martes, octubre 17, 2017

Bolívar y Manuela bailarán flamenco

David Morales ahora sera Simón Bolívar
Nadie sospechó que las románticas cartas íntimas de Manuela Sáenz y Simón Bolívar fuesen utilizadas, al cabo de casi 200 años, para ser teatralizadas y exhibidas en Caracas. Pero así será, porque el bailador y coreógrafo David Morales (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1971) ya está en la capital venezolana alistando la exhibición del gran espectáculo de danza y música de Amores en libertad, durante los días miercoles 20 y jueves 21 de diciembre, en sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, una producción de la Compañía Nacional de Teatro.
El artista español reconoció, a la prensa venezolana, que vino a Caracas, en septiembre de 2016, para una temporada en el Teatro Teresa Carreño de su espectáculo Lorca, muere de amor, un musical flamenco dedicado al granadino, con la música de Daniel Casares y la dirección de audiovisuales de Juan Estelrich.
 Contó que cuando regresaba a España, el entonces ministro de cultura, Freddy Ñáñez, le obsequió el libro Las más hermosas cartas de amor entre Manuela y Simón. “En el avión prácticamente devoré ese texto. Aquello fue verdaderamente apasionante y mi cabeza estalló: tenía que buscar la forma de llevar eso a la escena. Venía de una temporada internacional en varios paises americanos sobre los amores del poeta Federico García Lorca y encontré, por supuesto, una serie de similitudes entre esos hombres que nunca se conocieron pero que amaron la libertad de tal manera y por ella se sacrificaron. Nació de ahí mi primer borrador de proyecto artístico que ahora mostrare, acompañado de talentosos artistas venezolanos.
¿Cómo se proyecta ese espectáculo?
 Lo primero que yo pensé, tras de leer y releer ese compendio de las cartas entre Manuela y Simón, era que debía   llevarlo a la escena como un lenguaje artístico, didáctico y contemporáneo. Hice varios contactos telefónicos y me crucé con varios emails con especialistas para indagar   y encontré que no había ninguna referencia sobre un espectáculo centrado en los amores de estos dos seres que fueron tan importante para toda la historia latinoamericana y en especial para Venezuela. La oportunidad de que fuese único y novedoso me atrapo definitivamente y fue así que me propuse llevar a escena ese amor de Manuela y Bolivar. Quedé muy impactado por las formas y manera como ella escribe y la poesía que mana en todo lo se decían. Pensé en todos los obstáculos que tenían que superar para vivir y amarse hasta donde pudieran. Tiempos difíciles vivieron, pero se amaron y no se amilanaron y lucharon por ellos y por todos los demás. Llevo un año leyendo todo lo que hay escrito sobre ellos y viendo también las peliculas que existen. La empresa artística en que me metí es muy importante y muy grande, además que Venezuela se merece contemplar esa visión artística sobre su Libertador.
-¿Qué tipo de espectáculo se ha propuesto crear y mostrar?
-Es danzario, todo el tiempo.
¿Bolivar bailaría flamenco?
 No solo flamenco, sino también otros bailes de la época, de los cuales algunos han que sobrevivido en el tiempo, como el joropo, lo mismo Manuela. Eso es lo que yo sé hacer. Es, como toda obra de arte, una respetuosa aproximación.
¿Y usted seria Bolivar?
-Yo, por supuesto encarno a Simón. Tengo su estatura física y me acompañara su espíritu.
¿Cómo avanza la preproducción?
Para ver su estado de avance he venido, pero lo estoy haciendo periódicamente, desde marzo. Me marcho este fin de semana y regreso en noviembre, para el montaje final. Son muchos los ensayos que hay que hacer. Ya tenemos el guion, la música y lo más importante, en mayo hicimos una serie de audiciones para seleccionar el elenco definitivo.
¿Y Manuela?
A medida que estructuraba el guion me di cuenta que Manuela tenía que ser una mujer de estas tierras, además hay un personaje especial que es la Libertad .Todo este texto está muy enlazado con la poesía romántica de Pablo Neruda.  Ya escogimos a la protagonista femenina y las bailarinas de flamenco y danzas tradicionales y contemporáneas. Desde el año   pasado estanos trabajando en todo lo que puede ser el espectáculo.
¿A que vino, concretamente, en esta ocasión?
 Vine, como dije antes, especialmente para algunos aspectos de la preproducción, porque las funciones inaugurales ya están definidas. Aunque, he estado viniendo en otras épocas de este año. Necesitamos hacer unas filmaciones o trabajar con material fílmico existente, que sería para mostrar al Bolívar épico. Mi intención es que ese audiovisual sea sobre el Bolívar histórico y en el escenario mostrare al Bolívar personal al romántico, al revolucionario. La música es de Salvador Andrade, un compositor muy conocido en España; la dirección del audiovisual es la de Julio Fraga; las coreografías son mías y el guión lo he logrado con la colaboración de Gabriel de Molina. Ese espera que sea mi Amor en libertad.
¿Ira a otros paises, a España, por ejemplo?
Nuestra intención es llevarlo por el mundo, teniendo en cuenta el trasfondo histórico de los personajes que inspiran el trabajo artístico. Es un espectáculo musical teatral y con mucho flamenco, que son mis herramientas de trabajo.
¿Por qué esa pasión suya por las cartas de Bolivar y Manuela?
Hay mucha coincidencia en el romanticismo que impulso a García Lorca y a Bolívar en diferentes épocas y escenarios de sus paises. Admiro las dificultades que   ambos tuvieron que vencer. Federico fue asesinado por los fascistas en una guerra civil y Bolívar fue perseguido en los últimos meses, a pesar de un luchador como pocos y un enamorado de la vida, del amor y de la libertad, fue también un luchador como pocos y un enamorado de la vida y la libertad
-¿Usted sabe el reto de encarnar a  Bolívar?
Sí, yo estoy bailando desde que tenía seis años, he estudiado mucho al legendario personaje caraqueño y admiro la oportunidad que tengo de postrarlo.  Bolívar estuvo en Cádiz, se apasiono por el proceso europeo de principios del siglo XIX. En mi espectáculo es muy importante la música, porque él era un buen bailarín y hay mucho de fandango   y nuestra música. Todos, por supuesto, bailan, porque es el lenguaje general del espectáculo.
¿Cómo ve a Manuela?

