Festival de Teatro breve en Los Teques

Poco a poco se gesta el lanzamiento y la creación de un Circuito Nacional de Artes Escénicas y es por eso que el próximo sábado 9 de Julio , a las 5:00 de la tarde, sube el telón del I Encuentro de teatro Breve 2016, una actividad   innovadora, la cual se realizará a través de un circuito itinerante a lo largo de cuatro espacios dentro del Parque Social y Cultural “Villa Teola” y el Anfiteatro Tanchyat Díaz, ubicados en Los Teques, estado Miranda, donde se escenificarán seis  clásicos de la dramaturgia universal y venezolana en formato breve.

La organización del encuentro corresponde a la Compañía Producciones VENETEATRO, con el apoyo de Metro de Los Teques, el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, la Alcaldía del Municipio Bolivariano de Guaicaipuro y el Centro Nacional del Teatro, bajo la égida de Alfredo Caldera .

En enero se inició la convocatoria para el Taller de Actuación Profesional 2016 para Teatro, Cine y Televisión, el cual se ha realizado durante seis meses en los espacios de la Escuela de Cultura Popular Alí Primera y el Parque Social Cultural “Villa Teola”, contando además con la participación de distintas figuras del medio artístico como invitados especiales.

 El resultado ha sido más de 40 nuevos artistas formados con diversas técnicas, disciplina y mística profesional que se disponen para escenificar, dirigir, producir y actuar en seis piezas de 15 minutos, basadas en los clásicos del teatro universal y venezolano. Además como plato fuerte, los espectadores podrán ser partícipes a través de una ruta teatral itinerante.

PRIMERA TEMPORADA BREVE

La dirección general del I Encuentro de teatro Breve 2016 está a cargo de Dante Lombardi, quien a lo largo de seis meses de ensayos dentro del proceso de formación del Taller de Actuación Profesional, realizó la selección de los textos considerando un panorama que mostrará la evolución del teatro en el transcurso de la historia. Desde un Sófocles hablando sobre el principio de los derechos humanos, hasta un Rengifo que denuncia la mercantilización de la vida y la muerte, de un Shakespeare o un Lope de Vega que nos recuerda permanentemente cómo podemos amar tan apasionadamente o cómo puede pervertirse la moral de las personas ante el poder y la corrupción. La muestra final del Encuentro de Teatro Breve narra la historia de nosotros mismos como civilización a través de las voces de su dramaturgia. 

La primera temporada del I Encuentro de Teatro Breve 2016 SE iniciará el próximo sábado 9 de Julio en los diversos espacios del Parque Cultural “Villa Teola”, incluyendo el anfiteatro Tanchyat Díaz.

 Las funciones serán todos los sábados y domingos a las 5:00pm durante cuatro semanas hasta el 31 de Julio. La invitación es para toda la comunidad de los Altos Mirandinos y la Gran Caracas para que vengan a disfrutar de lo mejor del Teatro Clásico en formato breve, dice Dante Lombardi

TEATRO CLÁSICO BREVE

Los espectáculos que se mostraran son estos:

Romeo y Julieta. Dos jóvenes enamorados, cuya rivalidad entre sus familias les hacen conducir a un destino de fatalidades, la muerte de ambos supone el fin de la disputa y el castigo a la soberbia de las castas familiares.

Hamlet. La trama relata la incertidumbre del príncipe Hamlet ante la aparición del espectro de su padre quien pide venganza por su asesinato a manos de su hermano Claudio. La traición, la irá, el incesto y la corrupción moral se exponen en locura real o fingida del cual no podrá escapar el príncipe a quien le espera un desenlace trágico.

La Dama Boba. Inspirada en el clásico del Siglo de Oro español del dramaturgo Lope de Vega, nos relata el poder educativo y sanador del Amor. Es una comedia donde dos hermanas Finea y Nise son víctimas del machismo social y cuyas vidas están a la sombra del padre o del marido. Sin embargo, un amor en común las hará enfrentarse entre ellas, poniendo a prueba sus objetivos amorosos y superando a los propios prejuicios sociales.

Sueño de una Noche de Verano. Es una historia llena de fantasías, amor y enredos. Puck, el duende travieso del bosque tiene un líquido extraído de una flecha de Cupido,  el cual echará en varias parejas de enamorados de manera equivocada causando un cruce de enredos y enamoramientos disparejos. Incluso, la reina de las Hadas se enamorará imprevistamente de un hombre disfrazado de burro.

Antígona. Las leyes de los hombres no pueden estar por encima de las leyes divinas, así manifiesta la joven Antígona, quien se rebela ante los dictámenes del Rey Creonte, quien prohibió que su hermano Polinices recibiera sepultura a causa de una cruel guerra fratricida. Es una de las tragedias más importantes del Teatro Clásico, que expone el fatal destino de una heroína, cuya desobediencia acarrea su propia muerte, enalteciéndola como un gesto de dignidad y orgullo. Creonte, al perder al resto de su familia, tardíamente se dará cuenta de su irremediable error.

La fiesta de los moribundos. El cierre de la ruta teatral de pequeño formato,  estará a cargo de una versión escénica a partir del texto escrito por el emblemático dramaturgo venezolano César Rengifo. Es una comedia satírica que muestra la actitud de un empresario que se encarga de negociar con cadáveres los cuales son vistos como un “producto” o  materia prima para la elaboración de comida de pollos o artículos de belleza. Es una denuncia contra la comercialización del ser humano como una mera mercancía y hacia la deshumanización empresarial. Con esta pieza Rengifo consolida su gran conciencia ideológica en pro del espíritu humanista y ratificando su compromiso social.

Terror aéreo para los caraqueños

Un espectáculo que obliga a tomar una oposición ideológica.

