sábado, diciembre 20, 2014

8 sorpresas teatrales del 2015

El jurado organizador  y  los ocho directores que buscan su consagración  en el 2015
Una vez más, se ha demostrado que si la montaña no acude a los llamados de Mahoma, éste sale a buscarla o visitarla y desde ahí predicar. Así sucedió  con la Fundación Trasnocho Cultural, la cual, con Solveigh Hoogesteijn, a la cabeza, decidió organizar y poner en marcha el Festival de Jóvenes Directores, que se realizará durante ocho fines de semana, entre el viernes 16 de enero y  el domingo 8 de marzo del venidero 2015.
Este primer Festival de Jóvenes Directores del Trasnocho Cultural es todo un riesgo, pero quien no arriesga no evoluciona y está condenado al fracaso, más temprano que tarde. Y es por eso  que con apenas los títulos de las obras, los nombres de los actores, el perfil de cada joven director  y una idea escrita de lo que sería su montaje, un comité de especialistas (Luigi Sciamanna, Eva Ivanyi, Héctor Manrique, Douglas Palumbo y Solveig Hoogesteijn) seleccionó a ocho puestistas de menos de 30 años, entre 38 propuestas escénicas presentadas.
 ¿Cuál será el resultado? Se verá en el polivalente  escenario del llamado Espacio Cultural del Trasnocho Cultural, donde cada uno de los montajes podrán ser evaluados  por un jurado (Felicia Canetti, Karin Valecillos, Jonathan Reverón, Vyana Preti, Orlando Arocha y Palumbo)  que seleccionará a los dos  mejores, los cuales emprenderán sendas temporadas largas en el ya popular complejo cultural de Las Mercedes.
 “Es una responsabilidad de nosotros apoyar a estos jóvenes. Esperamos que en vez de ocho semanas, para la próxima oportunidad, podamos extender el festival a 16. Este es un camino para que el Trasnocho abra sus puertas al talento naciente, para que pisen fuerte y se proyecten. Las entradas para el Festival de Jóvenes Directores Trasnocho costarán 250 bolívares cada una e invito a todos los públicos a disfrutar de la muestra”, puntualizo  la directora Solveig Hoogesteijn.
Agenda  para tres meses
Este evento  de jóvenes directores  ha sido distribuido así: Seis personajes en busca de autor de Luigi Pirandello es la obra seleccionada por Wilfrido Sierra, quien tendrá seis funciones para mostrar que es un director. Con el elenco, más numeroso (nueve actores), presentará su propuesta el viernes 16 de enero (5:00 pm); sábado 17 y domingo 18 de enero (4:00 pm); viernes 23 de enero (5:00 pm) y sábado 24 y domingo 25 de enero (4:00 pm). El mismo viernes inaugural, pero a las 8:00 pm, Jorge Souki estrenará su versión de  La señorita Julia  de August Strindberg. Funciones: 16 de enero (8:00 pm), 17 y 18 (7:00 pm); 23 de enero (8:00 pm); 24 y 25 (7:00 pm) .Daniel Dannery presentará la pieza Burkina Faso   de Daniel Dalmaroni, que aborda entre otros, el tema de la miseria, de seres humanos sumidos en la derrota, según explica el director. Las funciones serán: viernes 30 de enero (8:00 pm), sábado 31 de enero y domingo 1 de febrero (7:00 pm); 6 de febrero (8:00 pm), y 7 y 8 de febrero (7:00 pm). Siguiendo los pasos de su padre, Jan Vidal se lanza formalmente al ruedo como director con  La cantante diva , versión del clásico de Eugene Ionesco. Estará en cartelera las mismas fechas que la anterior, pero en el bloque de 5:00 y 4:00 pm, respectivamente. Otra obra de Ioneso fue seleccionada por Leonardo Van Schermbeek, quien a través de  La lección  hablará de la banalización de la muerte y  de cómo la inseguridad puede llegar a niveles absurdos pero letales. Funciones: 13 de febrero (8:00 pm), 14 y 15 (7:00 pm); y 20 de febrero (8:00 pm), 21 y 22 (7:00 pm). Las presentaciones se extenderán hasta el 15 de marzo  con las obras  Historia del zoológico  de Edwad Albee, dirigida por Pedro Borgo;  Prueba de fuego  del venezolano Ugo Ulive, a cargo de Catherine Medina, quien precisó que es una pieza que se adapta a la realidad actual del país, porque trata del poder, la violencia y la crisis. Me pareció pertinente realizar el montaje en estos momentos. Toda ideología tiene un punto de quiebre y toda revolución requiere de un líder”, aseveró la joven. Y el evento cierra con  Juanita Claxton  del criollo Gustavo Ott, en una creación de Lissy García.
Venezolanidad en escena

 “Quisimos hacer este festival porque este es un país lleno de talentos. Para mi gran sorpresa, apenas cuando abrimos la convocatoria nos comenzaron a llegar un gran número de obras, lo que demuestra el interés de muchos jóvenes de mostrar su trabajo, su talento”, afirmó Solveig Hoogesteijn, la directora general del Trasnocho Cultural. Señaló que como directores con experiencia y con un “camino andado, tenemos la responsabilidad de crear las plataformas para que estos jóvenes puedan trabajar y mostrar su creatividad. La repercusión que ha tenido esta primera edición del festival, que queremos continuar año tras año, ha sido algo que también nos sorprendió. La receptividad de los medios ha sido importante y por eso damos las gracias. Por ahora solo tenemos este premio, pero esperamos que más adelante podamos contar con un (premio) metálico, de darle una suma mínima para que la usen en el montaje de sus muestras”, dijo la realizadora. Por su parte, Héctor Manrique reflexionó acerca de la realidad del teatro venezolano y comentó que este arte se divide en dos vertientes: el teatro que está bien hecho y el que está mal hecho. “Esa preocupación, de muchos que nos dedicamos a este oficio, de ver a tanto talento y con menos posibilidades nos hizo crear este espacio. Mostrar a gente que hace cosas buenas y que quiere expresar su imaginario en el escenario, es lo que queremos con esta iniciativa”, subrayó el reconocido actor y director. Enfatizó que el proceso de selección fue una tarea difícil, “esto siempre pasa y fue un debate entre nosotros muy interesante. Para nosotros leer cada proyecto fue algo estimulante”, aseguró, luego de aclarar que, independientemente, del dramaturgo que lo haya escrito, cada proyecto “es nacional porque lo dirigen y actúan venezolanos”.