 Me gusta también la historia   de Manuela, una mujer que fue muy maltrata por la sociedad latinoamericana por sus amores, pese a sus amores.Vivio una época muy difícil para las mujeres. Desafío rencores y dejo un legado de sus luchas contra la violencia de género. Vamos a ver qué pasa con ese personaje, que además escribía muy bien.

lunes, octubre 16, 2017

Concurso para la mejor dramaturgia

La Compañía Nacional de Teatro montara el texto premiado
El Centro Nacional de Teatro, CNT, extendió plazo de la convocatoria del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2017 hasta  el 28 de octubre para autoras y autores con el objetivo de estimular la creación de un nuevo lenguaje en la dramaturgia venezolana.
En virtud de continuar brindándole espacios a dramaturgos, creadoras y creadores del país pueden seguir participando con obras inéditas y originales con temáticas relacionadas con el proceso liberador, las acciones de paz y cooperación que conduzcan a la búsqueda de nuevos lenguajes y a profundizar la identidad de lo que hoy somos y hemos logrado durante las dos últimas décadas  en el país.
La tercera edición de este reconocimiento está dirigido a la pluma de autores venezolanos y extranjeros con un mínimo de cinco (5) años de residencia en Venezuela y que las piezas no pueden haber sido escenificadas anteriormente en ningún país. Además, la obra se estrenará el venidero año 2018 bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro.
Este concurso que se llevó a cabo por primera vez en el año 2015 por parte del Centro Nacional de Teatro, de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC) como parte de las políticas de fortalecimiento de la dramaturgia nacional y enalteciendo la capacidad creativa y la producción artística criolla, estableció tres premios en metálico por lo que el máximo ganador obtendrá 200 mil bolívares fuertes.
Participa por el Premio a la Dramaturgia
La planilla de inscripción, las bases del concurso y los requisitos para participar en el prestigioso Premio Apacuana 2017 las puedes descargar en la página web: www.cnt.gob.ve. Para mayor información puedes comunicarte a través de los números de teléfono: (0212) 481.2147/7306/0715/2227. Además visita y sigue nuestras redes sociales: Twitter: @CNT_Venezuela y Fan Page Facebook: Centro Nacional de Teatro

Teatro de agitación política

El teatrero Armando Carias dicta taller teatral.
El Centro Nacional de Teatro, CNT, el Ministerio del Poder Popular para la Cultura en articulación con el Ministerio del Poder Popular para la Comunicación e Información y la agrupación Comunicalle realizarán en Caracas, desde el próximo 17 de Octubre hasta el 21, el primer Taller de teatro de Agitación Política como parte del Programa Formación de Formadores y Formadoras Comunitarios que se lleva a cabo desde el CNT.
Dirigido a creadores y creadoras nacionales de las artes escénicas, plásticas y musicales con el objetivo de “promover la formación de formadores y formadoras culturales para el trabajo de agitación política a través de las artes escénicas, con el fin de construir espacios de expresión no convencionales que estimulen la formación de pensamiento crítico, así como el empoderamiento de las comunidades en su rol como co-creadores de experiencias de participación política y social”.
Apoyados en la ardua labor que viene realizando  Armando Carias con la agrupación  Comunicalle  desde el año 2013, a través de la experiencia sistematizada por este grupo el Centro Nacional de Teatro se suma a esta iniciativa con la implementación de un programa de formación para formadores y formadoras de las artes escénicas convocando  a reconocidos cultores y culturas con experiencia en teatro comunitario, de diversas regiones del pais, con el fin de generar un sistema de formación en teatro de agitación política que permita replicar la experiencia en distintas comunidades en todo el territorio nacional para  crear espacios de discusión y análisis de la realidad socio-política a través de las artes escénicas como herramienta de expresión y establecer canales de comunicación alternativos a fin de difundir información de interés para generar en las comunidades una conciencia participativa y analítica de los procesos sociales.

