lunes, abril 22, 2019

Un presidente muy terco para Colombia

El colombiano Gustavo Álvarez  Gardeazábal, intelectual crítico.

Gustavo Álvarez Gardeazábal es un importante escritor colombiano, de 73 años, autor de una amplia y polémica obra y,además, un agudo critico de los regímenes políticos del vecino país. Aquí lo mostramos a los lectores:
¿Qué ha pasado con la vida del escritor?
 El escritor sigue escribiendo .El año pasado Unaula publicó Las guerras de Tuluá una serie de relatos sobre las guerras que ha sufrido mi pueblo. Para un país que no lee lograr vender cinco mil ejemplares fue una hazaña. Estoy trabajando en una novela de envergadura que bien puede llegar a ser una autobiografía novelada.
 ¿Cómo se muestra el actual gobierno colombiano, que preside Iván Duque?
 No parece que hubiese gobierno. Hay un divorcio entre los gestos de la cara del presidente y las palabras que salen de sus labios, lo que siembra desconfianza en quien lo ve en tv al punto que no convoca. Los ministros parecen volador sin palo, cada quien va por su lado. No hay unidad de gobierno, hay desgobierno. No hay mando ni militar ni económico y aunque todos creen que es el senador Álvaro Uribe Vélez quien manda, me temo que tenemos de presidente a un terco muy poco preparado para ejercer el cargo.
 ¿Y usted sigue haciendo política desde sus artículos de prensa, a la vieja usanza colombiana, buscando así impactar entre las nuevas generaciones?
 No pudiendo hacer la política en plaza pública, hago el romántico quehacer diario de escribir una columna y de hacerla circular en redes, que tiene alguna influencia en quienes nos gobiernan pero no en las nuevas generaciones. Ellas ya no leen sino titulares.
¿Son los intelectuales colombianos críticos del actual gobierno o colaboran con sus políticas culturales?
Este gobierno no tiene políticas culturales, apenas si continúan a media marcha las que dejó el gobierno anterior. La polarización política y financiera del país ha hecho perder la pista a los intelectuales que en el gobierno anterior recibieron en su gran mayoría prebendas económicas o burocráticas para alabar la gestión de paz. Somos muy pero muy poquitos los que adoptamos una línea crítica de ambos bandos y de esa vendimia descarada.
 ¿Está la cultura colombiana divorciada de la realidad social y económica colombiana?
 En el arte pictórico ya no hay expresiones, hay chatarras. En la música hay una defensa de la tradición de todos los órdenes y un deseo mercantilista de ascender como arte hasta la charanga. En la literatura hay un afán miedoso de no tocar la realidad contemporánea. Las narraciones de narcos nos suicidaron. En cine, en cambio, hay una apertura descontrolada a tratar de contar lo que se pueda y en cualquier forma, con o sin calidad.


viernes, abril 19, 2019

"El molino" recuerda la inutilidad de las guerras


“El sábado 11 de mayo de este inescrutable 2019, a las 11 AM, en las instalaciones teatrales de la Asociación Cultural Humboldt, en la calle Juan German Roscio, en San Bernardino, estrenaremos El molino.  “Serán varias funciones los sábados y domingos a las 11 am. Lo que pasará sobre el escenario será algo inédito y poderoso. Todos estamos trabajando para que así sea”, dice muy entusiasmado el teatrero José Tomás Angola.
¿Cuántas obras propias y cuántas reformuladas si lo ha hecho?
Creo que ya son 25 ó 30 obras de teatro. Reformuladas casi todas las estrenadas. Cuando la pieza, transformadas por supuesto en espectáculo, se encuentra con el espectador es inevitable que necesite ser retocada, ajustada. Todo lo que esta en la cabeza del dramaturgo es idealización hasta el momento en que se enfrenta al auditorio. Al cobrar vida también despiertan en ella situaciones, acciones, emociones que no se veían o percibían y ante eso es de un autor responsable intervenir la creación y afectarla para que se acerque a lo que se quería.
¿Qué trata o qué aborda El molino?
Está basada en la vida del capitán José de Jesús Sánchez Carrero, militar venezolano que peleó del lado francés en la Primera Guerra Mundial. Murió en el Chemin des Dames, defendiendo al Molino de Laffaux. A partir de algunos antecedentes reales exploro con la ficción dramática lo que pudieron ser sus últimos instantes. Es una obra que me permitió acercarme a temas como la heroicidad, la inutilidad de la guerra, lo que se debe tener para sacrificarse por un ideal o una bandera. Es una pieza que expone el honor como la primera víctima de toda guerra. No hay honor en matar a otro ser humano. En la obra me acompaña un elenco de lujo: Ignacio Serrano, Salvador Pérez Castro, Andrea Miartus, Carlos Abbatemarco, Andrea Mariña e Ignacio Marchena. El trabajo de arte, vestuario y producción me tiene muy ilusionado. Se ha hecho un esfuerzo inusual para el momento país. Allí el mérito es de Fabiola Neri, Elizabeth Yrausquín, José Martínez y Carlos Silva. La obra fue estrenada en 1995 en la sala Rajatabla, y en 1999 fue publicada en España. Esta temporada 2019 me permitió trabajar la pieza con los criterios artísticos que hoy en día exploro. El uso de la tecnología le dará una visión única y diferente.
¿Qué pasa con el teatro venezolano? ¿Qué le hace falta o que le sobra?
El teatro venezolano, a pesar del terrible tiempo que padecemos, goza de buena salud. Se sigue trabajando, con las uñas y con muchas ganas. Diría que nos falta más audacia, más rigor artístico, más curiosidad ante el hecho escénico para intentar nuevos caminos. Por ejemplo, la tecnología, las herramientas multimedias, son espacios que muy pocos asumen sobre los escenarios. Es el sendero que está aportando algo realmente novedoso en el resto del mundo, pero en el país vamos tarde. Me siento un solitario en esa experimentación. No conozco a más nadie proponiendo el uso del video mapping, la estereoscopía, la escenografía virtual, la virtualización de los personajes. Sería sano ver más espectáculos y producciones llenos de tecnología y recursos digitales. 
¿Planes posteriores?
Seguir trabajando y creando. Se han estrenado algunas piezas mías en el exterior y me interesaría exponer mi obra a nuevos espectadores de culturas distintas. Por lo pronto Chicago, Miami y París han sido esos nuevos lugares. Y la respuesta es muy gratificante. 


