el deber ser”.
El experto en social media márketing manager explicó que en países como Estados Unidos la regulación para desapercibida, solo se nota cuando un ciudadano publica un mensaje con contenido terrorista. “Hay que recordar que las redes sociales son el confesionario del ser humano moderno y silenciar esto es un gran error, cada individuo debe ser su propio regulador a través a través de su conciencia y la educación que le das a tus hijos en casa”, afirmó.
Informó sin caer en el debate partidista que esta acción diezmaría la libertad de expresión en Venezuela, ya que el pueblo no podría enterarse ni expresar de forma rápida y oportuna la realidad que está viviendo. “Esta noticia ha desatado las alarmas en millones de venezolanos que usamos las redes sociales, ya que esta comisión sería quien decidiría que vemos o podemos escribir, Esta debiera tener un análisis más abierto y plural ocurriendo como en otros países donde la regulación es muy sutil y el ciudadano ni se percata de ella”.

Concluyó que las personas tienen la necesidad imperiosa de estar informados y expresar su sentir, en vez de censurar se deben mostrar las cosas tal cual son y educar sobre lo que está bien o mal en la sociedad. “Un ejemplo es la sociedad colombiana donde tiene decenas de canales en los cuales se muestra la realidad con total libertad, en Venezuela la censura en los medios tradicionales ha convertido a las redes sociales en el mayor canal informativo y de libertad de expresión para nuestros ciudadanos”.
¿Qué pasará con las redes sociales en esta Tierra de Gracia? Es un buen tema de discusión que desde aquí proponemos a tirios y troyanos.

Ciberpacio,¿terreno peligroso?

La Internet es fundamental en estos tiempos,por eso es necesario conocerla y cuidarla.
MTT y Conatel formarán a las comunidades para promover una Internet Segura. Navegar por internet no es tan seguro o inocente como algunos padres pueden pensar. Tanto los adultos como los adolescentes corren el riesgo no sólo de ser sus computadores atacados por troyanos, gusanos o simples virus sino también de ser víctimas de personas inescropulosas o antisociales.
La mejor defensa para los cibernautas es el conocimiento, razón por la cual, la Red de Mesas Técnicas de Telecomunicaciones de la Región Capital (Miranda, Distrito Capital y Vargas) trabajarán conjuntamente con la Gerencia de Formación de Conatel para promover una Internet Segura para todos los venezolanos.
La primera actividad que efectuarán es la Charla Riesgos, peligros y amenazas en el uso de las redes sociales, dictada por Alexis Anteliz, Gerente de la Gerencia de Formación de Conatel.

El evento gratuito se llevará a cabo el 15 de diciembre a las 10:00 a.m. en la Sala Plenaria de Parque Central. Los organizadores esperán la asistencia de 300 personas, 

