sábado, diciembre 27, 2014

Seis festivales de teatro breve para el 2015

El rey Midas recibió de Dionisio el poder de convertir en oro todo lo que tocara, pero renunció a tan asombroso don porque no podía alimentarse. En este descreído siglo a los empresarios y artistas se los califica de  nuevos reyes Midas cuando tienen éxito con sus profesiones o empresas y ganan mucho dinero.
Es el caso de Robert Chacón Calcurían, quien a los 28 años se ha convertido en  otro rey Midas del teatro venezolano, como antes lo fueron Conchita Obach,  Guillermo González y Carlos Giménez.
-¿De dónde salió?
-Del Instituto Universitario de Teatro. Necesité diez años para sacar la licenciatura, que en el 2013 me la dio la Universidad Nacional Experimental de las Artes. El trabajo me impedía sacar la tesis en Producción y promoción.
-A usted lo apodan como el nuevo rey Midas del teatro venezolano porque hizo posible la puesta en marcha del Teatrex y después generó una programación constante y muy concurrida en el Urban Cuplé, donde antes funcionó el bingo del CCCT, cuyos espectadores se cuentan en varios centenares de miles al año. ¿Satisfecho?
-También pasé  por el teatro Escena 8, todo en las últimas etapas de oro, para estar de acuerdo con los comentarios de rey Midas que me endilgan.
-¿Que pasó en Teatrex de El Hatillo?
-El Teatrex estaba quebrado, lo rescaté y pagó sus deudas, pero cuando el negocio comenzó a crecer se metieron los dueños y afectaron mi trabajo, tras lo cual salí de ahí. Los teatros tienen que ser administrados por teatreros que tengan además autonomía,  porque los empresarios como tal no saben nada de teatro salvo que lo ven como una mina de oro, pero fracasan porque no saben nada de las artes escénicas, ni tampoco conocen al público que es el que consume los espectáculos. Estoy aquí en Urban Cuplé desde hace tres años y presento un promedio de 15 espectáculos por semana en dos salas con diversos horarios para 420 espectadores en 12 funciones diarias. Después vino el fenómeno artístico de 2014: los dos festivales de teatro breve o microteatro. Montajes reducidos a 15 minutos de representación y  creados en función de un espacio mínimo y para no más de 30 espectadores. Ahí, Malala Dubuc y Dairo Piñeres fueron piezas claves para el éxito de las dos muestras.
-Denos cifras.
-Tuvimos un total de 120 mil espectadores en las dos muestras, una de 18 montajes y otra de 23. Pero más allá de las cifras está el agradecimiento del público que hizo de Urban Cuplé su espacio para divertirse y soñar, porque eso es el teatro. Fueron 41 montajes que impactaron incluso con el ruido que salía de las minisalas, una característica.
-¿Por qué el éxito de Urban Cuplé?
-El público y los artistas que por aquí pasan son las claves, pero también está el equipo humano que trabaja conmigo. Aquí intentamos generar o involucrar a todos los hacedores de teatro que hacen vida en Caracas.
Cree que  “el empresario sensato tiene que conocer del espacio teatral como tal, entender a los técnicos, a los guías. No se puede organizar una programación en función de que son sus amigos”.
Puntualiza que la calidad de “los montajes y la entrega de sus comediantes, los convenció de que se trataba de un experimento serio o una búsqueda de nuevos lenguajes  y propuestas capaces de atrapar al público y llevarlo deambulando de sala en sala durante cada jornada y dejarle así una serie de interrogantes plasmados de manera lúdica”.
Para el 2015 ya organizan, pase lo que pase, seis festivales de teatro breve, tres en Urban Cuplé y tres en el Sambil de Chacao, con unas 30 obras. “Confío en un pequeño grupo de productores, los más exitosos, además, porque ellos alimentan las salas, traen sus montajes, a la caza de espectadores que acuden a nuestras temporadas del otro teatro”.
Se lamenta que Unearte no forme sino artistas y se han olvidado de los técnicos, piezas claves para que se realicen los montajes.
A sus 28 años, Chacón se confiesa feliz con su trabajo y además está preocupado porque su hijo Sebastián, de ocho años,  hace preguntas y algunas no las puede responder.
Antiguo burdel