No es frecuente que en el teatro se le pida al público una decisión, afirmativa o negativa, sobre lo que han visto y ponderado después de 90 minutos de representación. Ahora se le solicitará que emita un juicio de valor y vote en una urna, si el personaje protagónico es culpable o inocente, lo cual exige una reflexión inmediata sobre la rocambolesca decisión de ese militar que eliminó a 164 personas para salvar a unos 70 mil fanáticos del fútbol.

Ojo, no se trata de un espectáculo antimilitarista. Es una cruda invitación a reflexionar sobre el significado del terrorismo y lo que dicen las leyes para preservar a los ciudadanos y evitar que se repitan algunos nefandos hechos. Es Terror, inteligente y comprometido montaje teatral para reflexionar no solo sobre lo que acontece en la escena sino sobre un alucinante escenario de guerra mundial en que actualmente se debate la humanidad.

En Terror, una aeronave es secuestrada por un terrorista quien amenaza lanzarla contra el estadio de fútbol, donde esa noche juegan las selecciones de Alemania y el Reino Unido. Las autoridades germanas mandan a contactarla visualmente  con uno de sus  aviones cazas, tratando de ganar tiempo para una negociación, pero el piloto  militar opta por destruir al avión, porque de lo contrario perecerían, por lo menos, 70 mil personas que presencian el encuentro futbolístico. ¿El mayor Lars Koch, piloto del avión caza está en la necesidad de responder? ¿Cuáles son sus órdenes? ¿Él debe derribar el avión de pasajeros cuando los terroristas no cedan? El reloj no se detiene y toma una decisión. Unas meses más tarde se debe justificar ante un tribunal del jurado

 Este Terror, del abogado y escritor alemán Ferdinand von Schirach (Múnich, 1964), es un juicio teatral para condenar o liberar a un militar, quien decidió derribar un avión civil con 164 pasajeros, que volaba entre Berlín y Munich. Bajo la dirección de Héctor Manrique se presenta esta pieza que, a partir de la difícil decisión de salvar unas vidas a costa de otras, explora los rincones oscuros de la conflictiva personalidad humana. Un montaje, llevado finamente por su elenco, el cual obliga a que el espectador venezolano compare su realidad con lo que se muestra desde el escenario. Una vez más, el buen teatro es cátedra culturizadora, como debería ser siempre.

Este dilema ético de condenar o absolver al mayor Lars Koch, es el planteamiento de Terror, nueva propuesta del Grupo Actoral 80, que hace temporada en el Trasnocho Cultural con un elenco de primeras figuras encabezado por María Cristina Lozada, Sócrates Serrano y el propio Manrique, acompañados por Martha Estrada, Daniel Rodríguez, Juan Vicente Pérez, María José Castro y Eduardo Pinto, en una pulcra producción general de Carolina Rincón.

Terror ha tenido notable éxito de crítica y de público en Europa y se estrena en Caracas gracias al Instituto Goethe, porque plantea una serie de interrogantes sobre los roles del Estado y la sociedad civil. ¿Qué sucede si el terror domina nuestra vida cotidiana? ¿Qué significados tienen lo legal, lo moral y lo filosófico en nuestra sociedad al ocurrir una situación tan excepcional? ¿Se puede violar la dignidad humana si supuestamente hay más personas que se pueden salvar?

Estamos seguros que el público caraqueño decidirá entre los sentimientos y los razonamientos jurídicos y que seguramente triunfará el perdón. Sería interesante hacer funciones ante juristas y militares, para escuchar sus opiniones. El teatro es para pensar, ha sido así desde hace 4 mil años, por lo menos.

Este espectáculo merece un comentario más amplio y más preciso, así lo haremos.Por ahora que el público lo disfrute, como efecto ocurrirá, es lo importante.

Un adiós al apasionado Mauricio Walerstein

En los 30 años que estuvo en Venezuela, este cineasta mexicano nacido en 1945 que se convirtió en uno de los precursores del cine nacional al lado de Román Chalbaud y Clemente de la Cerda, nos dejó mucho más que su gran cinematografía este 3 de julio.