viernes, diciembre 02, 2016

Crónicas Palahniuk en Santiago

Un venezolano hace teatro para los chilenos.
Dio el salto y se fue buscando otros horizontes como hombre y artista libre que ha sido hasta ahora. Está luchando por su permanencia física y el lógico destaque artístico en Santiago de Chile y por eso el director teatral Vladimir Vera (Caracas, 1978) nos cuenta que en la patria de Neruda y Allende, entre otros intelectuales, lo han tratado muy bien. “Sólo tengo 8 meses en este país y ya he estrenado un montaje y hacemos una segunda temporada y es posible que tengamos otras más. El público ha sido muy acogedor con nuestro trabajo. Claro, ha sido comenzar de cero. En Venezuela se conocía a mi agrupación Teatro Forte o me reconocían como el antiguo director artístico de Rajatabla. Acá es empezar a construir desde el anonimato. En Chile no se conoce absolutamente nada del teatro venezolano. Algunas personas de teatro, de más de 40 años, ubican a Rajatabla. Pero en resumen, somos una incógnita creativa. Una de las pocas referencias que tienen en Chile del arte contemporáneo en Venezuela, es la del fotógrafo Nelson Garrido. Demás está decir que me llena de orgullo tenerlo entre mis amigos”.
¿Qué pieza pudo estrenar y con qué gente?
Comencé con un re-montaje de mi espectáculo Crónicas Palahniuk. Tuvimos la gran fortuna de estrenar el espectáculo en el Teatro Sedarte, que pertenece al Sindicato de Actores de Chile. Para mi sorpresa, todas las funciones se llenaron y hubo una excelente recepción. La segunda temporada la estamos haciendo actualmente en el Club Ovejas Negras, de Bellavista. He tenido la suerte de contar con un elenco y un equipo técnico de lujo. Me acompañan en este viaje: Fedora Freites (mi eterna musa, siempre apoyándome), los grandes amigos y actores, también venezolanos, Alexander Solórzano y Maria Alejandra Rojas, el talentoso actor español Alonso Torres y la prometedora actriz chilena Ignacia Santa María. En la parte técnica me acompaña un gran amigo que trabajó conmigo en Barcelona y con el cual me reencontré acá, el director de fotografía Valentín Atias, quien lleva la dirección técnica de la pieza. Igual están con nosotros el escenógrafo Diego Estrada, la asistencia de producción de Mónica Freites y la producción general de Tamara Dupré, quien ha sido nuestro gran eje, dentro de todo el proceso.
¿Cuántas funciones hasta ahora y cuántas puede  hacer?
Hicimos una primera temporada de cuatro funciones y ahora estamos haciendo una segunda temporada. La idea es mover el espectáculo por Chile durante el 2017, es un pais muy largo, físicamente y con mucho público ávido de teatro nuevo.,
¿Y si se mantiene económicamente con eso?
Quisiera, pero no. En el día a día trabajo en una empresa de investigaciones de mercado y opinión pública que me paga mis gastos básicos. En las noches ensayo y presento la obra.
¿Qué perspectivas hay?
Yo estoy encantado con este país, me parece un gran y hermoso país. Si me lo permite, quisiera hacer más funciones y montar más espectáculos. También hice un cortometraje y hay algunos proyectos de cortos que me interesaría hacer. El cine es mi otra gran pasión.
¿Y con España que pasó?
Es uno de mis grandes amores. Llevo las letras del teatro español y del venezolano en mi corazón. Dejé allá grandes amigos con los que espero en algún momento reencontrarme y volver a crear.
¿Qué hace además?
Vivo. Chile me lo ha permitido de manera libre. Me reencontré con el placer de ensayar hasta la madrugada y poder regresar sin miedo a casa. Y el poder trabajar con amigos de Venezuela, Chile y España en pro de la creación conjunta ha sido un gran placer. Igual no olvido mi origen, el Caribe es algo que está grabado en nuestra piel, pero no me puedo quejar del pueblo de Chile. Esperamos que aún Teatro Forte tenga mucho que decir por las tierras del sur.
¿Rajatabla quedó atrás?
Le debo a Rajatabla parte de mi formación y la oportunidad de haber dirigido cuatro montajes que amé. Eso siempre estará presente en mi imaginario. Josè Ortega y Gasset decía que el hombre era "uno con sus circunstancias"; y mi experiencia como director artístico de Rajatabla es algo que atesoraré en cada momento de mi vida y que siempre será parte latente de mí.La historia del teatro en Venezuela siempre tendrá en cuenta el nombre de Rajatabla presente. No sólo por la labor excepcional y titánica realizada por Carlos Giménez y Francisco Alfaro, sino por el desfile de directores que dejaron montajes de alta factura dentro de la agrupación (Raul Bambilla, Basilio Álvarez, Paolo Magali, Rolando Giménez y Ugo Ulive, entre otros).  Rajatabla está en una gran encrucijada conceptual en este momento; se encuentra entre la Rajatabla que añora los grandes montajes de su historia o la Rajatabla de vanguardia que busca nuevos derroteros creativos. No sé para donde se reclinará la balanza. Pero sea lo que sea, espero que la calidad, la disciplina creativa y el rigor nunca deje de ser el norte del grupo, ya que de lo contrario se ensuciaría la historia de un grupo que ha revolucionado la historia del teatro. En Rajatabla monté espectáculos como  La piel en llamas  del catalán Guillem Clua,  El marqués  de Sade  de Yukio Mishima y  La casa de Bernarda Alba  de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, además de El fantasma de Hiroshima de la venezolana Gennys Pérez, los cuales arrojaron valiosos récords de público y de críticas, montajes que fueron reseñados por ti, además. La vida y el teatro siguen.