La rumba de los 40 del Theja

Durante la temporada 1981 en el teatro Alberto de Paz y Mateos, sede de El Nuevo Grupo, se escenificó El viejo grupo, escrita y dirigida por Román Chalbaud y con los actores Eva Blanco, América Alonso, Domingo del Castillo y Jorge Díaz. Una metáfora sobre las vicisitudes intimas de una agrupación de teatro que intenta montar  El águila de dos cabezas de Jean Cocteau. Un espectáculo que invita  al público a reflexionar sobre las vidas de los artistas y como desafían al tiempo y a la sociedad para salir  adelante con sus proyectos  creativos, pero sin descuidar sus intereses y las normales ambiciones.
Recordamos esa faceta de nuestro teatro porque hemos visto, durante este diciembre de 2014, otra representación de Rumberas, desopilante espectáculo de cabaret, con canciones de las grandes divas o rumberas tropicales de los años 40 del cine mexicano. Son seis personajes  masculinos, a inicios de los años 80 y en un bar de Sabana Grande, quienes se empeñan en revivir el brillo de la época de las rumberas, como un homenaje, con pretensiones culturales, pero que al mismo tiempo les sirva para inaugurar un cabaret teatro. Los personajes se travisten en María Antonieta Pons, Meche Barba, Ninón Sevilla, Amalia Aguilar y Rosa Carmina, rememorando también a Carmen Miranda y Tongolele. La música disco de inicios de los 80 como  Fame  de Irene Cara, los boleros de Los Panchos y los Mambos de Pérez Prados completan la banda musical del espectáculo. El elenco lo encabeza Nacho Huett,  brillante actor emblemático del Theja y lo apuntalan: Kelvis Martínez, Juan Guzmán, Gerardo Lugo, Omar Salas y Carlos H. Pérez. 
Rumberas es la producción con la cual el grupo Theja festeja sus 40 años de lucha por  mostrar su estética, la cual comenzó con Fulgor y muerte de Joaquín Murrieta  de Pablo Neruda, en el Ateneo de Caracas (aún existía la quinta Ramia) en mayo de 1974. Por supuesto que el autor y director José Simón Escalona no mostró la sordidez del teatro no oficialista ni el autorotulado de cultural y puso en escena a un grupo de jóvenes gais que insisten en hacer su teatro como lo sueñan y lo sienten. Buscó y logró que el público se entretuviera con Rumberas y que al mismo tiempo discutiera una posible lectura de la obra. “Vivimos una rumba, ilusoria, y en ese sentido creo que ambas épocas tienen un signo que necesita de reflexiones y acciones”.
Subraya   que al inicio de los años 80  “cierta crítica nos tildó de homófilos  perversos, porque le descubrimos al público una cara menos divertida de la vida gay. Lo sorprendimos revelándole un aspecto transgresor para las miradas superficiales sobre la homosexualidad y sus consecuencias. Nuestro teatro siempre es irreverente y  Rumberas  lo es”.

Escalona destaca que Rumberas es su  pieza número 15 llevada a escena. Tiene otras sin estrenar como  Alzao, Ejecutivas,  Burdel  y  Marineros; además de los monólogos  La Jefa  y  La Viuda , que conforman el espectáculo  Tipo Tipas . 

Un venezolano en Bollywood español

El director y el actor  venezolano
Doriam Sojo vive en Madrid desde el 9 de marzo de 2007 y recientemente filmó como protagonista su primera película Bollywood made in Spain, una saga musical romántica basada en hechos reales e inspirada en la trayectoria vital de la bailarina y coreógrafa española Leyla Zurah, dirigida por  Ramón Margareto.
La película se rodó  durante septiembre y octubre, entre Alicante y Palencia y su  estreno no sabe cuándo será.  “Lo cierto es que se hará en un festival en Londres. Grata y emocionante experiencia”.
Doriam admite que no murió de hambre durante sus primeros siete años en España. Todo lo contrario ayuda a otros para que sobrevivan y además exhiban sus talentos. Este comediante (Maracay, 4 de abril de 1980), además director y productor de artes escénicas, reconoce que no le fue fácil adaptarse a la gente y a la urbe en sí. “Ha sido una verdadera aventura, llena más de alegrías que de tristezas. A pesar de que se habla el mismo idioma, no entendía la mitad de las cosas que me decían, así que tuve que aprender de nuevo el castellano. Fue duro, como todo cambio de paradigma, fue como nacer de nuevo”.
Actualmente dirige “El burdel a escena”, uno de los espacios escénicos más prestigiosos del Off Madrid. Ahí los actores se funden con los espectadores y crean sus espectáculos. Es un sitio único en la calle Sombrerería 3, en el popular barrio Lavapiés.
Su papel lo consiguió porque Ramón Margareto, ganador de un Goya y con una sólida carrera profesional, fue a verlo al “El burdel a escena”. Y logró el papel por estar precisamente actuando  ahí.  “Mi personaje, gracias al director  Margareto, se llama igual que yo, Doriam,  y es mi primer protagónico. No he llegado a la meta, pero voy  por buen camino”.
-¿Qué viene ahora?
- Sigo  con  “El burdel a escena”  (http://www.elburdelaescena.com/ ), mi salita de teatro aquí en Madrid. Y comenzaré la producción de Fingers, dedos de goma  de mi amigo y compatriota Marcos Purroy. Sigo  con el espectáculo  , con el cual llevamos un año agotando El casting para mayores de 18 años localidades todos los fines de semana. Creep que es la segunda obra que va por el mismo camino y en noviembre estrené Tarántulas, así que, como dice la canción…¡que el ritmo no pare!
-¿Como hizo para tener una sala de teatro?
-Por la necesidad de hacer teatro, porque es mi mayor adicción. Un grupo de jóvenes decidimos crear un espacio donde ensayar, montar y estrenar nuestros trabajos escénicos. Un paso a la profesionalización y un eje de encuentro de creadores de diferentes disciplinas. No fue fácil, pero ahora somos una realidad. Y aquí llevamos casi dos años, aunque antes tuvimos otros proyectos, exitosos también.
Para  el 2015

Según el director Ramón Margareto trabajar con el  actor Doriam Sojo ha sido un gran placer. “Es muy disciplinado y profesional. Lo más destacable de su personalidad es su gran fuerza de voluntad. En muy poco tiempo se convirtió también en bailarín. Es un mago de la interpretación”. El montaje y la sonorización de Bollywood made in Spain comenzará durante el venidero  mes de enero. La película estará terminada en primavera, después iniciará el circuito de festivales y será estrenada en salas en otoño de 2015. El guión nació de una forma muy natural. “Soy un enamorado de la interculturalidad y éste es el tema principal. Uní en él dos historias reales: la de una bailarina española que se fue a India a aprender todas sus danzas, y la de un actor hindú que se vino a España buscando trabajo. El destino hizo que se conocieran. Bollywood made in Spain está producido por dos compañías privadas: Futura Films y Sótano Films. Cuando esté terminada buscaremos una compañía distribuidora que la mueva por festivales, la estrene en salas y finalmente la comercialice en televisión y vídeo”.

