miércoles, junio 21, 2017

La razón blindada

El actor Adames en escena
“Los poetas tenemos que seguir envenenando las cosas reales del mundo para que no las olviden los hombres del poder, quienes andan siempre entre sus cifras, sus monedas, sus novedades o sus máquinas”. Así lo dijo esa rara avis que fue Juan Liscano Velutini, precisamente cuando recibió el Premio Nacional de Literatura, aquel el 24 de julio de 1951, momento que le sirvió además para recordar que el más alto de los poetas del mundo gritó que “debemos amarnos los unos a los otros…pero en la justicia”.
Y evocamos ahora al vate Liscano Velutini porque precisamente aquel poético  y maravilloso mensaje de amor y justicia, titulado Humano destino, lo utilizamos para conceptualizar al extraño y además sorprendente espectáculo La razón blindada, basado en la pieza homónima de Arístides Vargas, el cual hace temporada en el Teatro San Martin de Caracas, gracias al director, productor y actor Luis Bernal y el primer actor Salomón Adames, con la asistencia de Demis Gutiérrez y el soporte escenográfico de Armando Zullo.
TEATRERO TACHIRENSE
 Este Luis Bernal, nacido en el tachirense San Cristóbal y quien desde aquel año 1972 está sin reposar por los avatares de su existencia y porque ha buscado ser útil a la patria y su familia por intermedio del esmerado cultivo de las artes escénicas. En el Taller Nacional de Teatro (TNT)-fundado por Carlos Gimenez en el mejor momento de su huracanada existencia aquí en Caracas- se hizo teatrero hace más de 20 años y ahora, al frente de su agrupación productora “Con los pies en las tablas”, exhibe ese poético texto del teatrero argentino Arístides Vargas sobre sendos quijotescos personajes.
Graduado también en la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), y tras montar Pony, nunca te he negado una lágrima de Gustavo Ott, se dio a la tarea de escenificar Nuestra Señora de las Nubes, también de   Arístides Vargas, con la que recibió gratas críticas al presentarla en un Festival Creajoven, en el Celarg.
Bernal escenificó Nuestra señora de las Nubes tras disfrutarla durante un Festival Internacional de Teatro, representada por el grupo Malayerba, de Ecuador, con el autor Vargas interpretándola junto a su esposa Charito. Quedo impactado. Luego asumió el reto de dirigirla y actuarla. Nuestra Señora de las Nubes es una obra que está más vigente que nunca y si hay algo que me llama la atención de su dramaturgia es la manera poética de reflejar la realidad de nuestros atormentados países. La pieza es un canto universal, un grito de libertad…una mezcla de tristeza y estímulo a la imaginación. Es un lugar donde se construyen y crecen las utopías. Una metáfora de lo que significa el exilio, que aparece dibujado en múltiples formas. Mostrando aquello que se ha vivido y padecido en silencio. “Por lo tanto considero que es una obra importante que mostrar, tanto como necesario es un teatro donde hay tantas cosas que decir, y donde tenemos la capacidad de ser oídos y la osadía de romper con todos los silencios. Una obra que es un gran rompecabezas donde intentamos reflejar el desarraigo violento del propio país”, dijo Bernal.
TECNICAS
Explica Bernal que cuando lee una obra y se siente enganchado con la temática, el argumento, los personajes y sobre todo el mensaje, o, como se dice en el lenguaje teatral, el subtexto, “pues uno inmediatamente dice: esto tengo que mostrarlo a través de un discurso escénico y con actores y actrices que le den vida a cada personaje y trasmitan el mensaje no sólo que está implícito en la obra sino lo que yo como director quiero comunicar. Porque los que ejercemos este oficio, al mismo tiempo utilizamos el medio para expresarnos y decir lo que sentimos y pensamos no sólo del país, sino del mundo y la gente que lo habitamos. Me interesan las obras que sacudan al público. Que lo hagan no sólo reflexionar sino también lo lleve a hacerse preguntas. Las piezas que he montado tienen que ver con la realidad de nuestros países, tanto en lo político, como en lo social y cultural. Y eso me gusta reflejarlo en el escenario para que el público de alguna u otra manera sienta y vea lo que estamos haciendo nosotros como sociedad”.
LA RAZON BLINDADA
La razón blindada ha sido calificada como un poema para exaltar el poder liberador de la imaginación y como forma de resistencia a la represión. Basada en la vida real del hermano de Vargas, otra víctima de la dictadura argentina, toma ideas y conceptos de El Quijote de Miguel de Cervantes y La verdadera historia de Sancho Panza de Franz Kafka. Se elabora así una especie de libreto o guión sobre la supervivencia de dos presos políticos, de esos que a mala hora pululan en este balcanizado continente: De la Mancha y Panza, quienes se encuentran a las tres de la tarde de cada domingo, el único día   que se pueden ver en el patio de la cárcel, para tratar de representar una historia que les permita “liberarse” a través de la imaginación del encierro al cual fueron sometidos. Ambos sobreviven en el inframundo que representa la prisión a la cual fueron condenados injustamente. Ellos se entregan a un ritual con sus personajes entregados al frenesí de la locura real o imaginaria donde la ficción y la realidad deben cohabitar para que la vida sea posible. Ya que la creación de un mundo paralelo al infierno diario hace posible la salvación, ha dicho el mismo Bernal, quien encarna a Sancho Panza.
Ya Arthur Miller dijo que el teatro es el único lugar que tiene el hombre para vivir y soñar en libertad, aunque en este caso es más patético y hasta lacerante. Los dos privados de libertad se salvan porque sueñan, hacen teatro y esperan que llegue la justicia. No puede haber amor sino hay justicia, dijo Liscano años ha.
En La razón blindada se sufre con unos seres humanos sometidos a un castigo brutal e injusto, donde se desprende el terror que nos imponemos con las desgracias a las que nos sometemos y la grandeza que nos pueden dejar los momentos más degradantes de nuestra existencia.
Cabe destacar que los antihéroes de Arístides Vargas sobrellevan humillaciones y derrotas, se empecinan en retener el espíritu lúdico, el afán de aventuras. Van de la llanura manchega a la Patagonia, cruzan montes y ríos para arribar al páramo andino… pasan el “túnel intangible” y con la frágil pero imbatible fuerza de aquellos presos políticos, exiliados, rebeldes- que conservan la ternura, la risa, y la pasión por jugar y crear- historias para alcanzar la libertad profunda; esa utopía que todos parecemos perseguir alguna vez.
De La Mancha,​personaje magistralmente creado por el primer actor Salomón Adames, es el caballero sediento de aventuras y desbordante pasión por su Dulcinea, loco-lúcido, manchego, patagónico o tropical, que por encima de su origen geográfico, es el paradigma del idealista. Un Quijote que confunde cárceles con paraísos y desiertos, y que se exilia en la sinrazón, en ese extraño desorden que no hace mal a nadie pero que ayuda profundamente a vivir.
Panza,​encarnado sobriamente por el actor y director Luis Bernal, quien representa a la perfección la dualidad entre el personaje literario y el creador de historias coexistentes en él. Unos personajes muy expresivos y convincentes capaces de hacer reír, llorar, sufrir por ellos y con ellos hasta el final de la obra.
Esta puesta en escena de Bernal se caracteriza por su sobria autenticidad en la dirección, las actuaciones y la escenografía –un par de sillas que se convierten en rejas y en otros marcos básicos para apuntalar las acciones actorales- es una especie de tercer personaje, metálico en su esencia pero hermosamente útil y hasta frágil. Un gran aporte de Zullo.
Con un tono, lúdico, algunas veces trágico y otras veces humorístico, La razón blindada mantiene cautivada la atención del espectador de principio a fin, en sus intensos 80 minutos.