Cuarteto de lujo

Nuevos comediantes reclamando su público.
Un hombre, no mayor de 30 años, luce desesperado dentro de la habitación de un hotel. Le han descubierto un robo, o desfalco, cometido en su trabajo y trata de encontrarle una salida a esa situación, de la manera más rápida y sencilla, para lo cual se dispone a dispararse un revolver en la sien, cuando de golpe lo interrumpe una mujer que entra inesperadamente a ese desangelado cuarto y lo coloca entre la espada y la pared, o entre la cama y el suelo. Es, por supuesta, una extraña y absurda situación y mucho más cuando la improvisada pareja afronta una serie de situaciones poco comunes y hasta divertidas, las cuales al final lo hacen cambiar de decisión. Pero de repente se despierta y todo queda aclarado: era simplemente un sueño.
Se trata de la comedia Tres balas para dos del dramaturgo español Juan José Millán, bien puesta en escena por Yorbis De Los Santos, quien se apuntala exitosamente en las desenfadadas actuaciones de Osleyda Pérez, Rafael García, Amílcar García y África García, la unigénita de la primera actriz Antonieta Colon. En la producción general está Luis José Gómez y en la asistencia de dirección se desempeña Leonardo Ayala, acompañado de Nazaret Canache, Gabriel López y José Díaz. Es un espectáculo de la compañía T-Jireh Producciones, el cual se podrá ver de nuevo en las salas caraqueñas durante el primer trimestre del 2017. Este montaje hizo una breve temporada en el Teatro La Rampa, que antes era el Teatro Altosf, en el sótano 1 del edificio San Martín de Parque Central; cambió de nombre y prosigue bajo la coordinación de José Gregorio Magdaleno.
 Tres balas para dos, basada en la pieza Las señoras primero (1959), es un delicioso juguete escénico, el cual no pretende dictar catedra de moral ni nada parecido. Es, eso sí, para probar la versatilidad actoral de quienes se atrevan a escenificarla. Y eso, por supuesto lo consiguen, ya que se   trata de un cuarteto de impacto, especialmente por los roles que asumen África y Osleyda.
No hay que olvidar que todos los cómicos ahí comprometidos son de la nueva generación de venezolanos que muestran sus caras y cuerpos en la escena. Es otra página del relevo, cosa que no está mal. El tiempoespacio dirá que pasó con esta gente.