El taller se desarrollará del 17 al 21 de octubre en los espacios de IAVE, y será impartido parte del equipo que conforma el colectivo Comunicalle.

Amor en libertad llega al Teresa Carreño

El artista español y el elenco venezolano.
El reconocido bailador andaluz David Morales, bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro, revivirá la historia de Manuela Sáenz y Simón Bolívar a través de la danza y la música con el   espectáculo  Amor en Libertad  el 20 y 21 de diciembre, en   la sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño.
El coreógrafo de talla internacional que encarnará al "Libertador de América" y bailarinas venezolanas se encuentran ensayando el montaje de esta producción desde marzo cuando se realizaron audiciones con la participación de más de 50 profesionales de diferentes disciplinas, entre las que quedaron seleccionadas 18 criollas.
“Estamos trabajando y preparándonos desde hace meses con mucha ilusión de llevar a escena un espectáculo que reúne a más de 20 artistas de ambas naciones hermanas, donde recrearemos nuestros ritmos “con cantaores”, músicos venezolanos y bailarinas para contarle al público esa parte romántica de Bolívar y Manuela, sin descuidar la relación con el amor de su vida, su esposa María Teresa”, reiteró Morales.
Asimismo, Morales ratificó que se pasearán por los momentos importantes que vivieron ambos personajes, “contados a través del mejor testimonio que nos pudieron dejar, sus cartas de amor”.
Es importante destacar que el también director de la Compañía Danza Flamenco, que lleva su nombre, se inspiró para realizar este montaje tras leer las apasionadas expresiones de afecto que se reflejan en el libro  Las más hermosas cartas de amor entre Manuela y Simón , luego de su gira en el año 2016 cuando se presentó por varias ciudades del país con el espectáculo “Lorca: Muerto de amor”.
Producción de países hermanos
La coproducción entre España y Venezuela, Amor en libertad , de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), Compañía Danza Flamenco David Morales, Compañía Nacional de Teatro, Compañía Nacional de Danza, Teatro Teresa Carreño, Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM) y Villa del Cine, mezclará el flamenco, danza tradicional venezolana (joropo, tambores y vals), ritmos caribeños y africanos, acompañado de audiovisuales en pantalla gigante para que el público disfrute de una pieza en “tres dimensiones”.
Este evento cultural, enmarcado en los intercambios entre países hermanos para consolidar las artes en el país, también contará con escenas importantes donde se resaltará “la libertad, el imperio, la bandera, el papel de la mujer y la fuerza del amor entre ambos próceres”.

