viernes, octubre 20, 2017

Para no olvidar a Rodolfo Santana

A Santana lo fotografiamos  en los espacios de la Villa del Cine,uno de sus proyectos .
El fantasma del dramaturgo y guionista de cine Rodolfo Santana Salas recorre escenarios y también oficinas públicas y privadas de productores y empresarios teatrales. No descansará todavía, a pesar de haber muerto el 21 de octubre de 2012, porque se marchó sin culminar uno de sus más ambiciosos proyectos: la institucionalización del Festival Nacional de Teatro Venezolano. Sí, institucionalizarlo, o sea dotado de un presupuesto proveniente del Estado y adecuado para lo que ese ambicioso proyecto cultural exige y, por si fuera poco, libre de rémoras y alcabalas que suelen casi siempre ahogar proyectos semejantes.
Santana luchaba para que, cada dos años, las salas teatrales de Caracas y otras ciudades albergaran los montajes de los dramaturgos nacionales y de esa manera hacer conocer al público la existencia del pensamiento, el sentimiento, la historia y los mitos de los hijos e hijas de esta Tierra de Gracia, poetizados y convertidos en espectáculos.
Logró la promesa de recursos económicos y físicos, además de logísticos, para ese gran evento teatral, y solo faltaba que fijaran la fecha y las respectivas convocatorias destinadas a los teatreros y la organización de sus agendas de trabajo. Inicialmente el Estado avaló el proyecto y algunas progresistas instituciones se iban a sumar a tan magna empresa impresionadas ante esa “hemorragia teatral” que se avecinaba y de la cual la televisión y el cine sacarían obvios beneficios.
Por eso ahora su fantasma esta por ahí merodeando y maquinando para que no lo echen al olvido, lo encarpeten o lo pospongan para la próxima semana. En Venezuela es larga la historia de instituciones culturales que se hundieron tras la desaparición de sus gestores, dañando así a nuevas generaciones y echando cenizas sobre esas memorias positivas para la identidad nacional.
FESTIVALES CARAQUEÑOS
Mientras tanto, porque lo de Santana tenía tiempo gestándose, la Alcaldía de Caracas y su brazo cultural, Fundarte, se entregaron a la tarea de tantear “el terreno” de lo que sería esa gran muestra teatral y optaron por evaluar “la musculatura” disponible.
Para eso ejecutaron durante los dos últimos meses de 2011 el Festival de Teatro de Caracas, el cual sirvió además para reinaugurar una serie de teatros del casco central capitalino, magno proyecto para salvar el patrimonio nacional afectado o abandonado.
Y como los resultados de la asistencia de los espectadores fueron tan positivos, optaron por planificar y ejecutar el segundo Festival de Teatro de Caracas, entre el 23 de febrero y el 10 de marzo de 2013- a pesar del fallecimiento de Santana -un evento que arroja unos cómputos cercanos a los 70 mil espectadores, quienes disfrutaron 300 funciones de unos 150 elencos, todos criollos por supuesto, además de una serie de talleres y conversatorios. Un festival caraqueño con abundante representación de agrupaciones regionales, donde el espectador solamente pagó 10 bolívares por boleto para cada representación.
La muerte sin aviso de Santana afectó a la gente de Fundarte y es ahora cuando aún no se conocen los planes concretos para hacer el primer Festival Nacional de Teatro del siglo XXI, contando además con el apoyo de la Compañía Nacional de Teatro, ente del Ministerio del Poder Popular para la Cultura.
Hay obras suficientes, de nuevos y consagrados autores, hay diversos espacios teatrales, y los necesarios recursos financieros están disponibles. Nunca antes hubo tanto interés para echar a caminar esa sana ambición que tenía Santana: tun evento teatral dedicado a mostrar a esta Venezuela desde la escena, algo nunca jamás visto.
Creemos, pues, que el Festival de Teatro Venezolano deberá llevar el epónimo de Rodolfo Santana, como reconocimiento a la calidad y la cantidad de sus obras comprometidas profundamente con esta nación que lo pario y le permitió mostrar los mejores frutos de su talento.
DRAMATURGIA
Rodolfo Santana (Caracas, 24 de octubre de 1944/Guarenas, 21 de octubre de 2012) aclaraba que el teatro fue, es y será intrincado, tanto que su acceso se vuelve misterioso por lo que abarca. Él, que pergeñó no menos de 100 textos, además de 13 guiones cinematográficos, afirmaba que “ante las complicaciones que ofrece el arte teatral, lo más habitual es ubicar sus aportes a nivel de maricones exhibicionistas u orgias post estreno. Me perdonaran los poetas y narradores venezolanos, pero Cabrujas Chocrón, Chalbaud, Rengifo, Ott, Viloria, Agüero y otros más, constituyen una parte sustancial de la cultura venezolana”. Lo que pasa, insistía, “también es que el dramaturgo latinoamericano posee una minusvalía extraordinaria. Por lo general se le considera un extraviado entre la literatura y el mal decir. Una excrecencia al pie de una columna dórica. He visto dramaturgos extraordinarios como Tito Cossa -estrenado en todo el mundo-confesando atributos de galeote y peón de arte. Y no es raro. Los dramaturgos latinoamericanos, con buenas obras, debemos enfrentarnos a la estulticia de los directores, a los planos del lenguaje convencional de las instituciones, al terrible hermetismo de las editoriales. El crítico Rubén Monasterios, a los autores de los años 70 nos denominó “dramaturgos de gaveta”, un término que, personalmente, he utilizado para saltar sobre la humillación de crear sin ningún sustento”.
HOMENAJE
 En el emblemático Teatro Nacional, durante este mes de octubre, el Circuito Teatral de Caracas, a través de la Fundación para la Cultura y las Artes (Fundarte), rinde un sentido homenaje a uno de los grandes iconos del teatro venezolano,) quien fue en vida un célebre dramaturgo y director, con la presentación de sendos espectáculos basados en dos de sus obras más conocidas.
La Farra fue la pieza dispuesta para la gran inauguración del sábado 14 de octubre. Es un montaje dirigido por David Blanco con la interpretación de la compañía Teatro Katia con K. La trama expone cómo la inmoralidad, conducta invisible del ser humano, bajo ciertas circunstancias, puede ser el detonante de la venganza y el crimen. La iglesia, la política y la milicia son tres escenarios donde ese sombrío juego se desarrolla.
 Esta obra, escrita en los años 60, no solo indica la culminación de un sistema político, sino también, habla del agotamiento de un modo de encarar la vida colectiva. Describe las nefastas consecuencias de todo lo hecho contra la estabilidad del mundo. La Farra estará disponible los días 13, 14, 28 y 29 de octubre a las 5:00 p.m.
La siguiente obra dramática será El animador, producida por la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa. Esta puesta en escena, resuelta por Carlos Arroyo y con las actuaciones de Aníbal Grunn y Wilfredo Peraza, se caracteriza por su impacto controversial. Narra cómo se entrecruzan las desiguales vidas de Marcelo, dueño de un canal de televisión, y Carlos, un hombre criado frente al destello de tal aparato, quien secuestra a Marcelo con el propósito de hacer una programación a su medida. A través de situaciones tragicómicas, la pieza se pasea entre el drama y el humor negro.
 El animador es una clara sátira a los medios de comunicación masivos y sus efectos negativos sobre las personas. Es punto de partida para corroborar como el consumo de películas y comerciales contribuyen a la generación de trastornos y desordenes de la personalidad. La misma estará disponible los días 21 y 22 de octubre a las 5:00 p.m.