domingo, diciembre 14, 2014

Murió el gran actor Fernando Gómez

Fernando Gómez Castillo era  el actor activo de más edad en las artes escénicas criollas. El pasado 13 de marzo festejó sus 98 años. Desde hoy ya no estará más entre sus amigos y familiares, pero quedan incalculables recuerdos, además de la familia elegida, que lo acompañaron en su quinta en la urbanización El Márquez. Ya se habían marchado sus cuatro hermanos quienes le dejaron alrededor de 15 sobrinos, seis sobrinos nietos y dos sobrinos biznietos. Tiene un sobrino, Juan Carlos Martínez, que hace televisión y lideriza un grupo de teatro. A él le dijo que “al teatro hay que dedicarle la vida, desde que se inicia. Hay que estudiar permanentemente, hay que luchar hasta el último aliento”.
Hace seis años, Gómez Castillo nos recibió en su residencia y declaro que no se acompañaba con computadoras ni celulares. “Soy de la romana antigua. Tampoco me enchinchorro ni me empantuflo. Debo recordarle a las nuevas generaciones que el 22 de noviembre de 1952, en los tiempos del general Marcos Pérez Jiménez, hice mi primer teleteatro Donde nace el recuerdo para el Canal 5 y desde entonces me vinculé a ese importante medio”.
“En 1987 me otorgaron el Premio Nacional de Teatro por mis largas décadas entregadas a la composición de personajes claves para la escena. Pero debo esta pasión, que todavía me embarga, a mi madre Presentación “La Tachón” Castillo, que con papá Rosendo Gómez Peraza, me hicieron nacer en La Guaira, en aquel 1916. Era actriz y cantante de elogiada trayectoria, trabajó con las compañías de Teófilo Leal, Jesús Izquierdo, Emma Soler y Antonio Saavedra, cabezas de las más importantes compañías del teatro venezolano de las cuatro primeras décadas del siglo XX. Hijo de gata... caza ratones, que en mi caso resultaron teatrales”.
"Hice mi bachillerato en el Liceo Andrés Bello, cuando estaba en la esquina de San Lázaro, y hacia 1937 ya azotaba las calles de Nueva York a donde marché a estudiar medicina, cosa que no pude hacer porque las universidades eran privadas y carísimas, y sólo tenía un aporte de 50 dólares mensuales para sobrevivir. Sin embargo aproveche el tiempo y me entregué a la práctica teatral con unas agrupaciones latinas y además pude ver los mejores espectáculos de la época. Mi primer debut fue pues en Manhattan, en castellano y, por supuesto, con textos de Benavente y otros famosos autores españoles, en el sótano de una iglesia, en el alto Manhattan”.
“La guerra contra los nazis y los japoneses me asustó y regresé a Caracas para estudiar, definitivamente, medicina en la Universidad Central de Venezuela, donde egresó hacia 1945, cuando Leopoldo García Maldonado era su rector. La Revolución de Octubre me afectó porque era medinista y me fui a trabajar con mi profesión a diversas petroleras, la cual fue mi verdadero modo de ganarme la vida durante varias décadas, pero antes hice una especialización en radiología, en Nueva York”.
“Pero “Los amigos del teatro”, una agrupación donde estaban Aquiles Certad, Luis Peraza, Guillermo Feo Calcaño y Andrés Eloy Blanco, entre otros, ya me habían sembrado en la escena venezolana. Mi segundo debut, durante los años 40, fue con la obra Pacto de boda, del criollo Alejo Fuenmayor. Y nunca más abandoné el teatro. Tengo las pruebas de haber actuado en unas 100 piezas, todas en el siglo XX, porque en lo que va de esta centuria no he hecho ni una, pero no pierdo las esperanzas. Aunque tengo un monólogo, El juicio del siglo, basado en el libro de Clarence Darrow, montado por Chalbaud en 1960, del cual he hecho unas mil funciones, pero mi sueño, porque no puedo negarlo, es protagonizar la pieza Rey Lear. Tengo memoria y resistencia física, pero es un personaje que exigiría más de la cuenta. Todavía sueño con encarnarlo en un escenario, porque ya hicimos una lectura dramatizada".
“Trabajé en excelentes espectáculos, pero no puedo olvidarme de El enemigo del puebloEl príncipe Constante y especialmente Autorretrato de artista con barba y pumpá, una pieza de José Ignacio Cabrujas, que estrené en 1990, bajo la dirección de José Simón Escalona; ahí encarné al gran pintor Armando Reverón. A finales del siglo pasado hice 1,Reyes,1 de Chocrón. He estado acompañado de magníficos actores y actrices y ahora les agradezco a todos porque sin ellos no hubiese hecho nada, salvo monólogos”.
Su historia artística es ejemplar y nadie podrá ignorarlo.