domingo, octubre 15, 2017

Boris Izaguirre: lo banal no existe, todo es importante

Boris, uno de los hijos de Rodolfo y Belén.
El escritor y presentador de televisión acaba de celebrar su cumpleaños 52 en Miami, donde actualmente vive. Se prepara para publicar una novela y para algún día superar el que ha llegado a ser uno de los mayores retos de su vida: aprender a cocinar una tortilla.
·   Boris Izaguirre (Caracas, 1965) no oculta la fascinación que siente por los equilibristas. Cuenta que parte de su niñez transcurrió observando con detenimiento cómo estos artistas desafían la gravedad. Desde su perspectiva, ellos también simbolizan a esas personas que viven en constante riesgo, sobre una cuerda floja. El autor de Villa Diamante, novela finalista del Premio Planeta, asegura además que él también decidió vivir así, como un equilibrista. “Creo que de esa forma se ha desarrollado mi carrera”, reflexiona.
El guionista y presentador de televisión se encuentra en Miami luego de superar los embates del huracán Irma. Las secuelas del desastre natural no impidieron que celebrara a finales de septiembre su cumpleaños. Tampoco que abordara temas que considera “muy personales” en esta entrevista para El Universal.
–Usted es venezolano, pero gran parte de su carrera la consolidó en el exterior. ¿El mercado internacional siempre fue su prioridad?
–No. Me despidieron de RCTV en 1991 y luego me llamaron de Argentina para escribir una serie. Estando allí me plantearon escribir otra en España. Conocí a Rubén (Nogueira, su cónyuge) y fui encadenando trabajos, me mudé a Madrid, y Madrid y yo iniciamos una historia de amor que ha dado extraordinarios frutos y es tan sólida que ahora me permite vivir en Miami y siempre regresar a ella. Me dejé llevar. Para mí esa es la clave de mi éxito, incluso de mi vida sentimental: dejarme llevar. Y se podría decir de mí eso, que soy muy llevadero.
    ¿Por qué no regresó luego? ¿El país no le ofreció suficientes oportunidades?
–No me gusta el rencor. Pero creo que fue un acierto marcharme de Venezuela. Fue un riesgo, una aventura y a mí me atraen mucho los riesgos. Creo que una personalidad fuerte tiene que estar acompañada de riesgo. Y no tengo miedo.
–¿Y qué tan arriesgado ha llegado a ser?
–Recuerdo que renové mi pasaporte venezolano cuando fui a animar un certamen de Miss Venezuela. El tráfico era brutal en la avenida Baralt, así que me bajé del coche de Venevisión y me lancé hacia las torres. A nuestro encargado de seguridad le iba dando algo, pero a mí me encantó ver a la gente que me saludaba. Me entregaron el documento el mismo día y me mostraron una planta de reciclaje de papel para que supiera de dónde venía. Llamé a la Organización Miss Venezuela y les conseguí dos tickets en primera fila a los funcionarios que me atendieron, uno de ellos un caballero realmente atractivo.
–Usted ha mostrado su faceta intelectual y en paralelo ha ocupado un lugar en la industria del entretenimiento, que algunos consideran banal. ¿Cómo se sobrepone a los prejuicios?
–Considero que te hace mejor persona y mejor profesional carecer de prejuicios. Yo he podido hacer solo una carrera como intelectual, tenía toda la formación necesaria, pero me gustaba muchísimo el show y la vida social. Y no quise renunciar ni engañarme. La moda y la farándula son fascinantes, vencen el paso de los siglos, tienen una habilidad innata para reinventarse, autodestruirse y renacer. Yo creo que nada es banal. Todo es muy interesante y profundo. Lo banal no existe. Todo es importante.
–¿Qué ha aprendido de la fama?
–A ser más disciplinado. La fama exige mucho, así que es buena idea ser puntual, llegar aseado a los sitios y demostrar la máxima educación de la que seas capaz. Y termina siendo una demostración de inteligencia. Recientemente he observado una diferencia entre celebridad, que es internacional, y famoso, que es local, al menos en España. No sé lo que soy, pero por lo menos me reconocen en Madrid y en Miami.
–Este año se cumplieron dos décadas del estreno de Crónicas marcianas. ¿Extraña ese tipo de programas?
–¡Oh, Crónicas! No, no lo extraño. Ni mucho menos comparo. He hecho siempre programas con una dosis de riesgo y aventura que es lo que me entusiasma. La Academia de la Televisión Española acaba de premiar la cobertura del Orgullo Gay que hicimos en Telemadrid en julio pasado. Y yo fui el presentador principal. Crónicas empezó como una aventura, me llamaron una noche y me quedé hasta el final, ocho años después. Ese programa es histórico. Un referente que en mi caso personal, no fue sino que siempre es.
–¿Y cómo marcha su faceta de escritor?
–Acabo de terminar de escribir Tiempo de tormentas, una novela que arranca con el terremoto de Caracas de 1967 y concluye con la muerte de mi madre (la bailarina Belén Lobo) en 2014. Rubén se la está leyendo y estoy en un considerable estado de inquietud. Su juicio es el más relevante. Y, entre nosotros, en esta novela, muy autobiográfica, él es uno de los personajes.
–¿Quién la edita y cuándo saldrá al mercado?
–La editará Planeta y se lanzará en España en marzo de 2018.
–Ya que en ella toca el tema de la familia, ¿qué percepción tiene de ella?
–Tengo la mejor percepción porque mis padres nos criaron con estabilidad, sus presencias y una maravillosa felicidad. Me encantaría seguir su ejemplo, pero me he esclavizado mucho con mi carrera. Quizás se me haya pasado el tiempo, quizás no. Admiro mucho a personas como Miguel Bosé que han construido sus familias, sus hijos lo han convertido en alguien todavía más extraordinario. Es un ejemplo que me gustaría seguir, pero necesito estabilidad y el equilibrista que soy, es lo que menos tiene.
–¿Cuán difícil resulta en estos tiempos hacer carrera afuera siendo venezolano?
–Pienso que los venezolanos tenemos, por causa del petróleo y su cultura, una manera de ser un poquito sobrada. Siempre creemos que somos los primeros y en realidad lo primero que aprendes cuando cambias de país y de cultura es que eres el último en llegar. Antes que tú, vinieron otros y están más adaptados que tú. Yo creo mucho en la capacidad de adaptación, que sigue moldeándote toda tu vida. Aprendí a adaptarme muchos años en España y ahora me entusiasma repetir aquí en Estados Unidos. Nunca olvido que soy un recién llegado.
–¿Continúan intactas sus ganas de bajar las escaleras de un Miss Venezuela en el Poliedro de Caracas?
–Con Maite (Delgado) bajaría y subiría todas las escaleras posibles. Me encantaría volver al Miss Venezuela y al Poliedro, nunca olvidaré la ola de afecto con que me recibieron la primera vez que bajé esas escaleras y pisé ese escenario. Y todos los días recuerdo a Joaquín Rivera. Ser dirigido por él es una de mis medallas. Su capacidad para el detalle, la sonrisa con la que te recibía aunque te fuera a regañar… era un genio. Yo tengo una curiosa debilidad por los maestros, he estado rodeado de ellos toda mi vida: Isaac Chocrón, José Ignacio Cabrujas, Joaquín, Javier Sarda, siguen y siguen.
–¿Qué faceta quiere explorar a sus 52 años?
–Cocinero y repostero. En realidad todavía estoy intentando hacer una buena tortilla. Es curioso, todo el mundo me dice que es más difícil escribir un libro, pero yo he terminado mi novela número ocho y todavía no consigo ese momento de paciencia o lo que sea para que la tortilla no termine siendo unos huevos revueltos bastante revueltos y hasta histéricos. Frustra mucho pero todos los días me digo a mi mismo: “Mañana será otra tortilla”.
@Eduardoandresmuria , El Universal, 15 de octubre de 2017


