sábado, octubre 18, 2014

La cubalibre al cine

Ibrahim Guerra batalla en las tierras peruanas
Anda en Lima organizando un festival de teatro breve y desde allá Ibrahim Guerra da la noticia: su adorado melodrama  A 2,50 la cubalibre  se va para el cine  y será en el 2015 cuando inicien el rodaje.
Cuenta, por la Internet, que   A 2,50 la cubalibre   es la primera película que se hace sobre una pieza de su teatro. “Pero como a veces las cosas no vienen solas, resulta que no se hará  una sola película de  A 2,50… , sino dos. Una la hace, para mí la cineasta más importante del país, Fina Torres, la mejor. Sus temas y sus tratamientos no son sesgados, es diáfana en su temática y muy sincera como creadora. Entiende perfectamente a la mujer y tiene un humor extraordinario. La pieza no puede estar en mejores manos. Así que siendo la primera, me complace que sea hecha por ella. Con respecto a la otra,  no puedo aún dar información alguna, pues estoy en espera de las confirmaciones, de rigor. Te las debo y te las prometo.
MUJERES MALTRATADAS
-¿Cómo es la negociación con Fina Torres?
-La negociación es muy simple. Yo escribí la pieza de teatro en 1978 y desde 1982 lleva hasta la fecha más de cien producciones diferentes en varios países, y ahora Fina hará una película de ella. No conozco la orientación temática de la misma. Mi pieza permite muchas salidas en ese sentido, y yo sé que algunas afectan notablemente a Fina. Lo sé por sus películas anteriores. Yo basé mi pieza en la mujer maltratada, la maternidad frustrada, abandonada  por todas las instancias sociales y políticas del país, que se convirtió en todo un continente, dónde estas mujeres de mi pieza han hablado, todo dentro de un esquema estético hiperrealista, que me interesaba tanto en aquella época, cuando la escribí como el tema mismo de la pieza. Y pensé que se podían complementar. Fue innovador dentro de lo que era el teatro latinoamericano y mundial de entonces, y que conocíamos muy bien a través de los Festivales Internaciones que se celebraban en el país. Nosotros en los setenta teníamos la casi sagrada obligación de hacer teatro reinventándonos en cada espectáculo, la innovación fue una constante en toda nuestra generación en la que cuento, entre otros, a Levy Rossell, con su teatro de calle y de puentes, a Rodolfo Santana, con sus epopeyas, a veces surrealistas de lo popular, al Chino Rodríguez Barrera, introduciendo nuestro teatro en un posmodernismo aún no superado, a Rafael Rodríguez Rars, con su teatro Infantil deslumbrante, a Edgar Mejías, artífice del Teatro juvenil profesional, y luego, a Carlos Giménez  con su potente visión expresionista, y, como te digo, con los Festivales Internacionales de Teatro de Caracas. En fin, muchísimos creadores, y múltiples visiones que generaron la pasión que vemos hoy en día en nuestro teatro nacional. 
Con A 2,50… yo quería salirme del molde que imponían los teatros convencionales, tradicionales, por eso no me resultó nada fácil imponerla. Mis mismos compañeros de generaciones inmediatas anteriores no confiaron en ella, la negaron, incluso, como teatro, le prohibieron el ingreso a Festivales nacionales, sin hablarte de los críticos, uno, muy importante, me insultó en El Nacional. Sin embargo, se hizo, por cierto, gracias a Carlos Giménez. Se programó en la Rajatabla. Fue creciendo en el ánimo público hasta casi formar parte ya del subconsciente del teatro venezolano y del de algunos otros países o regiones. Hasta hoy se la han fusilado, incluso los que la negaron lo han hecho, hasta el cansancio, porque se generó a partir de ella una modalidad de teatro que, según el catedrático Orlando Rodríguez, es una de las tres grandes proposiciones estéticas del Teatro latinoamericano al Teatro mundial. En cine, yo creo que se hará también una innovación estética y de lenguaje audiovisual. Pero en cuanto a la película, Fina  tendría que ser la que diga cómo será.
CREACION LIBRE
-¿Tiene acceso al guión o lo escribe usted?
-En el de Fina, no, ni quiero. Quiero que haga de mi pieza una creación libre, a su manera, a su visión, a su gusto. Como te digo, ella me resulta excelente y si algo me preocupa de su trabajo es la ansiad que me genera el llegar a conocer el resultado, porque sé que  lo voy a disfrutar muchísimo. Ver mi obra desde su óptica me genera grandes expectativas.
 -¿Cuáles serían los conceptos de Fina para la película?
-Conociendo su filmografía y conociéndola a ella, sé que se enmarcará con su enorme sentido del humor en los conflictos de la mujer latinoamericana, venezolana específicamente. En este caso, esa confrontación social y afectiva, será vista desde su estética, y, supongo que, como siempre en ella, la perfección fotográfica de una cinematografía impecable. Pero, como te digo, no estoy al tanto de nada de su película. 
-¿Qué tiene que ver Mimí Lazo en ese proyecto, es coproductora?
-No sé si será como productora, pero Mimí se ha identificado de tal manera con la pieza teatral, que la lleva adelante con un gran sentido de pertenencia desde hace años, y fue, junto a Luis, las responsable de llevarla a Colombia, donde permanece desde hace cinco en cartelera a cargo de Alejandra Borrero, quien la dirigirá en Lima, bajo la producción de Yolanda Rozo, una emprendedora de mucho empuje. Mimí ha estado muy cerca de Fina y de mí en todo un largo proceso de acuerdos. Y, si, en efecto, Fina comentó que estará en su película, en calidad de ¿qué? no lo sé. Supongo de que de actriz, pero no sé si, además,  coproductora, o hasta de productora, que es lo que Mimí ha desarrollado con garras durante los últimos 20 años. Pase lo que pase con ella en la película, tenerla cerca de mi obra es un privilegio. No creo que Fina se vaya a perder ese boche.
40 piezas
Ibrahim Guerra (Caracas, 1944) reconoce que tiene unas 40 piezas concluidas, por hacer tiene muchas y muchísimas en mente. Además tiene varias premiadas:  A 2,50 la cubalibre  con el Quetzal de Ónix, mexicano, por ser la obra más montada fuera de Venezuela  y dentro también. Por Patria cosechó dos galardones Municipales,  adjudicados a la pieza y a él como dramaturgo.  También le premiaron  Juan Francisco de León con el Marita King 2013.  Algunas otras tienen mención publicación y espera con cuatro guiones de cine premiados.
Los inicios