martes, abril 16, 2019

Lorca Alma Presente en Nueva York


Los artistas venezolanos no se duermen sobre los laureles y mucho menos cuando están más allá de las fronteras del país donde nacieron. Se crecen y siempre anuncian pujantes proyectos con sus diversos espectáculos. Esta información puede resultar o parecer cursi o hasta pura ficción para algunos, pero cuando nosotros recibimos diversos emails, con soportes de las respectivas programaciones anunciando tal o cual montaje programado y donde participan no uno sino varios artistas criollos, es imposible desecharlos y nos hacemos eco de todo eso.Esa Venezuela esta ahí y con ellos siempre.
Es el caso de Lorca alma presente/Lorca Forever, un montaje músico teatral creado por Iraida Tapias, directora artística de Water People Theater, organización teatral sin fines de lucro fundada por Rebeca Alemán en NYC y Caracas, y la cual a partir del 2011 también se estableció en Chicago. El elenco lo eligieron Rebeca Alemán e Iraida Tapias. 
El espectáculo Lorca alma presente/Lorca Forever está concebido como un concierto teatral y es un ensamblaje de textos, canciones, poemas y escenas de las obras poéticas y teatrales más icónicas de Federico García Lorca. Se trata de un canto a la libertad y respeto a la diversidad.
Hay que recordar que desde su estreno en Caracas en el 2011, la gente Water People Theater ha definido el espectáculo como un espacio de encuentro de los profesionales más calificados del teatro y la música de la ciudad donde se presentan. 
Cuando lo hicieron en Miami lograron reunir la mayoría de actores y músicos venezolanos; en Chicago ya han tenido tres elencos distintos, conformado por actores y músicos de diversas nacionalidades. Y ahora en Nueva York, participarán reconocidos actores y músicos tanto venezolanos como latinos, todos unidos en este homenaje a Venezuela. El objetivo es continuar presentando Lorca Alma Presente/Lorca Forever en diferentes ciudades y países y sumar así más voces por la libertad y el respeto a la diversidad.
Iraida Tapias confiesa que el periodo de ensayos es muy intenso y al contar con profesionales tan comprometidos, lo hace muy fluido. Este espectáculo tiene la particularidad de conmover tanto a quienes lo hacen (actores y músicos) como al público. “En Caracas, Miami y Chicago, hemos tenido siempre las salas llenas y eso lo hace aún más emocionante”.
Los artistas presentes en las funciones del 20 y el 21 de abril, en el teatro del afamado grupo Repertorio Español son: Rebeca Alemán, Fernando Then, Brenda Feliciano, Leonardo Granados, Yessi Hernández, Marcelo Rodríguez, María Fernanda Rodríguez, Catherine French, Mónica Steuer, Elba Escobar, Alfonso Rey, Gonzalo Trigueros, María Fernanda Rodríguez, Carmen Borla, Jean Rodríguez, Laureano Olivarez Adriana Samanes, Jean Rodríguez y Alfonso Rey.
Las presentaciones son en inglés y en español.