jueves, octubre 12, 2017

Muestran foto de la mujer desnuda el viernes 20

El director y elenco que había ensayado la premiada obra de Gustavo Ott.
Para los malos tiempos siempre hay muy buenas caras de actores comprometidos con sus proyectos profesionales. Lo decimos porque Juan Carlos Gardié, Martha Estrada, Patty Oliveros, Angélica Arteaga, Pedro Borgo y Claudia Rojas eran los felices comediantes que ensayaban  La foto, la nueva producción del Grupo Actoral 80, que, bajo la dirección de Héctor Manrique y con producción de Carolina Rincón, se presentaría desde el 13 de octubre en el Teatro Trasnocho Cultural.
Pero el hombre dispone y el diablo siempre cambia las cosas: un accidente pospone el estreno hasta la próxima semana, porque Gardié tiene que ser sustituido urgentemente por Manrique. Una las retinas de tan excelente comediante se ha desprendido y debe ser operado de urgencia. Pero como el espectáculo debe seguir, cruel paradoja del comediante,  Manrique ahora asumirá ese rol, que además no es nada fácil. Por esa razón el estreno se aplaza hasta hasta el viernes 20 de octubre, si Dios no dispone otra cosa, como dirían nuestras bisabuelas, porque nuestro destino es siempre impredecible.
 La foto, de Gustavo Ott (Caracas, 1963), cuyo texto hemos leído varias veces, es una pieza melodramática que ganó el concurso del Centro Cultural Trasnocho Cultural para la promoción de los autores venezolanos. Hasta ahora se puede adelantar para los lectores, eventuales espectadores del montaje, una sinopsis, bien comprimida, de esta nueva pieza de Ott, quien reside actualmente en Estados Unidos y trabaja como docente en una universidad de Washington, la cual lo ubica como el autor criollo más representado en los escenarios venezolanos durante los últimos años y por supuesto que todo eso tiene un entretenido entramado que revelaremos en su preciso momento.
Y para los no conocen cómo es la cosa artística, les advertimos que en La foto,  Laura, madre de la adolescente, Kelly, está a punto de cumplir los 50 años y se ha reencontrado a través de las redes sociales con un viejo amor de cuando ella estudiaba bachillerato. Se trata de Denis. Y aunque todo ocurre a través de mensajes de texto y privados vía Facebook, sin encuentro físico, la emoción de esta nueva posibilidad es experimentada por ambos con una intensidad incontenible. 
Pero Denis (el personaje de Gardié, ahora encarnado por Manrique) está casado y también tiene un hijo adolescente, Fran, si bien le ha hecho saber a Laura que su matrimonio no marcha bien. Por su parte Laura, esperando que Denis tome una decisión y para animarlo se toma una foto desnuda y, de manera privada, se la envía a su teléfono. Este hecho desencadena una serie de acontecimientos que sacudirá no solo la vida de los directamente implicados sino también la de sus familiares más cercanos y hasta de las instituciones en las que ellos se desenvuelven.
Es, pues, la saga de una foto que nunca debió ser llevada las redes sociales porque fue vista o malentendida por los demás, generándose así una grave crisis en un matrimonio y muchas otras cosas que alteran las cotidianas vidas de un grupo de clase media.
 La foto  no es más que  un viaje íntimo sobre los precipicios afectivos de la mediana edad colocando en juicio la dinámica de dos generaciones enfrentadas dentro del fenómeno viral, y el efecto devastador de los escándalos prefabricados. Toda una temática y una peculiar representación poco frecuentes en los escenarios venezolanos.Por supuesto que hasta varias  moralejas se desprenden de la susodicha foto de la mujer desnuda.
Mientras tanto, el estimado actor Gardié espera ingresar al quirófano para recuperar su visión completa y proseguir así en la brega teatral, donde sus colegas lo esperan. Este es el destino de los histriones aquí y en cualquier otro lugar del mundo donde el teatro es la iglesia de todos y todas, claro está que en Venezuela es muy precaria porque no hay una seguridad social adecuada para esos increíbles hacedores, quienes algun dia estarán protegidos  contra todo accidente, como deben vivir todos los trabajadores y trabajadoras.