jueves, diciembre 01, 2016

Otro poliamor en siglo XXI

Nuevos comediantes para una tematica eterna.
Los filósofos Daniel Innerarity (Bilbao, 1959), Manuel Cruz (Barcelona, 1951) y César Rendueles (Gerona, 1975), dieron una interesante entrevista al diario madrileño El País (27-11.2026), donde manifestaron que a la gente común y corriente le hace gracia que ellos piensen sobre las cosas concretas porque en el fondo esperan que el filósofo vea en ellas más cosas de las que uno ve normalmente. Pero por otro lado, ellos creen que la gente necesita esquemas teóricos, elementos que le organicen un poco el mundo”, ya que “el tiempo ha desaparecido y ya no funcionamos con tiempo, sino con una sucesión de instantes de los que se espera la máxima intensidad.  Proponen evitar automatismos y no estar sujetos a la lógica de lo inmediato es liberador.  Afirman que se vive en una sociedad que no está muy interesada en replantearse la cuestión de qué significa que algo sea útil. Consideran que es una cuestión que incomoda, porque frente a una inercia heredada del pasado, cada vez hay más gente, sobre todo estudiantes y    jóvenes, quienes hacen grandes esfuerzos para vivir de otra manera. Advierten que el coleccionismo tecnológico es el síntoma de una aceleración consumista… llevada a ámbitos de nuestras vidas que de otra manera sería más difícil comercializar… como el ámbito de las emociones o el de la información. Ante lo cual, por ejemplo, sistemáticamente se busca una especie de ídolo en las tecnologías digitales. Y puntualizan que hay una larga tradición de pensadores de izquierda, como Walter Benjamin o Paolo Pasolini, quienes fueron premonitorios, con una enorme capacidad para vislumbrar hacia dónde nos llevaba el desarrollismo brutal.
Y citamos aquí, algunas opiniones de esos tres filósofos españoles, porque hemos visto el experimental montaje Pulp History del teatrero Leonardo Mendoza (Caracas, 1987), durante la  breve temporada que hizo en la Sala Cabrujas, ya que, de alguna manera, en ese espectáculo se refleja ese brutal desarrollismo de una sociedad mundial y la desesperada búsqueda de nuevas experiencias, casi todas al margen de lo tradicional, todo muy alimentado, en nuestro caso, por la venezolana y muy nefasta cultura del petróleo.
Leonardo Mendoza llegó al teatro por una decepción, pero antes logró egresar como filósofo de la UCV (2012), donde los grupos teatrales eran escasos y sectarios como él lo cuenta.  Así que decidió buscar fuera del claustro lo que le interesaba. Realizó varios talleres de actuación y dirección en el Celarg e hizo varias asistencias de dirección. Los tomó y supo que eso era lo que quería. Desde el año 2014 trata de superar los meandros del teatro vernáculo, después de hacer un Diplomado de Dramaturgia con profesores como José Gabriel Núñez, Johnny Gavlovski, César Rojas y Javier Moreno. Pulp History la comenzó en 2013 y la terminó en 2015. Decidió iniciarse como director con su texto en el año 2015, cuando formó el Grupo Teatral Par64.
Pulp History se centra el amor entre más de dos personas, el poliamor. Al principio, los ensayos fueron poco provechosos, revela el autor-director. Los actores no entendían la saga, porque la consideraban abstracta. Esto los obligó a usar varias técnicas partiendo desde la imaginación. Fueron construyendo la trama con varios ensayos centrados a recrear las situaciones de las que se hablan en el texto para luego tomar esa historia como base. A partir de entonces, el cuento teatral se hizo palpable y creíble. “Los primeros ensayos los hicimos en La Concha Acústica de Bello Monte gracias a que nuestra primera asistente de dirección trabajaba con Ricardo Nortier y así accedimos a un espacio cómodo para poder ensayar. Nos hemos presentado en el Teatro Catia, en el Celarg, en el Teatro Bolívar y ahora estamos en la Sala Cabrujas”. Así desafiando a los imposibles, se gestó, se ensayó y se mostró Pulp History sobre preocupaciones de la gente joven, esa menor de 30 años, porque más allá… ya se tienen respuestas o experiencias que lo dicen todo, tras haberlo conocido casi todo. 