sábado, diciembre 13, 2014

Vladimir Vera agente libre

El director Vera y el elenco de  "La casa de Bernarda Alba"
El teatrero Vladimir Vera ya no es el director artístico de la Fundación Rajatabla. Ingresó en mayo del año pasado y durante todo este tiempo montó los espectáculos  La piel en llamas  del catalán Guillem Clua,  El marqués  de Sade  de Yukio Mishima y  La casa de Bernarda Alba  de Bernarda Alba, los cuales arrojaron valiosos récords de público y de críticas. No hubo bochinche ni berrinche para generar su salida. El artista optó, de mutuo acuerdo con el presidente William López, dejar de ser personal fijo de Rajatabla. Los próximos montajes del grupo se harán bajo su égida, pero como  director invitado. Es, pues,  agente libre, en términos beisboleros.
-¿Cuál es el balance de la pasantía Rajatabla?
-La historia del teatro venezolano siempre tendrá en cuenta el nombre de Rajatabla.  No sólo por la labor excepcional y titánica realizada por Carlos Giménez (1946/1993), sino por el desfile de directores que hicieron montajes de alta factura dentro de la agrupación (Raúl Bambilla, Basilio Álvarez, Paolo Magelli, Rolando Giménez y Ugo Ulive, entre otros).  Rajatabla está ahora en una gran encrucijada conceptual; se encuentra entre la institución que añora los grandes montajes de su historia o la agrupación de vanguardia que busca nuevos derroteros creativos. No sé para donde se  inclinará la balanza. Pero sea lo que sea, espero que la calidad, la disciplina creativa y el rigor nunca deje de ser el norte del grupo, ya que de lo contrario se ensuciaría la historia de un grupo que ha revolucionado la historia del teatro, desde  1971.
-¿Difícil luchar contra la historia rajatablina?
-Claro. Los derroteros creativos han variado. Se trata de mantener una línea estética, pero con la visión más cercana a la actualidad posible. El Rajatabla de ayer debe acoplarse a las nuevas eras y a veces esa conversión es difícil. Traducir lo moderno de los 70, es totalmente a lo moderno del siglo XXI. Lo interesante es que la historia del grupo ha dejado grandes profesionales con los que ha sido un placer crear en conjunto. Y yo, modestamente, puse mis granitos de arena.
-¿Satisfecho de lo logrado con su pasantía?
-Nunca. La conformidad es la muerte del espíritu creativo. Un artista conforme tiende a coquetear con la mediocridad. Estaré satisfecho cuando Venezuela vuelva a ser una de las referencias mundiales del teatro. Creo que Venezuela merece rigor dentro de la escena y los creadores hemos bajado un poco la guardia. Pero igual, no por ello, no seguiremos luchando. Donde esté lucharé por el teatro criollo.
-¿Qué espera  hacer?
-Seguir trabajando. Para el próximo año tengo pensado dirigir  El fantasma de Hiroshima  de Gennys Pérez y  La ópera de tres centavos  de Bertold Brecht, producidas por Rajatabla. Con mi Teatro Forte tengo planes de montar, en el primer semestre del 2015,  Martillo, un proyecto de carácter experimental basado en la Orestiada. 
-¿Se justifica una agrupación como Rajatabla en el teatro venezolano?
-Creo que cada grupo de teatro, sea pequeño, amateur, profesional, experimental, comercial o  etcétera,  es necesario dentro de la escena nacional. Venezuela necesita más y mejor cultura, por lo que son necesarios más grupos y siempre tener los referentes de los grupos de tradición nacional, como el caso de Rajatabla. Espero que por muchos años más siga siendo referencia de la escena criolla.
-¿Para dónde va el teatro venezolano?
-Espero que renazca como el Ave Fénix. El teatro nacional debe ir a nuevos derroteros para volver a ser lo que fue. Debe retomar el riesgo, la fuerza, la capacidad creativa que antes tenía. El venezolano tiende a ser talentoso, pero ese talento sin rigor, sin estudio, sin disciplina, sin riesgo y sin la necesidad de reinvención constante, se convierte en humo en la escena. Si no le damos una vuelta de tuerca y salimos de manera urgente de la zona de confort, nuestra vanguardia se transmutará en un sin número de actos culturales.
Inolvidable Bernarda

 El director Vera se despidió de Rajatabla tras mostrar, su creativa y convincente versión escenica de   La casa de Bernarda Alba,   obra cumbre de Federico García Lorca. Dice que es un texto duro, lapidario donde el poder (tema recurrente en la estética rajatablina) se ve reflejado por una madre que obliga a un luto de siete años a sus cinco hijas. Una casa cerrada, es la metáfora que nos muestra García Lorca para acercarnos al régimen franquista que nacía antes de su asesinato en Granada. Esa sensación de encierro, de carencia de libertad, de fuerza militar que rodeaba a una sociedad, fue la visión escénica que quise retratar en el montaje. Bernarda es una mujer sola en una tierra de hombres y no es cualquier mujer, es una mujer que debe asumir los pantalones de un hombre para valerse y retratar la autoridad de una familia, es una mujer que debe generar respeto y un temor reverencial para su supervivencia y el de su familia. Creo que una de las mejores decisiones que he tomado en mi carrera creativa, fue escoger a una de las fundadoras de Rajatabla (la increíble y admirada Francis Rueda), como la viuda Bernarda Alba. Parte del reto era buscar una visión distinta del clásico lorquiano, una forma de romper el clásico sin perder la fuerza de la poesía del genio granadino. Esa fue el norte de la creación. Conté con un equipo tanto técnico como artístico soñado. El vestuario de Fedora Freites, las luces de David Blanco, el trabajo corporal de Soraya Orta, la dirección musical de Mayra Santos; entre otros, hicieron que estos maravillosos actores entraran en la atmósfera que necesitábamos crear. Fue un trabajo basado en la confianza que me brindó mi equipo de trabajo. Creo que es la obra más cercana al espíritu rajatablino que he realizado. Me siento más que satisfecho”.

Compra y venta de seres humanos

Un hombre  es negociado entre dos mujeres según sus conveniencias o necesidades. Así termina la temporada 2014 del grupo Rajatabla con Okey, en su sede.  Es una  de las obras más emblemáticas y más representadas de entre la veintena de textos que legó  Isaac Chocrón (Maracay, 1930/Caracas, 2011). El espectáculo, con buena y minimalista puesta en escena, lograda por el director  Pepe Domínguez, cuenta con las valiosas caracterizaciones de Adriana Bustamante, Jean Franco De Marchi y Graziella Mazzone. ¡Auténticas revelaciones en esa prueba de fuego que es el susodicho montaje!
Okey, estrenada por Román Chalbaud en El Nuevo Grupo en la temporada de 1969, es una amarga comedia que muestra las relaciones íntimas de una pareja que permanece junta por miedo a la soledad y por las básicas necesidades de la comida y el techo. Conviven en la azotea de un edificio y son copia de personajes de la vida real. El amor, si lo hubo, es una excusa solamente para que el espejo no refleje una sola cara.
Ella, “Mina”, unos cuantos años mayor que  “Franco”, es una costurera sin trabajo que termina por negociar los afectos y otras cosas más de su amante con una joven viuda millonaria, “Ángela”, quien se prenda de los atributos del joven, un desempleado que ve la posibilidad de mejorar su situación económica.
“Mina· acepta que Franco se ayunte con “Ángela” para que le administre una bomba de gasolina y además respalde a la mujer que necesita de un acompañante, por ahora. Los diálogos, gracias a Chocrón (era un solvente economista graduado en USA), son descarados y descarnados, y ejemplifican como es la transacción entre las dos mujeres para merecer todos los favores y/o beneficios del hombre. No hay nada de amor de por medio sino dinero y la posibilidad de que Franco regrese si la otra se cansa de él o consigue otro…o alquila o negocia otro. ¡Los seres humanos son mercancías…más nada y están en oferta para quien pueda o quiera adquirirlos!
Esta temática y su simple argumentación está presente en otras  comedias de  Chocrón, como La máxima felicidad (un triángulo bisexual: una mujer se reparte entre una pareja gay y sale embarazada) y El acompañante (una cantante retirada busca y consigue un caballero para que cantante arias con ella y haga algunas otras cosas).