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El drama de la actriz Regina Espina

Francis Rueda en su nuevo personaje.
Gracias a la moralista comedia española El sí de las niñas, de Leandro Fernández de Moratín, conocimos a Francis Rueda (Caracas, 17 de abril de 1949) encarnando a “Doña Francisca” durante la temporada teatral de 1970, en la sala Alberto de Paz y Mateos de El Nuevo Grupo, bajo la dirección de Antonio Briceño, precisamente cuando ese espacio era la sede artística de El Nuevo Grupo, un histórico “portaviones” de producciones que lanzó al estrellato a Isaac Chocrón, Román Chalbaud y José Ignacio Cabrujas.
Y ahora en este deslumbrante siglo XXI y mientras desafiamos a este convulso año 2019, en medio de la programación del 8 Festival Internacional de Teatro de Caracas, Francis Rueda ha querido  relanzar  a la agrupación Teatro del Duende de su extinto marido Gilberto Pinto, con el unipersonal Taller de Actuación Espina, un texto especialmente escrito para ella por Pablo García Gámez , el cual ha sido puesto en escena, con mucho celo y sabios cuidados, por Oscar Acosta, y exhibido inicialmente en la sala Horacio Peterson de Unearte, antes de una temporada más amplia en otro espacio escénico  de Caracas, según sus proyectos.
Cuenta García Gámez, desde Nueva York, donde   lleva dos largas décadas viviendo y estudiando, además de cultivar con intensidad la dramaturgia, que el proceso creativo del Taller de Actuación Espina no fue complicado. “Es de esos textos que se resuelven por sí solos.  Es el proceso de observación al que uno se somete.  Se ve uno y otro caso que quedan en la memoria.  Hablas con un aspirante a actor que orgulloso te cuenta que hizo este o ese taller; el aspirante piensa que aprendió todo.  Utiliza su paso por el taller de dos semanas, de un mes y se considera profesional, aunque no esté consciente de su cuerpo, de la posibilidad de sus movimientos, de su voz.  Te enteras o tal vez presencias de esas historias y va creciendo la idea”. 
Comenta, el laureado autor de Oscuro, de noche, pieza estrenada por la Compañía Nacional de Teatro, durante la temporada 2018, dirigida por Carlos Arroyo, que en estas épocas neoliberales, la fama de un actor o actriz se diluye mucho más rápido que en el pasado, los espacios laborales se acortan.  “Queda, pues, rebuscarse con el taller.  Hay histriones que son excelentes pedagogos y otros no tanto.  A través de las redes sociales te enteras de la elevada cantidad de talleres que se ofrecen en cualquier capital”.  
Dar el taller para subsistir y egresar del taller pensándote profesional son las dos caras del drama que propone García Gámez y que Francis Rueda ha encarnado magistralmente. ”Es un drama para los actores profesionales que se ven en la necesidad de convertirse o tratar de ser docentes para subsistir.  Drama para la joven que cree que el taller cierra su período de estudiante. Regina Espina se inventa su realidad y su pasado porque el contexto la lanza a la periferia.  Por eso recuerda al  concurso de belleza Miss Pericoco, la intervención en la telenovela, la oferta de Almodóvar.  Si hay algo que sea inventado ella lo utiliza como dispositivo contra la marginación y el rechazo.  El pasado -real o no- es el escudo con el que se protege.  El resto es edición y habilidad de la interprete y los normales aportes naturales del puestista”. 
 Ahí Regina Espina rememora que fue Miss Pericoco porque de pequeña sus padres la llevaban a ese caserío que le parecía un lugar fantástico del Litoral Central.  “Es el país en el que ser miss es tener cierto poder, quise hacerle su homenaje a Pericoco.  Los tambores están incluidos justo por lo que le ocurre a Regina: pueden llevarte al trance.  La maestra también es una ciudadana global a la que le da tristeza que sus estudiantes no usen ropa de marca porque la marca, para ella, es éxito, además de agarrar costumbres no tan sanas como llegar tarde a todas partes.  Regina me resulta agradable.  Hasta la entiendo.  Pasó su vida pensando en el futuro y ya el futuro llegó y ella sigue como en sus primeros años de carrera… peor, porque está desempleada. El drama que acosa a los profesionales cuando les llega la edad del retiro o están desempleados”, remarca el escritor.
MONTAJE
Francis Rueda, bajo la dirección de Oscar Acosta, brinda la oportunidad disfrutar un hilarante espectáculo, con la participación especial de Aura Rivas y Aura D´Arthenay, producido por la Compañía Nacional de Teatro y la agrupación Teatro del Duende, que cuenta con la realización de videos de Juan Hernández, y la asistencia como operador de vídeos y musicalización de Paul Salazar.
Ahí Francis Rueda, (Premio Nacional de Teatro 2017), demuestra su profesionalismo, una vez más, en esta segunda oportunidad de representar un texto de Pablo García Gámez. Recordemos, que viene de actuar en Oscuro, de noche, que le mereciera a García Gámez, el Premio Apacuana de Teatro 2017.
Actriz desde los 16 años de edad, en su repertorio figuran autores como Albert Camus, Federico García Lorca, Lope de Vega, Gilberto Pinto, Isaac Chocrón, José Ignacio Cabrujas, César Rengifo, Román Chalbaud, Eugene O’ Neill, Carlo Goldoni, Moliere, Tennessee Williams, Griselda Gambaro, Emilio Carballido, Antón Chéjov, Zorrilla, Arthur Miller, Nelson Rodrigues, y Pablo García Gámez, entre otros.
La actriz, pues, materializa la historia de Regina Espina, una actriz, apegada a sus raíces, que desatendió la propuesta para trabajar con el director de cine español, Pedro Almodóvar, y decidió quedarse en su país para desarrollar su carrera. Y como el teatro siempre está en crisis, la actriz se dedicó a dictar talleres de actuación -a veces de modelaje- para generarse el sustento para vivir.
En sus célebres talleres, la maestra Espina dice enseñar las técnicas actorales que la han hecho famosa, mediante la combinación de las técnicas teatrales universales con elementos de la cultura popular, especie de pedagogía híbrida, que de manera expedita, rápida, en poco más de una hora muestra y alecciona los secretos fundamentales para convertirse en estrella del teatro, el cine y la televisión.
Este montaje estaba listo  para estrenarse el pasado 8 de marzo, pero “la negra etapa” de los apagones eléctricos en todo el país y es ahora que se puede degustar desde la escena.
La misma Francis Rueda admite que la creación o convivencia con su Regina Espina recién empieza y que espera recorrer con ella decenas de escenarios y viajar al exterior. Por ahora el Teatro del Duende, de su inolvidable marido, está dando mucho de qué hablar entre los teatromaníacos criollos, como debe ser.