En Madrid, durante la temporada 2009, en un burdel abandonado, se instaló el primer teatro para mostrar  obras minúsculas. Los  espacios que antes ensayaran la estridente declamación de eróticos gemidos, propiciaron un novedoso formato escénico: el teatro de mínimos, una obra muy corta y buscadora tenaz del clímax, la indecorosa confinidad como único hábitat, y todo por dinero, ya que una de las premisas  de este proyecto ha sido el autoempleo. El público lo recibió como algo fresco  y a esa pequeña escena la llamaron micro teatro o teatro breve.

Fotomatón 2014

El béisbol no está ausente de los escenarios venezolanos  desde que Gustavo Ott, apuntalado en el actor Fernando Then, metaforizó las descarnadas facetas de algunos de sus protagonistas y los contextos donde estos se desarrollan, o sea los peloteros, sus familias y una sociedad con todas sus aristas, y así los mostró durante la temporada 1999.
Así estrenó el unipersonal Fotomatón para exhibir lo que puede ocurrirle a un beisbolista cuando, tras violentar las conservadoras normas sexuales y degustar lo  prohibido, pierde la vida, precisamente en el epílogo de un juego de su equipo, Los Cardenales de Lara.
Fotomatón fue remontado para la temporada 2004 por su autor y el joven comediante José Gregorio Martínez, quien inició  así intensa y meteórica carrera actoral que le ha permitido ganarse los premios Avencrit 2013 y el Marco Antonio Ettedgui. Y ahora, para festejar los 22 años del Teatro San Martín de Caracas (en Artigas) ha realizado unas exhibiciones, antes de irse hacia otras salas durante el venidero 2015.
Este Fotomatón, que es una autopsia venezolana en nueve innings, donde se emula un juego de béisbol, plasma la historia de un pelotero a partir de su cadáver  que reposa en la morgue a donde lo llevaron después que una transexual lo mató porque no le respondía a sus llamadas telefónicas, tras pasar una tórrida noche de locas copas.
Tan  novedosa pieza muestra su rocambolesca historia, con un delirante ritmo escénico, a través de los distintos personajes que componen esa familia (padre, madre, hermano, tío, prima, forense y el pelotero mismo) y logran transformarlo en lúdico alegato contra la insensibilidad y la ausencia de solidaridad en las sociedades latinoamericanas en general  y particularmente la venezolana, porque sus personajes son criollos hasta la médula.
Se pueden decir muchas cosas de Fotomatón, como que es una de las  mejores piezas de Gustavo Ott (Caracas, 1963), donde además destaca su novedosa  fórmula para contar una saga teatral, auténtica y vitriólica catarata escénica contra los prejuicios y el desprecio, desde una óptica graciosa, a veces hilarante, con un humor fino capaz de seducir a cualquier audiencia.
Ott, un periodista  que devino en dramaturgo, ha dicho que es una obra fundamentalmente sobre la familia y el odio. De la familia de Fotomatón es fácil aprender la forma más sencilla de condenarnos al infierno. Quizás porque es allí, en el seno de la familia, donde aprendemos los elementos más perversos sobre el poder.

Por supuesto que sin actor no hay teatro capaz de atrapar a la audiencia y eso lo demuestra, muy bien, José Gregorio Martínez al componer sus siete personajes y darle a cada uno su característica, atrapando la audiencia y haciendo de esos 100 minutos del espectáculo un delicioso pasatiempo sobre lo que somos los venezolanos, sin caer en extremismos.