Okey fue la pieza que internacionalizó a Chocrón y la que más dólares le dio por derechos de autor, quien además tenía otros bienes de fortuna por su familia. Este dramaturgo, además de excelente gerente cultural y maestro de varias generaciones de teatreros, fue el soporte financiero de El Nuevo Grupo, a lo largo de 20 años, una auténtica institución teatral que catapultó a los mejores dramaturgos  venezolanos del siglo XX: Román Chalbaud, José Ignacio Cabrujas y el mismo Chocrón, además de otros autores venezolanos. 
¡Por supuesto que esa compra y venta es más aguda y asqueante en la vida allende los escenarios!

sábado, diciembre 06, 2014

La bicha también hace teatro

La popular periodista Berenice Gómez asalta el escenario de la sala Teatrex del Bosque  para mostrar su espectáculo  Los cuentos de la Bicha, desde este domingo a las 5PM:
-¿Qué hace una fablistana como usted en estos bretes del teatro?
-Resulta que he sido una exitosa reportera, ancla radial y televisiva, con excelentes sueldos, seguros, posibilidades de viajar al exterior, premios… hasta que cerraron RCTV, por lo que perdí casi todo, menos el amor de mi familia, la salud y la alegría de vivir. Por diversas razones terminé viviendo en la casa materna, gracias a la solidaridad de mi hermana, Maricela y la de mi mamá…habitamos con mi hija dos veces parida y botada de la Cancillería, quien también perdió todo después de esa destitución no peleada.
 Agrega que “estábamos viviendo literalmente de la pensión de vejez y de una cuña que comparto con la radio y la mitad con mi hermana Eréndira, una excelente periodista que es mi co-ancla en nuestro programa,  La Bicha y La Cuaima  por RCR 750 AM, a las 11 am de lunes a viernes, muy escuchado y muy poco apoyado con cuñas, por el santo culillo de los anunciantes y los pocos presupuestos para publicidad que tienen las pocas empresas que aún se sostienen en este país”.
-Mi hermana dijo hace cuatro años,  “hermana vamos a colgar  los títulos universitarios y cocinemos para la calle y allí nacieron nuestras hallacas, bollitos, polvorosas de pollo, pastel de cucho, tortillas españolas con chorizo carupanero, carpacho de vegetales y de llaullau… ensaladas, platos navideños, comida Thai y arroces, que son mi especialidad. Con eso pagamos las deudas, los servicios, las escuelas de mis nietos…”.
Berenice subraya que está cansada de estar en modo mendigo, “harta de pelar bolas y la cabeza no me daba para meterme en otro oficio, hasta que mi hija, Berenice me dijo “¿tú no te has dado cuenta de que eres una marca...? Yo te voy a managear… tienes que escribir un stand up comedy”. Y santa palabra,  eso lo hice con Napoleón Rivero, un notable actor cómico que me imita desde La Rochela en RCTV para acá, hicimos unas pruebas en el restaurant de un amigo  en el Hatillo. Ya vamos por cinco presentaciones en El Hatillo, una en Valencia,   más tres que hicimos en Miami… de mi monólogo que presentaré en Caracas para el año que viene...y ahora debutaremos en Teatrex de El Bosque...con este exitoso Los cuentos de La Bicha".
 -¿Cómo es el formato de su espectáculo?
-Es un tríptico, donde se lucen Napoleón Rivero y una brujita, Carolina Isava en esta oportunidad, y donde espero lucirme hablando de mí…un tipo conversatorio con el público y al estilo acostumbrado de mi programa de RCTV cuando estoy sola en escena y al de la Radio Caracas Radio cuando comparto escenas con mi elenco.
-¿Cómo es su personaje?
-Yo mismita soy. ¿Quieres venir a conocerme?
 -¿Quién es el autor del guión y de la puesta en escena?
-El guión o el libreto es de Napoleón Rivero, Dios y yo....por aquellas partes donde el público participa que es impredecible. La producción es original de mi equipo de trabajo anterior, pero la adaptación al teatro está a cargo de Williams Villamizar.
- ¿Por dónde van los tiros en la temática del montaje?
-Contar quien soy, informar noticias con humor y exclusivas de la actualidad sin censura, leerle las cartas al país y satisfacer un poco la incertidumbre del público con las predicciones esotéricas. Mientras convertimos las tragedias en chistes, como buenos venezolanos.
-¿Los periodistas ahora se suben a los escenarios?
-Si ya no quedan medios independientes con honrosas excepciones como La Voz o RCR 750… ya lo hicieron en el Berlín de los café concert entre la Primera y la Segunda Guerra Mundiales, pues nosotros le agarramos el testigo y nos encaramaremos en las tablas a hacer periodismo... Reto aceptado.
- ¿Qué planes hay con este montaje?
-Hay todos los planes posibles: Caracas, Venezuela entera... pasando por Nueva York, Bogotá, Panamá, México, Houston, Holanda…y hasta donde nos hale el público y, por lo pronto en febrero de 2015 vamos al Teatrex de El Hatillo y vienen sorpresas con otros teatros de la Gran Caracas y el interior del país.
 - ¿Cuántas funciones tendrá por este año en Caracas?
-Solo tres.
- ¿De dónde sacó el apodo de La Bicha para su personaje? 
-Cuando escuché a Hugo Rafael Chávez Frías  llamar a la Constitución de la República Bolivariana de Venezuela como la Bicha, me dije “se la sacaré de la boca” y lo logré, jugué con mi prestigio llamándome Bicha y amplié el significado de la palabra, antes peyorativa, ahora la gente me dice que “está embichada”, me llaman “mi bichi bella”… o sea  todo un éxito.
Un show versátil

  Los cuentos de la Bicha  es un show versátil que se estará presentando en Teatrex El Bosque, a las 5:00 pm de   los días: domingo 07, sábado 13 y domingo 14 de diciembre de 2014. Se trata de un conversatorio con Berenice Gómez, quien así comparte un ameno rato lleno de humor, noticias y anécdotas. Es un encuentro creativo, donde participan: Napoleón Rivero, reconocido humorista que se destaca por sus geniales personajes cómicos para deleite del público, así como también y por supuesto, una de las "las brujitas de La Bicha y La Cuaima" con sus predicciones, quien no podía faltar a este convite de “La Bicha” con el público, ofreciendo una opción única que liga la comedia con la libertad de expresión, matizando así los  espacios  comunicacionales y recreacionales.Es una  nueva  y  diferente  posibilidad,  donde la popular Bicha  desarrolla un conversatorio sobre su vida y lo que acontece en el país, haciendo que cada show sea distinto, según las noticias del momento y la interacción con el público; desarrollándose así una especie de simulación del antiguo programa de RCTV ligado al estilo actual del programa de RCR, salpicado con las ocurrencias de la maestra del humor que caracteriza a la “antigua Bicha” y por las predicciones de "las brujitas”, en este caso: Carolina Isava, quien también, es seguida por sus acertados vaticinios y rituales de sanación.