miércoles, abril 10, 2019

LLega el Popol Vuh a Caracas

José León recibe este festival como un  homenaje por su trabajo
 de varias generaciones con los artistas venezolanos.
La Compañía Nacional de Teatro estrenará el espectáculo Popol Vuh, de José Luís León, en la inauguración de la Octava edición del Festival Internacional de Teatro de Caracas, este viernes 12 de abril, en el Teatro Municipal de Caracas a las 11 am.
Esta producción, perteneciente al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, en alianza con el Ministerio del Poder Popular para los Pueblos Indígenas y la Alcaldía del Municipio Libertador, busca afianzar “la urgente necesidad de reafirmar nuestros valores como pueblo, venezolano y de nuestra América”, y para eso nada mejor que llevar a escena uno de los textos más poéticos y génesis de la creación del hombre como es Popol Vuh.
 La obra teatral está basada en la historia de nuestra región y relata el mito de la creación según la leyenda maya quiche, como un aporte fundamental para el fortalecimiento de nuestra identidad. 
La interpretación escénica está bajo la responsabilidad del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro que una vez más, se consolida como equipo de trabajo dando vida de manera histriónica a cada uno de los personajes de esta historia.  En cuanto al equipo de creadores que hacen posible esta producción podemos destacar a José Pérez en la Dirección Técnica, Noelia Rojas en la Muñequería Noelia Rojas, León Padilla se encargó del diseño y realización del vestuario y las máscaras llenando el escenario de luz y color. La escenografía, realizada por Cafeína Producciones, el diseño de los audiovisuales a cargo de Daniel Carrillo y Luisana Castillo, la iluminación diseñada por David Blanco, el trabajo corporal y coreográfico logrado de manera homogénea  y con gran plasticidad  está a cargo de Carmen Ortiz, la música original presente en cada momento de la obra pertenece al maestro Federico Ruiz y es interpretada por la Orquesta Filarmónica Nacional de la Compañía Nacional de Música dirigida por el maestro Daniel Gil , la Producción General de la Compañía Nacional de Teatro y en la Dirección artística de esta propuesta multidisciplinaria  se encuentra el maestro José Luís León.
Este Popol Vuh se mostrara este sábado a las 3Pm y el domingo a las 11 am.Y es un homenaje al maestro José León, un veterano en las tablas y en la docencia teatral.