Mauricio Walerstein llegó a Venezuela en el año 1972, para tomar las riendas de la producción de una película con miras a regresar pronto a su país, donde era conocido en su doble papel de director y productor. El cine azteca era una industria pujante y el apellido Walerstein no era ajeno a ella. Su padre, Gregorio Walerstein, era además de escritor, un prolífico productor mexicano que llegó a acumular una filmografía de 313 películas producidas. El cine fue un oficio hereditario, por eso no fue extraño que a los 22 años, Mauricio comenzara a sumar en su filmografía bajo el papel de productor, títulos como Los Caifanes, Patsy mi amor, Para servir a usted y Paraíso. Fue en el año 1971 cuando empieza su trabajo detrás de las cámaras con los largometrajes Las reglas del juego y un año después estrena en México Fin de fiesta. Es en México donde conoce al cineasta Román Chalbaud durante un festival de teatro y al director de fotografía Abigaíl Rojas, admirador de sus películas.  A su llegada a Venezuela, en 1972, fue Abigaíl Rojas quien puso en sus manos un ejemplar de la novela Cuando quiero llorar no lloro, escrita por Miguel Otero Silva, con la intención de llevarla al cine. Walerstein se enamoró de la historia y vio una oportunidad de rodar fuera de su país temas que podían burlar la censura. A finales de la década de los 60 y principio de los 70, Walerstein sintió que en México era imposible asumir una posición crítica desde el cine, porque el gobierno mandaba en todos los procesos creativos, desde el dinero que otorgaba para rodar películas hasta en las salas de proyección. Por eso, vio la oportunidad en Venezuela de tener la libertad de explotar un imaginario cinéfilo que se traduciría en historias que romperían esquemas no sólo en Venezuela, también en Latinoamérica. Mauricio Walerstein no lo sabía en su momento, pero con su primera película en el país iba marcar una pauta y a quedarse por más de tres décadas. Cuando quiero llorar no lloro se estrenó en 1973 con un gran éxito tanto de crítica como de taquilla. La adaptación del libro a guión fue un trabajo en conjunto con Miguel Otero Silva y Román Chalbaud, y de esa primera experiencia de Walerstein en el país, logró el reencuentro de un público que necesitaba verse reflejado en la pantalla grande.  Muchos críticos de cine, llamaron a esa primera obra del mexicano en el país el paso “hacia la industrialización de nuestro cine”, lo que representó el reencuentro real con una producción nacional cinematográfica.  Mauricio Walerstein había encontrado la fórmula de combinar con éxito lo político y social, y la aplicó en sus dos siguientes producciones, Crónica de un subversivo latinoamericano  del año 1975, y su obra más reconocida fuera del país,  La empresa perdona un momento de locura , protagonizada por Simón Díaz en 1978. Con este último largometraje, adaptación de la obra de teatro de Rodolfo Santana, ganó el premio del público en la cuarta edición del Festival de Cine Latinoamericano de Huelva, como un reconocimiento por abordar el tema de la explotación en el ámbito laboral. El nombre de Mauricio Walerstein ya se escribía en la historia del cine nacional como uno de los precursores de su crecimiento al lado de Román Chalbaud y Clemente de la Cerda. Después de su trilogía social, era el momento para Walerstein de experimentar en otros caminos: sus obsesiones. De lo social a la pasión  Irreverencia, pasión, trasgresión y sensualidad. Esas cuatro características rondaron los siguientes años en la filmografía de Mauricio Walerstein quien confesó que le gustaban los personajes que “se aman hasta el límite, a veces hasta morir”.  Walerstein consideraba que el cine venezolano estaba todavía plagado de temas sumidos en el “colonialismo”, por eso, en 1982 su película La máxima felicidad llegó a las salas de cine con la intención de romper paradigmas, una manera de cercar el tabú desde un tema donde explora la bisexualidad y la historia de un triángulo amoroso entre dos hombres y una mujer. También en esta ocasión, se apoyó en la homónima obra de teatro de un conocido: Isaac Chocrón.  Más allá de alejarse del tema, Walerstein siguió hurgando en las pasiones con una obra cinematográfica que se inscribe como la más recordada, “Macho y hembra” (1984), lo cual representó otro vuelco del público a las salas de cine. Tres largometrajes más completarían su paso por el melodrama, De mujer a mujer (1986), Con el corazón en la mano (1988) y Móvil pasional del año 1993, aunque con estas nuevas experiencias las críticas apuntaban que el cine de Walerstein estaba rondando lo comercial, dejando de lado una profundidad en sus personajes.  El cineasta mexicano toma una pausa y filma en Venezuela en el año 2000, Juegos bajo la luna. Los últimos días  Ante el fallecimiento de su padre, Gregorio Walerstein, Mauricio regresa a México para encargarse de la productora cinematográfica y se queda en su país donde continúa como director en Travesía en el desierto (2011), una co-producción México-Venezuela, apoyada por el CNAC, la cual se estrenó ese mismo año en nuestro país y obtuvo 22.625 espectadores, para finalizar su trabajo tras las cámaras con Canon-fidelidad al límite (2014).  Aunque no regresó más a Venezuela, sus lazos continuaron desde México donde siguió en colaboración con directores, escritores y actores del país.  “Ni yo he dejado Venezuela, ni Venezuela me ha dejado a mí”, confesaría el director sobre sus 30 años de trabajo en el país, donde se apuntó como uno de los precursores del cine nacional.

Mawarí Basanta Mota

Hormigas que buscan espectadores

Un montaje que debe ser repuesto para los caraqueños.

Dos colegas periodistas, conocidos de otras épocas, Yoyiana Ahumada Licea  y José Tomás Angola Heredia, decidieron sumar talentos y esfuerzos para escenificar el monólogo, con soportes, Polvo de hormiga hembra, escrito por ella y con la autoria escenica del colega. Lo presentaron, en horarios especiales del teatro Humboldt, uno de los mejores espacios de Caracas, poco utilizado por el contexto donde funciona (zona alta de San Bernadino). Aún así, tras vencer obstáculos que genera el miedo, hubo suficientes espectadores que degustaron tan curioso espectáculo. Deben llevarlo a una zona menos peligrosa para que sea más disfrutado, fin último de una producciòn teatral artistica.

Lo de “curioso” es por el montaje, ya que Ahumada  Licea entregó un texto centrado en el drama de Maya, una bailarina que pierde su carrera y su vida al sufrir una imcurable enfermedad degenerativa, miastemia gravis, que la paraliza lentamente pero con aguda actividad cerebral, que es su tormento porque puede recordar y maldecir lo no hecho, al mismo tiempo que debe soportar el prologado tiempo en su lecho hasta que se paraliza el sistema respiratorio y llega la muerte. Pude conocer y tratar a un importante caballero venezolano que culminó su vida de esa manera, pero mantuvo su lucidez y hasta pronosticó lo que nos iba a pasar como país, en aquellos años 90.

Al colega Angola Heredia se le volaron los tapones, para decirlo coloquialmente. Se inventó una puesta en escena con soporte tecnológico, donde hibridó teatro, poesía, música, danza y un video con mapping interactivo en tiempo real. Era un constante salto visual entre la caja de Sabatini y la pantalla para ver y degustar efectos y además escuchar la selecta música escogida.