Gran festival de cine gay en Venezuela

Del 30 de junio al 7 de julio se estará realizando la decimoprimera  edición del  Ciclo de Cine de la Diversidad,  enmarcado en el mes del orgullo LGBTI (Lesbianas, Gays, Bisexuales, Transgeneros, Transexuales, Travestis e Intersexuales) en varias ciudades de Venezuela.
Este Ciclo de cine gay o LGBTI, creado por el cineasta John Petrizzelli, hace 11 años se lleva a cabo gracias a su empresa Infinito Films, conjuntamente con Alianza Lambda de Venezuela, bajo la responsabilidad del activista Ricardo Hung,  y el Circuito Gran Cine que se suma en esta edición como co-organizador del evento. Este evento forma parte del Sistema Nacional de Festivales y Muestras de Cine de Venezuela y cuenta con el apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), Amazonia Films, la Fundación Cinemateca Nacional, las embajadas de España y Francia, además de numerosos aliados institucionales y organizaciones no gubernamentales sensibilizados con la lucha de las minorías sexuales.
El Ciclo tendrá como sede principal en Caracas las salas Paseo del Trasnocho Cultural de Las Mercedes, el CineCelarg3 del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos y el Instituto Cultural Brasil Venezuela en Altamira, así como la Sala Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao, la Facultad de Humanidades de la UCV y la sede de Inamujer en la Avenida Urdaneta.  En Maracaibo el ciclo se mostrará en el Centro de Artes Lía Bermúdez y en la ciudad de La Victoria, estado Aragua, en el Cine City.
En una presentación especial se proyectará la película Bárbara, de John Petrizzelli, en la remota comunidad de Espino, estado Guárico, cuyos paisajes sirvieron de escenario natural para la película.  En televisión abierta, así como también TDA y operadoras como Supercable y Directv, la señal de ViveTV mostrará una selección  de películas de nuestras ediciones anteriores; igualmente se proyectará otra selección en toda la Red de Salas a nivel nacional de la Fundación Cinemateca Nacional.
Como parte de la celebración de los 120 años del Cine Nacional se contarà  con funciones especiales en preestreno de dos películas de temática LGBTI: la ya citada Bárbara y la coproducción con Puerto Rico Extra Terrestres de la directora Carla Cavina, quien estará presente  como parte del lanzamiento posterior del film en las salas de cine del país.
También para esta edición será el estreno en Latinoamérica de un programa de cortometrajes del cineasta británico transgénero Jake Graf que toca los temas de identidad de género y cuya obra ha causado polémica en Europa por sus planteamientos. Aparte de los filmes mencionados se cuenta con una amplia muestra de más de 15 largometrajes de ficción, documentales y 17 cortometrajes  provenientes de países tan diversos como Alemania, Argentina, Brasil, España, Estados Unidos y Francia.  
Entre otros estrenos internacionales para esta 11va. edición se encuentran  los largometrajes estadounidenses Ann y LGBT: La experiencia, dirigidos por los venezolanos Carla Forte y Tom Monasterios, respectivamente, y de Argentina tendremos Como una novia sin sexo, de Lucas Santa Ana y La vida después,  de Franco Verdoia y Pablo Bardauil.

El general necesitaba su catira

El público dirá  la última palabra sobre  este nuevo espectáculo teatral ambientado en la Venezuela del dictador general Marcos Evangelista Pérez Jiménez, quien tuvo su fascista delirio para manipular a las masas a través de la cultura .Todo eso, que es auténtico o histórico se verá en La Catira del General, pieza original de Javier Vidal que desde el viernes 30 de junio estará presente en la cartelera del teatro Trasnocho Cultural.
Escrita y dirigida por el periodista, actor, director y dramaturgo Javier Vidal Pradas el año pasado, La Catira del General es la historia fabulada de Camilo José Cela, escritor español ganador del Premio Nobel y representante intelectual  de Francisco Franco Bahamonde, en la Venezuela de Marcos Pérez Jiménez y su Nuevo Ideal Nacional. Cela será el responsable de crear, bajo las directrices del Ministro del Interior Laureano Vallenilla-Lanz Planchart, un personaje de ficción lo suficientemente efectivo para destronar del imaginario popular de la Doña Bárbara de Rómulo Gallegos, en un esfuerzo por disfrazar la ideología del Nuevo Ideal Nacional con nombre y guiños de una sensual mujer.
De esta forma, Vidal cierra suTrilogía del Poder iniciada con Diógenes y las Camisas Voladoras (2011) cuya idea germinadora es la presencia de los civiles al servicio de la democracia, Compadres (2013) que versa sobre los militares y el militarismo, y La Catira del General (2016), que pretende ser un fuerte cuestionamiento a los artistas e intelectuales al servicio del poder,ya que el autor tiene su vision sobre ese fenomeno.
Es así como Sócrates Serrano encarna a Camilo José Cela, Gonzalo Velutini a  Laureano Vallenilla-Lanz Planchart, Juan Carlos Ogando a Marcos Pérez Jiménez y  Jan Vidal Restifo a Francisco “Paco” Ogando: personajes que alguna vez fueron protagonistas de nuestro acontecer político-cultural en una novedosa puesta en escena que ofrece un número de danza tradicional coreografiado por Beatriz Álvarez del grupo Lembranzas de la Hermandad Gallega en Venezuela y música venezolana interpretada en gaita por Gabriel Figueira, integrante del grupo Gaélica.
La Catira del General es patrocinada por la Embajada de España en Venezuela  y dirigida por Javier Vidal asistido por Catherine Medina, en una producción ejecutiva de Jota Creativa Producciones con Julie Restifo en la producción general, Gonzalo Velutini como productor ejecutivo y Samuel Hurtado como productor adjunto. Además, cuenta en su diseño gráfico con ilustraciones exclusivas de Eduardo “EDO” Sanabria, la dirección artística de Vladimir Sánchez, iluminación de Dorwis Yuncosa y exquisito videoarte de Daniel Dannery.
La Catira del General estrena temporada el próximo 30 de junio a las 6:00pm, con funciones los viernes a las 6:00pm y sábados y domingos a las 5:00pm. Las entradas tienen un costo de Bs. 4.500 (+IVA) y pueden adquirirse en las taquillas del Trasnocho Cultural, ubicadas en el sótano del centro comercial Paseo Las Mercedes, o a través de los portales 