 Está en el teatro desde chiquito. Recortaba muñecos de los suplementos y los hacía actuar, moviéndolos sobre una mesa. Luego, a los 12 años, en el Liceo Andrés Bello lo rechazó el profesor Eduardo Calcaño quie dirigía el grupo teatral de ese claustro. Fue a la escuela de teatro de Lily Álvarez Sierra  y ella lo aceptó en el acto, y así comenzó a actuar. Trabajó mucho tiempo y se exhibía  todas las semanas en el Teatro Metropolitano con una pieza distinta.  Le construyeron un teatino de títeres para que se encargara de esa área. Escribía las piezas, construyó y realzó a los muñecos y dirigía a mis compañeros. Así empezó su peregrinar por las artes escénicas, hace ya más de 50 años. 

Perla, la callejera está en Rajatabla

Perla,la callejera sigue en  su  deambular  por los teatros caraqueños
Mientras en el Vaticano, el Sínodo de Obispos pretende reconocer los "dones" y "cualidades" de los homosexuales y aceptar los aspectos positivos de las parejas gais, por los teatros venezolanos deambula un estremecedor espectáculo sobre la callejera Perla, conmovedora saga de un adolescente travesti, asesinado en el patio de su liceo, según la obra y la excelente actuación performántica de Luis Vicente González, bien dirigido y generosamente producido por Carlos Díaz y Dairo Piñeres, respectivamente.
Callejera, como se llama este auténtico y asombroso montaje sobre la homofobia y el travestismo, se estrenó hace cuatro meses en el Celarg  y de ahí pasó a la sala Rajatabla, de donde saldrá para los festivales de Occidente y Oriente u otros espacios donde lo permitan. Largo e inconmensurable es su derrotero, lo aseguran sus artífices artistas.
Es un unipersonal que plasma la historia de Perla (así se llama el personaje), un muchacho que se trasviste para ir al liceo, donde se enamora y lo asesina un compañero de clases. Pero lo novedoso del espectáculo, la  forma en que es actuado por González y la violencia teatral del mismo, ya que el personaje es un jugador de básquet que se viste y se desviste, se baña y así, en esa constante transformación, actúa o narra las vicisitudes del muchacho hasta que lo matan y el mismo reseña su funeral.
El argumento está basado en un hecho real, ocurrido en Estados Unidos de América, cuando un joven es asesinado por un compañero de clases en plena fiesta de San Valentín, delante de todos. El muerto solía travestirse ocasionalmente para ir al liceo y lo hacía con vestidos que una profesora le regalaba. Este chico se enamora de su asesino, a quién le pide que sea su acompañante en el baile de los enamorados que se celebrará en el claustro, petición que le hace públicamente días antes de la fiesta.
El autor-actor se apropió de tal suceso para su Callejera  y en el proceso de creación fue incorporándole anécdotas y personajes que pertenecen al mundo de su niñez, en el pueblo donde nació y creció, ficcionándolos para construir la vida familiar y callejera de Perla, al igual que su interioridad. 
El Perla teatral es un delgado jugador que corretea, salta, se tira al piso, durante 70 minutos, dentro del desnudo espacio escénico y con mínimos elementos de utilería va mostrado todas sus etapas. Todo es tan rápido y tan violento que no hay tiempo para seleccionar y regodearse con las estéticas imágenes que compone sino para verlo en su performance destinada a gritarle al mundo que la homofobia en el hogar y en el liceo lo llevaron al final: un disparo por la espalda, cuando aún no había cumplido 15 años.
El guión de Callejera  está constituido por 29 cuadros, de manera que al leerlo fácilmente se le pudiera inscribir dentro del teatro de texto, pero como lo han demostrado, usaron una variedad de lenguajes para la elaboración del exquisito discurso teatral.

Estamos ante un trabajo que marca una ruptura estética ante algo tan inhumano como es la homofobia, eso que ahora preocupa a los pastores católicos y los convoca a la reflexión y al amor.