La nonna en el Festival de Caracas

Aníbal Grunn, polifacético teatrero.
La Compañía Regional de Teatro de Portuguesa lleva más de 35 años de labores útiles para el desarrollo de las artes escénicas en su región y en Venezuela. Ignorar su aporte es una mezquindad que todavía no se práctica en los medios de comunicación criollos pero de repente insurgen por ahí gentes con “patas de cochino” que sí lo han intentado, infructuosamente, además. Decimos esto porque entre el viernes 12 al domingo 21 de abril de este crucial año 2019, unas 70 mil personas podrán disfrutar en 14 salas de no menos de 50 espectáculos –producidos en Venezuela o en el exterior- programados para el Octavo Festival Internacional de Teatro de Caracas (8FITC), organizado por las autoridades políticas y culturales del municipio Libertador de la Gran Caracas.
Entre los eventos programados queremos resaltar la presencia de La nonna, (1977) de Roberto Cossa, versionada, dirigida y protagonizada por Aníbal Grunn, la cual ya hizo dos temporadas de tres semanas en el Complejo Teatral de Occidente Herman Lejter, en la capital portugueseña. ¡En la puerta del llano florece la cultura... como siempre ha sido!
 Aníbal Grunn apunta que Roberto Cossa (Buenos Aires, 30 de noviembre de 1934), líder de una generación de dramaturgos realistas, tiene en su haber piezas como Nuestro fin de semanaEl viejo criadoTute cabrero, Ya nadie recuerda a Frederick Chopin y Yepeto, además de La nonna. Es de los que predica “que hay que hacer un espectáculo que haga reflexionar pero nunca aburrir, porque un espectáculo bello, que trate el tema del amor, puede hacer reflexionar tanto como un teatro político".
Y es por eso que La nonna es el mejor ejemplo del teatro que entretiene y al mismo tiempo enseña lo que no conviene hacer, lo que es nefasto para el colectivo y mucho más cuando la situación socioeconómica ha llegado al límite.
Podría decirse que La nonna es un modelo del grotesco argentino, fue un arma contra la dictadura militar por su discurso disfrazado con un juego escénico centrado en los siete miembros de una familia de procedencia italianas quienes luchan desesperadamente para la sobrevivencia en medio de un contexto deprimido y con severa represión de las autoridades. Era una parábola obvia, donde la nonna (la abuela) era el Estado devorador que pretendía digerirse a todo un país, cosa que finalmente no ocurrió porque los malos también pierden, como diría mi abuela.
Es patético ver a esos siete inmigrantes que luchan lo indecible para la supervivencia en medio de una sociedad hostil, pero no todos los hacen con dignidad, ni cuentan con suerte, mientras que unos se prostituyen y los otros practican el individualismo exacerbado, mientras que a la nonna sólo le interesa comer y comer, mientras se van muriendo cada uno de sus parientes, sin importarle el resto de la familia. Una muestra de que el capitalismo no es nada humanista y que es la destrucción del género humano. Y cualquier sistema político que use el poder del Estado para abusar de los ciudadanos y los use en su beneficio personal.
 El director Grunn para darle mayor verismo a su espectáculo equiparó a los personajes con cada uno de los siete pecados capitales y así obtuvo una redonda y alucinante puesta en escena, gracias a que los comediantes tenían esa conducta o formato para componer su rol. La nonna es Aníbal Grunn en una conmovedora gula, acompañado por Mercy Mendoza, Evis Cuellar, Emilger Arroyo, Wilfredo Peraza, Giuseppi Fischetti y Carlos Moreno en sus roles pertenecientes a la ira, la pereza, la envidia, la soberbia, la lujuria y la avaricia.
La nonna es una tragicomedia  del escritor argentino Roberto Cossa, que se publicó en 1979 aunque se estrenó el 12 de agosto de 1977 en el teatro La Salle de Buenos Aires.. Se trata de una de las obras más trascendentales del teatro argentino; estrenándose durante un período caracterizado por la inestabilidad política y social en ese país. Al contrario de la suerte que han sufrido otras obras escritas bajo algún tipo de censura, La nonna supo salvar esa barrera gracias a su estilo simbólico y reflexivo, en el que subyace su carga crítica, y además consiguió una gran acogida en las representaciones que se realizaron de ella. Es una pieza teatral de gran transcendencia. En Argentina y otros países de Latinoamérica sigue representándose. Se ha traducido al inglés, el alemán y el francés.
Fue llevada al cine en 1979 por el director argentino Héctor Olivera. El guión fue escrito por Roberto Cossa y el papel protagónico fue interpretado por Pepe Soriano. Dicha cinta  ganó el premio Chacabuco en 2003, en Mar del Plata.
La obra se desarrolla en la década de 1970 en Argentina, teniendo como protagonista a una familia de clase trabajadora y pobre, que no es más que una muestra y ejemplo de la realidad de aquel momento con personajes arquetípicos que representan a toda una sociedad que lucha por salir adelante. El problema de esta familia es la nonna, la abuela, cuyo apetito insaciable obliga a todos los miembros a tener que trabajar más y más, y buscar medidas desesperadas y al límite de la razón para sobrevivir: desde el desmesurado trabajo del padre y cabeza de familia, hasta las más disparatadas ideas del hermano de este. Estas desesperadas soluciones, junto con el personaje de la abuela, crean un ambiente tragicómico, grotesco y casi surrealista y absurdo, que queda expresado en los personajes y estilo de la obra. Son estas acciones, también, una búsqueda de intentar superarse que se contraponen y quedan frustradas por la nona, con una salud de hierro y un hambre insaciable, que va matando a cada uno de los miembros de su familia. Para el final de la historia, la nonna acaba con toda la familia de una forma u otra.
Las funciones de La nonna serán en el teatro Alberto de Paz y Mateos, la sede de la Compañía Nacional de Teatro, los días jueves 18 y viernes 19, a las tres de la tarde.