lunes, junio 19, 2017

Hotel Kafka en la esquina de Cipreses

Alfredo Caldera y sus anuncios sobre las obras de la CNT
 Hotel Kafka es el nuevo espectáculo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) que será exhibido desde el 22 de julio en el teatro Nacional de Caracas, bajo la dirección de Marisol Martínez, con la producción general de Alfredo Caldera, actuado por Angel Pelay, Sandra Moncada, Randimar Guevara, Dayana Cadenas y Wahari Meléndez, contando además con el dispositivo escenográfico creado por Carolina Raga.

Esta directora Marisol Martínez, bastante conocida por sus montajes de circo y algunas experimentaciones escénicas, se ha destacado gracias a sus audaces propuestas sensoriales que buscan integrar al público con sus espectaculos hasta integrarlo o vincularlo con la obra en situaciones extremas y llevarlo incluso a un territorio poético efervescente, como han comentado algunos analistas. Es, pues, una artista con perfil propio, algo que es necesario siempre, pero hay muy pocas como ella.
 Este espectáculo, que estará no menos de cuatro semanas, durante una primera temporada en el teatro de la esquina de Cipreses, como lo subraya su directora Martínez, es una adaptación libre de cinco relatos de Franz Kafka, los cuales han sido transformados en textos teatrales por la misma puestita, quien además es licenciada en Letras y egresada de la UCV. Ella tomó relatos como Un informe para la academia, Un artista del hambre, Un artista del trapecio, Metamorfosis y La ley para elaborar así el básico libreto de trabajo. “Es la consecuencia de una investigación que se hizo a partir de la biografía y la obra en general de Kafka, hasta que pudimos generar un creativo texto para el montaje, de carácter experimental y basado íntegramente la literatura kafkiana”, ha dicho, tras comentar que siempre ha disfrutado con la producción del afamado escritor, quien murió a los 41 años, tras haber nacido en Praga hacia 1883.
  Hotel Kafka es, pues, una adaptación totalmente libérrima, basada en los argumentos de cada uno de esos textos, con sus personajes y sus contenidos. “Lo que hicimos fue ponerlos dentro de un espacio teatral y por eso lo hemos titulado Hotel Kafka, por una natural analogía. Se trata de un espectáculo itinerante y adecuado para hacerlo o mostrarlo en espacios alternativos. Nuestra propuesta para el estreno se inicia en el foyer del primer piso del teatro Nacional y se mueve por todos sus espacios, adecuadamente intervenidos por la escenógrafa Carolina Raga. El público llega a un hotel, donde su dueña invita a los espectadores-huéspedes para que visiten los espacios de dicho local. Pretendemos generar un espacio teatral propicio para la representación de esos cinco textos, con sus cinco espacios y sus cinco atmosferas. El público deambulara por ese hotel y podrá ver así la Metamorfosis”, apunta Marisol, quien aclara que “llego a Kafka porque lo estudie muchísimo, desde cuando incursionaba en la UCV. Me gustan mucho los mal llamados poetas malditos”.
Está considerada como una de las pocas directoras teatrales que trabaja a partir de ideas propias, capaz de generar sus propios textos o reescribir lo que le caiga en las manos. “No tengo miedo a correr riesgos porque vengo del circo y prefiero arriesgar que trabajar en la comodidad de los convencionales. He estrenado montajes como El tour, El banquero anarquista, Reverón y Un fausto anda por la avenida, todos obtenidos a partir de la deconstrucción de los textos teatrales o literarios, a los cuales he considerado como unas herramientas. Por eso mi teatro está basado en la puesta en escena”.
¿Qué  ha pasado con el circo?
 El circo es una herramienta o un lenguaje donde hay un especial trabajo físico con los actores y donde se les exige mucho más a sus intérpretes. Con Hotel Kafka haremos varias temporadas y para fin de año presento un montaje con la Fundación Rajatabla, posiblemente con una pieza de Bertold Brecht.
Nieta talentosa
 No es el primero ni el último trabajo teatral que se aborda desde los textos y la biografia de Kafka, pero creemos que marcarà epoca para la historia de las artes escénicas venezolanas porque la directora Marisol Martìnez  (nieta de Lily Àvarez Sierra y Gabriel Martìnez, valiosa pareja de pioneros del teatro) pretende crear un  espectàculo que estè  a la atura del sufrido existencialismo del escritor, quien viviò una época convulsa y de futuro incierto, muy similar a la que vivimos ahora en el mundo contemporàneo. Ella subrayará, con su trabajo y el de los actores, los verdaderos significados del adjetivo kafkiano que se refiere a las sociedades donde el absurdo es cotidiano.