miércoles, octubre 15, 2014

Moisés Guevara salvado por Ecuador

Moises Guevara  y Esequiel López Peralta.
Moisés Guevara no estaba muerto ni andaba de parranda. Es muy complejo explicar ahora porque tuvo que marcharse de Caracas. Desde Ecuador cuenta todo lo que quiere, aunque habrá algunos que querían leer otras cosas, esos que se pasan las noches tasando el bien y el mal que hacen. A esos les llegará su momento de llanto o de crujir de dientes.
-¿Cuánto  tiempo en Ecuador?
  - Año y medio.
-¿Cómo ha sido su proceso de adaptación?
 -Difícil. Complicado. Tan duro como para cualquier inmigrante. Tener que irte porque sientes que tu país ya no te quiere. Porque sientes que tus amigos te dieron la espalda,  te traicionaron y ni siquiera te llaman para saber cómo estás. No es fácil de procesar. Ni hablar de los despojos, las pérdidas y robos.
-¿Cómo son los ecuatorianos, especialmente la gente de la cultura?
-Son lo más amable que he podido encontrar. Vivir en lo que fue un Virreinato es distinto, completamente distinto, a vivir en una Capitanía de Puerto.  No es fácil hacer teatro aquí. Pero me recibieron con los brazos abiertos. No hay nada vulgar en las carteleras teatrales y eso me ha hecho pensar que lo que en su momento propuse para crear nuevamente el teatro independiente en Venezuela, como bien lo supieron hacer Juana Sujo,  Horacio Peterson, el Nuevo Grupo,  entre otros, ya que no puedo recordar tantos nombres que son parte de mi admiración profesional, me ha llevado a la conclusión de que no me entendieron. Por eso ya no estoy en mi país.
-¿Qué hace  y qué planes organiza?
-Sigo haciendo teatro. Le agradezco a Juan Diego el haberme invitado, a su madre Ivonne Attas el haberme apoyado. Tengo dos obras de teatro estrenadas y escribo dos, gracias a Xiomara Moreno y el Diplomado de Dramaturgia que creó para la Universidad Central de Venezuela.
-¿Cómo es el espectáculo que actualmente presenta?
-Muy divertido. Estoy trabajando con el sexólogo Ezequiel López Peralta, quien no siendo actor está  realizando un stand-up comedy de manera impecable. Y agrego que tengo a mi lado a dos de mis más recientes alumnos, Nina León y Kleyverth Durán, los cuales me llenan de orgullo, admiración y respeto por todo lo que Venezuela puede seguir entregándole al mundo.
 -¿En qué terminó el corto en YouTube que se convirtió en fenómeno viral?
-Yo pensé que no volvería a actuar. Fue un escándalo que hoy día supera las 11 millones de visitas. No hubo mayor problema. Todo lo contrario, una respetuosa y estrecha amistad con el grupo de jóvenes que conforman ENCHUFE TV. Y recibir palabras de felicitación del hijo de Gómez Bolaños fue un honor. Por demás, ser parte de un equipo de trabajo que acaba de ganar por votación popular el Stramy Awards, es un privilegio.
-El poeta Miguel Hernández decía que donde se pierde también se gana. ¿Está  de acuerdo?
-Sí. Pero donde pierdes duele. Donde se supone vas ganando no deja de producir temor. Es como la sensación de actuar y saber que pronto se abre el telón.
-Estaba sacando un grado en la UCV. ¿En qué quedó eso?
-Mantengo el orgullo de poder escribir en mi Currículum que soy un estudiante escapista, pero tengo la fortuna de haber viajado el año pasado seis veces a Caracas para obtener el Diplomado Isaac Chocrón.
-¿Hay pasaje de regreso a Caracas?
-Hasta que yo no sienta, no mire, no observe y no vea que hay democracia, no pienso volver. Salí de Caracas en autobús, no había manera de salir vía aérea, por lo tanto el país se convirtió en una cárcel. Fueron cuatro días.Y a los 50 años decidí que quiero recorrer América Latina. Por lo pronto, tendré el privilegio de hacer dos funciones en Bogotá de mi más reciente montaje.
GRACIAS CABRUJAS 
Moisés Guevara ha dicho que “para nadie es secreta mi vida y soy un hombre exclusivamente de teatro y que además llevo más 20 años sacando adelante proyectos de restauración de arquitectura de teatros, abriendo espacios, como el del  Paraíso, en los años 90, y  el Trasnocho, a lo largo de los primeros 12  años del siglo XXI.Gracias a José Ignacio Cabrujas mudé mis neuronas al Teatro del Paraíso, legendario espacio conocido como La Casa Sindical del Paraíso. Dediqué dos años a gerenciar su restauración, aprendí de todo, desde batir cemento hasta reconectar una consola de iluminación de los años 50. Fue una maravilla y montamos: El pez que fuma, La casa de Bernarda Alba, Sonny, diferencias sobre Otelo el Moro de Venecia, El día que me quieras y Acto Cultural. En agosto de 1999 todo aquello se derrumbó para los artistas. Venía un nuevo siglo y otros retos, como los que vivo ahora. Tengo presente que Cabrujas, de manera premonitoria ante lo que se venía por mi trabajo y mis pasiones, me dijo antes de su fatal y último viaje a Porlamar: “Moisés, no hable mal de su gremio, eso hablará mal de usted”. Y me insistió en que los teatreros “somos el sistema digestivo del país al que pertenecemos, nuestro teatro de hoy intenta traducir lo que somos”. No puedo olvidar jamás sus predicas y más ahora en estos tiempos de torva teatralidad social”. 




lunes, octubre 13, 2014

Doriam Sojo: un venezolano en Bollywood

Doriam Sojo otro venezolano que avanza en su carrera profesional en el exterior
El actor venezolano Doriam Sojo, quien vive en Madrid desde el 9 de marzo de 2007, recientemente filmó, como protagonista masculino, su primera película Bollywood made in Spain, dirigida por  Ramón Margareto, una saga de amor musical basada en hechos reales e inspirada en la trayectoria vital de la bailarina y coreógrafa española Leyla Zurah.
Tras el rodaje, Doriam admite que durante sus primeros siete años en España no se ha muerto de hambre. Todo lo contrario ayuda a otros jóvenes para que sobrevivan y además exhiban sus condiciones artísticas. Este comediante (Maracay, 4 de abril de 1980), además director y productor de artes escénicas, reconoce que no le fue fácil adaptarse a la gente y a la urbe en sí. Confiesa que ha sido una verdadera aventura, llena más de alegrías que de tristezas. A pesar de que se habla el mismo idioma, no entendía la mitad de las cosas que le decían, así que tuvo que aprender de nuevo el castellano. Fue duro, como todo cambio de paradigma, fue como nacer de nuevo.
-¿El cine siempre lo impactó y ahora ha rodado una película que puede ser su gran lanzamiento actoral?
- La película se acaba de rodar, durante septiembre y octubre, entre Alicante y Palencia. El estreno no sé cuándo será, pero imagino que dependerá de la producción. Lo cierto es que se hará en un festival en Londres. Grata y emocionante experiencia.
-¿Cómo consiguió ese importante trabajo?
- El papel lo conseguí porque Ramón Margareto, ganador de un Goya y con una sólida carrera profesional, vino a verme al “El burdel a escena”. El papel me vino gracias a estar precisamente actuando  ahí.  Mi personaje, gracias al director  Margareto, se llama igual que yo, Doriam,  y es mi primer protagónico. No he llegado a la meta, pero voy, creo, por buen camino.
Actualmente dirige “El burdel a escena”, uno de los espacios escénicos más prestigiosos del Off Madrid. Ahí los actores se funden con los espectadores y crean así sus espectáculos. Es un sitio único en la calle Sombrerería 3, en el popular barrio Lavapiés, y es también la sede de la Asociación  Cultural (colectivo) DoriamSojo.
-¿Qué viene ahora?
- Por ahora seguiré  con  “El burdel a escena” ( http://www.elburdelaescena.com/ ), mi salita de teatro aquí en Madrid. Y comenzaré la producción de Fingers, dedos de goma  de mi querido amigo y compatriota Marcos Purroy, con mi intención y compromiso de seguir trayendo teatro venezolano en Madrid. Y continuaré  haciendo todo lo actoralmente posible. De hecho sigo con el espectáculo  El casting para mayores de 18 años, con el cual llevamos un año agotando las localidades todos los fines de semana. Creep que es la segunda obra teatral va por el mismo camino y en noviembre estreno mi más recién creación que se llama Tarántulas, así que, como dice la canción…que el ritmo no pare!!!
-¿Como hizo para tener una sala de teatro?
-Por la necesidad de hacer teatro, porque para mí es mi mayor adicción. Un grupo de jóvenes decidimos crear un espacio donde podamos ensayar, montar y estrenar nuestros propios trabajos escénicos. Para que se auto financiara y nos generara recursos para auto producir nuestras propuestas escénicas, decidimos convertirlo en un espacio donde los artistas como nosotros pudieran experimentar y ganar algo de dinero. Un paso a la profesionalización y un eje de encuentro de creadores de diferentes disciplinas. No fue fácil, pero ahora somos una realidad. Y aquí llevamos casi dos años, aunque antes tuvimos otros proyectos, exitosos también.
La importancia de Madrid
Doriam Sojo informa que Madrid es la tercera ciudad más importante a nivel teatral en el mundo, por ello cuenta con muchos teatros, desde grandes, medianos y pequeña escala. Existe todo tipo de público. La gente acude con mucha frecuencia y hay espectadores para cubrir todo tipo de espectáculos. “Nuestra sala cuenta con una variada programación (de miércoles a domingo) y todo esto se debe a la gran afluencia de visitas a nuestro espacio. También es verdad que estamos en una de las zonas más privilegiadas de Madrid. Los medios de comunicación y el colectivo artístico nos apoyan”. Intentó montar teatro venezolano pero “sus egos son muy grandes; unos pedían cinco mil dólares por sus derechos y otros solicitaban un registro formal, que además tenía que pagarlos antes en Caracas. Y la verdad, es que prefiero montar teatro de dramaturgos españoles contemporáneos o versionar clásicos. Marcos Purroy ha sido la excepción”