jueves, abril 04, 2019

Gladys Prince mete goles por el teatro en Bogotá

Gladys Prince.
La venezolana Gladys Prince, destacada primera actriz vive,lucha y trabaja en Bogotá y desde allá nos cuenta que le pasó lo que nunca jamás pensó que le iba a pasar: "Vivir fuera de mi país. Lo que les ha pasado a muchos y aunque en algún punto coincidimos con la principal razón para emigrar: la crisis en nuestra amada Venezuela, pero a veces también prevalecen razones personales que te llevan a salir de tu casa, de tu mundo ya creado, alejarte de tu familia y salir afuera a  reinventarte la vida”.
. “Ya tenía pensado salir fuera de Venezuela y dejar atrás el pasado triste que en menos de tres años me tocó vivir. Aunque los recuerdos viven en la piel, el cambiar de espacio geográfico ayuda. Mi primer golpe bajo fue la partida de mi hijo amado con su esposa a vivir a Australia. Me atiborre de trabajo un poco para no abandonarme en pensamientos malsanos y sentimientos encontrados. Preferí que estuviera afuera, vivo, y apostando a su vida como cualquier joven y no a expensas del hampa y del maltrato. De paso, ya lo habían atracado varias veces”.
“El segundo golpe fue el asesinato de mi amiga y productora Jacky. Y cuento esto porque lo viví y me responsabilizo por ello. Ese mismo día me despertó una voz diciéndome: ¿Qué estas esperando? Debes irte ahora es el momento. No pude precisar quien me enviaba ese mensaje pero me sonó toda la mañana.  Ese día trabajábamos en la obra de Román Chalbaud, En la palma de tu mano, en donde mi querida Jacky hacia la producción. No tuve tiempo de contarle a Jacky lo de la voz. Al mediodía decidimos ir a almorzar juntas, pero finalmente no nos pusimos de acuerdo y nos despedimos frente a la residencia Sans Souci, hasta que al rato me entere de su muerte. Luego mi padre enfermo y en una noche de luna llena, partió.  Luego mi madre también enfermo, pude, gracias a Dios dedicarme a cuidarla y también se fue”.
“Me sentí muy desolada y al tiempo mi hijo me comunico que sería muy difícil volver a Venezuela por lo costoso del pasaje y por otro lado yo tampoco lo imaginaba allá en medio de tanta incertidumbre.  A  pesar de que mis hermanos están aún  en Venezuela, batallando,  necesito acercarme más a mi hijo y experimentar en otro lugar.  Ya había hecho un viaje de reconocimiento a Bogotá y mi cuerpo y mi espíritu se había sentido bien.  Así que, a pesar de todas las incomodidades y sentimientos encontrados, decidí venirme a Bogotá”.
¿Cómo tomó tal decisión? 
Tome la decisión con alegría y con la certeza de que sería feliz, aun sabiendo que no llevaba mucho dinero, que no tenía trabajo alguno, que nadie me esperaba, pero si me llevaba mis proyectos, mi trayectoria, mi talento y mis sueños. Hubo gente que dudó de mi decisión porque ya no soy tan joven, pero mi espíritu es libre, y no tiene edad.
¿Satisfecha?
Sí, sin duda.  Hizo bien a mi corazón y vivo día a día como si fuera una aventura, con altos y bajos, pero el vivo. Prefiero probar lo que han vivido muchos jóvenes, incluyendo a mi hijo, fuera de casa a no vivirlo. Estar lejos de Venezuela a veces me entristece, pero tengo una casa dentro de mí que es la que me da fortaleza para seguir. Y aquí estoy, en la hermosa Bogotá y más cerca de mi amado Joshua, que dentro de poco cumpliremos tres años sin abrazarnos.
¿La han tratado bien? 
Si, muy bien, gracias a Dios. En mi casa en Chacaíto siempre ayude y trate muy bien a muchas personas, me imagino que eso se me ha devuelto. Desde hace años tengo amigos colombianos y la palabra xenofobia no se me ha aparecido por ningún lado.  Y si llega a aparecer el problema no es mío. A los 8 días de haber llegado a Bogotá, una hermosa venezolana, Johana Morales, me dio la oportunidad de un casting.  Lo hice y gracias a Dios quedé en la serie La ley del corazón 2 haciendo la madre de la bella y talentosa venezolana Coraima Torres. Firme un contrato por varios capítulos con la agencia: Valencia Talento Groups.  Luego viaje a Medellín a grabar un corto con venezolanos talentosos que viven en Canadá pero que decidieron filmar en Colombia para reunirse con la familia con la que tenían seis años que no se veían. Aquí se usa mucho los casting grabados, es decir que los puedes grabar hasta en tu habitación. Lo envías por whatsapp y listo.
¿Cómo ha sido la adaptación?
Bien, porque me gusta el clima, aunque variable, me gusta la gente a mí alrededor, tantos colombianos como venezolanos, me han tratado muy bien, con mucho cariño y respeto. Claro, me vine con mi corazón abierto al amor. Y la gente lo siente.
¿Qué planes tiene ahora?
Por el momento cumplir con los compromisos ya adquiridos. En principio estrenar, el  próximo martes 9 de abril, la obra Se vende, sobre el cáncer. La autora es de una joven también de mi tierra, Punto Fijo, Iryan López, actuada por Aseret Prado e Iryan. Nos apoyan amigos colombianos y venezolanos  y  pronto haremos un ensayo general con público para amigos y para fundaciones del cáncer. Esto se hará en el Teatro Bernardo Romero, CICA, en donde la Directora del Teatro, María Eugenia Penagos nos abrió las puertas de su teatro con amor. Conseguir la posibilidad de montar mi monologo  también sobre el cáncer, Me llaman la celu, y un trabajo hermoso que estoy haciendo con el director colombiano Humberto Torres y mi querida amiga Verónica Cortéz, que más adelante te diré de  que trata la obra título  y teatro en donde la vamos a estrenar.
¿Cómo fue lo de ese primer montaje que mostró en Bogotá y cuando tiempo durará?
Fue un poco difícil porque creo que nos adelantamos al tiempo que hace falta para conocer más como se manejan las cosas en este país, ganarnos la confianza de gente del medio, eso lleva tiempo. No estamos en nuestra zona de confort.,  no tenemos  los patrocinios. No es tan fácil porque no tenemos historia teatral aquí, pero sin embargo, el tema del fútbol en mi obra infantil  aquí funciona muy bien. En Venezuela se llamaba La casa de mis sueños pero aquí por sugerencia de nuestra productora Greisis Leal le cambiamos el nombre y ahora se llama: El gol de mis sueños. Nos dieron sala para estrenar y hacer solo una función y de allí venderla a los colegios, eventos corporativos. Aquí las temporadas son cortas, hay tanto teatros y tanta diversidad que aquí las temporadas suelen ser más cortas. Dicho en pocas palabras: sigo haciendo goles para vivir del teatro. ¡Viva Venezuela…carajo!