Las entradas para estos espectáculos tendrán un costo de mil bolívares (1000 Bs.) y podrán ser adquiridas el mismo día de la función en las taquillas del Teatro Nacional a partir de las 2:00 p.m.

jueves, octubre 19, 2017

Cabrujas el inolvidable

Nada mejor que recordarlo en estos tiempos de revolución ya que no podemos contactarlo en el más allá, en ese espacio ignoto de las ondas gravitacionales donde está  su voz ronca, agorera y entusiasta,. Murió vivo y legó vastísima obra literaria que lo sobrevive. Nació el 17 de julio de 1937 en Caracas y le falló el corazón en Porlamar, el 21 de octubre de 1995. Era José Ignacio Cabrujas, vitriólico y original intelectual que amó demasiado a esta Tierra de Gracia y quien sí enseñó las claves de su método, cabrujiano, para interpretarla. Lo recordamos hoy para  que nadie, inteligente y además patriota,  lo borre de sus agendas y menos en este año cuando se cumplen 22 años de su desaparición física.
Imposible evocar a Cabrujas sin aludir al crítico Leonardo Azpárren, quien, auspiciado por la Universidad Simón Bolívar, adelantó la compilación de toda su obra teatral, y la periodista y escritora Yoyiana Ahumada porque en su libro  El mundo según Cabrujas , importante  compendio de 320 páginas, impresas por Editorial Alfa, con textos ineludibles que recogen las impresiones de una de las intelligentzias más complejas y brillantes del siglo XX criollo; ahí reposa una parte de la consecuencia del periplo intelectual y humano del legendario autor de  El día que me quieras , Acto Cultural , Profundo y El Americano Ilustrado, para citar algunas piezas memorables de ese mural de la Gran Venezuela que nos enseñó a conocer y amar. Pero dejemos que sea esta apasionada trabajadora cultural quien revele más detalles sobre esta joya literaria nacida de un acto de amor.
Vigencia de un autor
La colega Ahumada puntualizó que cuando un investigador se obsesiona con un autor, y eso es exactamente “lo que me ha sucedido a mí. Desde mi tesis de Magister Literarae en la Universidad Simón Bolívar, hasta los artículos que he escrito, los seminarios etcétera, me han permitido descubrir claves cabrujianas sobre una de las intelligentzias más completas del siglo XX venezolano como lo fue, o lo sigue siendo Cabrujas”.
Pero Ahumada  no propone a Cabrujas como modelo, “porque en su permanente juego dialéctico, y su brillante juego paródico, siempre marcó distancia con voces como la de Arturo Uslar Pietri, que fungía de una especie de oficiante del “deber ser” del venezolano. Cabrujas rompió con el modelo del intelectual distante del país, del venezolano de a pie y se puso de tú a tú con él. Creo que las nuevas generaciones deberían estudiarlo para comprender las claves del fracaso del proyecto de Venezuela como país, para profundizar en los tópicos sobre los cuales hemos construido la idea de la venezolanidad y el porqué de nuestras taras: la provisionalidad, la distancia entre las instituciones y el individuo; el fracaso de esas propias instituciones, el concepto del Estado Mágico; el país como lugar de paso, la ciudad del “mientras tanto y por si acaso”, el redentorismo entre otras. Comparto lo de que dice el escritor Alberto Barrera Tyzka en cuanto a que “El Estado del Disimulo”, una entrevista realizada en el marco de la Comisión para la Reforma del Estado (1987) debería ser un texto fundamental en el bachillerato”.
-¿Vale la pena recordar a Cabrujas, cuando no lo montan con la frecuencia que se merece?
-El hecho de que no lo lleven a escena es un tema que habría que preguntarse, y siempre me ha llamado la atención que salvo Profundo y por supuesto su obra más famosa, El día que me quieras, sean las únicas que se hayan montado  varias veces. El Trasnocho Cultural ha hecho varios homenajes a través de lecturas dramatizadas y montajes, pero hasta ahí llega. Pienso en  Acto Cultural  (mi favorita) que hoy día tiene mucha vigencia, mucho que decirle al país sobre un proyecto cultural que a troche y moche se quiere imponer al país. Me refiero al anacronismo de la cultura endógena de pájaros guarandoles, y chiriguares, de un teatro político mediocre; y marcado por una orientación del “prolet kult”. Creo en la resistencia cultural e insisto ir en contra de la desmemoria.
-¿Qué es lo importante de Cabrujas?
-Cabrujas me apasiona en primer lugar porque desde el punto de vista dramatúrgico es un genio que combina con maestría el manejo de técnicas modernas de intervención ficcional, como la parodia, la ironía, etcétera, con géneros aparentemente arcaicos como el sainete. Su construcción de personajes es muy profunda y ese es un gran hallazgo que no se repite en otros autores venezolanos, la construcción de personajes que llegan a convertirse en arquetipos Pío Miranda por ejemplo. Son personajes con los cuales el autor te permite establecer empatía porque son como uno, meten la pata, con una ingenuidad, que sólo te despierta compasión y ese giro ya los hace inolvidables y profundamente humanos.
En cuanto a los argumentos indudablemente la capacidad de “historiar” el teatro es extraordinaria, de que la historia nacional le sirva como telón de fondo para un argumento es un teatro enraizado en la venezolanidad para hurgar en esa Gran Historia, la de Eduardo Blanco o Gil Fortuol y parodiarla, y decirnos “mira epa no sigas creyendo que somos un país grande”, sino un gran país mediano donde un protocolo, como el de Rojas Freire, borra 300 mil kilómetros del Esequibo porque se derramó una compota de hicacos como en la escena de  El americano ilustrado . Cuando llevaron a escena  El día que me quieras , yo la veía y decía está hablando de Pío Miranda, un comunista que ni siquiera leyó el Manifiesto, que ni sabía por qué lo era. Símbolos vaciados de significado. Así mismo desde el punto de vista de la estructura dramática Cabrujas y eso lo recoge buena parte del trabajo crítico sobre su obra está construida como una partitura porque era melómano y erudito de la ópera.
Cabrujas publicó casi todas sus obras y otros libros, entre ellos recordamos:  Profundo,  Acto Cultural,  Fiésole,  El día que me quieras, Una noche orienta,  El Americano Ilustrado, Autorretrato de artista con barba y pumpá y Sonny. Y un libro póstumo,  Latinoamérica inventó la telenovela, resultado de un taller que dictó sobre “El Libreto de Telenovelas”, en el Instituto de Creatividad y Comunicación (ICREA).
Para el crítico Azpárren Giménez,   El Americano Ilustrado  es la coda del conjunto de obras que hicieron de él un dramaturgo indispensable. La historia de los hermanos Lander y sus relaciones con Antonio Guzmán Blanco, el Ilustre Americano, trasciende los enredos de la intriga para presentar el mundo de privaciones, anhelos y frustraciones de los personajes. Arístides y Anselmo Lander no resuelven, al igual que los personajes de obras anteriores, sus incompetencias en sus vidas privadas, en particular las relaciones con la pareja, al tiempo que su proyección pública, uno Ministro de Asuntos Exteriores y el otro Obispo, termina siendo un grotesco lamentable