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sábado, junio 17, 2017

Festival de teatro venezolano del sur

 “La maravillosa idea de producir el primer encuentro de Festivales de Teatro en el Sur de Venezuela, refleja el espíritu de unidad de quienes durante años hemos estado cultivando las artes teatrales en nuestro estado Bolívar y todas las otras regiones venezolanas”, dijo el  artista Federico Espina, coordinador general de dicho evento, el cual se realizará en Ciudad Guayana, del 23 de julio de junio al 6 de julio, con la participación de 32 elencos representativos de 12 estados, además del caraqueño Distrito Capital, con la actuación del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que comanda Alfredo Caldera.
Puntualizó  Espina que este  monumental y primer festival de teatro  creado para los habitantes de Ciudad Guayana,  se ha logrado “gracias a las alianzas estratégicas  de la Fundación Jau-Jau y su XXII Festival Estudiantil en el municipio Piar, la Asociación Civil Taller de Teatro y Títeres Retablo con su VII Festival Itinerante de Teatro del estado Bolívar y la agrupación Trapecio con su X Festival Nacional de Teatro en Guayana,  todos pertenecientes y miembros activos de la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela “.
Destacó Espina que este evento, el cual ha contado con el respaldo  de la Alcaldía Socialista Bolivariana del  Caroní y la Compañía Nacional de Teatro, está “enmarcado en el Bicentenario de la batalla de San Félix, acontecimiento histórico de una importancia significativa para  el proceso independentista de Venezuela, ya         que desde Guayana se liberó a Venezuela y América”,  y hace parte de los festejos por el Dia Nacional del Teatro, el próximo el 28 de junio , y es parte de las actividades en el aniversario de Ciudad Guayana, y es también un homenaje que le hacemos al dramaturgo, actor, director y maestro del teatro venezolano Fernando Acosta, oriundo del estado Zulia”.
TRES AUTORES DE VALOR
 Para la inauguración  de este primer encuentro , el viernes 23 de junio han sido programados las funciones de  los espectáculos Lo que la guerra nos dejó de Cèsar Rengifo, Dos de amor de Jose Gabriel Núñez y ¿Donde esta enterrado Colòn? de Cèsar Rojas, la esperada producción de la Compañia Nacional de Teatro. Son piezas destacadas de esta trilogía de dramaturgos venezolanos.
Es importante señalar que “en el marco del evento, el Consejo Nacional de la Red Nacional de Teatro y Circo realizará su tercera reunión del año y tendrá entre los puntos a tratar el lanzamiento del Tercer Congreso de Teatro, en la quinta república, la cual poseerá como marco filosófico el análisis antropológico de la cultura venezolana en vía a la consolidación de un lenguaje del teatro venezolano, latinoamericano y caribeño, subrayó Espina.
COLÒN