Edgar Borges:la ficcion como vía para demoler la realidad

El escritor Edgar Borges con magro equipaje y sus dos hijas preadolescentes se instaló en España hace un poco más de siete años. Y ahora, vía Internet, informa orgulloso que ya le han publicado cuatro novelas: ¿Quién mató a mi madre? (2008), La contemplación (2010),  El hombre no mediático que leía a Peter Handke (2012) y La ciclista de las soluciones imaginarias (2014). También tiene dos libros de apuntes y recorridos: Crónicas de bar (2011) y Vínculos. Apuntes con Rubén Blades (2013). Además está incluido en diversas antologías y ha prologado varios textos de españoles y latinoamericanos.
¿Satisfecho?
-Para mí la literatura siempre ha sido una necesidad y en España la he convertido en una idea posible. No he tenido que pedirle permiso a ningún padrino y eso es algo que me permite vivir en paz con mi idea de vida.
Las editoriales venezolanas hasta ahora no lo han contactado y él expresa que “soy una expresión extraña, por no decir vetada, para las élites que han manejado este medio, tanto en lo público como en lo privado. Mi trabajo se basa en la ficción como vía para demoler y construir realidades y, al parecer, los parámetros de esos señores no aceptan nada que circule por los bordes de la llamada realidad. Pero ese es un tema que no me preocupa. Quienes diseñan el canon literario venezolano pretenden encerrar la palabra en un marco de solemnidad. Se subestima la literatura como espacio de juego, de participación lectora. Falta mucho Julio Cortázar y mucho Georges Perec para implosionar tanta seriedad discursiva”.
“Decía Virginia Woolf que una buena novela era aquella cuyas palabras transmitían vida. Pienso que el lector para sentir un libro necesita olvidar que está ante palabras. La palabra sin estorbos ni malabarismos opera como un hilo invisible que muestra historias y espacios. En esta dinámica elitista incluyo a un sector  que, en materia de producción, representa intereses que no tienen nada que ver conmigo ni con la literatura que escribo. La imaginación es una apuesta que no gusta mucho a los comités de lectura de esas editoriales. Si no pretendes transcribir la realidad no eres bien visto, aún se cree que la ficción es una abstracción sin sentido. No se asume que toda realidad es una construcción y que la ficción es la mejor forma de apertura que pueda descubrir una persona para cambiar su mundo y el que comparte. El arte en lugar de correr tras la realidad, la implosiona y la transforma. Para intentar aproximarse a la realidad está el periodismo, la literatura capta todo aquello que descubre la otra mirada. Hablo de editoriales, no de autores que en Venezuela los hay muy buenos pero no son promovidos por esos clanes”.
-¿Qué ha pasado con La ciclista de las soluciones imaginarias?
-Presentaciones, firmas de libros, encuentros con lectores y acuerdos para publicaciones en otros países distintos a España. Y la lectura de la crítica que la ha reseñado en diversos medios. Algo curioso es que se me han acercado colectivos de ciclistas para hablar de la novela. En la obra la bicicleta es una llave que aparece para poner en movimiento a un barrio hastiado por la rutina. El señor Silva, el burócrata que sigue a “La ciclista” para que le sane de “el mal de la mirada trastocada”, siempre lleva en mente una frase que alguna vez dijo esta mujer: “La bicicleta es la única máquina que el ser humano necesita para levitar por los caminos de la tierra”.
-¿Qué hay para el año 2015?
-La ciclista de las soluciones imaginarias saldrá en varios países de América y Europa. Estoy invitado a diversas ferias de América y presentaciones en España. El 29 de enero la presentaré en Barcelona. En 2015 también publicarán mi segunda novela El hombre no mediático que leía a Peter Handke, en italiano. Tengo en mente otra obra pero su desarrollo dependerá de mis viajes
Tesis en la ULA

A Edgar Borges (Caracas, 1966)  lo citan en diversas universidades del  mundo y está en sus bibliotecas. Todo comenzó cuando un estudiante de Estados Unidos lo buscó para  su tesis  basada en Sonido Urbano, calle, salsa y cuentos, su primera publicación en Venezuela. Luego, diversos investigadores comenzaron a incluirlo en trabajos de documentación sobre la ficción como vía para transformar la realidad. Hoy  La ciclista … está en varias de esas bibliotecas, como la de Berlín o varias de Estados Unidos. Pero está impactado porque, su libro de 2013, Vínculos. Apuntes con Rubén Blades  ha sido utilizado por Rafael Pinto para licenciarse en Letras en la Universidad  de Los Andes.