Avanza festival de teatro comunitario en Caracas

Alberto Ravara explica su trabajo social con el teatro desde Parque Central.
Es otro Quijote  que en este caso vino desde Argentina hacia 1981 y se quedó recorriendo y trabajando en Venezuela por sus cuatro costados, enseñando el teatro como pensamiento y acción. Desde hace 17 años, instalado en Parque Central de Caracas, proyecta, organiza y presenta un singular Festival Internacional de Teatro y Títeres en las comunidades de toda la zona metropolitana caraqueña. Y es por eso que entre el 13 de octubre y el 5 de noviembre, con entrada libre y gratuita, realiza el Fetcom 17.
Hablamos de Alberto Ravara, una especie de gurú del teatro sociocultural, que con papeles en mano revela como está realizando la muestra de este año 2017 con 18 grupos teatrales nacionales y dos internacionales, con los cuales ha proyectado 59 funciones, 59 conversatorios, 15 talleres motivadores en las comunidades de la Gran Caracas. Además adelanta tres talleres magistrales, 77 registros audiovisuales, además de encuentros y reconocimientos. En suma ejecutará, él y toda lo gente, voluntariosa y muy comprometida, que lo acompaña, unas 215 actividades de promoción investigación, difusión y formación teatral en valores humanos y sociales.
El, Alberto Ravara, insiste en que está dispuesto al debate inteligente razonado y por eso repite, parafraseando a un legendario periodista que fue víctima de los nazis en Checoslovaquia, que “con férrea voluntad trabajamos, con cierta inteligencia y sensibilidad proyectamos, con inmensa alegría vivimos, nuestra impronta y nuestro nombre nunca debe ser asociado a la tristeza, a la ignorancia o al rencor. Por la vida, por la alegría y por el teatro vivimos y así seguiremos en los tiempos con los saberes milenarios del teatro”.
Lamenta y se lo manifestó a este periodista que no pudo programar a otras 264 agrupaciones idóneas que querían participar. No tenía los recursos y lo que ahora hace se ha logrado de manera autosustentable. Se quedó esperando las ayudas prometidas, pero espera que para fechas posteriores lo hagan, le cumplan, porque no trabaja para él, sino para el pueblo venezolano que cada vez más ama y hace su cultura. Y espera que en el teatro La Rampa (que lo dirige José Gregorio Magdaleno), en el sótano del edificio San Martín, pueda recibir a la gente ansiosa de ver teatro.

Nosotros veremos lo que está a nuestro alcance y reseñaremos como nos corresponde, porque otro mundo es posible si somos capaces de imaginarlo.