La protagonista Carolina Wolf fue acompañada de primeras figuras del teatro, todas desenvueltas en escena y con sumo grado de maestría y estilo único. Hay que esperar que lo lleven a otra sala para deguitarlo mucho más. ¡Creemos que hay un proyecto fílmico en camino!

FICHA TECNICA

Mientras reaparece este espectáculo, porque en eso están trabajando, es oportuno recordar que ahí trabajaron: Gerardo Soto Benítez, (El hombre); Liliana Meléndez (La madre/Madame Getté); Ignacio Marchena (El doctor/Maese Di Salvatore). Y el regreso a la actuación de la autora, Yoyiana Ahumada Licea (La enfermera/Alumna/Margot). Coreografía: Armando Díaz. Dirección de Arte: Escenografía: José Tomás Angola Heredia. Vestuario: Elizabeth Irausquin, Fabiola Neri. Concepto multimedia: José Tomás Angola Postproducción y VJ: George Palmer e Ionee Waterhouse. Música: Gabriel Dupont. Intérprete: Nancy Quiróz. Producción Ejecutiva: Cuarta Pared Producciones/La Máquina Teatro. Producción General: Carlos Eduardo Silva. 

El Defensor y su bisagra para la politica y la poesía

EL POETA QUE NO EVADE SUS COMPROMISOS

Al poeta y abogado Tarek William Saab, actual Defensor del Pueblo, importante y comprometido cargo público para el cual fue designado por la Asamblea Nacional hasta el año 2021, sus padres, emigrantes libaneses, le revelaron desde muy temprano que había nacido el 10 de septiembre en la población El Tigre, del estado Anzoátegui.

Pero él ahora no precisa cuando se hizo o se sintió poeta o la poesía lo descubrió y lo hizo suyo, aunque de lo que si está seguro, y nos lo dijo, vehemente, que fue allá, en la Escuela Simón Bolívar, de su pueblo natal, cuando se descubrió haciendo poemas y precisamente mientras escuchaba una aburrida clase fisica que le descendio la musa y escribio “Lluvia”, en uno de sus cuadermos escolares, pero no tuvo la precauciòn de guardalo. Y habrìa sido  importante que lo mostrara ahora, precisamente cuando el  XIII Festival Mundial de Poesia, que se realiza a lo ancho y largo de Venezuela, lo homenajea y lo exalta ante los bardos nacionales e intermacionales que hacen posible tan singular evento. Habria sido su partida de nacimiento como vate. “No era tan malo, tampoco era gran cosa”, reitera.

Destaca que su actividad pública como poeta comenzó a los 15 años al publicar unos cuantos versos en el diario Antorcha, de El Tigre, gracias a su padrino, el director Edmundo Barrios.

Cuando decidió estudiar una carrera universitaria se instaló en Mérida para aprehender Filosofía y Letras, pero pronto se dio cuenta que ahí no se iba a formar como poeta, sino como profesor, porque ya sabia que la poesía nacía de la vida vivida, de los sentimientos, de las emociones y del contacto con la gente. También ya era un incipiente activista político, fungía como líder de los estudiantes y seguidor del Partido de la Revolución Venezolano, que para entones lo dirigía Douglas Bravo. La poesía y la política se le habían instalado y empezaba su periplo existencial en el cual no ha desfallecido a pesar de unos cuantos sobresaltos.

 Durante los años 1983 y 1984 redactó su primer poemario, Los rios de la ira, de 150 páginas, que recibiò  el pròlogo  del poeta Gustavo Pereira, con el concursó para el Premio Francisco Lazo Marti, donde fue primer finalista. A partir de su publicación le llovieron las invitaciones a recitales  y las reseñas en periodicos y revistas. Habìa arrancado ahora su tránsito por la poesía  y hacia 1992 con la publicacion de El hacha de los santos y Principe de lluvia y duelo, se gana un premio para acudir a un taller de poesia en Malaga con literatos de la talla de Josè Saramago, Abel Posse, Jorge Amado, Mario Benetti y otras figuras destacadas del verso y la prosa hispanoamericana.

Su actividad como poeta y activista por los derechos humanos  no le dejaba tiempo para más actividades, pero logra graduarse como abogado en la Universidad Santa Marìa (1990) e intenta sacar un post grado en la UCV. Viene la tormenta politica y fue hasta abogado del teniente coronel Hugo Chávez Frìas, cuando lo recluyeron en Yare.

Su poesia se hace mas compromtida por su vinculacion y abierto compromiso con los sectores sociales más desfavorecidos de Venezuela.Lo eligen para la Asamblea Constituyente y participa en la redaccion de la Carta Magna del 1999.Fue gobernador del estado Anzoetgui, durante ocho años,  y ahora es Defensor del Pueblo.

Admite  que su poesia  estaba mas vinculada a la lucha socia, el amor o el erotismo, pero un viaje al Pakistan, en 2006, despues de un cataclismico terremoto, ttastocó su motivacion. “Ahora trabajo el dolor y sufrimiento como redención del hombre para lograr una belleza interior superior. Occidente ve el sufrimiento cercano al desasosiego o al suicidio. Pienso que eso debe trascender hacia una victoria espiritual”.

La poesía de Tarek Wiliam Saab es universal, de solidaridad y amor con los pueblos heridos del mundo, en  particular con los  pueblos arabes, afirma el bardo Pausides Reyes en el prólogo de su mas reciente publicación: Antologia minima, la cual reune un selección de poemas entre los años 1984 y 2007.

Rechaza las crìticas  que le hacen por su vinculacion con el poder  y admite que todo eso es efìmero, no siempre ha estado en el poder. “Quienes han visto mi cultura política saben que no hago cosas que pudieran considerarse negativas o abusivas. Salvo la época de 2002, cuando hubo agresiones en mi contra y mi familia, he sido una persona dispuesta al diálogo. Ser poeta me ha hecho una bisagra para el entendimiento. Y he entregado otros siete poemarios, hermosamente publicados”.