sábado, octubre 11, 2014

Vuela alto Víctor Vegas

Casa  nueva para  Víctor Vegas
El ingeniero informático Víctor Vegas cambió a Caracas  y su natal Barquisimeto (1967) por Madrid, hace más de 10 años. Allá vive con su esposa, trabaja y además escribe teatro, que es su gran pasión
Aquí en su país muy pocos exhiben sus piezas teatrales, lo cual no es extraño con los nativos, pero en otros escenarios  sí lo toman en cuenta. Este año se han producido cuatro montajes de sus obras. Explica que se  trata de sus textos más representados, “los más emblemáticas hasta el día de hoy como  Mientras amanece,  Pieza para dos actores  y  La cigüeña. Dos de ellos cumplieron ya sus respectivas temporadas de 2014.  La cigüeña  fue estrenada en mayo y  Pieza para dos actores  en julio. La primera fue producida por una compañía amateur de Honduras y la segunda por una compañía profesional de Colombia. Hay otros dos montajes profesionales de  Mientras amanece  lo hará en Guayaquil, Ecuador, el próximo 17 y Pieza para dos actores  se mostrará el 10 de octubre en La Plata, Argentina. No me puedo quejar”.
ESPACIO AMBIGUO
Comenta que   La cigüeña  es una pieza breve que reúne a tres personajes en un espacio ambiguo en el cual esperan el turno para nacer.  Se trata de una de las primeras. La escribió en 1991 y, si bien ya no comparte algunas de las ideas que allí se desarrollan, cree que estéticamente le sigue pareciendo atractiva.  Pieza para dos actores  se inscribe en el teatro del absurdo. También es de sus primeras piezas. La escribió en 1989. En ella, dos hermanos, en un lugar que bien pudiera ser el escenario de un teatro, matan el tiempo jugando a ser actores y reflexionando sobre sus vidas. No cree ocioso destacar que en la obra no hay una única historia, sino más bien una sucesión de pequeñas historias, intercambio de roles, juegos malabares, en fin, teatro dentro del teatro o teatro por puro placer de hacer teatro, características esenciales del teatro del absurdo.
Recuerda que   Mientras amanece cuenta la historia de dos hombres diametralmente opuestos a quienes el destino, una noche de excesos, hace que sus caminos coincidan, se crucen. A partir de esa noche sus vidas no vuelven a ser lo que eran. Es una obra que habla sobre la tolerancia, sobre ese “deber ser” al que estamos obligados todos en la convivencia, de aceptar y respetar a aquellos que son diferentes, por más que no entendamos o compartamos sus gustos, ideas, creencias o modos de vida, sin que ello signifique que renunciamos a opinar o criticar esos mismos gustos, ideas, creencias o modos de vida. Tolerancia no es de ninguna manera indiferencia. Creo que de eso se trata el funcionamiento de una sociedad moderna y democrática”.
 PIEZA PARA DOS ACTORES
El montaje de  Pieza para dos actores  que está a punto de estrenarse en La Plata ha sido producido por Solfa Compañía Teatral, dirigido por Solange Rybak, y actuado por ella misma y su hermano Juan Rybak.
A propósito de  Pieza para dos actores, dice su directora que “en enero de 2014 comencé a buscar una obra que pudiese ser interpretada por un hombre y una mujer, quienes no podrían ser pareja de ficción a causa del lazo sanguíneo de los actores, ya que la obra quería interpretarla con mi hermano, además de dirigirla. Al llegar a la web del autor, hubo un título que llamó mi atención,  Pieza para dos actores, justo lo que podría haber puesto en Google. Éramos dos actores con ganas de jugar en una pieza de autor. Al leerla, estos personajes actores eran hermanos, como nosotros, por lo cual convierte la situación positiva en doblemente positiva, buena y maravillosa. ¡Algo así como si alguien hubiese escrito para nosotros!”.
Subraya la teatrera argentina que “vivimos en una sociedad, sin importar ciudades ni países, descomunicada, llena de egos, donde cada uno está tan centrado en sí mismo que nos olvidamos de reconocer a quienes nos rodean. Y no quiere decir que no amemos, porque el amor y el odio pertenecen a una misma cosa, el límite de uno hacia otro es muy finito. Cuando me preguntan, ‘¿de qué trata la obra?’, suelo decir: ‘dos actores hermanos que toman un texto de autor para decir lo que él mismo no se atreve a decir, al igual que ustedes, ‘cachetazo’ simbólico a la vida de las relaciones humanas ya que vivimos en una sociedad de queja constante pero en la que no hacemos nada para modificarla, porque la comodidad es más simple y fácil, valga la redundancia, más cómoda; amor y odio porque odiamos con la misma intensidad con la que amamos: si estás arriba mío no te soporto, pero si tenemos una distancia de 5 centímetros me ahogo porque sos mi oxígeno… ¿Vivir o sobrevivir? La ficción y la realidad, teatro dentro del teatro, laberinto, baúl o vida misma. ¡¿Es que acaso estamos despiertos o soñando?!“.
MIENTRAS AMANECE
El montaje de  Mientras amanece  que se estrenará el 17 de octubre en Guayaquil ha sido producido  y producido por Enrique Valle y Fabricio Mantilla e interpretado por Enrique Valle y Alex Plúas. A propósito de  esta obra, dice su productor y actor: “Me atrajo mucho la idea de montar una obra con temas tan controversiales pero tan reales y tan constantes en mi sociedad. Como actor, la oportunidad de representar un personaje tan intolerante”.
PÁGINA WEB
Puntualiza que hasta el momento lleva escritas 16 obras, de las cuales, 14 están disponibles para la descarga desde su página  web:  http://victorvegas.com.  “Por regla general, no suelo subir a mi web piezas que no hayan reposado al menos un año en mi escritorio. Además, tampoco suelo subir piezas que no hayan pasado al menos la tercera revisión exhaustiva que les hago. Así soy de riguroso con lo que escribo. De estas 16, nueve han sido llevadas a los escenarios. Algunas de ellas en varias oportunidades, como es el caso de las tres ya mencionadas, más  Montaña rusa, que suele gustar y montar con frecuencia los grupos o compañías de teatro amateur.
CASA NUEVA