miércoles, octubre 18, 2017

Revivió el fascismo

Terror y miseria del Tercer Reich
El fascismo resucitó de entre sus cenizas, cual ave fénix, y amenaza capturar de nuevo el poder en Europa, por ahora, tras haber perdido la guerra hace 72 años frente a una poderosa alianza de sus enemigos: el Reino Unido, Francia y Estados Unidos. Y es por eso que el teatro venezolano ha tomado una plausible posición ideológica y artística con sendos montajes que hacen temporada en Caracas. Nos referimos a 1984 de George Orwell y Terror y miseria del Tercer Reich, de Bertold Brecht, los cuales se presentan en la Sala Alterna del Trasnocho Cultural y en la Sala Rajatabla de Unearte, respectivamente.  
Pero antes de referirnos al montaje rajatablino, el segundo texto de Brecht que exhibe esa institución en 46 años de labores, hay que puntualizar a los lectores, eventuales espectadores,  que  el analista Francisco Martín Moreno (El País, Madrid, 16.03.2017), advierte  que, cuando a raíz de la conclusión de la Segunda Guerra Mundial, la comunidad de naciones creyó haber superado para siempre los horrores del fascismo enterrándolo bajo siete capas de tierra, ahora resulta que empieza a resurgir entre cadáveres y osamentas, como si se hubieran olvidado sus perniciosos efectos.
 “Todo lo anterior viene a cuento porque a pesar de que el fascismo mundial quedó sepultado en ruinas, ya que Alemania fue destruida en términos absolutos y Japón fue devastado con bombas atómicas arrojadas en Hiroshima y en Nagasaki y se perdieron 60 millones de vidas humanas, ahora, en pleno siglo XXI, resurgen de nueva cuenta las tentaciones diabólicas populistas entre algunas de las grandes potencias que asistieron el siglo pasado a la peor hecatombe conocida en la historia de la humanidad”.
ASOMA LA XENOFOBIA
 Explica Martín Moreno que la xenofobia británica, expresada a través del Brexit, logró el descarrilamiento de la locomotora inglesa del convoy promisorio de la Unión Europea. “Los políticos del Reino Unido que impulsaron la salida de Inglaterra de la Unión Europea, una de las grandes conquistas políticas de la posguerra, difícilmente podrían ocultar su penacho fascista. El Reino Unido habrá de pagar muy caro el precio del populismo suicida. De la misma manera que aparecieron simultáneamente, en la primera mitad del siglo XX, países neofascistas como Alemania, España e Italia, ahora surge también en Francia la tentación fascista de Marine Le Pen, quien de llegar al Palacio del Elíseo excluiría a su país de la UE, para asestar un golpe mortal a esta ejemplar organización política y económica. Algo huele a podrido en Francia porque la ultraderecha, es decir, la xenofobia nacionalista, podría llegar al poder con terribles consecuencias para Europa. El mundo entero se ha convertido en una vecindad. Ahí está Donald Trump, un presidente de extracción fascista, otro xenófobo obnubilado, que amenaza con deportar a 11 millones de ilegales que radican en Estados Unidos, sin detenerse a considerar que deportarlos, si es que esto fuera posible, equivaldría a darse un tiro en el paladar, porque precisamente estos extranjeros ilegales que perciben ingresos muy bajos por su condición migratoria, son quienes lamentablemente hacen el trabajo sucio que los norteamericanos se niegan a llevar a cabo. ¿Cómo sustituirlos?”.
No cita este articulista español los brotes de neofascismo detectados en toda América a finales del siglo XX y buena parte de las dos décadas del XXI, ante el evidente fracaso socioeconómico de las políticas neoliberales aplicadas por diversos gobiernos populistas, de los cuales los latinoamericanos hemos sido no solo testigos sino también las hemos padecido, pero dejemos eso para otro momento.
SEGUNDO BRECHT