Vuelven "Peludas en el cielo" a Unearte

El elenco y el director Carlos Arroyo.
Peludas en el cielo, de Gustavo Ott (Caracas, 1963) tendrá tres funciones  gratuitas de reestreno en la sala Anna Julia Rojas de Unearte, durante el próximo fin de semana, según la puesta en escena lograda por Carlos Arroyo y con las actuaciones de Vanessa Vásquez, Luis Domingo González, Francis Rueda y Aura Rivas, dentro del último dispositivo escenográfico que diseñara Rafael Sequera. 
Esta pieza, ganadora del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2015 y que resultó ser una aplaudida producción de la Compañía Nacional de Teatro durante la temporada de 2016, plasma el universo de cuatro venezolanos que se encuentran en la población  de Piacóa, estado Delta Amacuro, pero que cuyos anhelos y carencias pueden extrapolarse a cualquier realidad local o universal.
A Piacóa la acechan miles de mariposas palometas peludas, las cuales son la calamidad, la oscuridad y la amenaza de múltiples enfermedades de carácter eruptivo, por esta razón sus pobladores se preparan en sus casas, ante esta plaga que oscurece el día y pase sin dejar mayores males. Esta metáfora construida a partir de un fenómeno natural de la región, le sirve a Gustavo Ott para hablarnos de lo que como sociedad nos caracteriza.
La casa de las Pachecos, es el epicentro de esta saga. Allí nos encontramos con Yesenia -mujer de carácter recio, afectada por un dolor en la pierna, producto de un accidente que le ocasionó, una mariposa peluda - y su hija Mariana, quienes se ven obligadas a quedarse dentro de la casa, porque las mariposas peludas están por llegar. Intemporalmente se nos presentan el resto de los personajes: Luis Domingo González, director de cultura   de la Alcaldía, un doctor, además de director de teatro, carpintero, astrólogo, entre otros muchos oficios; y Rita, maestra graduada, doctora y de dudoso origen europeo.
La intempestiva noticia de que Rita puede haberse ganado la lotería, desatará el conflicto de la obra, al generar la ambición y proyectar los más íntimos sueños y caprichos de cada uno de los personajes, así como su verdadero carácter. Una Rita, maestra graduada, inconforme con su realidad, con un sentimiento de menosprecio, por su pueblo y gente, y un deseo fantasioso de irse a otro lugar, a su Europa imaginada donde todo es perfecto y bello. Una Mariana, que desea viajar a cualquier lugar del mundo, con la idea de conocer, pero también de evadir. Yesenia, quien siente claramente que no puede alejarse de sus paisajes, pero que se imagina con un yate, con piernas submarinas y cosas que hablen en inglés. Y un Luis Domingo, atrapado en medio de estas tres mujeres, que también se encuentra con su sueño de montar una transnacional de poesía, traficarla, venderla e invadir el mundo con el sueño utópico de que la poesía puede salvar al mundo.
“Con Peludas en el cielo entendemos que la poesía es un espacio perdurable, que nos acompaña durante toda la vida. ¿Por qué no venderla? ¿Por qué no exportarla? ¿Por qué no traficarla? A eso se reduce Piacóa, el mundo y nuestros sueños. Una “peluda” síntesis de cada uno de nosotros , indica su director Carlos Arroyo.
TALLER CREATIVO
Gustavo Ott nos confesó, vía Internet, que “Peludas en el cielo me tomó varios años. Estuve en el Delta en el 2011 (precisamente con talleres organizados por la Compañía Nacional de Teatro) y de allí viene el paisaje.  Siempre la pensé como una comedia de tesis, a la manera de Pony, porque dentro del lenguaje, entre el humor y la situación cómica, está la idea del continente recobrado pero sin garantías; una Latinoamérica como antídoto y escudo, pero también como amenaza, desengaño y derrota. Peludas en el cielo funciona como monstruo y me gusta pensar que esa bestia no está fuera de los personajes, sino en lo más íntimo de sus deseos, como en 80 dientes, 4 metros y 200 kilos”.