“Empecemos por lo personal. Mi mujer y yo acabamos de mudarnos a un piso más grande en el cual tengo por fin un espacio exclusivo para trabajar, como era en Caracas. En el apartamento donde vivíamos antes, aquí en Madrid, escribía en nuestra habitación. Allí me las había ingeniado para, en un rinconcito, meter una pequeña mesa sobre la cual sólo cabía mi portátil. Ahora, cuando nos hemos mudado, tengo con una mesa de trabajo más amplia y una biblioteca en la que podré disponer de mis libros. Creo que esto es lo que más me entusiasma del cambio, que podré traerme finalmente los libros y la música que por falta de espacio dejé en Caracas. Mis libros y CDs de música son mis objetos más preciados”.

La escalera del festival interclubes de teatro

"La escalera de Jacob" en el Club Hebraica.
Hasta el domingo 19 de  octubre se  prolonga el XXII Festival de Teatro Interclubes Bejayd (Unidos) en homenaje a la promotora cultural Dita Cohen. No menos de 500 personas, con optimismo y alegría, hacen posible los montajes de los 11 elencos participantes; han planificado y producido sus variopintos espectáculos en varios escenarios caraqueños, empeñados en demostrar que mientras soñemos viviremos y podremos además construir  un futuro.  
Este evento, único en el medio teatral venezolano porque se realiza sin cesar desde hace 22 años, busca estimular el trabajo cultural en los clubes, así como promover los intercambios entre las agrupaciones, fomentar las relaciones con todo el medio teatral y finalmente premiar el trabajo artístico mostrado.
El montaje inaugural, La escalera de Jacob, producido por el Nuevo Grupo de  Hebraica, exhibido el pasado 5 de octubre, bajo la dirección de Johnny Gavlovski, fue aleccionadora cátedra con las sagas de la comunidad judía y sus peculiares enseñanzas para continuar la vida y así subir, paso a paso, la bíblica escalera  que Dios le ofreció a Jacob, para ascender al cielo  (Génesis,28,11-19/Juan 1:51).
Es por supuesto una prédica religiosa sobre el devenir del hombre y su  inevitable destino final para salvarse o condenarse. Ahí, una vez más, el pueblo de Dios asume su destino y lucha para no dejarse vencer jamás y ascender la escalera.
Un derroche de buen teatro de texto, por la correctísima comunión del director y autor escénico con sus actores discípulos, dentro de un sobrio ritual como pocas veces se percibe en otros escenarios capitalinos. Todos trabajaron, con finas maneras profesionales (buen ritmo, movimientos precisos y hermosas dicciones), además de las precisas caracterizaciones de Morella Biaggini de Lustgarden, Nissim Cojocaru, Irene Russo, Etty Mizrahi de Mattout, Jacques Biggio, Abraham Jalfón, Alegría Benzaquén de Rodríguez, Sasha Bograd Lamberti, Emma Schwarz, George Rotker y Anita Katz de Seeman.
 Todos hicieron posible la estrujante metáfora escénica  que se inicia con la visita de Rebeca (Morella) al  abandonado viejo bar de su abuelo (Nissim), para enfrentarse con los fantasmas de las historias familiares y tomando de ahí las enseñanzas de éstas para seguir adelante con su  vida hasta la etapa postrera.
Magnifico teatro didáctico como  varias veces le hemos visto a Gavlovski, infatigable y versátil teatrero que interpreta textos de Elie Wiesel (Hombres de Dios) sobre la escalera de Jacob y los cruza con fragmentos de No puedo imaginar el mañana, Háblame como la lluvia y déjame escuchar y La marquesa de Lankspur Lotion, obras de  Tennessee Williams. Ahí, los horrores del Holocausto, como Treblinka, y los valientes del bund recordaron a los venezolanos que la maldad humana persiste, como se materializó con los totalitarismos de la Segunda Guerra Mundial.
Y por supuesto que hay todo un equipo de productores y directores, como son Morella Biaggini de Lustgarden, Andrés Vásquez y Oscar Briceño Curiel, básicos y creativos para la calidad de este producto artístico  del Club Hebraica.