 Carlos Giménez (fundador y guía único de Rajatabla) hizo un creativo montaje de El ama buena de SeChuan, durante la década de los 80,  y ahora le tocó el turno a Terror y miseria del Tercer Reich, gracias a la audacia y la inteligencia, además del rigor profesional, de Marisol Martínez,  quien tomó solo 12 microhistorias de las 24 que escribió Brecht para mostrar las desgracias que asfixiaron a la acosada población alemana, con el único fin de vanagloriar a un líder y su régimen que quería apoderarse del mundo. El payasesco Adolfo Hitler impuso, pues, un sórdido sistema represivo que se extendió desde el 30 de enero de 1933 al 8 de mayo de 1945, durante el cual hombres y mujeres fueron terriblemente perseguidos por su identidad sexual, su ideología política y religiosa siendo atacados principalmente los judíos, señalados y segregados de sus propias vidas, brutalmente maltratados, delatados por sus parientes y amigos, los cuales deben sobrevivir sometidos al sistema nazi.
Marisol Martínez, nieta de los pioneros del teatro venezolano, como lo fueron Gabriel Martínez y Lili Alvarez Sierra, se propuso hacer de este montaje una metáfora básica para generar una reflexión en el espectador sobre los sistemas de gobiernos y otros poderes económicos operantes en el mundo, especialmente el fascismo. Y especialmente puntualizó aquellos microhistorias donde el espectador criollo pudiese verse reflejado y donde el peso de las caracterizaciones femeninas fuese fundamental. “Quería realzar el peso del histrionismo femenino; aparte traté de buscar las imágenes que tuviesen más vigencia en el contexto social que vivimos. Ahora es muy difícil que el espectador venezolano se conecte con teatro sin contenido, que no se asocie con nuestras preocupaciones más inmediatas”, reitera Martínez.
Para este montaje, que se desarrolla en un espacio bifrontal, participaron Rossana Hernández, Carolina Torres, Gonzalo Guerrero, Kevin Jorges, Jósbel Lobo y Armando González. La pieza encaja perfectamente en el contexto criollo actual, asevera la actriz Rossana Hernández. “Pareciera que Brecht la hubiese escrito para este tiempo. Salvando distancias, un espectador venezolano puede comprender las angustias de estos personajes porque nosotros sabemos de represión, violencia, escasez y lo que es callar por miedo. Este tipo de textos son necesarios, son universales, pero en algunos momentos históricos tienen más cabida”, añade el comediante.
El espectáculo comienza con un sometimiento rudo que le aplican dos soldados a los espectadores, para después mostrar los personajes, quienes saben que están condenados de antemano, al tiempo que se desarrolla una pesada atmósfera en la escena. Ahí se plasma a una mujer que es obligada a dejar su tierra o pais por no ser “genéticamente” aceptable, mientras unos panaderos son apresados por colocarle afrecho al pan o unos militantes que se oponen a su gobierno y que están dispuestos a entregar su vida por poder decir lo que piensan, son algunas de las historias que revelan las condiciones bajo las cuales millones de personas debieron vivir por años, hasta que fueron derrotadas las tropas del loco Hitler. 
Las 12 historias de la pieza se hilvanan a través del hip hop interpretado por los mismos actores en escena. La directora de Terror y miseria del Tercer Reich concreta que “Brecht es un autor que invita al público a una reflexión, pero desde lo intelectual, más allá de lo emocional. Para unir cada pieza él utiliza prólogos que explican el contexto de cada escena. Nosotros decidimos agregarle música y dinamismo; de esa forma reforzamos el acercamiento que el público puede tener con lo que se está diciendo en escena y que se dé cuenta de que estamos hablando de una realidad cercana”.
FICHA TÉCNICA
 El montaje, que no alcanza los 75 minutos de duración, contó que unos plausibles comediantes que recibieron adiestramiento vocal de Juan Pablo García y utilizaron vestuario de Marisol Martínez y Andrea Pedrón. Se desplazaron dentro de un espacio escenográfico creado por Héctor Becerra y Pedro Rondón, con la iluminación de David Blanco y el sonido de Eduardo Bolívar. La asistencia  asistencia de escena es de Miguel Mendoza, la asistencia de dirección de Armado González , la producción artística de Luz Dary Quitian, Francisco García y Hany Rivera, la producción ejecutiva de  Hany Rivera, la producción general de William López y la dirección  general de Marisol Martínez.

Terror y miseria del Tercer Reich estará disponible desde el 12 de octubre al 29 de octubre en la sala Rajatabla, jueves y viernes a las 7:00 pm, sábados y domingos a las 6:00 pm. Entradas a la venta en las taquillas del teatro.