miércoles, abril 03, 2019

HOMENAJE PARA JOSÉ LEÓN Con Popul Vuh sube el telón del 8FITC

El maestro José León
El espectáculo no puede desaparecer jamás, aún en las más difíciles circunstancias de la vida social y política de una nación, lo enseñaron los antiguos griegos. Y es por eso que la maquinaria de la creación artística criolla comenzó a funcionar desde una conferencia-rueda de prensa que organizó la Compañía Nacional de Teatro (CNT) en su sede del teatro Alberto de Paz y Mateos, a mediados del pasado mes de diciembre de 2018. Ahí se anunció que se disponía a ejecutar la producción y exhibición de un monumental espectáculo basado en Popol Vuh, el libro sagrado del pueblo maya, también conocido como El libro del consejo o El libro de la comunidad, durante su temporada para este 2019.
 Hay que subrayar que el Ministerio del Poder Popular para la Cultura avala este proyecto de la CNT, cuyo director general es Carlos Arroyo, ya que está consciente de “la urgente necesidad de reafirmar nuestros valores como pueblo, venezolano y de nuestra América”, y para eso nada mejor que llevar a escena uno de los textos más poéticos y génesis de la creación del hombre como es Popol Vuh.
Hay que puntualizar que la propuesta artística de trabajo con Popol Vuh está basada en la historia de nuestra región latinoamericana y adaptada, como es lógico, a las diferentes culturas indígenas de nuestro país, como un aporte fundamental para el fortalecimiento de nuestra identidad.
Este Popol Vuh, sobre el cual ha estado trabajando la CNT, está basado en el mito de la creación según la leyenda maya quiche. Los dioses en consejo hacen la palabra y en acuerdo se proponen crear el mundo, el mundo es creado, emerge la tierra de la magia, montañas, mares, ríos y cielo, luego dan vida a los animales esperando su reconocimiento y adoración, al no ser adorados por aquellos seres, deciden condenarlos a vivir errantes en la tierra y ser devorados entre ellos. En un tiempo sin tiempo donde no existía el sol ni luna ni los días ni las noches. Los dioses continúan su cometido en busca del ser que los adorara, el consejo, moldeo barro y madera en busca de la máxima creación: el hombre.
La propuesta escénica del espectáculo Popol Vuh ha sido llevada a cabo por el maestro José Luis León, bajo un concepto minimalista en sus elementos, pero con mucha riqueza visual y sonora. Los personajes son representados por actores-bailarines y manipulación de objetos. La escenografía refleja el carácter mágico de la obra, con tecnología audiovisual y lumínica, sobre fondo en completo blanco, con escasos elementos corpóreos. La iluminación refleja el vacío, la nada, tomando luego un juego de tonos haciendo alusión al sol y la luna. La música, creada por el maestro Federico Ruiz e interpretada por la Orquesta Filarmónica, es parte esencial de la historia, se relaciona en todo momento con los elementos agua, tierra y aire y acompañará la pieza durante 80 minutos de duración. Y, como es lógico, el elenco estable de la CNT aporta su musculo y su sangre, además del talento de ese grupo de profesionales ahí reunidos.
Las fechas tentativas para el estreno y la respectiva programación, en el teatro Municipal de Caracas –desde el 12 de abril- para después mostrarse en el teatro La Ópera de Maracay y en el 8 Festival Internacional de Teatro de Caracas, evento que contará con 9 montajes foráneos y 35 nacionales, para ser mostrados en 14 salas capitalinas.
Y como colofón de este importante anuncio sobre el teatro que viene para este 2019, hay que recordar que en las otras producciones criollas presentes están: Tropical, Doce cosas importantes antes del desayuno, La nona y Carmina Burana,entre otras.
Este evento está dedicado al maestro del teatro José León (el padre de José Luis) y también para la primera actriz Aura Rivas