El espectàculo ¿Dónde está enterrado Colón, escrito y dirigido por César Rojas (58 años), contando con las actuaciones de Trino Rojas, Nitaly La Cruz, Kala Fuenmayor, Ana de Sousa  y Kelvin Zapata, es una producción de la Compañía Nacional de Teatro, que despues ahora temporada en el teatro Nacional de Caracas, a partir del venidero 15 de julio. Revela Rojas que ¿Dónde está enterrado Colón?  es la historia de “un par de hermanitos que han quedado huérfanos y deambulan en las playas de El Tirano, en Porlamar, quienes venden frutas del mar para sobrevivir, mientras siguen juntos. Entonces conocen a una pareja caraqueña, Teresa y Miguel, que llegaron a la isla para solucionar sus asuntos maritales, y quienes se dan cuenta que pudieran ser la solución para el hambre y la ausencia de sus padres a la pareja de muchachos, pero los caraqueños descubren la tumba donde está enterrado Cristóbal Colón, y el pueblo decide que hay que matarlos para que nadie se entere de ese secreto. Los encierran en la casa del Tirano Aguirre para aniquilarlos con fuego, pero la niña los ayuda a huir y se escapa con la pareja en pos de una vida mejor; de una oportunidad… y el varón se queda, se convierte en activista de hotelería y sale adelante mientras espera el reencuentro con su hermanita. Y diez años después, van a encontrarse como se prometieron cuando se separaron, pero antes de que ella aparezca, el joven tiene que contar la historia ocurrida”. Apunta Rojas que durante el año 2004, Fundarte hizo un concurso de teatro sobre la temática adolescente y “yo tuve la oportunidad de presentar dos piezas de teatro: Los pantalones al revés y ¿Dónde está enterrado Colón?  Con la primera me gané el primer premio del concurso y la segunda conquistó la mención de honor. Estos textos ya fueron publicados por Fundarte y ahora la CNT me invita a dirigir”.