sábado, diciembre 20, 2014

8 sorpresas teatrales del 2015

El jurado organizador  y  los ocho directores que buscan su consagración  en el 2015
Una vez más, se ha demostrado que si la montaña no acude a los llamados de Mahoma, éste sale a buscarla o visitarla y desde ahí predicar. Así sucedió  con la Fundación Trasnocho Cultural, la cual, con Solveigh Hoogesteijn, a la cabeza, decidió organizar y poner en marcha el Festival de Jóvenes Directores, que se realizará durante ocho fines de semana, entre el viernes 16 de enero y  el domingo 8 de marzo del venidero 2015.
Este primer Festival de Jóvenes Directores del Trasnocho Cultural es todo un riesgo, pero quien no arriesga no evoluciona y está condenado al fracaso, más temprano que tarde. Y es por eso  que con apenas los títulos de las obras, los nombres de los actores, el perfil de cada joven director  y una idea escrita de lo que sería su montaje, un comité de especialistas (Luigi Sciamanna, Eva Ivanyi, Héctor Manrique, Douglas Palumbo y Solveig Hoogesteijn) seleccionó a ocho puestistas de menos de 30 años, entre 38 propuestas escénicas presentadas.
 ¿Cuál será el resultado? Se verá en el polivalente  escenario del llamado Espacio Cultural del Trasnocho Cultural, donde cada uno de los montajes podrán ser evaluados  por un jurado (Felicia Canetti, Karin Valecillos, Jonathan Reverón, Vyana Preti, Orlando Arocha y Palumbo)  que seleccionará a los dos  mejores, los cuales emprenderán sendas temporadas largas en el ya popular complejo cultural de Las Mercedes.
 “Es una responsabilidad de nosotros apoyar a estos jóvenes. Esperamos que en vez de ocho semanas, para la próxima oportunidad, podamos extender el festival a 16. Este es un camino para que el Trasnocho abra sus puertas al talento naciente, para que pisen fuerte y se proyecten. Las entradas para el Festival de Jóvenes Directores Trasnocho costarán 250 bolívares cada una e invito a todos los públicos a disfrutar de la muestra”, puntualizo  la directora Solveig Hoogesteijn.
Agenda  para tres meses
Este evento  de jóvenes directores  ha sido distribuido así: Seis personajes en busca de autor de Luigi Pirandello es la obra seleccionada por Wilfrido Sierra, quien tendrá seis funciones para mostrar que es un director. Con el elenco, más numeroso (nueve actores), presentará su propuesta el viernes 16 de enero (5:00 pm); sábado 17 y domingo 18 de enero (4:00 pm); viernes 23 de enero (5:00 pm) y sábado 24 y domingo 25 de enero (4:00 pm). El mismo viernes inaugural, pero a las 8:00 pm, Jorge Souki estrenará su versión de  La señorita Julia  de August Strindberg. Funciones: 16 de enero (8:00 pm), 17 y 18 (7:00 pm); 23 de enero (8:00 pm); 24 y 25 (7:00 pm) .Daniel Dannery presentará la pieza Burkina Faso   de Daniel Dalmaroni, que aborda entre otros, el tema de la miseria, de seres humanos sumidos en la derrota, según explica el director. Las funciones serán: viernes 30 de enero (8:00 pm), sábado 31 de enero y domingo 1 de febrero (7:00 pm); 6 de febrero (8:00 pm), y 7 y 8 de febrero (7:00 pm). Siguiendo los pasos de su padre, Jan Vidal se lanza formalmente al ruedo como director con  La cantante diva , versión del clásico de Eugene Ionesco. Estará en cartelera las mismas fechas que la anterior, pero en el bloque de 5:00 y 4:00 pm, respectivamente. Otra obra de Ioneso fue seleccionada por Leonardo Van Schermbeek, quien a través de  La lección  hablará de la banalización de la muerte y  de cómo la inseguridad puede llegar a niveles absurdos pero letales. Funciones: 13 de febrero (8:00 pm), 14 y 15 (7:00 pm); y 20 de febrero (8:00 pm), 21 y 22 (7:00 pm). Las presentaciones se extenderán hasta el 15 de marzo  con las obras  Historia del zoológico  de Edwad Albee, dirigida por Pedro Borgo;  Prueba de fuego  del venezolano Ugo Ulive, a cargo de Catherine Medina, quien precisó que es una pieza que se adapta a la realidad actual del país, porque trata del poder, la violencia y la crisis. Me pareció pertinente realizar el montaje en estos momentos. Toda ideología tiene un punto de quiebre y toda revolución requiere de un líder”, aseveró la joven. Y el evento cierra con  Juanita Claxton  del criollo Gustavo Ott, en una creación de Lissy García.
Venezolanidad en escena