sábado, marzo 30, 2019

El Popol Vuh se estrena el 12 de abril

José Luis León se atrevió con el libro sagrado del pueblo maya.
La maquinaria de la creación artística comenzó a funcionar desde una conferencia-rueda de prensa que organizó la Compañía Nacional de Teatro (CNT) en su sede del teatro Alberto de Paz y Mateos, a mediados del pasado mes de diciembre de 2018. Ahí se anunció que se dispone a ejecutar la producción y exhibición de un monumental espectáculo basado en Popol Vuh, el libro sagrado del pueblo maya, durante su temporada de 2019.
 Hay que subrayar que el Ministerio del Poder Popular para la Cultura avala este proyecto de la CNT, cuyo director general es Carlos Arroyo, ya que está consciente de “la urgente necesidad de reafirmar nuestros valores como pueblo, venezolano y de nuestra América”, y para eso nada mejor que llevar a escena uno de los textos más poéticos y génesis de la creación del hombre como es Popol Vuh.
Hay que puntualizar que la propuesta artística de trabajo con Popol Vuh está basada en la historia de nuestra región latinoamericana y adaptada, como es lógico, a las diferentes culturas indígenas de nuestro país, como un aporte fundamental para el fortalecimiento de nuestra identidad.
Este Popol Vuh, sobre el cual ha estado trabajando la CNT, está basado en el mito de la creación según la leyenda maya quiche. Los dioses en consejo hacen la palabra y en acuerdo se proponen crear el mundo, el mundo es creado, emerge la tierra de la magia, montañas, mares, ríos y cielo, luego dan vida a los animales esperando su reconocimiento y adoración, al no ser adorados por aquellos seres, deciden condenarlos a vivir errantes en la tierra y ser devorados entre ellos. En un tiempo sin tiempo donde no existía el sol ni luna ni los días ni las noches. Los dioses continúan su cometido en busca del ser que los adorara, el consejo, moldeo barro y madera en busca de la máxima creación: el hombre.
La propuesta escénica del espectáculo Popol Vuh ha sido llevada a cabo por el maestro José Luis León, bajo un concepto minimalista en sus elementos, pero con mucha riqueza visual y sonora. Los personajes son representados por actores-bailarines y manipulación de objetos. La escenografía refleja el carácter mágico de la obra, con tecnología audiovisual y lumínica, sobre fondo en completo blanco, con escasos elementos corpóreos. La iluminación refleja el vacío, la nada, tomando luego un juego de tonos haciendo alusión al sol y la luna. La música, creada por el maestro Federico Ruiz e interpretada por la Orquesta Filarmónica, es parte esencial de la historia, se relaciona en todo momento con los elementos agua, tierra y aire y acompañará la pieza durante 80 minutos de duración. Y, como es lógico, el elenco estable de la CNT aporta su musculo y su sangre, además del talento de ese grupo de profesionales ahí reunidos.
Las fechas tentativas para el estreno y la respectiva programación, en el teatro Municipal de Caracas –lo más seguro será desde el 12 de abril- las anunciaran durante la primera quincena del venidero mes de abril, para después mostrarse en el teatro La Ópera de Maracay y en el Festival de Teatro de Caracas, hasta ahora.
Y como colofón de este importante anuncio sobre el teatro que viene para este 2019, hay que recordar que el Presidente de la República, Nicolás Maduro Moros, en pasada reunión de su Gabinete Ejecutivo, dispuso que hay que invertir en proyectos culturales y llevarlos a la televisión, cine, teatro y literatura para que se conozca la cultura, el arte y las expresiones diversas de la estética, del canto de los pueblos indígenas y rescatar el canto, cultura y arte de los ancestros de la historia venezolana.  Todo esto trabajado en conjunto con el Ministerio del Poder Popular para la Cultura.