"El inca" sigue peleando en las pantallas extranjeras

El 23 y 24 de octubre la cinta venezolana dirigida por Ignacio Castillo Cottin, se presentará en México en el marco del reconocido Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), en su quinceava edición. Asimismo, El Inca se proyectará en Brasil donde competirá en la sección de Nuevos Directores en La Mostra de Cine de San Pablo.
 Es la segunda ocasión que el director Castillo Cottin compite en dicha categoría, ya que participó en 2008 con La Virgen Negra, su Opera Prima y también el largometraje de ficción basado en la vida del dos veces campeón mundial de boxeo Edwin ¨El Inca¨ Valero, hará su debut en Asia participando en el Festival Internacional de Cine de India (IFFI), próximo a realizarse en la ciudad de Goa.  
 En Venezuela la cinta se mantiene censurada. Esta semana se cumplen cuatro meses desde que el Tribunal Supremo de Justicia (TSJ), a través de una medida cautelar provisional, la retiró de las salas de cine. Los productores siguen a la espera de que se convoque la audiencia en el TSJ para poder defender su caso nuevamente y lograr que El Inca sea exhibida libremente en el país. 
 A través de las cuentas de Facebook, Instagram y Twitter @Palospanasprod, y usando la etiqueta #ElIncaFilm, los espectadores podrán seguir el recorrido que está haciendo esta película, así como conocer más detalles del tras cámaras de esta cinta independiente producida por Pa’ los panas producciones.
 SINOPSIS
 Basada en la historia del invicto dos veces Campeón Mundial de Boxeo Edwin Valero, El Inca es un poderoso drama biográfico sobre el talento y el carisma, el amor y la ambición, el exceso y la autodestrucción. Valero, alias "El Inca", se elevó de raíces humildes a celebridad internacional al derrotar a un rival tras otro y estableció un récord mundial sin precedentes al ganar sus primeras 18 peleas por knockout en el primer round. A todas partes que Valero iba su esposa estaba a su lado. Pero a medida que la vida profesional de Valero floreció su vida personal empezó a tambalearse, dando lugar a infidelidades, inseguridades y una adicción peligrosa que terminó la vida de la pareja de una manera abrupta y terrible.
El Inca cuenta sobre un ascenso emocionante, una caída trágica, y las exhibiciones fascinantes de dominio atlético en el medio

"Peludas en el cielo" de Unearte

Francis y Aura,protagonistas de "Peludas en el cielo"
La exitosa pieza Peludas en el Cielo regresa para rendirle homenaje a la galardonada con el Premio Nacional de Teatro 2017, Francis Rueda, quien junto a las actuaciones estelares de la primera actriz Aura Rivas, el primer actor Luis Domingo González y el talento joven Alexandra Vásquez se presentarán en la sala Anna Julia Rojas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte) el sábado 21 y domingo 22 de octubre, a partir de las 4:00 pm.
La producción, escrita por el dramaturgo Gustavo Ott y dirigida por el reconocido Carlos Arroyo, proyecta una crítica sobre los antivalores y caprichos de la sociedad, basada en una metáfora que se originó a raíz un fenómeno natural llamado “La Peluda”, en la localidad de Piacoa en Delta Amacuro.
La historia invita al público a hacer una radiografía del país y sus habitantes presentando a cuatro personajes que se pasean por un universo de escenarios, luego que a ese lejano pueblo del sur del país lo acechara una calamidad que ocurre cada siete años, donde los residentes deben encerrarse en sus casas para esperar la oscuridad que se genera con esta “plaga”.

La casa de la familia Pacheco se convierte en el epicentro de la trama, donde Yesenia (Francis Rueda), una mujer de carácter recio y afectada por un problema en la pierna producto de un accidente automovilístico que le ocasionó “La Peluda” en el cielo y su hija Mariana (Alexandra Vásquez), se ven obligadas a quedarse en su hogar, porque la "oscuridad" llegó al pueblo. El conflicto del montaje se teje cuando entra en escena el personaje de Rita (Aura Rivas), una maestra de dudosa procedencia europea, quien desata un sinfín de emociones, miserias y carencias humanas que se extrapolan a la realidad misma.