La última encomienda de Chávez

Roberto Moll desafió a la muerte y culminó rodaje de "La planta insolente"
La última encomienda del presidente Hugo Chávez para el cineasta Román Chalbaud (Mérida, 10 de octubre de 1931) fue hacer, con toda la urgencia requerida, una película sobre el general Cipriano Castro. Así se lo pidió, tras el  estreno de su filme Zamora, tierra y hombres libres, en el teatro Teresa Carreño, en la noche de aquel 18 de septiembre de  2009.
 Chalbaud aceptó y desde en entonces ha trabajado, con un gran equipo artístico y técnico  de la Villa del Cine  para hacer posible ese encargo: La planta insolente, cuyos procesos de producción y postproducción están culminados, sin embargo el cineasta alista un viaje a Buenos Aires para el próximo 28 de enero. 
Ahí    evaluará los importantes efectos digitales que se  requieren, porque es una película de época,  y será así que traerá la copia  final que le permitirá al músico  Federico Ruiz definir la pista o el sound track de  ese encargo que le hiciera Chávez  y cuyo estreno sería para el primer trimestre de 2015.
Chalbaud  puntualiza que La planta insolente ha sido “una película compleja y difícil, no solamente era difícil realizarla, sino que tuvimos problemas ajenos al rodaje. Nuestro protagonista, Roberto Moll, tuvo una bronconeumonía faltando tres semanas de rodaje. Estábamos haciendo una toma finales en Coro. Todos tuvimos que examinarnos, y en el caso de   Moll, tuvimos que llamar a  su familia, que estaba en Canadá. El médico nos lo aconsejó. Fueron meses muy duros. Nuestro actor se  salvó, pero había adelgazado 20 kilos, le habían cortado su barba como Cipriano Castro…y  tuvimos que esperar siete meses para comenzar a rodar un número pequeño de escena, pero vitales”.
Informa que La planta insolente “es un largometraje  venezolano con el mayor número de efectos digitales que hemos en nuestro país Venezuela, pero como aquí no tenemos un laboratorio adecuado para esos efectos, tuvimos que hacerlo  en Buenos Aires. Eso ya está listo, los he chequeado por la computadora, pero debo estar allá para revisar, finiquitar  y recibir ese trabajo”. 
Chalbaud subraya que el guión, creación de Luis Britto García, “cuenta todo los hechos históricos, con pelos y señales. Lo malo y lo bueno del personaje. Como debe ser. Hay poesía. Hay humor. Hay realismo mágico. Y Luis Britto Garcia refiriéndose al pasado no deja de recordarnos el presente. Delicado equilibrio de sabiduría más inspiración. La película durara alrededor de una hora y cuarenta y cinco minutos”. 
HISTORIA
Chalbaud explica que en el transcurso de la película se tocarán diversos puntos álgidos como lo ocurrido en 1902 cuando se propició la invasión de los acorazados ingleses, alemanes, holandeses e italianos que bombardearon a La Guaira, Maracaibo y Puerto Cabello, por una deuda externa que tenía el país. Allí se destaca la actitud nacionalista de Cipriano  y su famoso discurso: “¡Venezolanos! ¡La planta insolente del extranjero ha profanado el sagrado suelo de la patria!”. Fueron esas palabras expresadas por Castro en su proclama, las cuales han trascendido como una denuncia antiimperialista; además de ser un llamado a la conciencia nacional para el resguardo de la patria.
FILMOGRAFIA
Román Chalbaud comenzó su  carrera como director de cine a los 28 años y ahora, cuando está culminando La planta insolente, hay que recordar que antes entregó: 
 Días de poder (2011).
 Zamora, tierra y hombres libres (2009). 
  El Caracazo (2005). 
  Pandemónium, la capital del infierno  (1997).
 El corazón de las tinieblas (1990). 
  Cuchillos de fuego 1989).
 La oveja negra (1987).
 Manon (1986). 
  Ratón de ferretería (1985).
 Cangrejo (1984). 
La gata borracha (1983).
Cangrejo (1982). 
 Bodas de papel (1979). 
 El rebaño de los ángeles  (1979).
 Carmen la que contaba 16 años (1978).
 El pez que fuma (1977).
 Sagrado y obsceno  (1975).
  La quema de  Judas (1974).
  Cuentos para mayores (1963).
 Caín adolescente (1959).



Canción de Navidad 2014

WilfredoGarcía en importante rol actoral
Gracias al tesonero trabajo artístico de AGOTeatro y la Fundación Medatia se exhibe, en la sala Escena 8,   el montaje musico teatral  Canción de Navidad, basado en la novela homónima de Charles Dickens, adaptada por José Rafael Briceño, cuya directora general, Virginia Aponte, lleva 15 años presentándolo sin cesar.
 Los esmerados actores, los títeres, las canciones, la música en vivo y los efectos especiales de Canción de Navidad se combinan para ofrecer al público caraqueño, de todas las edades, la aleccionadora y rocambolesca historia del amargado Ebeneezer Scrooge (encarnado por Wilfredo García), y su sorprendente viaje de redención y solidaridad, el cual ha conmovido y emocionado a más de 15 mil espectadores en estos tres lustros caraqueños.
Es la saga descarnada del avaro y egoísta Ebeneezer Scrooge que es visitado en la noche de Navidad por una serie de fantasmas, quienes son capaces de cambiarlo para siempre  y así transformarlo en un mejor hombre hasta el final de su existencia. Y todo porque se dio cuenta de que los bienes materiales, el oro especialmente,  no lo ayudarían de nada en la otra vida y solo le impedirían alcanzar el anhelado final de la escalera de Jacobo…donde lo espera la redención definitiva. Es una anécdota religiosa, por supuesto, y apta para todo público cristiano.
El espectáculo, que no supera los 90 minutos, es muy grato por el verismo del trabajo escénico obtenido y por la frescura de las actuaciones, especialmente por la conmovedora transformación de Scrooge, gracias, como es obvio a la performance  del primer actor Wilfredo Garcia, quien lleva siete años en ese complejo rol.
Canción de Navidad, más allá de la parafernalia escenica, de comprobada calidad artística, es entre muchas cosas, un contundente recordatorio  de como  los seres humanos solo nos podremos encontrar y salvarnos si somos capaces de darnos o entregarnos a los otros, a los desconocidos incluso.
Canción de Navidad enseña, púes, que Scrooge   recobra al niño perdido   y se abre de nuevo a la vida con un corazón tocado por la esperanza en el encuentro y la reconciliación y sobretodo en el amor de aquellos que siempre rechazó.
Para la directora Aponte hacer  Canción de Navidad, fue plantearse  un tema que le resultaba una respuesta de vida: Volver a empezar siempre, si somos capaces de comprender que hemos errado el camino. Leer el cuento de Dickens y sentir que el reto valía la pena en todos los sentidos fue una sola motivación. El impulso de tener algo importante que comunicar hizo saltar todos los inconvenientes y llegar al montaje de tales proporciones que hemos conseguido, en donde cada año, desde 1999, nos reunimos más de 30 personas empeñadas en batallar con la idea de que volver a empezar es posible y que la esperanza está en hacer el recorrido como compañeros de viaje y no como enemigos”. 