Una Alicia caraqueña

Carlos Giménez, quien trabajó para acrecentar y comandar durante varias décadas a un proyecto de teatro venezolano más contemporáneo, tras el éxito artístico de su empresa cultural, como era aquel caraqueño grupo Rajatabla, pensó crear, y así lo hizo, otro polo de referencias y creaciones estéticas, integrado por los mejores teatreros de las nuevas generaciones. Sabía que la sobrevivencia histórica de su movimiento cultural requería un soporte generacional formado o aupado por él, como se lo aconsejó el maestro José Antonio Abreu. Así fue como se creó, tras varias noches de debates en un apartamento de Parque Central, el Centro de Directores para el Nuevo Teatro (CDNT), con cuatro muchachones emprendedores, hacia 1990.
El destino, para llamarlo así, dispuso otras cosas y, el 27 de marzo de 1993, Giménez “se fue de gira eterna” y dejó atrás muchos proyectos caminando y otros en meros borradores, pero el CDNT al poco tiempo se dividió y la institución siguió únicamente con Daniel Uribe Osío y Marcos Purroy. Ellos, desde entonces, han trabajado bastante y hasta obtenido algunos creativos o novedosos montajes, como Fango negro, más conocido como El teatro del autobús, a partir del texto de José Gabriel Núñez, inspirado en la pieza Woyzeck (1879), de George Büchner, un dramón sobre la vicisitudes de una mujer enamorada hasta la locura de un miserable soldado, que le es infiel y ademas la maltrata hasta asesinarla.
Daiel Uribe estrenó Fango negro durante los años 90  y desde entonces ha sido su mejor caballito   de batalla, dentro y fuera de Venezuela. El año pasado hizo una intensa temporada en Caracas.
DE NUÑEZ A CARROL
Al llegar este año 2017, de tanta incertidumbre y de quiebres y repliegues ideológicos, el CDNT, con varios aliados estratégicos, presenta el montaje Alicia en el autobús, inspirado en la novela fantástica Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (1865) de Lewis Carroll.
 Por supuesto que el director Marcos Purroy retoma los conceptos estéticos teatrales y hasta el autobús que usaron con Fango negro, el cual sirve de escenario móvil y como vehiculo para llevar al público (no más de 50 personas) desde la plaza Francia hasta “La cueva del conejo”, lujoso bar-ubicado en una transversal del norte de la urbanización Altamira- que funge de “madriguera para delincuentes”.
Pero esta Alicia en el autobús  no es más que la historia de otra muchacha, Alicia, quien viene del pueblo Las Mesitas, en el estado Trujillo en busca de Conejo, de quien se enamoró  tras bailar un vallenato durante las fiestas  patronales de su comunidad, y lo único que ella  puede de hacer es tomar un autobús  que la llevara a la cueva o escondite del susodicho personaje (especie de delincuente), una discoteca bar donde pululan personajes exóticos en su léxico y en sus lenguajes, quienes bailan frenéticamente en medio de diálogos y canciones atosigantes, muy dentro de la atmósfera de aquellas  discotecas que expenden de todo.
El director Purroy advierte, y así lo constatamos, junto con los otros invitados, que se trata de un ritual urbano a ritmo de hip-hop, donde  Alicia  busca, sufre y al final encuentra a su enamorado, el Conejo, pero debe desafiar los designios de la reina (un espectacular  drag queen vestido de rojo) para lograr su objetivo erótico y romántico.
Es, como lo dice Purroy, una “experiencia no convencional”, producida y dirigida por los mismos creadores del exitoso Fango Negro: Teatro en el Autobús.  En esta ocasión hay más actores, quienes aprendieron a rapear, gracias al entrenamiento con los MC (raperos) Flysinatra y Aros Garcia para poder cantar las canciones (Hip Hop)  del espectáculo. Ahí participan, entre otros, Darli Fuggiero, Eduardo Pinto, Juan Bautista, Wilfredo Cisneros, Ronny Mujica, Scarleth Becerra, Ángel “Chucho” Rey, Onil Vielma, Fernando Carrero, Yorkis Díaz, Jelena Cobis, Vanessa Portillo y Jhon Daniel Carvajal en esta nueva experiencia, con muchos códigos e ingredientes y adiestramiento del circo urbano; donde el vestuario, diseñado por Victoria Mora y la música, original de Aros García y Flysinatra, juegan un papel protagónico en la puesta en escena. Hay mayor “riqueza”.
Es, pues, un verdadero musical underground, donde la protagonista y los otros personajes no son precisamente los personajes edulcorados de la novela original, sino todo lo contrario. Llama la atención que hay mucho decoro en los lenguajes gestuales y verbales, nada de excesos que puedan suscitar censuras, que aunque están prohibidas pueden irrumpir sin mayores obstáculos o algo parecido.
Alicia en el autobús, pues, utilizando el mismo planteamiento espacial de Fango negro, más otros añadidos, resulta ser un entretenido oásis para la sórdidas noches caraqueñas de estos tiempos, una alternativa sin mayores peligros o riesgos, porque es un teatro “ligero”, donde la moral burguesa es respetada, hasta ahora.

 El autobús de Alicia en el autobús para los interesados sale todos los viernes, sábados y domingos a las 7:00 pm, desde la parada de Transchacao, en, en la Plaza Altamira, Av. Luis Roche.  Entradas (13.080 bolívares fuertes) a la venta en www.ticketmundo.com o en las taquillas de Ticketmundo en el CCCT.Y el tiempo de duración de todo el espectáculo no supera los 70 minutos.