 “Quisimos hacer este festival porque este es un país lleno de talentos. Para mi gran sorpresa, apenas cuando abrimos la convocatoria nos comenzaron a llegar un gran número de obras, lo que demuestra el interés de muchos jóvenes de mostrar su trabajo, su talento”, afirmó Solveig Hoogesteijn, la directora general del Trasnocho Cultural. Señaló que como directores con experiencia y con un “camino andado, tenemos la responsabilidad de crear las plataformas para que estos jóvenes puedan trabajar y mostrar su creatividad. La repercusión que ha tenido esta primera edición del festival, que queremos continuar año tras año, ha sido algo que también nos sorprendió. La receptividad de los medios ha sido importante y por eso damos las gracias. Por ahora solo tenemos este premio, pero esperamos que más adelante podamos contar con un (premio) metálico, de darle una suma mínima para que la usen en el montaje de sus muestras”, dijo la realizadora. Por su parte, Héctor Manrique reflexionó acerca de la realidad del teatro venezolano y comentó que este arte se divide en dos vertientes: el teatro que está bien hecho y el que está mal hecho. “Esa preocupación, de muchos que nos dedicamos a este oficio, de ver a tanto talento y con menos posibilidades nos hizo crear este espacio. Mostrar a gente que hace cosas buenas y que quiere expresar su imaginario en el escenario, es lo que queremos con esta iniciativa”, subrayó el reconocido actor y director. Enfatizó que el proceso de selección fue una tarea difícil, “esto siempre pasa y fue un debate entre nosotros muy interesante. Para nosotros leer cada proyecto fue algo estimulante”, aseguró, luego de aclarar que, independientemente, del dramaturgo que lo haya escrito, cada proyecto “es nacional porque lo dirigen y actúan venezolanos”.

La rumba de los 40 del Theja

Durante la temporada 1981 en el teatro Alberto de Paz y Mateos, sede de El Nuevo Grupo, se escenificó El viejo grupo, escrita y dirigida por Román Chalbaud y con los actores Eva Blanco, América Alonso, Domingo del Castillo y Jorge Díaz. Una metáfora sobre las vicisitudes intimas de una agrupación de teatro que intenta montar  El águila de dos cabezas de Jean Cocteau. Un espectáculo que invita  al público a reflexionar sobre las vidas de los artistas y como desafían al tiempo y a la sociedad para salir  adelante con sus proyectos  creativos, pero sin descuidar sus intereses y las normales ambiciones.
Recordamos esa faceta de nuestro teatro porque hemos visto, durante este diciembre de 2014, otra representación de Rumberas, desopilante espectáculo de cabaret, con canciones de las grandes divas o rumberas tropicales de los años 40 del cine mexicano. Son seis personajes  masculinos, a inicios de los años 80 y en un bar de Sabana Grande, quienes se empeñan en revivir el brillo de la época de las rumberas, como un homenaje, con pretensiones culturales, pero que al mismo tiempo les sirva para inaugurar un cabaret teatro. Los personajes se travisten en María Antonieta Pons, Meche Barba, Ninón Sevilla, Amalia Aguilar y Rosa Carmina, rememorando también a Carmen Miranda y Tongolele. La música disco de inicios de los 80 como  Fame  de Irene Cara, los boleros de Los Panchos y los Mambos de Pérez Prados completan la banda musical del espectáculo. El elenco lo encabeza Nacho Huett,  brillante actor emblemático del Theja y lo apuntalan: Kelvis Martínez, Juan Guzmán, Gerardo Lugo, Omar Salas y Carlos H. Pérez. 
Rumberas es la producción con la cual el grupo Theja festeja sus 40 años de lucha por  mostrar su estética, la cual comenzó con Fulgor y muerte de Joaquín Murrieta  de Pablo Neruda, en el Ateneo de Caracas (aún existía la quinta Ramia) en mayo de 1974. Por supuesto que el autor y director José Simón Escalona no mostró la sordidez del teatro no oficialista ni el autorotulado de cultural y puso en escena a un grupo de jóvenes gais que insisten en hacer su teatro como lo sueñan y lo sienten. Buscó y logró que el público se entretuviera con Rumberas y que al mismo tiempo discutiera una posible lectura de la obra. “Vivimos una rumba, ilusoria, y en ese sentido creo que ambas épocas tienen un signo que necesita de reflexiones y acciones”.
Subraya   que al inicio de los años 80  “cierta crítica nos tildó de homófilos  perversos, porque le descubrimos al público una cara menos divertida de la vida gay. Lo sorprendimos revelándole un aspecto transgresor para las miradas superficiales sobre la homosexualidad y sus consecuencias. Nuestro teatro siempre es irreverente y  Rumberas  lo es”.