Homenaje de la CNT para la actriz Francis Rueda

El elenco de "Peludas en el cielo"
Para exaltar a la actriz Francis Rueda por su Premio Nacional de Teatro 2017, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) se instala en la sala Anna Julia Rojas, de Unearte, durante este fin de semana, donde presentará el montaje Peludas en el cielo, una obra de Gustavo Ott, puesta escena por Carlos Arroyo y protagonizada por la comediante homenajeada, junto a Aura Rivas, Vanessa Vásquez y Luis Domingo González, dentro del dispositivo escenográfico del finado Rafael Sequera. Las funciones del espectáculo están pautadas para el sábado 21 y el domingo 22 de octubre, a partir de las 4:00 de la tarde, con un costo de 800 bs por entrada.
 Aura Rivas, quien obtuvo el Premio Nacional de Teatro en el año 2010, comentó que le parece más que justo que Francis Rueda reciba el Premio máximo de las artes escénicas venezolanas porque su carrera profesional es impresionante, tanto en número de montaje y en la calidad de cada uno de sus trabajos, además de haber tenido un respetable trabajo en la televisión y el cine venezolanos. “Yo la conozco desde los años 73, cuando se enamoró de Gilberto Pinto, con quien se casó y concibieron a un hijo, Máximo. Con ella participe en los años 80 para la fundación de la Compañía Nacional de Teatro, que dirigió Isaac Chocrón, y  es también por su insistencia que  ahora la CNT se ha abierto a contratar un elenco estable y mantener así una  temporada permanente de teatro, precisamente en el teatro Nacional, como sede. No me cansare de repetir a todos los vientos que Francis es un valioso ser humano y una profesional que a buena hora se le premia, porque es digno ejemplo para la juventud venezolana y además es una mujer comprometida con los avances sociales de la feminidad lograda en este proceso revolucionario, iniciado por el comandante Hugo Chávez. Y estoy, además satisfecha, de que se le haga este homenaje en Unearte”.
PELUDAS EN EL CIELO
Hay que recordar que Peludas en el cielo, ganadora del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2015, creado por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, puede calificársele como un sainete venezolano contemporáneo y es una producción de la Compañía Nacional de Teatro.
Esta obra, que fue estrenada en el estado Zulia y también participó en el Festival de Teatro de Caracas 2016, plasma en la escena teatral los temibles vuelos de las mariposas palometas peludas en la región del Delta del Orinoco, las cuales han retornado. Ahora no serán en la región oriental venezolana, sino en Caracas. Que no cunda el pánico ante la reaparición del peligroso lepidóptero distrisio o hylesiua metabus y sus pelos que producen enfermedades epidemiológicas entre las que destacan: erosiones, alergias en la piel y conjuntivitis; en algunos casos estas afecciones están acompañadas por fiebre y trastornos respiratorios.
 Cuenta el director Arroyo (Chabasquén, 14 de octubre de 1965, Portuguesa) que la pieza transcurre  en este temible siglo XXI,  en la población de Piacóa, Delta del Orinoco, al noroeste venezolano, en la humilde casa de las Pacheco (Mariana y Yesenia), donde coinciden la maestra Rita y el amigo Luis Domingo González. Estos personajes, amantes de la libertad pero conscientes de las limitaciones que tienen por sus precarios recursos económicos, superan cualquier asomo del aburrimiento cotidiano recordando los tiempos idos, paseándose por las inconmensurables páginas de la poesía universal y la que la ellos mismos pueden componer o armar, y especialmente sueñan con todo lo que podrían hacer, como viajar a París, si se ganan la lotería para lo cual compraron un billete. Pero se les presenta un delicado problema: cómo dominar la invasión de mariposas peludas que les pueden destruir todos sus anhelos si llegan a enfermarse con la plaga que ellas transmiten y mucho más ante las naturales carencias de medicinas adecuadas para curarse.
Por supuesto que las palometas peludas son una metáfora del autor que le propone a sus espectadores venezolanos, porque las incómodas mariposas son algo más de lo que representan físicamente.

Para Arroyo, el dramaturgo Ott (Caracas, 1963) es un digno heredero de la escuela teatral de José Ignacio Cabrujas porque toma personajes y situaciones venezolanos y los recrea dentro de un espacio simbólico para desarrollar sus tareas escénicas, que siempre son críticas y que en esta pieza su mayor conflicto son las palometas peludas y todo lo que ellas ocasionan y el peligro que representan, tanto en lo físico como en lo simbólico. No es una pieza con intenciones ecologistas, sino que utiliza la existencia real de las mariposas para invitar a reflexionar más allá.