viernes, octubre 10, 2014

Nueva novela del venezolano Edgar Borges en España

Portada de la publicación del caraqueño Edgar Borges
La ciclista de las soluciones imaginarias, la nueva novela del venezolano Edgar Borges sale a las librerías españolas este lunes 13. El 17 la  presentan en el Festival Getafe Negro, el 27 en la Casa del Libro de La Gran Vía, y el 19 de noviembre en la librería Rafael Alberti.
La publica Ediciones Carena, una importante editorial con más de 20 años, ubicada en Barcelona que se mercadea a nivel nacional e internacional. Saldrá primero en España, Argentina y México.
Será presentada por el autor en la Casa del Libro de La Gran Vía de Madrid el próximo 27 de octubre. Luego, el 19 de noviembre, tendrá un encuentro con los lectores en la librería Rafael Alberti, de la capital española.
Informa Borges que durante el mes de noviembre, la revista estadounidense Review: Literature and Arts of the Americas (una de las más importantes de literatura en USA, donde  escribe, entre otros, Vargas Llosa) publicará en inglés “la conversación que sostuvimos Blades y yo en el Cervantes de Nueva York.
LA NOVELA
La ciclista de las soluciones imaginarias (Ediciones Carena, 2014), narrada desde la voz del funcionario permite conocer que el señor Silva es un contador público mermado por su realidad. En su vida el matrimonio, el barrio y el trabajo parecieran formar parte de una misma burocracia. La vida del funcionario, y la del barrio, cambiará ante la llegada de una ciclista acróbata y fotógrafa
“Un día, después de muchas mañanas de asomarme en el balcón de mi piso, vi la nada”. Con esa frase se inicia La ciclista de las soluciones imaginarias y el testimonio del Sr. Silva, un funcionario público que se siente prisionero de algo. Su trabajo en el ayuntamiento, su barrio, su matrimonio o su mente, algo o todo forma parte de la prisión de este hombre. El Sr. Silva padece una extraña enfermedad denominada “El mal de la mirada trastocada”. A pesar de las crisis ocasionales que le hacen ver el pasado y escuchar el presente, él se siente un sujeto normal atrapado entre la ilusión de lo que fue cuando estudió en México para contador público, y lo que terminó siendo desde que regresó a España para ejercer de contable ejecutor de burocracias.
El Sr. Silva descubrirá que su carcelera es Laura, su esposa; una arquitecta convertida en profesora que le ha diseñado una vida a imagen y semejanza de su enfermedad. La mujer de Silva comienza llamándole Sr. y termina cambiándole el lugar, los días y las fechas. El hombre dudará de la historia de sus padres, del paradero de sus tres hijos, si su etapa mexicana es un invento de su fantasía o el recuerdo de un tiempo mejor,  si vive en Gijón o en Madrid, o si en un sueño o en la realidad pretendió comprar un veneno para asesinar a su esposa. Las callejuelas del barrio serán un laberinto que se multiplicará en su vida para impedirle escapar del mapa existencial que le ha inventado Laura en complicidad con el Sr. Burgos, un contratista que mueve los hilos del Ayuntamiento para crear una realidad ajustada a sus intereses. El objetivo del Sr. Silva será encontrar un bosque cercano en donde jugaba de niño. En ese bosque ocurrió algo que guarda en su memoria. Pero de un tiempo a esta parte ningún vecino admite la existencia del bosque.
La vida del barrio cambiará ante la llegada de una ciclista acróbata. Se trata de una mujer que “lleva la bicicleta a donde otros lanzan cohetes y con su cámara de fotos capta los por qué de nuestras amarguras”.
La ciclista de las soluciones imaginarias retará la rutina del barrio con las figuras que dibuja sobre su bicicleta. La mujer crea un punto de comunicación entre la mirada desgastada de los adultos y la fantasía de la infancia. Ella se establecerá en un edificio donde dará refugio a los vecinos que renuncian a la amargura para crear inventos incomprensibles a la racionalidad social. Un día el Sr. Silva descubre el sentido ciclístico de la salvación. La ciclista se convierte en un peligro para los planes de Laura y el Sr. Burgos. La acusarán de patafísica y de hechicera.
AUTOR
 Edgar Borges (Caracas, 1966), escritor de novelas como ¿Quién mató a mi madre? (2008); La contemplación (2010) y El hombre no mediático que leía a Peter Handke (2012), ha creado su obra más ambiciosa. En esta historia lo imaginado se convierte en un espejo que transforma lo real. El autor ofrece una obra capaz de mantener al lector cautivado hasta la última página. Los personajes parecen surgidos de la mente de un adulto (el Sr. Silva) que extraña los juegos de su infancia. La ciclista de las soluciones imaginarias es una fábula sobre el condicionamiento de la imaginación de los adultos. 