Escalona destaca que Rumberas es su  pieza número 15 llevada a escena. Tiene otras sin estrenar como  Alzao, Ejecutivas,  Burdel  y  Marineros; además de los monólogos  La Jefa  y  La Viuda , que conforman el espectáculo  Tipo Tipas . 

Un venezolano en Bollywood español

El director y el actor  venezolano
Doriam Sojo vive en Madrid desde el 9 de marzo de 2007 y recientemente filmó como protagonista su primera película Bollywood made in Spain, una saga musical romántica basada en hechos reales e inspirada en la trayectoria vital de la bailarina y coreógrafa española Leyla Zurah, dirigida por  Ramón Margareto.
La película se rodó  durante septiembre y octubre, entre Alicante y Palencia y su  estreno no sabe cuándo será.  “Lo cierto es que se hará en un festival en Londres. Grata y emocionante experiencia”.
Doriam admite que no murió de hambre durante sus primeros siete años en España. Todo lo contrario ayuda a otros para que sobrevivan y además exhiban sus talentos. Este comediante (Maracay, 4 de abril de 1980), además director y productor de artes escénicas, reconoce que no le fue fácil adaptarse a la gente y a la urbe en sí. “Ha sido una verdadera aventura, llena más de alegrías que de tristezas. A pesar de que se habla el mismo idioma, no entendía la mitad de las cosas que me decían, así que tuve que aprender de nuevo el castellano. Fue duro, como todo cambio de paradigma, fue como nacer de nuevo”.
Actualmente dirige “El burdel a escena”, uno de los espacios escénicos más prestigiosos del Off Madrid. Ahí los actores se funden con los espectadores y crean sus espectáculos. Es un sitio único en la calle Sombrerería 3, en el popular barrio Lavapiés.
Su papel lo consiguió porque Ramón Margareto, ganador de un Goya y con una sólida carrera profesional, fue a verlo al “El burdel a escena”. Y logró el papel por estar precisamente actuando  ahí.  “Mi personaje, gracias al director  Margareto, se llama igual que yo, Doriam,  y es mi primer protagónico. No he llegado a la meta, pero voy  por buen camino”.
-¿Qué viene ahora?
- Sigo  con  “El burdel a escena”  (http://www.elburdelaescena.com/ ), mi salita de teatro aquí en Madrid. Y comenzaré la producción de Fingers, dedos de goma  de mi amigo y compatriota Marcos Purroy. Sigo  con el espectáculo  , con el cual llevamos un año agotando El casting para mayores de 18 años localidades todos los fines de semana. Creep que es la segunda obra que va por el mismo camino y en noviembre estrené Tarántulas, así que, como dice la canción…¡que el ritmo no pare!
-¿Como hizo para tener una sala de teatro?
-Por la necesidad de hacer teatro, porque es mi mayor adicción. Un grupo de jóvenes decidimos crear un espacio donde ensayar, montar y estrenar nuestros trabajos escénicos. Un paso a la profesionalización y un eje de encuentro de creadores de diferentes disciplinas. No fue fácil, pero ahora somos una realidad. Y aquí llevamos casi dos años, aunque antes tuvimos otros proyectos, exitosos también.
Para  el 2015