sábado, noviembre 29, 2014

Despertar de primavera para el 15 enero de 2015

El 15 de enero de 2015 en la Sala de Conciertos del Centro Cultural BOD, a las 7 PM, estrenan  el espectáculo músico teatral Despertar de primavera, dirigido por Luis Fernandez. Es la versión que hicieron en Broadway del texto original de Frank Wedekind: Spring Awakening de Steve Sater y Duncan Sheik.
Se trata de otra producción de la empresa “Broadway en español”, que  preside Mimi Lazo, con un elenco de 13 jóvenes comediantes  y dos actores veteranos: Diana Volpe y Luis Abreu.
El director Fernández, quien además es actor, asegura que esta es su tercera experiencia con un musical. De las anteriores (actuó en  Cabaret  y en  Chicago  era director y actor) aprendió que la clave está en optimizar el tiempo para crear un cronograma de trabajo que debe respetarse al pie de la letra. “Soy muy rígido y exigente en cuanto al cumplimiento del plan de trabajo, porque es la única manera de poder cumplir con las demandas de un musical. El trabajo consiste en un taller de unificación de estilos de un mes aproximadamente, que incluye entrenamiento actoral, de danza y vocal; luego diez semanas de ensayos de cinco horas en las mañanas y dos  o tres horas en las tardes. Con  Despertar…  la meta es tener el espectáculo ensamblado para el 19 de diciembre e iniciar ensayos generales, técnicos y previos desde  el 5 de enero”.
-¿Cómo resume el tema y el argumento? 
-Cuando vi la obra de Wedekind montada por Carlos Giménez en los 90 me dejó devastado. Es una pieza demoledora y extraordinaria. En esa versión la protagonista fue Nathalia Martínez, que ahora es mi directora adjunta. Desde entonces esa obra se quedó conmigo. Wedekind habla sin tregua y con hermosa crueldad de temas tan álgidos como el suicidio adolescente, el embarazo precoz, el aborto, la violencia escolar, la represión y la homosexualidad, enmarcando brillantemente todo esto en el despertar de la sexualidad de un grupo de jóvenes atrapados sin salida por los férreos preceptos morales y dogmas religiosos e un instituto. Esto pareciera lejano, pero no hemos cambiado mucho. Seguimos educando a nuestros hijos dentro de ideas de la moral heredadas del pasado que no les pertenecen, y con la constante presencia de la culpa católica que ya nos ha dañado irreparablemente. Respeto las ideas y creencias de cada quien, pero debemos entender que los llamados valores tradicionales son los principales enemigos de la evolución. No podemos darnos el lujo de practicar la hipocresía y la doble moral con nuestros hijos. Estamos obligados a revisar esos valores y desde la razón y el sentido común crear nuevos valores que realmente les permitan desarrollarse plenamente como individuos y ser felices, cosa que no logra en lo absoluto un dogma religioso, una moral caduca y un sistema educativo imbécil impartido por funcionarios de poca preparación. Estamos hablando de nuestros hijos, lo más valioso que tenemos. Y es sobre nuestros hijos y nuestro rol como padres que pone la lupa muy pertinentemente este  Despertar….  
-¿Por qué una versión musical, a sabiendas que el básico actor-bailarín-cantante es difícil de conseguir en Venezuela?
-Eso es un mito, Edgard. Luego de las audiciones de  Chicago,  Cabaret   y  Despertar…  puedo decir con propiedad que en Venezuela hay un talento que no tiene nada que envidiarles a otros países. Hay muchos profesionales que a diario se entrenan como pueden para desarrollarse interdisciplinariamente, y lo que necesitan son vehículos que les permitan mostrar sus talentos. En este montaje hay jóvenes de talento tal que sin duda la gente quedará impresionada y Mimí y yo esperamos que este  espectáculo sirva como vitrina para marcar un antes y un después en las carreras de estos artistas que tienen tanto por dar sobre un escenario.
Redes  sociales en la vanguardia
“Broadway en español” es un proyecto de Mimi que arrancó con  High.  Fernandez dice que “ante el éxito de una obra tan dura, que se convirtió en uno de los espectáculos más taquilleros en la historia del Trasnocho, por encima de las comedias, entendimos que el público no solo está preparado para temas adultos tratados con seriedad, sino que está ávido de ver en escena algo más. Es ese público que hemos cultivado por más de una década con nuestras producciones, y que sin duda tiene un nivel muy superior al público de Broadway, el que nos brinda una plataforma para arriesgarnos junto con Evenpro a producir Chicago,  el segundo espectáculo de “Broadway en español. Ese éxito nos pavimenta el terreno para este nuevo riesgo,   Despertar…, que de alguna manera funde la crudeza de  High  con el formato musical de  Chicago  en una pieza que a mí en lo particular me estremece desde la primera hasta la última línea. Mimi y yo creemos que  Despertar...  es perfecto para ese público al que nos exigimos traerle siempre algo que les satisfaga y más aún, los sorprenda. La idea del hashtag #BroadwayEnEspañol surge a raíz de que nuestro país está inmerso  en las redes sociales, y después de que  High y  Chicago  fueran tendencia en Twitter y superaran en Instagram y Facebook a los seguidores de las versiones originales de Broadway, entendemos que las redes son una herramienta crucial en la divulgación de nuestros procesos creativos y sobre todo una manera directa e instantánea de estar en comunicación con ese público”.
Ficha técnica
ELENCO: Diana Volpe  y Luis Abreu, Claudia Rojas, Juan Pablo García, Juan Bautista, Vera Linares, Erika Farías, Anny Baquero, Claudia Santos, Taba Ramírez, Tico Barnet, Emmanuel De Sousa, Julián Izquierdo, Gabriel Machado y Marielena González. TECNICOS: Coordinación de Producción: Cesar Sierra. Producción: Gabriela Martínez. Diseño de iluminación: José Jiménez. Coreografías: Vittorio Marson. Arreglos vocales: Delia Dorta. Vestuario: Mimi Lazo. Diseñadores invitados: Carlos Benguigui y Juan Ignacio Ormeño. Dirección Técnica: Gunilla Álvarez.
80 mil dólares
La producción ronda un estimado de 80 mil dólares. Es costosa porque deben pagarse los derechos por adelantado y en dólares. Adicionalmente, un elenco de 15 actores con una banda de rock en vivo es costoso de ensayar y mantener en escena. “Nunca hemos trabajado con subsidios, de allí que Mimi para llevarla a cabo ideó la creación de una sociedad de productores, como se hace en Broadway, que  apuesta junto a nosotros a que esto es lo que el público venezolano merece. Mirela Mendoza es nuestra principal productora asociada, junto a ella está el reconocido Maarten Vander Berg, la empresaria Marianny Chang y la actriz Marian Valero, quien se inició este año en la producción con muy buen pie y ahora se suma a coproducir con nosotros este #BroadwayEnEspañol."