martes, octubre 07, 2014

Murió el escritor Alejandro Lasser

Un intelectual  útil  a la  patria: Alejandro Lasser
Hernán Colmenares
 Alejandro Lasser, (Agua Larga, Falcón, 16 de agosto de 1916 / Caracas, 3  de octubre de 2014),  falleció a los  98 años de edad, convertido en  un escritor prácticamente olvidado en nuestro país, casi no se le nombra, y se tiene la impresión de que sencillamente, no se le ha leído.  Su vida y su obra, así como sus aportes a la literatura venezolana,  son desconocidos para la gran mayoría. 
  La voz ahogada  es una de las obras que dan singularidad a la novelística venezolana de los años cincuenta del siglo XX, junto con  Ana Isabel una niña decente  de Antonia Palacios;  Cumboto  de Ramón Díaz Sánchez;  El falso cuaderno de Narciso Espejo  de Guillermo Meneses;   La leyenda del Conde Luna  de Pedro Berroeta; y  Casas Muertas  de Miguel Otero Silva.
 Alejandro Lasser, estimado por el premio Nobel de Literatura, Vicente Aleixandre, como “un noble exponente de la novelística venezolana”, formó parte, entre 1941 y 1950, de los grupos literarios “Centro de Estudios del Presente”, y “Suma”, fundados por Juan Liscano, al que asistían Pedro Beroes,  Juan Beroes,  José Salazar Meneses, Carlos Augusto León, César Rengifo, Aquiles Nazoa,  Francisco José Monroy, Rafael Clemente Arráiz, y Guillermo Meneses, entre otros;  además,  estuvo vinculado a la revista “Contrapunto”, (1948-1950), dirigida por Héctor Mujica y Rafael Pineda, de la que fue colaborador y donde publicó un esbozo de sus  Apuntes para un retrato de Rufino Blanco Bombona Articulista de  El Nacional, desde los días de su fundación;  durante 25 años, entre 1964 y 1989, entregó una columna semanal a sus lectores. 
 MAESTRO DE LA ESCRITURA RENOVADORA
 Alejandro Lasser, con su arquitectura verbal logró, en  La voz ahogada, hurgar en los conflictos íntimos del ser humano, y desarrollarlos con admirable tino y precisión.   Un valioso aporte de creación sicológica, en donde lo onírico desempeñó un papel muy significativo.  Hasta ese momento, la novela venezolana era extrovertida, volcada hacia el mundo exterior, hacia el paisaje, las costumbres, lo social.  A partir de  La voz ahogada, se vuelca hacia las visiones, experiencias, vivencias, sobrevivencias que asedian y rondan la intimidad del ser humano, y que no es otra cosa que la afloración de nuestro ser.
 Y qué decir de   La Espiral y el Círculo (1992, Editorial Fundamentos, Madrid) Premio de Narrativa Guillermo Meneses, otorgado por el Círculo de Escritores de Venezuela; donde pone de manifiesto su condición creadora, gracias a la construcción de estructuras complejas y el uso expresivo de los tiempos verbales que marcan cambios anímicos y desplazamientos de perspectivas, que no son otra cosa que las  características de un escritor que ha sido lector atento de  Joice,  Flaubert,  Faulkner,  pero también de Dostoievski,  Alejandro Dumas,  Julio Verne, Emilio Salgari,  Víctor Hugo,  y Cervantes, por quien siente especial admiración.
 PROFETA,  ALLENDE LOS MARES   
 Alejandro Lasser, doctorado, en 1941, en Ciencias Políticas por la Universidad Central de Venezuela, ha navegado, con soltura, a lo largo de su vida, en las aguas de las ciencias jurídicas, y  de la literatura, valga decir, la novela, el ensayo, y la dramaturgia.   Pese al inexplicable silencio, en todas estas décadas, de la crítica nacional, su contribución a la literatura venezolana, y, por ende, iberoamericana, aparece registrada en una extensa bibliografía especializada sobre el tema.    
 Al escritor Alejandro Lasser, el reconocimiento siempre  le ha venido de fuera, en 1960, representó a Venezuela, junto a Juan Oropesa, y Mariano Picón Salas,  en  las Jornadas de Teatro Hispano de la Sorbona, de París, donde se proyectó el cortometraje Reverón de Margot Benacerraf.  En mayo de 2004, se le distinguió como Invitado Especial, por el Instituto Cervantino de México, la Universidad de Guanajuato,  el gobernador de esa entidad, Juan Carlos Romero, y el Museo Iconográfico de Guanajuato, para que  disertara, en El Coloquio Internacional Cervantino, sobre su último ensayo “Comparación de Don Quijote  con  Los Hermanos Karamazov, de Fedor  Dostoievsky.    Una honrosa excepción la tenemos en  2006, cuando fue objeto de reconocimientos por el Círculo de Escritores de Venezuela; y las Academias Venezolanas  de la Lengua y Ciencias Políticas y Sociales, por sus aportes a las Letras y al Derecho.   Y el 14 de diciembre  de 2011, la Fundación  Casa  del Artista le  hizo un reconocimiento  por sus aportes a la literatura  y  dramaturgia  venezolana.
 ABOGADO, NOVELISTA,  DRAMATURGO Y ENSAYISTA
 Alejandro Lasser supo combinar el estudio y la práctica del derecho con el quehacer literario.  En el ámbito jurídico ha publicado  Temas de derecho de familia y menores;   Marginalidad social y justicia y otros ensayos.   En narrativa tiene en su haber: Sin rumbo  (1944);   La voz ahogada, 1952;   La muchacha de los cerros1958;  y  La espiral y el círculo, 1992.
 Sus principales obras dramáticas son: El general Piar (1946, Editorial Patria, Caracas), montada, en 1960,  por el grupo de teatro Compás, dirigida por Romeo Costea, en el primer festival de teatro venezolano; donde se permite abordar la imperfección de la justicia aplicada por los hombres.
 Luego sigue con  Catón y Pilato, (1966, en “13 autores del nuevo teatro venezolano”, compilador Carlos Miguel Suárez Radillo, Monte Ávila Editores).     La Cueva  (1967, Ediciones Zodíaco, Caracas),  puesta en escena en dos ocasiones por el grupo Compás, pone de manifiesto su preocupación por la estructura teatral  y un muy cuidado lenguaje.  Una lección aprendida de su maestro Julio Planchart: “escribir con precisión, claridad, sin excluir la belleza”.
 Catón en Utica,  La entrega de Miranda  o el maestro y el discípulo   (1990, Editorial Lisbona, Caracas);  El tiro que derribó la montaña, (1994, Círculo de Escritores de Venezuela) con   prólogo de Rodolfo Santana; y  El evangelio de Nataniel, entre otras.  En todas sus obras (14 teatrales, 5 novelas, ensayos, un sinnúmero de artículos periodísticos, y un libreto de ópera: El Caballero de Ledesma  estreno mundial en el Teatro Municipal, el 18 de mayo de 1979),  está presente  la reflexión ética en un mundo complejo, riesgoso, que, sin embargo, nos permite vislumbrar lo positivo, la opción salvadora en medio del caos, muy propio de nuestros días.   ¡Descanse en  paz, maestro Alejandro Lasser !