Explicado de otra manera, el poliamor de Pulp History es amar a varias personas a la vez, de forma consensuada y consciente. Sus exegetas consideran que el amor no tiene límites, porque la filosofía vital de esas relaciones es que el amor no es necesariamente exclusivo entre dos personas. Pero, ¿hasta qué punto somos capaces de aceptar esta realidad, más común de lo que se cree? ¿Hasta qué punto los celos no juegan un papel influyente en este tipo de relaciones?, pregunta Mendoza y suscribimos nosotros.  
CHALBAUD Y CHOCRON
 Es posible que Leonardo Mendoza y sus actores no hayan aún leído los poéticos textos teatrales Los ángeles terribles (1967) y La máxima felicidad (1975) de Román Chalbaud e Isaac Chocrón, quienes los escribieron y mostraron durante los últimos 40 años del siglo XX, donde eso del poliamor era tan popular, dentro y fuera del teatro, como las arepas de carne mechada. Por supuesto que dichos espectáculos levantaron ronchas en las delicadas pieles sociales, pero hicieron temporadas y hasta al cine llegaron.
Hay que achacarle la culpa a los currículos escolares –posiblemente ni ahí están comprendidos esos autores criollos, lo cual no nos sorprende- para que Leonardo Mendoza y su gente hayan trabajado tanto hasta crear un texto y finalmente producir su espectáculo, que no alcanza los 60 minutos, sobre el poliamor en el siglo XXI. De haber conocidos tales piezas, se habrían   ahorrado tiempo, aunque a lo que llegaron no está mal. Sí, hay una búsqueda, que forma a sus artistas, pero les ha quitado mucho tiempo o desplazamiento en el espacio, para decirlo con los criterios de Einstein. Una vez más, la dramaturgia venezolana resulta desconocida para las nuevas generaciones, pero estas se las arreglan para salir adelante, menos mal.
Hace poco vi un espectáculo donde se fusilaron varios textos de Rodolfo Santana y Román Chalbaud, donde lo único “novedoso” era la imagen gráfica de los ojos del comandante Chávez, sin pedir permiso, además.
¿Si los profesores abordaran un poquito más la historiografía del teatro criollo, serían más útiles? ¿Por ahí a donde se llega? ¿Dónde está el colectivo del teatro venezolano interesado en preservar su historia y su docencia para las nuevas generaciones? ¿Quién tiene la culpa? ¿Si seguimos así veremos al Hamlet andino o la Bernarda Alba llanera, sin que los artistas lo sepan? ¿Y al público quien lo defiende?
El espectáculo de Pulp History es brutalmente físico, se realiza en un espacio a la italiana y tiene un ritmo tan acelerado que termina por machacar las palabras de algunos actores y convertirlas en ruidos estridentes. Lo del amor o poliamor es muy obvio y muestra la pasión, la lujuria, el crimen y la venganza, que termina por ser “un frenesí con aires shakesperianos”, como dice la nota de prensa, que además suscribimos.  Hay, eso no les puede negar, pasión, fuerza física y talento por parte de ese grupo de teatreros, que integraron Paola Ancidey, John Vicent, Migda Freites y Ramón Casanova con su autor-director Leonardo Mendoza, un filósofo que trabaja además como manager de redes sociales