La muestra 14

Alberto Ravara en su tarea de promotor cultural desde Parque Central 
Alberto Ravara llegó a esta  Tierra de Gracia huyendo de los milicos argentinos. Rápidamente se integró al desarrollo del teatro venezolano, especialmente en sectores desasistidos de las comunidades caraqueñas y en las provincias, a finales de los años 70.Hemos sido testigos de su desempeño.
Con creciente trabajo a lo largo de las últimas décadas, él y la gente que lo acompañan, agrupados en el Instituto de Investigaciones para el desarrollo del Arte en Venezuela (IIAVE), han organizado, entre otras actividades,  14 muestras para exhibir sus trabajos y hacer visibles a sus artistas y al público que se instruye y aplaude. Ravara y su colectivo cultural son punto de referencia, especialmente en el Municipio Libertador y por eso controlan un espacio en Parque Central, sede de su organización.
Ravara revela que con su gente han estimulado la razón sensible  de los ciudadanos para que esta incida “en la razón pura del público y nos permita construir el único imperio viable, el imperio de la razón, de las leyes y el amor a nuestro prójimo la belleza  y a los sagrados intereses de la Madre Tierra”.
Hemos visto y disfrutado con especial interés la 14 Muestra de Teatro y Títeres en las Comunidades de Caracas, realizada entre el 27 de octubre y el 19 de noviembre del presente año; destinada a exaltar la memoria de César Rengifo, paradigma de artista, a quien Venezuela le dedicará todo el año venidero para celebrar el centenario de su natalicio. Este evento nos permitió ponderar buena parte de las 34 agrupaciones venezolanas y foráneas que se exhibieron en la sede de IIAVE, las salas Antonieta Colón y  Altosf y en los espacios comunitarios de 14 parroquias.
  Ravara, quien maneja con mucha habilidad la computadora y su celular para propalar los datos puntuales de asistencia y número de funciones,  informa que en IIAVE pudieron contabilizar  no menos de 13.500 espectadores quienes acudieron a 74 representaciones teatrales y de títeres, además de cinco talleres sobre diversas facetas del arte teatral. Toda esta actividad, que se dejó sentir en las parroquias  y en Parque  Central, contó con el soporte financiero (unos 250 mil bolívares) del Ministerio del Poder Popular para la Cultura,  el Centro Nacional de Teatro, además de  Fundarte.
Queremos resaltar las funciones que presentaron, respectivamente, la Compañía Regional de Portuguesa y  el grupo Teatro del Silencio, los cuales exhibieron Robinson en la casa de Asterión (impactante performance  de Aníbal Grunn y Wilfredo Peraza) Rowinsky en clave de humor, espectáculos centrados en una ficción sobre Simón Rodríguez y en una degustación del impecable histrionismo del comediante uruguayo Alberto Rowinsky.

Ravara recuerda, como lo enseña Federico García Lorca, que “el artista debe meterse en el fango hasta la cintura para ayudar a los que buscan las azucenas”.

Vimazoluleka al cine

Cuando se tienen varias décadas en el ámbito teatral  y se es destacado actor, director y autor de varias decenas de piezas, lo único que falta para ese currículo de lujo es una película .Y es por eso que ahora Levy Rossell (Coro, 23.04.1945) trabaja, con su valioso equipo, para mostrar su opera prima: Vimazoluleka.
-¿Diferencia entre la película y la obra de teatro?
-El filme es más conmovedor por utilizar imágenes sazonadas con música. Y el púbico se dará cuenta que nuestra historia teatral ahora es mundial porque estamos globalizados.
-¿Estreno para cuándo?
-Tenemos un año en preproducción y producción. Se calcula que en febrero estará lista y su estreno depende de las exhibidoras.
-¿Costos?
-Tenemos un presupuesto de 7 millones de bolívares. Vendimos siete mil acciones o bonos a mil bolívares  cada una, pero como siempre hace falta circulante, yo recorro los centros comerciales con un pote pidiéndole una ayudita a la gente. No me ha ido mal. Pensé que mucha gente me conoce  y así ha sido. Ellos creyeron en mí y ahora me acompañan en este proyecto.
-¿Cuántas personas trabajan en este proyecto?
-Más de 700, entre productores, personal ejecutivo, músicos, cantantes y tengo una plantilla actoral de lujo como Mirla Castellanos, Manola Garcia Maldonado y Alejo Felipe, entre otros.
-¿El guión y la dirección?
-El guión es original mío, aunque recibí valiosos aportes de varias personas. El director del filme es  Mauricio Odremán y yo soy director de actores, porque a mí siempre me atrajo la parte actoral en el cine.
Año 1966
Vimazoluleka es la primera obra teatral que Levy Rossell montó en el Ateneo de Caracas (Quinta Ramia) a partir del 18 de agosto de 1966.  Pasó al auditorio de la Facultad de Ingeniería y de ahí al Aula Magna.  Ganó una beca  para ir a estudiar en Nueva York y la montó en inglés duró cinco meses en off Broadway. Retornó a Caracas y la mostró a lo largo de los años 70 y 90. Le puso ese título a partir de las primeras palabras de los nombres de sus íntimos compañeros de estudios: Vicente Amengual, María Angelina Rodríguez, Zobeida Ramos, Luis Kolster, Levy Rossell y Carlos Hernández. Inventó ese fonema para titular una comedia donde se honra la amistad y la camaradería. Nació Vimazoluleka,  obra  sobre época convulsa, tanto en Venezuela como en el mundo. “Son viñetas sobre mi país donde la nada y el porqué de esta nada es la unidad. No es teatro cualquiera, es antropología de la urbe caraqueña”, como él mismo lo reitera.
Nueva generación
Levy Rossell comenta que su filme intenta ser una especie de caja de trucos universalista, llena de innumerables  pequeños momentos que transcurren vertiginosamente y son los que le dan propia personalidad. Los personajes líderes de la acción son expresionistas o máscaras grotescas que esconden el dolor de ser ellos en una existencia alienada y solitaria, siempre tratando de interceptar a los otros en su incomunicación. Son uno y mil al mismo tiempo sumergidos en un aburrimiento agobiante que los obliga a hacer contacto y tratando de divertirse, burlándose, con quienes al igual que ellos, viven tal situación. Mentiras fabulosas que en gran caricatura expresionista tratan de escapar  de la realidad para evitar confrontación más allá de su “miserable miseria”.

La película puede ser una caótica célula de la vida donde lo viviente se burla inconscientemente de sí mismo hasta autodestruirse por el estado al que se le ha llevado Es la alternativa que la humanidad siempre ha tenido representada en cada “nueva generación” y así una y otra vez la historia vuelve a repetirse.