Según el director Ramón Margareto trabajar con el  actor Doriam Sojo ha sido un gran placer. “Es muy disciplinado y profesional. Lo más destacable de su personalidad es su gran fuerza de voluntad. En muy poco tiempo se convirtió también en bailarín. Es un mago de la interpretación”. El montaje y la sonorización de Bollywood made in Spain comenzará durante el venidero  mes de enero. La película estará terminada en primavera, después iniciará el circuito de festivales y será estrenada en salas en otoño de 2015. El guión nació de una forma muy natural. “Soy un enamorado de la interculturalidad y éste es el tema principal. Uní en él dos historias reales: la de una bailarina española que se fue a India a aprender todas sus danzas, y la de un actor hindú que se vino a España buscando trabajo. El destino hizo que se conocieran. Bollywood made in Spain está producido por dos compañías privadas: Futura Films y Sótano Films. Cuando esté terminada buscaremos una compañía distribuidora que la mueva por festivales, la estrene en salas y finalmente la comercialice en televisión y vídeo”.

domingo, diciembre 14, 2014

Murió el gran actor Fernando Gómez

Fernando Gómez Castillo era  el actor activo de más edad en las artes escénicas criollas. El pasado 13 de marzo festejó sus 98 años. Desde hoy ya no estará más entre sus amigos y familiares, pero quedan incalculables recuerdos, además de la familia elegida, que lo acompañaron en su quinta en la urbanización El Márquez. Ya se habían marchado sus cuatro hermanos quienes le dejaron alrededor de 15 sobrinos, seis sobrinos nietos y dos sobrinos biznietos. Tiene un sobrino, Juan Carlos Martínez, que hace televisión y lideriza un grupo de teatro. A él le dijo que “al teatro hay que dedicarle la vida, desde que se inicia. Hay que estudiar permanentemente, hay que luchar hasta el último aliento”.
Hace seis años, Gómez Castillo nos recibió en su residencia y declaro que no se acompañaba con computadoras ni celulares. “Soy de la romana antigua. Tampoco me enchinchorro ni me empantuflo. Debo recordarle a las nuevas generaciones que el 22 de noviembre de 1952, en los tiempos del general Marcos Pérez Jiménez, hice mi primer teleteatro Donde nace el recuerdo para el Canal 5 y desde entonces me vinculé a ese importante medio”.
“En 1987 me otorgaron el Premio Nacional de Teatro por mis largas décadas entregadas a la composición de personajes claves para la escena. Pero debo esta pasión, que todavía me embarga, a mi madre Presentación “La Tachón” Castillo, que con papá Rosendo Gómez Peraza, me hicieron nacer en La Guaira, en aquel 1916. Era actriz y cantante de elogiada trayectoria, trabajó con las compañías de Teófilo Leal, Jesús Izquierdo, Emma Soler y Antonio Saavedra, cabezas de las más importantes compañías del teatro venezolano de las cuatro primeras décadas del siglo XX. Hijo de gata... caza ratones, que en mi caso resultaron teatrales”.
"Hice mi bachillerato en el Liceo Andrés Bello, cuando estaba en la esquina de San Lázaro, y hacia 1937 ya azotaba las calles de Nueva York a donde marché a estudiar medicina, cosa que no pude hacer porque las universidades eran privadas y carísimas, y sólo tenía un aporte de 50 dólares mensuales para sobrevivir. Sin embargo aproveche el tiempo y me entregué a la práctica teatral con unas agrupaciones latinas y además pude ver los mejores espectáculos de la época. Mi primer debut fue pues en Manhattan, en castellano y, por supuesto, con textos de Benavente y otros famosos autores españoles, en el sótano de una iglesia, en el alto Manhattan”.
“La guerra contra los nazis y los japoneses me asustó y regresé a Caracas para estudiar, definitivamente, medicina en la Universidad Central de Venezuela, donde egresó hacia 1945, cuando Leopoldo García Maldonado era su rector. La Revolución de Octubre me afectó porque era medinista y me fui a trabajar con mi profesión a diversas petroleras, la cual fue mi verdadero modo de ganarme la vida durante varias décadas, pero antes hice una especialización en radiología, en Nueva York”.
“Pero “Los amigos del teatro”, una agrupación donde estaban Aquiles Certad, Luis Peraza, Guillermo Feo Calcaño y Andrés Eloy Blanco, entre otros, ya me habían sembrado en la escena venezolana. Mi segundo debut, durante los años 40, fue con la obra Pacto de boda, del criollo Alejo Fuenmayor. Y nunca más abandoné el teatro. Tengo las pruebas de haber actuado en unas 100 piezas, todas en el siglo XX, porque en lo que va de esta centuria no he hecho ni una, pero no pierdo las esperanzas. Aunque tengo un monólogo, El juicio del siglo, basado en el libro de Clarence Darrow, montado por Chalbaud en 1960, del cual he hecho unas mil funciones, pero mi sueño, porque no puedo negarlo, es protagonizar la pieza Rey Lear. Tengo memoria y resistencia física, pero es un personaje que exigiría más de la cuenta. Todavía sueño con encarnarlo en un escenario, porque ya hicimos una lectura dramatizada".
“Trabajé en excelentes espectáculos, pero no puedo olvidarme de El enemigo del puebloEl príncipe Constante y especialmente Autorretrato de artista con barba y pumpá, una pieza de José Ignacio Cabrujas, que estrené en 1990, bajo la dirección de José Simón Escalona; ahí encarné al gran pintor Armando Reverón. A finales del siglo pasado hice 1,Reyes,1 de Chocrón. He estado acompañado de magníficos actores y actrices y ahora les agradezco a todos porque sin ellos no hubiese hecho nada, salvo monólogos”.
Su historia artística es ejemplar y nadie podrá ignorarlo.