"Donde caerme viva" o las lesbianas del 2016

El elenco y su director Costa Palamides.

Sin pareja porque se la mataron, sin apartamento y sin cama porque todo se lo expoliaron y con pocas amistades sinceras, no puede  dejarse morir así no más; debe  seguir viviendo hasta que un Dios o la naturaleza le quiten el peso de tal vida y la lancen a otra dimensión. Mientras tanto debe buscar donde caerse viva y proseguir avanzando y buscando como cambiar o mejorar. No es fácil.

Este el colofón que se nos ocurre después de haber visto y reflexionado sobre la humanísima y actualísima obra teatral Donde caerme viva, precisamente en Venezuela, donde todavía la homofobia es rechazo, aversión, odio, prejuicio o discriminación hacia hombres o mujeres homosexuales, lo cual además involucra a bisexuales, transexuales y travestis. No es invento periodístico ni vagabundería de teatreros ni de reporteros buscando escándalo para hacerse famosos. Tristemente, la homofobia, a caballo sobre los crímenes de odio, mata a quienes se atreven a practicar tales conductas y por supuesto ha eliminado venezolanos y venezolanas, entre otros. Es una letal realidad, incluso prohibida por la Carta Magna, porque no hay leyes que prohíban y sancionen esos asesinatos de odio y discriminaciones, ni tampoco están autorizadas las uniones libres o matrimonios para hacerles la vida más llevadera a esos “raros” o “raras” que deciden vivir amorosamente juntos o arrejuntares o en concubinato, sin dañar al vecindario. Se necesita una verdadera y auténtica revolución cultural, desde los hogares, además.

En un teatral  contexto venezolano, donde obviamente no hay respeto a los derechos humanos, porque coexisten  homofobia y  nefandos crímenes de odio,  irrumpe el montaje Donde caerme viva, con el cual,  el autor Elio Palencia y el director Costa Palamides, rompen brillantes lanzas para revelar la sobrecogedora historia de la criolla Maigualida (Marisol Matheus) y la colombiana Raquel (Juliana Cuervos), quienes, durante una feliz noche, cuando festejan sus 15 años de amores y convivencias,  se ven  tronchadas para su siempre sus vidas en común, por los tiros de unos malandros en la madrugada caraqueña y la mefistofélica irrupción de  la sobrina Yariza Josefina (Norma Monasterios) quien, cual bruja maléfica, procedente de Tinaquillo,  aparece para llevárselo todo y dejar en la calle a la sobreviviente, precisamente la cachaca Raquel. Tres performances desgarradores y desgarrantes que están de premio por su entrega profesional.

Donde caerme viva es la pieza con la cual Palencia rompe fuegos contra una sociedad que discrimina y suscita crímenes de odio. No es frecuente que los criollos aborden la singular temática de las lesbianas y logren además que sus textos lleguen a escena. Si la memoria no nos falla, fue en 1970, cuando Caracas se escandalizó ante la pieza La buhardilla, de Gilberto Pinto, donde dos cachaperas son sometidas y finalmente muertas por unos tramposos caballeros. Bertha Moncayo, Martha Mijares, Giampero Micucci, Martin Lantigua y Blanquita Pereira fueron los solventes intérpretes de ese texto imborrable e inolvidable, el cual se mostró en el Teatro Triangulo, frente a la plaza Tiuna.  Desde entonces, salvo dos o tres obras más, esos valientes personajes de mujeres venezolanas no se lucen ante la audiencia, están invisibilizadas, porque hay una curiosa misoginia de los mismos gays con capacidad de mostrarlas en el teatro.

Como la agrupación artística Teatrela cumple 30 positivos años teatrales, ahora en la sala Horacio Peterson, de Unearte, hace temporada Donde caerme viva, espléndido y oportuno espectáculo que vimos en estremecedor y satisfactorio ensayo general y además la normal función de estreno,  todo eso nos permitió ponderar  y degustar también los talentos de Nirma Prieto, Daifra Blanco, María Alejandra Tellis (¡bravo!) y Ruth Cabeza, para exhibir su valiente y artística denuncia sobre un sórdido estado de cosas, cuya realidad es superior a lo materializado.  

El plantel de creadores en Donde caerme viva continúa con un envolvente dispositivo escenográfico creado por Oscar Salomón para un cuadrado espacio central; el diseño de luces es de Darío Perdomo; la música original de Pantelis Palamides y la producción general de Juan Carlos Azuaje, actor fundador, director y productor general de la agrupación cumpleañera. ¡Creemos que Donde caerme viva hará historia cultural!

Relanzan a la Compañía Nacional de Teatro

YA VIENE UNA TEMPORADA DE "PELUDAS EN EL CIELO"

El ministro de Cultura, Freddy Ñañez, informó que abrieron la convocatoria para  recrear la Compañía Nacional de Teatro, que tiene su sede en Caracas, y contará con 15 puestos para actores, cinco de ellos para maestros y diez plazas destinadas a jóvenes creadores de diferentes regiones del país. 

El ministro además anunció la creación del Circuito de Teatro en Venezuela, en el cual se articularán espacios para la presentación y el desarrollo de las artes escénicas.

La información la dio a conocer el titular de la cartera de Cultura, en Maracaibo, donde asistió a un acto realizado con motivo de la celebración del Día Nacional del Teatro, que se desarrolló en el Teatro Baralt de Maracaibo, en donde además se condecoró a 18 hombres y mujeres que se han dedicado entre 15 y 30 años al arte de las tablas. 