martes, octubre 10, 2017

A los 86 años, Chalbaud no cree en brujerías

Bigotes y Cloe con el cineasta Chalbaud en feliz compañía
“El teatro, la magia y la religión son invenciones de los humanos, y especialmente de los artistas o intelectuales o pensadores, quienes se han dedicado a esas tareas desde hace miles de años. Ahora que estamos en este trepidante siglo XXI, gracias al desarrollo del cine, la televisión y la Internet, la utilización de lo mágico religioso, como lo denominan los periodistas, se ha repotenciado mucho más y llega así a millones de personas. Y por eso puedo predecir que nadie escapará de las prédicas religiosas ni las creencias mágicas”.
Así se expresa Román Chalbaud (Mérida, 10 de octubre de 1931), importante dramaturgo y reconocido cineasta, quien puntualiza que  “desde los años 40, cuando vivíamos en San Juan, con mi mamá, mi abuela y mi hermana, y es por eso que en sus páginas encontré, y seguiré, encontrando materiales populares para mis creaciones, y esto lo he dicho siempre, especialmente en sus páginas rojas; como es el caso de mi obra Los ángeles terribles, el ritual mágico de un anciano con unos niños y niñas y una fiesta que organiza con extrañas muñecas, una historia sacada de un noticia ultimeña de sucesos”.
-¿Por qué liga teatro con magia y religión?
- El teatro, la magia y la religión son rituales populares, algunos totalmente lúdicos y otros sacros, porque aquellos seres humanos prehistóricos inventaron los dioses, los crearon y a ellos les ofrecían sacrificios; de ahí nació la magia y después derivo en religión. Y eso, por supuesto ha evolucionado en cada una de esas disciplinas. Y ahora tienen caminos independientes, pero comunicados entre si. Y aquí quiero repetir, lo que encontrarás en alguna página web –maravilloso invento que sustituyó a los diccionarios en papel-, que magia es la capacidad de los magos para modificar la realidad sin medios estrictamente causales. A esos seres humanos extraordinarios también se le llaman brujos o brujas. Y hay múltiples historias sobre esa gente que existió, y todavía existen, para ejercer la magia o la brujería. Y ahora la televisión y el cine los utilizan mucho, como es el caso del maguito Potter, además todo un personaje de la literatura de masas.
-¿Cómo utilizó la religión o la magia y los milagros en sus teatros y en sus películas?
- Todo eso ha estado presente en mis creaciones y también en mi vida personal, como lo contaré más adelante. En mi teatro y en mi cine he utilizado una serie de altares populares, donde están presentes imágenes y esculturas, no solo de santos sino de políticos, médicos y hasta de gobernantes. Yo he encontrado altares donde han colocado efigies del presidente Chávez. La gente cree en ellos y les ponen velas y los invocan, porque necesitan creer en algo y puede ser un cantante o un jugador de pelota o algún político. Así ha sido, y seguirá siendo durante muchos siglos más. La humanidad necesita amar, adorar o creer en alguien todopoderoso, en sus dioses, que son inventos de las sociedades. Los curas dirán otras cosas.
-¿Por qué utiliza altares en sus teatros y sus películas? ¿Son rellenos de utilería o escenografías?
-Nunca son rellenos ni adornos. Son elementos básicos en mis propuestas estéticas. El pueblo, la gente, o el público, creen en eso y se identifica con ellos, porque son símbolos culturales. Por ejemplo, en mi obra teatral Caín adolescente, que después se llevó al cine, utilizo elementos de la Navidad, los Carnavales y la Semana Santa, que son soportes o el contexto donde están los personajes. Eso mismo se repite en mi pieza La quema de Judas y en mi drama Sagrado y Obsceno, después en la película El pez que fuma, donde hay elementos de esas creencias populares, como es la presencia de las prostitutas en un manantial donde son bendecidas Lo mágico religioso también está presente en los guiones o los textos de los personajes. Todo está sumergido en esa magia o esa creencia, esa maravillosa fe popular, porque pueblo no es solo los pobres, si o también los ricos, porque pueblo somos todos.
-¿Cree en esas costumbres populares? ¿Ha estado involucrado en algún milagro o predicción?
- Soy pueblo y nado en esas creencias populares. No puede negarme a sus influencias y hasta podría decir que no creo en las brujerías, ni soy supersticioso…pero de que vuelan, vuelan. En lo personal tengo una historia curiosa, que me comenzó en los años 50, durante la época del general Marcos Pérez Jiménez. Ocurrió que conocí a Beatriz Veit-Tane, maga o bruja, que después se convirtió en sacerdotisa de María Lionza. Ella me inspiró un personaje en La quema de Judas, en teatro y en cine. Ella quiso que le diera ese rol, pero yo opté por Hilda Vera. Con eso lo que conseguí fue que me maldijera y me amenazara con una desgracia apocalíptica. Nada pasó desde entonces, y estamos hablando a más de 40 años de esos acontecimientos.
-¿En Zamora, su película número 24, hay elementos mágico religiosos?
-Totalmente mágico religiosos no hay, aunque si tengo un personaje, encarnado por Antonieta Colón, una especie de bruja que le dice, al “general del pueblo”, que en las guerras no hay nombres, sino muertos.
 Y mientras viva seguirá declarando sobre su arte teatral y cinematográfico.