martes, octubre 17, 2017

Bolívar y Manuela bailarán flamenco

David Morales ahora sera Simón Bolívar
Nadie sospechó que las románticas cartas íntimas de Manuela Sáenz y Simón Bolívar fuesen utilizadas, al cabo de casi 200 años, para ser teatralizadas y exhibidas en Caracas. Pero así será, porque el bailador y coreógrafo David Morales (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1971) ya está en la capital venezolana alistando la exhibición del gran espectáculo de danza y música de Amores en libertad, durante los días miercoles 20 y jueves 21 de diciembre, en sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, una producción de la Compañía Nacional de Teatro.
El artista español reconoció, a la prensa venezolana, que vino a Caracas, en septiembre de 2016, para una temporada en el Teatro Teresa Carreño de su espectáculo Lorca, muere de amor, un musical flamenco dedicado al granadino, con la música de Daniel Casares y la dirección de audiovisuales de Juan Estelrich.
 Contó que cuando regresaba a España, el entonces ministro de cultura, Freddy Ñáñez, le obsequió el libro Las más hermosas cartas de amor entre Manuela y Simón. “En el avión prácticamente devoré ese texto. Aquello fue verdaderamente apasionante y mi cabeza estalló: tenía que buscar la forma de llevar eso a la escena. Venía de una temporada internacional en varios paises americanos sobre los amores del poeta Federico García Lorca y encontré, por supuesto, una serie de similitudes entre esos hombres que nunca se conocieron pero que amaron la libertad de tal manera y por ella se sacrificaron. Nació de ahí mi primer borrador de proyecto artístico que ahora mostrare, acompañado de talentosos artistas venezolanos.
¿Cómo se proyecta ese espectáculo?
 Lo primero que yo pensé, tras de leer y releer ese compendio de las cartas entre Manuela y Simón, era que debía   llevarlo a la escena como un lenguaje artístico, didáctico y contemporáneo. Hice varios contactos telefónicos y me crucé con varios emails con especialistas para indagar   y encontré que no había ninguna referencia sobre un espectáculo centrado en los amores de estos dos seres que fueron tan importante para toda la historia latinoamericana y en especial para Venezuela. La oportunidad de que fuese único y novedoso me atrapo definitivamente y fue así que me propuse llevar a escena ese amor de Manuela y Bolivar. Quedé muy impactado por las formas y manera como ella escribe y la poesía que mana en todo lo se decían. Pensé en todos los obstáculos que tenían que superar para vivir y amarse hasta donde pudieran. Tiempos difíciles vivieron, pero se amaron y no se amilanaron y lucharon por ellos y por todos los demás. Llevo un año leyendo todo lo que hay escrito sobre ellos y viendo también las peliculas que existen. La empresa artística en que me metí es muy importante y muy grande, además que Venezuela se merece contemplar esa visión artística sobre su Libertador.
-¿Qué tipo de espectáculo se ha propuesto crear y mostrar?
-Es danzario, todo el tiempo.
¿Bolivar bailaría flamenco?
 No solo flamenco, sino también otros bailes de la época, de los cuales algunos han que sobrevivido en el tiempo, como el joropo, lo mismo Manuela. Eso es lo que yo sé hacer. Es, como toda obra de arte, una respetuosa aproximación.
¿Y usted seria Bolivar?
-Yo, por supuesto encarno a Simón. Tengo su estatura física y me acompañara su espíritu.
¿Cómo avanza la preproducción?
Para ver su estado de avance he venido, pero lo estoy haciendo periódicamente, desde marzo. Me marcho este fin de semana y regreso en noviembre, para el montaje final. Son muchos los ensayos que hay que hacer. Ya tenemos el guion, la música y lo más importante, en mayo hicimos una serie de audiciones para seleccionar el elenco definitivo.
¿Y Manuela?
A medida que estructuraba el guion me di cuenta que Manuela tenía que ser una mujer de estas tierras, además hay un personaje especial que es la Libertad .Todo este texto está muy enlazado con la poesía romántica de Pablo Neruda.  Ya escogimos a la protagonista femenina y las bailarinas de flamenco y danzas tradicionales y contemporáneas. Desde el año   pasado estanos trabajando en todo lo que puede ser el espectáculo.
¿A que vino, concretamente, en esta ocasión?
 Vine, como dije antes, especialmente para algunos aspectos de la preproducción, porque las funciones inaugurales ya están definidas. Aunque, he estado viniendo en otras épocas de este año. Necesitamos hacer unas filmaciones o trabajar con material fílmico existente, que sería para mostrar al Bolívar épico. Mi intención es que ese audiovisual sea sobre el Bolívar histórico y en el escenario mostrare al Bolívar personal al romántico, al revolucionario. La música es de Salvador Andrade, un compositor muy conocido en España; la dirección del audiovisual es la de Julio Fraga; las coreografías son mías y el guión lo he logrado con la colaboración de Gabriel de Molina. Ese espera que sea mi Amor en libertad.
¿Ira a otros paises, a España, por ejemplo?
Nuestra intención es llevarlo por el mundo, teniendo en cuenta el trasfondo histórico de los personajes que inspiran el trabajo artístico. Es un espectáculo musical teatral y con mucho flamenco, que son mis herramientas de trabajo.
¿Por qué esa pasión suya por las cartas de Bolivar y Manuela?
Hay mucha coincidencia en el romanticismo que impulso a García Lorca y a Bolívar en diferentes épocas y escenarios de sus paises. Admiro las dificultades que   ambos tuvieron que vencer. Federico fue asesinado por los fascistas en una guerra civil y Bolívar fue perseguido en los últimos meses, a pesar de un luchador como pocos y un enamorado de la vida, del amor y de la libertad, fue también un luchador como pocos y un enamorado de la vida y la libertad
-¿Usted sabe el reto de encarnar a  Bolívar?
Sí, yo estoy bailando desde que tenía seis años, he estudiado mucho al legendario personaje caraqueño y admiro la oportunidad que tengo de postrarlo.  Bolívar estuvo en Cádiz, se apasiono por el proceso europeo de principios del siglo XIX. En mi espectáculo es muy importante la música, porque él era un buen bailarín y hay mucho de fandango   y nuestra música. Todos, por supuesto, bailan, porque es el lenguaje general del espectáculo.
¿Cómo ve a Manuela?

 Me gusta también la historia   de Manuela, una mujer que fue muy maltrata por la sociedad latinoamericana por sus amores, pese a sus amores.Vivio una época muy difícil para las mujeres. Desafío rencores y dejo un legado de sus luchas contra la violencia de género. Vamos a ver qué pasa con ese personaje, que además escribía muy bien.