Explicó que la idea es crear una red de salas para que el talento nacional pueda circular, no sólo en el teatro, sino también en la danza y las artes musicales. El Circuito busca "poder articular a un país teatral, a un país de artes escénicas, en musicales, que tiene la necesidad permanente de encontrarse con su pueblo".

"Desde el próximo julio la Compañía Nacional de Teatro comienza a funcionar con montajes y temporadas propias, para lo cual, además de tomar en cuenta actores y actrices de amplia trayectoria, se abrirán plazas para jóvenes artistas quienes serán parte del elenco estable", destacó Ñáñez.

El ministro también participó en otras actividades con motivo a la celebración al Día Nacional del Teatro en Pdvsa La Estancia y en el Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez.

Homenajeados

Los artistas y trabajadores del teatro a quienes les confirieron la Orden al Mérito Ciudadano son: Nereida Pérez, Wolfang González, Romer Urdaneta, Grupo Mambrú, Leonardo Isea, Fernando Acosta, Jesús Javier Rondón, José Gregorio Molero, Vidal Figueroa, José Gregorio La Cruz y Mary Isabel Franco.También fueron reconocidos las labores de Rena del Mar Ponce, Betulia Camacho, Luz Labat, Maxwell Gómez, Joan Urdaneta, Jhonny Salcedo, Freddy Marín y Reinaldo Sánchez. La actividad culminó con la presentación de la pieza teatral La última voluntad de Felipe Pirela, una producción del Centro Nacional de Teatro (CNT) y Producciones Pequeño Grupo, con texto y dirección de Paúl Salazar Rivas. La actividad fue auspiciada por el CNT, el Gabinete Cultural del estado Zulia y la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela.

El teatro como fuente inspiradora de la vida

El Centro Nacional de Teatro, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, invita a disfrutar de la celebración del Día Nacional del Teatro este 28 de junio a las 6 de la tarde en el Teatro Baralt de Maracaibo, donde será escenificada la coproducción teatral  La última  voluntad de Felipe Pirela.

El Día Nacional del Teatro en Venezuela se conmemora, desde hace más de 30 años, en recuerdo a la solicitud que fuera hecha para escenificar un espectáculo teatral en Caracas ante el Cabildo de Caracas el 28 de junio del año 1600, aunque el teatro comienza en Venezuela ya durante la época precolombina, cuando nuestros ancestros realizaban representaciones con fines educativos y sobre todo religiosos, generando una tradición que a través de los siglos ha dejado un vasto e importante legado cultural, reflejado en el devenir de nuestra colectividad social.

La última voluntad de Felipe Pirela, es una coproducción del 2014 del CNT y la agrupación teatral mirandina “Producciones Pequeño Grupo”. La pieza escrita y dirigida por Paúl Salazar Rivas nos cuenta la vida de Felipe Pirela a través de unos personajes inmersos en la locura. Es una historia construida con secretos a voces, éxitos, traiciones, donde se lleva un mensaje sobre la discriminación e intolerancia. Temas muy pertinentes en nuestro actual momento histórico.

Además de la presentación, el programa del día contempla la lectura de un mensaje nacional a propósito del Día del Teatro por parte de voceros de la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela, en las palabras de Fernando Acosta, según informó Alfredo Caldera, director del CNT.

MENSAJE DEL DIA NACIONAL DEL TEATRO

Cuando me acerque al teatro fue en un momento crucial de mi existencia, formaba parte de un grupo de jóvenes, amigos, quienes incitados por la época, finales de la década de los sesenta y comienzo de los setenta; nos acercamos a todo tipo de información cultural foránea (la música, las vestimentas, el lenguaje verbal y corporal), fuimos modificando nuestras formas de ver y vivir, nos sentíamos hippies, nos drogábamos, nos creíamos felices. Pero ya nos estábamos deteriorando, perdiendo el tiempo de los estudios, el modo de relacionarnos como individuos, como miembros de una comunidad, con nuestras familias, la necesidad de obtener dinero como fuere para satisfacer nuestra adicción. Nuestro futuro ya pendía de un hilo, sin comprenderlo.

Una noche fuimos invitados por familiares de dos de los nuestros, preocupados por la conducta destructiva, e inteligentemente nos llevan al encuentro con el maestro Clemente Izaguirre, quien dirigía en aquel entonces el Teatro Universitario de LUZ. Esa noche nos hablo de nuestra vida modelada por la sociedad. De cómo quienes controlaban el “Sistema de Dominación Mundial” manipulaban y desviaban los propósitos fundamentales de los movimientos sociales, como el movimiento hippie, nos hablaba de cosas que no entendíamos en ese momento, termina la conversación con una propuesta para hacer teatro. Dos días después recibíamos nuestra primera clase de actuación y ahí para nosotros comenzó todo. Nuestra mirada al mundo ya iba acompañada de acciones, ingresamos al recién creado Grupo de Títeres “La Petaca” fundado por las entrañables e inteligentes amigas Maite Pascual y Yazmina Jiménez. Hacíamos Teatro de Títeres y Actores en la calle, nos convertimos en militantes estudiantiles, en defensores de la ecología, sembrábamos árboles y hacíamos murales, funciones todas las semanas con proyecciones de cine. Y nos fuimos llenando de cómplices, pero no en el delito, sino en la solidaridad, la alegría de vivir, de percibir un camino lleno de futuro…