domingo, octubre 05, 2014

Hamlet con zancos

Hay  una  generación  novedosa  y  trabajadora agrupada en Ciane
¿Cuántas representaciones se han realizado de  Hamlet   en Venezuela? Difícil responder con exactitud, ya que la historiografía teatral carece de los  folios básicos para una información veráz. Lo único que atestiguamos es que el  Hamlet   mostrado por Ciane, durante cinco noches del pasado septiembre en el teatro Bolívar de Caracas,  es único; ningún grupo de teatreros venezolanos se había atrevido a tanto en un escenario convencional con una obra tan monumental.
 Hamlet, extensa pieza sobre la venganza y todas las desgracias que sufre su protagonista, un príncipe que descubre de manera fantástica el adulterio de su madre y el asesinato de su padre, todo orquestado por su tío (algunos dicen que es el verdadero progenitor del angustiado vengador) para quedarse con el reino. Este montaje  merece  que se le represente de nuevo y se le haga una especie de foro con el público para ahondar en la saga y enseñar las características de tal teatro “físico”, donde hay apretada simbiosis de teatro, danza y prácticas  circenses
Con este  Hamlet , a la venezolana,  la fuerza dramática se manifiesta  por el deseo de  venganza, la locura, la muerte, el incesto, el sexo,  la lealtad  y la  deslealtad, que de por sí, a través  de los siglos, encienden y desbordan las pasiones humanas.
También,  en última instancia, es importante que en Caracas no menos de tres mil personas hayan visto así un espectáculo arrollador, alucinante y digno de continuar siendo mostrando por toda la creatividad ahí compilada y porque ahora más nunca ese texto escrito por William Shakespeare hacia 1601 tiene total validez, al tiempo que se comprueba que existe  una artista, como Soraya Orta, capaz de crear un discurso teatral apuntalado en los juegos circenses donde la habilidad física de sus integrantes es impactante y aleccionadora por todo ese discurso del arte del movimiento imbricado con el arte de la palabra.
Simbiosis total
Circo, música, danza y teatro,  simbiosis  de lenguajes  entre  luces cenitales  y  estructuras  metálicas, donde participan motocicletas,  los  zancos  y el fuego,  que muestra este   Hamlet  en su disyuntiva  de  ser  o  no ser. La sólida y creativa preparación física y la  dirección general  es  de Soraya Orta, y  el trabajo vocal de Cristóbal Mendoza y Yurahy Castro; los músicos   y cantos,  responsabilidad de Cristóbal Mendoza.  Los diseños de iluminación de vestuarios son de Peggy Bruzual y  Rufino Dorta. Realización de máscaras de  Crisbel Guzmán,  Devinson Ferrer Y Carlos Valiente.   Montaje y manejo de aéreos, pirotecnia de  Ciane y producción general de Peggy Bruzual. Los interpretes son: Martín Astudillo, Oliver Jaramillo, Scarlett Jaimes, David Abad, Ramón Goliz, Yurahy Castro, Jota Leal, Rufino Dorta, Pedro Pineda, José Sánchez, Devinson Ferrer, Marcos Díaz, Yehisson García, Carlos Valiente, Badyr Paracuto, Cristóbal Mendoza, Crisbel Guzmán, Jhonny Torres, Antony Moreta, Alba Barazarte, Carlos Valiente, Luigi Lobig, Yehisson Garcia, Alba Barazarte, Ivamary Lozada, Badyr Paracuto, Cristóbal Mendoza, Oliver Jaramillo, Marcos Díaz, Yehisson García y Kathy Colina.
Orígenes de Ciane
El Centro de Investigación  Artística Nueva Escena (Ciane) es creado a finales del año 2002 para fusionar la experiencia artística y pedagógica que tenían Peggy Bruzual y  Soraya Orta y convertirlo así en proyecto creativo orientado hacia el trabajo transdisciplinario y experimental, donde se  fusionaran diversas disciplinas relacionadas con la escena y que adicionalmente pudiera impulsar el desarrollo social a través del arte, de la investigación y formación de todas las posibilidades de las artes escénicas en general; potenciando especialmente actividades enfocadas al desarrollo de espectáculos para lugares no convencionales, teatralizando los espacios públicos, convirtiéndolos en escenarios, involucrando al colectivo e impulsando la asistencia masiva a estas actividades. Soraya Orta puntualiza que  comenzó  con una investigación individual que ya “venía gestando  desde años atrás, estudiando e investigando a partir de mi propio cuerpo como instrumento, profundizando en el teatro físico, la biomecánica, la danza contemporánea, el trabajo con los zancos, la acrobacia y disciplinas deportivas de alta exigencia psico física, etcétera”. Quería además darle vida a los zancos, “hecho que surgió tratando de entenderme como cuerpo extensivo en movimiento, quería convertir el metal en carne, en hueso, en piel, y solo podía hacerlo investigando, entendiendo que el aprendizaje responsable debía ser el camino para encontrar una técnica de enseñanza que me permitiera masificar ese conocimiento técnico que encontraba cada día”. 
Fue como aprender a tocar un instrumento musical, y luego aprender a enseñarlo, reitera Soraya, que para ello hay que estudiar, entender y dedicarse con pasión, “debía profundizar en anatomía, matemática, física, biomecánica, era como amalgamarme al arte a través de la ciencia por una necesidad de expresar a otra altura, separada del suelo pero a la vez unida a él”. Y puntualiza que lejos del suelo indudablemente se genera a través de la óptica visual sensaciones y estados que detonan un mecanismo de sensibilización perceptiva  frecuente, en ningún momento el cuerpo  deja de estar activo pues el cerebro constantemente envía ráfagas de alerta a través de los sentidos, esto hace que nuestro cuerpo se  exprese desde la ingenuidad y desde una bondadosa honestidad física. El intérprete que decide ejecutar una herramienta extrema o riesgosa en escena debe prepararse muy bien y saber manejar su mente-cuerpo. Hablamos de un equilibrio no solo físico sino también un equilibrio interior. La investigación para “Hamlet” partió de las sensaciones generadas desde los zancos conjugadas con la acrobacia, la danza y el teatro físico, movilizadas por la poesía y los estados vivos y luego trasladadas hacia un teatro de múltiples dimensiones, un teatro que abordaba los diferentes niveles espaciales, que desafiaba la gravedad estimulando los sensores de los intérpretes con múltiples “pisos” o sin ellos, en el aire,  sobre zancos, o sobre otro interprete estando éste a su vez sobre unos zancos, y así, comenzaron a surgir ideas, necesidades, alternativas espaciales y sensoriales".