martes, noviembre 29, 2016

Fidel y Chavez en sainete venezolano

María la de Manzanillo es una pieza teatral de César Rojas (Caracas, 1961), la cual transcurre a finales del año 1997 en la Isla de Margarita y donde se frustra un atentado mortal contra el Presidente de la Republica de Cuba, Fidel Castro, y el para ese entonces candidato a la Presidencia de Venezuela, Hugo Chávez Frías. Es, en mínimas palabras, un sainete contemporáneo y ahí hay nueve personajes y por supuesto interviene la Virgen del Calle, además de los monumentales personajes políticos latinoamericanos
Rojas, con más de 60 piezas teatrales escritas, explica que en el año 1997,  en las postrimerías del Chiripero que anunciaban el ascenso de Hugo Chávez a la presidencia de Venezuela, se llevó a cabo la  Séptima Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno de los 21 países miembros de la Organizacion de Estados Iberoamericanos, en Porlamar, durante los días 8 y 9 de noviembre de 1997.
Cuenta Rojas que para esa época se había autoexiliado del teatro venezolano en Porlamar, regresando con su familia a la capital de Nueva Esparta , después de que el Centro de Directores para el Nuevo Teatro perdieran la sala María Teresa Castillo, pues los abogados que llevaban el caso no asistieron a la reunión con el juez el día estimado y el teatro joven venezolano perdió un espacio más. Además el sector teatral, celoso del escandaloso éxito que este grupo de jóvenes creadores había obtenido, aprovecharon la coyuntura y le congelaron el subsidio que se le otorgaba desde el Conac para asfixiarlos y obligarlos a detener la copiosa actividad que generaban en el sector del teatro juvenil, imbatible en esos años por ninguna de las instituciones que anunciaban su apoyo a las nuevas generaciones.
Por esa fecha se lleva a cabo la Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno y, para salir a flote económicamente después del derrumbe que significo perder la sala que cobijaba al CDNT, César Rojas  consiguió emplearse en la recepción de un conocido y pintoresco hotel del poblado pescador y patillero de Manzanillo, frente  la playa El agua. Allí se alojó la Casa Militar, encargada de la seguridad del Evento Internacional de Presidentes. Eran militares jóvenes y dinámicos que mantenían estricto celo de los movimientos de los presidentes y sobre todo de Fidel Castro, pues corrieron fuertes rumores que aseveraban un complot de los cubanos exiliados en Miami, con un participante secreto en Venezuela respaldado por alguien de la propia Casa Militar, para aprovechar la Cumbre y asesinar a Fidel Castro durante el evento, en la que no quedaba claro si Rafael Caldera tenía participación o no, pero eso sí, para que sirviera como lección a los que desobedecían a la Derecha Internacional y evitar que se propagaran sus ideas en el continente ahora que Hugo Chávez estaba por ganar las elecciones y estaba tan efusivo con Castro.
Fue ahí, desde la recepción del hotel Guacamaya Beach & Resort, en Manzanillo, que hilvanó su saga teatral, la cual se inicia cuando un grupo de cubanos se contacta con un traidor de Casa Militar de Venezuela con la intención de ordenar el asesinato de Fidel Castro durante la Cumbre y el militar traidor va a estar entre los guardias militares alojado ese un hotelito de Manzanillo, lugar en el que trabaja María, como ama de llaves.
¿Qué pasó con el montaje?
El Galpón de San Fidel, nuestra sala y empresa productora, en una calle de la urbanización popular de Sarria, no cuenta con el apoyo económico de ninguna institución, somos nosotros los que pagamos las producciones, el local, la luz, el agua, el desinfectante y hasta el papel toilette… por lo que en estos últimos tiempos no he podido hacer espectáculo que ameriten grandes inversiones de mi poco dinero y debo conformarme con la dramaturgia.
SINOPSIS
 Después de su jornada en el hotel,  María se ha ido a cuidar el sembrado de patillas y espera a su amante, el cura del pueblo Ángel-Gabriel en el patilla para aprovechar la noche y que Pedro, su esposo, se ha quedado cuidando la recepción del hotel y así disfrutar de sexo caliente con el verdadero padre de su hijo Jesús, cuando inesperadamente  un chorro de luz del Cielo estrellado la baña y a partir de ese momento María comienza a tener poderes extrasensoriales: vuela, lee los pensamientos de los que se le acercan y hasta adquiere con la iluminación una fuerza inconmensurable. Por lo que Pedro monta un consultorio en su casa para ganarse una platica a pesar de los comentarios de la envidiosa Alejandra, vecina del pueblo y cocinera de La Guacamaya.
Pero María no quiere tener esos poderes; ella se pelea con Alejandra y Dellio termina por echarla del hotel, a ella , a su esposo Pedro y a su hijo Jesús, cuando al militar encargado del asesinato de Fidel se le pierde el percutor de la bomba con la que piensa matar al líder, pues lo dejó en el hotel cuando se fue a un local de prostitución con sus otros compañeros y a Jesús, en su trona, le pareció bonito el aparatico y creyendo que era un control de televisión se lo robó. Por lo que el militar lo vigila a pesar de no estar más en el hotel. 
María le leyó el pensamiento a su hijo y se enteró que sí fue él el ladrón y después de una triste discusión con Jesús quien se entera que Pedro no es su verdadero padre,  se va a hablar con la Virgen del Valle, a ver si le quita esas facultades que no le interesan, pero la Virgen, a la que no le están quedando los ropajes que le ponen porque se ha puesto un poco gorda, le explica que ella no puede ayudarla, porque esos poderes le han sido otorgados desde el Cielo, para que cumpla una misión importantísima para el futuro del continente y que sólo cuando lo haya cumplido los poderes no desaparecerían.
María regresa molesta por la respuesta de la Virgen que habla un castellano muy castizo porque la hicieron en España, cuando el militar descubre que Jesús si fue el ladrón del adminículo y se lo lleva amenazándolo de muerte si no se lo da, incluso se lo lleva al lugar en el que se encontraba Fidel acompañado de Hugo Chávez, camino al cierre de la Cumbre y cuando está a `punto de cometer el Magnicidio, María interviene con sus poderes y detiene el crimen, salva a Fidel y a Hugo, apresan al maleante y todo se mantiene en estricto secreto.
Días después, cuando se terminó el trajín de La Cumbre, en el sembradío de patillas de Manzanillo, María conversa con su hijo Jesús, cuando inesperadamente está a punto de recibir otro chorro de luz, pero Jesús la quita de un empujón y es él el que recibe esta vez la luz y los poderes.
Ella lo prefiere así, porque ella es solamente María, la de Manzanillo.



