jueves, junio 15, 2017

El hombre de la rata

Terminan las funciones de El hombre de la rata en la sala Rajatabla.
Nada mejor en estos difíciles tiempos que revisar las obras de los grandes poetas dramáticos venezolanos para abrevar sus enseñanzas y reemprender el camino en la dura cuesta que implica subir la escalera de Jacobo. Porque todos ellos, hondamente comprometidos con su país, buscaron nuevas formas de expresión artística que estuvieran a la par de la apertura que en todos los órdenes traía la convivencia democrática nacida de la caída del dictador Marcos Perez Jiménez  y el surgimiento  de una tambaleante estructura sociopolítica.
Y como la ha escrito el profesor José Leonardo Ontiveros, ellos, César Rengifo, Isaac Chocrón, José Ignacio Cabrujas, Rodolfo Santana Gilberto Pinto,  Román Chalbaud y José Gabriel Núñez, demostraron con sus piezas teatrales estar muy hondamente comprometidos con  Venezuela y lo exhibieron y nunca desertaron,  desde el primer y el segundo Festival Nacional de Teatro (1959 y 1961), eventos caraqueños que se convirtieron en cañones de doble fuelle para acelerar el necesario  y reivindicativo cambio, el cual no ha cesado a pesar de unos cuantos cantos de sirenas.
Dichos autores expresaron sus visiones del mundo a través del realismo en sus distintas variantes, bien fuese realismo subjetivo, crítico e histórico. Auténtico lenguaje escénico idóneo y eficaz para cuestionar política y socialmente al sistema donde, todavía, germina, una incipiente democracia que propugna los valores de libertad e igualdad.
Esos dramaturgos escribieron sus obras desde ese nuevo modelo democrático, que en la práctica no lo es del todo, y lograron que emergieran nuevos discursos teatrales acordes a los nuevos tiempos que se vivían. Las fórmulas escénicas del pasado, como el sainete costumbrista y los melodramas burgueses, fueron desestimados para darle paso a nuevas estrategias que permitieron expresar, en al área de la realidad imaginaria, una nueva visión del mundo y del entorno. Una tarea que ha sido abordada además por las nuevas generaciones y hay que hacer hincapié en ese compromiso asumido públicamente.
GILBERTO PINTO
Recordamos a Gilberto Pinto (Caracas, 1929/2011) porque su producción dramatúrgica está impregnada y cargada de profunda y mordaz crítica social, política e histórica. Dejó leer y luchó para representar  no menos de 19 piezas, como El rincón del diabloEl hombre de la rataLa noche moribundaLos fantasmas de TulemónEl  confidentePacífico 45La guerrita de RosendoLa muchacha del blue jeansGambito de damaLucrecia, La visita de los generales y El peligroso encanto de la ociosidad, entre otras. Y muere sin estrenar su pieza Mark Crossman regresa a casa, sobre los soldados gringos que pelearon en Vietnam.
Ahí es donde hay que destacar a Gilberto Pinto, quien se decantó por un teatro de tesis y de corte dialéctico que le sirvió para sus fines políticos hasta que culminó su periplo existencial, tras desarrollar novedosas estrategias escénicas   para cuestionar, fustigar y mostrar las imperfecciones del poder y del establishment político venezolano imperante en el momento de escribir sus obras.
Durante sus años mozos, durante la compleja década de los 50, cuando participó activamente en la lucha popular contra la dictadura perezjimenista, recordaba que “hacíamos teatro contestatario en el día y en la noche nos entregábamos a las actividades políticas. Hacíamos graffitis y repartíamos proclamas y propaganda. Y todo ese grupo estaba en una lista negra. Éramos Rafael Briceño, Héctor Myerston, Humberto Orsini y Román Chalbaud, entre otros. La llegada de la democracia no cambió nada: siguieron la torturas, los asesinatos, las represiones y hasta que afortunadamente, vino una pacificación, pero antes mataron a César Trujillo y Oswaldo Orsini entre otros”, nos lo contó una semana antes de su muerte.