Con el maestro Clemente Izaguirre, continúe el tiempo de la formación teatral, al ingresar en 1972 al Teatro Universitario. Allí recibimos formación artística, entrenamiento físico además de ideología, de economía, de historia, de semiología También recibimos entrenamiento e instrucción con maestros del Teatro Latinoamericano. En lo personal teníamos largas conversaciones sobre la música clásica, contemporánea y popular y discutíamos acerca de autores de la dramaturgia, de la prosa y de la lírica. Otro tema era la situación social y política, debatíamos desde nuestras diferencias y llegábamos a acuerdos que no cerraban ninguna posibilidad. Todo proyecto que emprendíamos nos exigía investigación y compromiso a fondo. A su lado, bajo su dirección fui: obrero del teatro, técnico, apuntador, actor, instructor, asistente de dirección. Durante este proceso, sin saberlo yo, el Maestro me preparaba como Director y el Teatro fraguaba mi vida. Fue una década llena de un raudal de acontecimientos, información y conocimientos que removieron y fortalecieron mi espíritu, que comenzó en 1968 cuando escuche una banda de Liverpool por primera vez siendo un joven, alienado, que se creía feliz y que concluyo en 1978 cuando cierro el ciclo con el Teatro Universitario de LUZ convertido en un proyecto artístico…

Al rememorar esta etapa de mi vida en el teatro, lo hago como reflexión en función del momento histórico que atravesamos en nuestro país. Es necesario revisar los principios que guían mi pensamiento y mis creencias y entender el valor significativo que tiene el teatro, no solo para la diversión, sino también para la formación del hombre y la mujer que comparten una hora o dos de su tiempo desde una butaca presenciando la puesta en escena. También obtengo las respuestas para saber sí el teatro que hago, que quiero seguir haciendo, en estos momentos donde el mundo está al revés de cómo lo soñamos, con la angustia existencial que genera la lucha por conseguir lo elemental para el día a día, tiene sentido para los demás.

¿Cómo hacer para lograr el teatro que queremos?

Para los colectivos, para los creadores del teatro de arte, hacer un espectáculo teatral, estrenar una obra es un esfuerzo titánico por las condiciones económicas que atraviesa el país. Sabemos, además que no contamos con el presupuesto del Estado, ya que las circunstancias cambiaron el ingreso petrolero. En medio de una hiperinflación tenemos que producir recursos para suplir las necesidades básicas del elenco y para cubrir los gastos de realización del espectáculo haciendo muy difícil cumplir nuestra labor. Es necesario mantener y revisar los aportes financieros a la actividad teatral. Eso implica un cambio en los criterios de nuestra relación con el Estado, la empresa pública y privada, utilizando los mecanismos legales que están establecidos y que permitan el desarrollo y la dignificación del oficio teatral.

¿Qué nos impone el momento?

Primero seguir haciendo sin dudas teatro. El que queremos y necesitamos con urgencia imperativa. Segundo tenemos que darle prioridad a la organización gremial. Pero no atomizada, ni manipulada. Tercero generar desde la unidad de criterios acciones que nos faciliten la productividad: Realización de Circuitos teatrales tanto regionales, nacionales e internacionales; Crear espacios destinados al reciclaje, diseño y realización de elementos técnicos para el teatro y el circo; Crear las temporadas teatrales en las salas independientes con entradas solidarias y accesibles para todo público; Crear eventos teatrales comunitarios que se transformen en referencia para la sociedad.

No hay que olvidar la responsabilidad que tenemos en emprender una tarea fundamental para la preservación y el mejoramiento de las condiciones de la vida en nuestro país: la formación y la difusión de nuestro Arte.

Pensar que para desarrollar el aprendizaje teatral el ser humano tiene que ponerse en el medio, él es la fuente del descubrimiento. Lo que somos como individuo, lo bueno y lo malo; la memoria genética, la memoria histórica, la memoria de nuestros conocimientos y la memoria emotiva. La relación con nuestro entorno, el rol que asumimos en la sociedad. Y todo lo que logremos producir en los oficiantes se van a multiplicar por miles desde un escenario…

Voy a cerrar con el final de la epístola irreverente de uno de los genios de la alegría y las tradiciones del ser venezolano, el Credo del gran Aquiles Nazoa: Creo en la amistad como el invento más bello del hombre, Creo en los poderes creadores del pueblo, Creo en la poesía y en fin, Creo en mí mismo, puesto que sé que alguien me ama…

Gracias maestro Clemente Izaguirre por sus aportes…

La poesía como herramienta de transformación social

Freddy Ñañez inaguro festival de poesía en el Teatro Teresa Carreño

El público venezolano podrá disfrutar a partir de este domingo 26 de junio  de la diversidad cultural que estará presente a través de los distintos creadores que participan en la 13 edición del Festival Mundial de Poesía

"Más de 40 países se reúnen para cantarle a la diversidad cultural, para cantarle a la vocación de paz de nuestros países y también para pensar en la poesía como una herramienta de transformación", resaltó el ministro de Cultura, Freddy Ñañez.

Agregó que esta es una oportunidad para que el mundo pueda conocer las capacidades que tiene el pueblo venezolano para albergar como una gran casa "esa multiplicidad tan existente de formas de ver el mundo", recalcó.

La gala inaugural de este evento, cuya puesta en escena estuvo a cargo del maestro Miguel Issa, se llevó a cabo en paralelo en cuatro ciudades del país: Caracas; Maracaibo, en Zulia; Barquisimeto en Lara y Coro, en Falcón.

Asimismo durante esta edición del festival, que lleva como lema Cuando Roza la Tierra, se rendirá homenaje al trabajo poético de Tareck William Saab, en ocasión de su profusa obra creativa, así como al músico Francisco Pacheco.

El Festival Mundial de Poesía convoca a 48 poetas de los cinco continentes y 130 de Venezuela, y tendrá más de 470 actividades en todos los estados del país, en urbanismos de la Gran Misión Vivienda Venezuela, Bases de Misiones Socialistas, comunas, plazas, parques y recintos penitenciarios.

También tendrá una programación en los Teatros Municipal, Bolívar y Nacional, la red de bibliotecas públicas y parroquias como el 23 de Enero, así como se efectuará una sección especial denominada La palabra colgante, con la que los poetas acompañarán a los usuarios del Metrocable de San Agustín con un recital de poesía durante los recorridos.