viernes, noviembre 25, 2016

Martir gay izquierdista

Un poeta muy joven que se eternizó en este ´óleo.
Como se escenifica tanto en Venezuela, tanto que hasta sus personajes castellanos los ponen a funcionar cual si fuesen llaneros, queremos recordar que hace 80 años, España se desangraba en fratricida contienda. Guerra civil por injustificables motivos escindía la historia de una nación que había imperado en Europa y América, pero que por la intolerancia de bandos enfrentados se convirtió en cadalso de caínes y abeles. Las consecuencias todavía atormentan y desvelan a descendientes de víctimas y vencedores. Nadie quiere otra brecha igual. En la larga lista de ese millón de muertos que dejó como saldo, hay un nombre en especial que queremos evocar, porque, precisamente, el 18 de agosto de 1936 fue fusilado el poeta y dramaturgo Federico García Lorca, a los 38 años. Artista de sólidos principios y no un soldado o un guerrillero de pacotilla, a quien los fascistas eliminaron, creyendo que así lo borrarían de la historia. ¡Jamás!
EVOCACION 
Según el intelectual estadounidense Jaime Manrique Ardila (Barranquilla, 1949), autor de una novela sobre Manuela Sáenz (La vida es como los ríos) la mejor forma de evocar a un escritor es siempre a través de su obra. “García Lorca es uno de esos artistas de quien casi todo el mundo ha oído hablar pero al que, lamentablemente, muy pocas personas han leído a fondo. Su personalidad extravagante, además de la forma tan trágica como murió, desgraciadamente ha opacado sus verdaderos logros y su importancia como escritor de vanguardia. Algunos recuerdan más su sórdido final y no lo otro, lo que rompe el silencio de los tiempos, su obra”. Sobre las razones o las sinrazones que tuvieron sus “enemigos” para matarlo, o “darle un poco de café”, Manrique Ardila dice que Federico, por muchas declaraciones escandalosas que había hecho para defender al socialismo de la república española, y por haberse convertido en una ‘loca pública’, había despertado el odio de los conservadores y reaccionarios españoles. “A mí me da la impresión de que estaba marcado y que sus enemigos querían deshacerse de él, a cualquier precio. Y así lo hicieron, pero su obra ha derrotado al tiempo, una victoria por encima de la muerte”.
POETA Y DRAMATURGO 
Comenta que en la obra literaria de Federico destaca, de tal manera, El poeta en Nueva York, que se le puede considerar como uno de los libros más influyentes de la poesía del siglo XX. “Por ejemplo, gran parte de los poetas Ginsberg, Corso y Ferlingheti, además de otros vates beats, no existirían si estos no hubiesen conocido y admirado a El poeta en Nueva York. Ese poemario y los Sonetos del amor oscuro todavía pueden ser leídos con admiración en este proceloso siglo XXI. Pero el otro García Lorca, el folklórico es menos interesante. Sin embargo, la musicalidad y el colorido de su poesía tradicional influyeron la obra de poetas norteamericanos como Langston Hughes. Como dramaturgo, la trilogía compuesta por Yerma, Bodas de sangre y La casa de Bernarda Alba, fueron esenciales en el desarrollo del teatro de Tennessee Williams, especialmente en su forma para enfocar a los personajes femeninos. Para mí, La casa de Bernarda Alba es una obra maestra, perfecta en su estructura, arrolladora como una tragedia griega, y tan perspicaz acerca de la psicología femenina como las mejores obras de Ibsen y Strindberg. Sus dos obras de teatro surrealista, Así que pasen cinco años y El público se adelantaron al teatro del absurdo de Inoesco y Genet. Tal vez no sean sus obras mayores, pero sí están entre las piezas teatrales más innovadoras del siglo XX".
Manifiesta que “la estadía de Federico en Nueva York, entre el 29 de junio de 1929 y el 4 de marzo de 1930, le fue muy importante en dos aspectos: lo liberó para siempre de los horrores de la homofobia que había encontrado en España, entre otros, de parte de su amigo Luis Buñuel, y le dio permiso para que empezara a escribir acerca de su sexualidad atormentada. También su estadía en Manhattan le permitió entrar en contacto directo con la modernidad de Nueva York, en esos años gloriosos del cine, el jazz, la cultura negra de Harlem y las obras de teatro que enfrentaban directamente a la sexualidad. Además, pudo vivir por primera vez en medio de una comunidad gay como la neoyorquina de esos años. Federico será otro en los seis años venideros, salió del closet, para decirlo en lenguaje contemporáneo y creció como hombre y como poeta. Creo también que él fue también un mártir gay, ya que aunque durante los últimos 30 años se ha hablado y se ha escrito sin tapujos sobre las homosexualidades masculinas y femeninas, las generaciones de los años 50 y 60, las que estuvieron al frente de la generación que luchó por la liberación sexual en Estados Unidos, desconocían en gran parte, con la excepción de Ginsberg, esa saga de su vida. Tal vez ahora lo podamos ver como un precursor".
HOMOFOBIA
 ¿Quiénes mataron a García Lorca? El documental Lorca. El mar deja de moverse, de Emilio R. Barrachina, desvela que la muerte del célebre escritor “nació en el seno familiar”. Ahí se afirma que Juan Luis Trescastros Medina, casado con una prima lejana del padre del poeta y dramaturgo, sería el autor material de su muerte, “Fue quien, después del asesinato, fue contando por ahí que le había metido dos balas en el culo por maricón”, dijo el hispanista Ian Gibson, uno de los historiadores que más profundamente ha investigado este episodio. El documental acredita que la homofobia “como componente político” es también “una de las causas de la muerte del poeta. Siempre se ha tratado de tapar su homosexualidad, incluso por parte de la izquierda, porque un mártir de izquierda no podía ser homosexual”, dice Barrachina. Los orígenes del asesinato estarían fundamentados en las rencillas entre los García Rodríguez, los Roldán y los Alba, las grandes familias de caciques de la Vega de Granada que mantenían viejas rencillas, incluidas discusiones por repartos de tierras compradas a medias, a las que sumaron sus distintas tendencias y ambiciones políticas. O sea que un cóctel de odio, política y homofobia se habría conjugado en una tragedia de la que ahora se cumplen 80 años. Barrachina dijo que se necesitaron dos años y medio de trabajos para realizar este filme, basado en las investigaciones desveladoras realizadas por Gibson, Miguel Caballero y Pilar Góngora. En este documental están las palabras de 25 personas y las de Rafael Amargo, quien declara que a Lorca lo mataron sus primos. “El run, run popular de que los familiares eran los instigadores, ahora se confirma”, dice