Pero Gilberto Pito sigue vigente y resulta hasta controversial como lo demuestra la reposición escénica de su legendario monologo El hombre de la rata, en la sala Rajatabla. Es una producción del grupo Las tres gracias, actuada por el psicólogo Ángel Pelay, dirigida por Sheila Colmenares y bajo la producción de Vanessa León.
Este unipersonal, escrito en el año 1963, refleja la convulsionada sociedad venezolana de los 60 y 70; hace una profunda crítica social y política para aquel entonces. Actualmente la agrupación teatral Las Tres Gracias retoma la obra desde una visión contemporánea a través de una puesta en escena dinámica, inteligente e interactiva que envuelve al espectador en diversas atmósferas y emociones que pasan rápidamente del llanto a la risa hilarante, de la nostalgia al sarcasmo, dejando a su paso un cúmulo de preguntas y dando la alerta de que hay que mirarnos vivir. “Con esta obra la agrupación apuesta a darle voz a los autores de la dramaturgia nacional y sorprendernos de la vigencia de sus obras”, acota el correcto intérprete Pelay.
Según Pelay, su personaje Ismael Peraza es un divertido loquillo que con el pasar del tiempo se ha escapado de una realidad que le resulta insostenible. Se transforma en vagabundo y huye vehementemente de la hipocresía, de la manipulación y de las máscaras sociales que lo atormentan.
El espectáculo transcurre en una plaza pública a plena luz del día. Ahí Ismael Peraza, hombre de aspecto desaliñado, en su imperiosa necesidad de satisfacer sus ganas de hacer pipí busca un urinario, desesperado por su situación decide orinar en la plaza, pero se percata de que está siendo observado por muchos ojos (son aquellos del público que se encuentran a oscuras), esto da pie a Ismael para contar su vida, su transcurrir por la escuela de filosofía, su vida conyugal, su lucha con la rata (símbolo diverso de las realidades humanas), sus locuras y hasta su propia muerte. Pensando reflexivamente a través de sus experiencias, Ismael al final del día se dice a si mismo que un mundo mejor es posible, pero que hay que luchar hombro a hombro para conseguirlo y quizás algún día nos liberaremos de la angustia. .
 En El hombre de la rata podemos advertir como Gilberto Pinto aborda el teatro de tesis o teatro didáctico como fórmula recurrente para estructurar su universo dramático. Un hombre siente que una rata, la cual de manera abrupta se ha hecho gigante, lo acosa constantemente. Es un ser esquizofrénico, trastorno que le produce una serie de perturbaciones obsesivas. Una de esas obsesiones radica en su persistente idea de que una rata lo amenaza con aplastarlo. Un personaje con signos claros de deformidad, se encuentra desde el comienzo de la obra en un gran estado de tensión. Su constante deseo de orinar es producto de toda la podredumbre que existe a su alrededor y la única manera de poder desintoxicarse es a través de acto fisiológico de la micción:
Pinto aborda en esta obra el tema del hombre acorralado en una sociedad unidimensional; realiza una radiografía del hombre moderno inserto en una sociedad de consumo y aburrido de vivir una vida completamente absurda. Utilizando como lenguaje escénico el expresionismo: estructura paradigmática estética del entorno, configuró una obra donde la temática del caos, de la destrucción y de la muerte, recursos a todas luces expresionistas, se amalgaman con elementos de carácter filosóficos. Fustiga a los postulados de Descartes, preceptos a su juicio que han condicionado negativamente al ser humano al presentarnos una falsa armonía del mundo contemporáneo. Desmonta mediante un acerado humor negro el principio racionalista del Cogito, ergo sum y ofrece una contranota que transita por el camino del existencialismo sartreano (existo luego pienso) y de la dialéctica hegeliana, considera Ontiveros.
Este montaje de El hombre de la rata se presentó en el Festival Internacional de Teatro de Caracas en abril del 2014 y desde entonces ha estado presente en diversas temporadas de importantes salas caraqueñas y en diversos festivales en el interior del país.