Asimismo como parte de este encuentro de creadores se realizará el I Encuentro de Poetas Jóvenes, así como el Foro Internacional de Poesía y Paz en el cual se reflexionará en torno a la lírica y la palabra como medio generador y conductor de la paz y la presentación de una serie de libros.

El Festival contará con un capítulo dedicado a las personas con discapacidad y una tribuna antiimperialista con el nombre de Ramón Palomares, en homenaje al poeta trujillano fallecido en marzo pasado.

La lucha por el mejor cine venezolano continúa

Lossada homenajeado por el gremio del cine.

Para Juan Carlos Lossada su vida podría trasladarse a un cortometraje, pero en el homenaje que hicieron en su honor el jueves 23 de junio en la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELARG), tuvieron otra idea. 
La vida del anterior presidente del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) sería un largometraje de varios géneros en uno: romántico, de aventura, drama y suspenso. Esta presentación de un corto pero emotivo acto de agradecimiento a Lossada, coincidió con las opiniones generales de los diferentes cineastas que estuvieron presentes para aplaudir una labor que continuará desde instancias internacionales. 
Carlos Caridad Montero, director de la película  3 Bellezas , agradece el paso de Lossada, “porque gracias a él se abrieron las puertas a nuevos cineastas que estaban esperando una oportunidad. Digamos que Juan Carlos al frente del CNAC organizó y motorizó tres cosas muy importantes: una fue la reconexión del público venezolano con el cine venezolano, la segunda la salida de una nueva generación de cineastas y la tercera es la internacionalización del cine venezolano”. 
El director Raúl Chamorro aplaude la visión de Lossada cuando propuso el primer Foro del Cine Venezolano como un espacio para el debate, porque “él logró unir a todos los cineastas independientemente de su posición política en defensa del cine nacional, y creó este espacio donde nos reunimos todos los gremios a discutir la situación del cine y ahora tiene más vigencia que nunca”.

 Las palabras de Lossada

 Fue todo el gremio y asociaciones ligadas a la cinematografía quienes rindieron el homenaje a Lossada, que pidió que se siguiera luchando por la reforma de la Ley de la Cinematografía Nacional: “nadie debe desfallecer en esa búsqueda, en esa conquista. Tenemos que seguir adelante tratando de conquistar mejores estadios de desarrollo para nuestra cinematografía”. 
Lossada señaló que después de cumplir su etapa en el CNAC sigue intercambiando con los amigos y colegas del cine porque “compartimos los mismos sueños de querer que el cine venezolano siga creciendo, pero no con números estadísticos fríos, sino como está creciendo en lo cualitativo y tiene que ver con cuánta capacidad de alma tiene nuestra creación cultural”. 
En el acto también fue entregada una placa de reconocimiento al CNAC, en manos de su Vicepresidenta Alizar Dahdah, por su labor en impulsar el cine local. 

El cine venezolano mira a un mejor futuro

Los cineastas venezolanos tienen los pies sobre la tierra.

El Foro del Cine Venezolano 2016, fue un encuentro donde se dieron cita cineastas, productores, exhibidores, distribuidores y asociaciones ligadas al trabajo cinematográfico, con el objetivo de mirar hacia el futuro del cine nacional en los próximos años. Cuyos resultados serán presentados el próximo 7 de julio del año en curso en una plenaria.  Desde la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELARG), se conformaron cinco mesas de trabajo para trazar esta misión: formación, producción, tecnología, exhibición y distribución e internacionalización. Liliane Blaser, vocera de la Asociación Venezolana de Documentalistas y coordinadora de la Mesa de Formación, señaló que la lluvia de ideas representa una “democracia participativa y protagónica de la gente que trabaja en el cine”. Una oportunidad de apuntar propuestas para alimentar un sentido crítico en la formación de pensadores, señalar rumbos para multiplicar los centros cinematográficos con profesores y equipos en otras regiones, capacitar tanto a docentes como a cineastas, y en líneas generales, integrar todas las escuelas de cine en términos colaborativos.  Desde la Mesa de Formación, Blaser declaró que están en la lucha de seguir “tratando de crear un cine nacional lo más universal posible y lo más racional posible, un cine que tenga que ver con memoria colectiva, que tenga que ver con formación de conciencia”.  Puentes de distribución  Asociación de exhibidores, distribuidores, productores, directores y empresas privadas ligadas a la proyección de películas, integraron la Mesa de Promoción, Distribución y Exhibición con la función de crear un plan de cinematografía nacional para potenciar el catálogo de cine local que llega a sus manos.  Los planes van desde un estudio de los hábitos del público, multiplicar pantallas, fortalecer las existentes y su adaptación tecnológica. Los integrantes de la mesa seguirán trabajando durante varias semanas, pero para José Ernesto Martínez, su coordinador y vocero de la Asociación Venezolana de Productores Cinematográficos (AVEPCA), el resultado fue positivo porque “pudimos vernos las caras y tender puentes hacia la distribución y creo que lo estamos logrando”. Visión de un cine diverso En esta segunda oportunidad que se celebró el Foro del Cine Venezolano –la primera fue en agosto de 2014- se revisó desde la Mesa de Tecnología, las nuevas formas de adaptar componentes electrónicos de nueva generación producidos en el país y buscar fórmulas, para mantener y cuidar los equipos mecánicos actuales.  Desde la Mesa de Internacionalización, el objetivo primordial fue reforzar los convenios con otros países del continente para ampliar la visión de un cine rico y diverso, coincidiendo con la Mesa de Producción en la elaboración de estrategias para su aumento tanto cualitativo como cuantitativo