La furia de Angélica Escalona

Un teatro danza con el sello de la creadora Angélica Escalona.
Angélica Escalona es bailarina, actriz, coreógrafa y maestra de danza. Nació en Ciudad Bolívar y muy joven se fue a estudiar en la Universidad de Londres y en la London School Contemporary Dance. Han pasado largos 30 años y aún no se rinde. Ahora reaparece con su exótico montaje de teatro danza, La Furia, texto colectivo con supervisión y asesoría de Yovanny Duran y Dairo Piñeres, que presentan en el Celarg.
Es ahora y no antes, porque desde que el Theja salió del teatro Alberto de Paz y Mateos (mediados del año 2006), no tenía espacio ni tiempo para ensayar y mostrar su trabajo. Ahora con La furia reinicia labores 
Eso lo hizo y lo dijo para explicar que por el maltrato, el hambre y el silencio que les imponen algunas sociedades, hombres y mujeres se vuelven furia y clamor antes de atravesar las puertas del olvido.  “Ahí, una sociedad con resentimientos, intenta romper cadenas de la opresión, mientras las calles se llenan de olor a sangre, a muerte y hastío. Todos reclaman el dolor, la pérdida del ser querido y la libertad. El amor se hace más fuerte o se debilita sin esperanza mientras se cierran puertas y se maldice. Las furias se desatan en mi puesta en escena donde el cuerpo habla y recita nuestra poesía a través de la danza, guiado por las apasionadas notas de un piano que dibuja en sus partituras cada cuadro”. 
El espectáculo, bien resuelto físicamente, por Carlos Dimas, Jobana Cáram, Luis Vegas, Tifanny Bández, Gerardo Sorondo, Laura Bández, Oscar Hernández, Lauren Pérez y Michael Ortíz, es una frenética danza, de 40 minutos, sobre un piso de tierra y arenilla para hacer más densa la atmosfera y agredir incluso al espectador y sumergirlo en el drama de esos seres que bailan para testimoniar su desgracia y culminan con una ducha de purificación.
Hay, por supuesto, complejas segundas lecturas de lo que signfica La Furia para el contexto actual, pero eso se lo dejamos a la sensibilidad y a la cultura de los espectadores, quienes por lo general  van más allá de lo que sospechan incluso los mismos artistas.
Los aplausos son modesta recompensa para esos nueve artistas que materializan su furia ante la existencia que les ha correspondido representar. Creemos que Angélica Escalona y su gente deben ensayar más y proseguir esa furia desde la escena por la catarsis que provocan en la audiencia