miércoles, junio 14, 2017

Humor, amor y venganza en Chacao

Para estos tiempos, un tanto complejos, no esta mal  recordar y hasta disfrutar porque existen emociones y realidades, al fin y al cabo sentimientos, que todavìa impulsan a los seres humanos sin excepciones, los cuales  serán escenificados, el domingo 25 de Junio, a partir de las 4:00 pm, sobre las tablas  del Teatro Municipal de Chacao, con la presentación de la Gala De Opera: “Humor Amor y Venganza”, de la mano de los destacados solistas Génesis Moreno, Soprano; Claudia García, Mezzo-Soprano; Reinaldo Droz, Tenor; Iván Cardozo, Tenor; Franklin De Lima, Barítono; Luis Sarmiento, Bajo; jóvenes quienes, en su mayoría, pertenecen al Conservatorio Simón Bolívar e igualmente algunos  forman parte del coro  de El Sistema.
Esta Gala que  organiza  el Instituto Italiano de Cultura, recreará  escenas de tres  famosas óperas, fundamentales, como: Cosí Fan Tutte de W.A. Mozart, Lucia de Lammermoor de Gaetano Donizzetti y Rigoletto de Giuseppe Verdi, respectivamente.
 Vale destacar que la puesta en escena,  a cargo de Miguel Issa, tendrá un  carácter minimalista e íntimo, en la cual  cantantes e instrumentistas formarán parte de un gran cuadro  complementado con videoartes y elementos que simbolizarán  cada una de las escenas a representar.
 La música  ha sido encomendada  a  la Sinfónica Juvenil Evencio Castellanos, que  pertenece  al Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, bajo la dirección del maestro Alfredo Rugeles.
TRAMA PLENA DE VIVENCIAS
 El título de esta gala lírica se refiere  a cada una de las óperas: el humor en: Cosí Fan Tutte, ópera bufa, tercera y última de la trilogía italiana del genio de Salzburgo,  con libreto de Lorenzo Da Ponte, que constituye   una comedia seductora y erótica de un engaño amoroso entre dos parejas,  una apuesta que hacen los caballeros sobre la fidelidad femenina.
Por su parte, el amor, estará representado  en  Lucia de Lammermoor , sin duda la obra maestra de Gaetano Donizzetti, con libreto de Salvatore Cammarano. Es un drama trágico, en el cual   la unión de los dos amantes parece imposible. Lucia es el amor frustrado, la rivalidad entre las familias, el matrimonio forzado, el parricidio, la demencia y finalmente el suicidio, sólo con la muerte podrán ver sus deseos cumplidos. Considerada el ápice del romanticismo belcantista. Y la venganza, se escenificará en Rigoletto, una de las tres óperas pertenecientes a la famosa trilogía verdiana,  junto a El Trovador y La Traviata. Basada en la obra  El Rey se Divierte  de Víctor Hugo, adaptada por Francesco Maria Piave. Un intenso drama de pasión, engaño, amor filial y venganza. Esta ópera ofrece una combinación perfecta de riqueza melódica y fuerza dramática.
Todo este espectàculo  es posible por la producción general de  Milvia Piazza, una trabajadora “todoterreno”, de las pocas que aún quedan.