sábado, diciembre 13, 2014

Vladimir Vera agente libre

El director Vera y el elenco de  "La casa de Bernarda Alba"
El teatrero Vladimir Vera ya no es el director artístico de la Fundación Rajatabla. Ingresó en mayo del año pasado y durante todo este tiempo montó los espectáculos  La piel en llamas  del catalán Guillem Clua,  El marqués  de Sade  de Yukio Mishima y  La casa de Bernarda Alba  de Bernarda Alba, los cuales arrojaron valiosos récords de público y de críticas. No hubo bochinche ni berrinche para generar su salida. El artista optó, de mutuo acuerdo con el presidente William López, dejar de ser personal fijo de Rajatabla. Los próximos montajes del grupo se harán bajo su égida, pero como  director invitado. Es, pues,  agente libre, en términos beisboleros.
-¿Cuál es el balance de la pasantía Rajatabla?
-La historia del teatro venezolano siempre tendrá en cuenta el nombre de Rajatabla.  No sólo por la labor excepcional y titánica realizada por Carlos Giménez (1946/1993), sino por el desfile de directores que hicieron montajes de alta factura dentro de la agrupación (Raúl Bambilla, Basilio Álvarez, Paolo Magelli, Rolando Giménez y Ugo Ulive, entre otros).  Rajatabla está ahora en una gran encrucijada conceptual; se encuentra entre la institución que añora los grandes montajes de su historia o la agrupación de vanguardia que busca nuevos derroteros creativos. No sé para donde se  inclinará la balanza. Pero sea lo que sea, espero que la calidad, la disciplina creativa y el rigor nunca deje de ser el norte del grupo, ya que de lo contrario se ensuciaría la historia de un grupo que ha revolucionado la historia del teatro, desde  1971.
-¿Difícil luchar contra la historia rajatablina?
-Claro. Los derroteros creativos han variado. Se trata de mantener una línea estética, pero con la visión más cercana a la actualidad posible. El Rajatabla de ayer debe acoplarse a las nuevas eras y a veces esa conversión es difícil. Traducir lo moderno de los 70, es totalmente a lo moderno del siglo XXI. Lo interesante es que la historia del grupo ha dejado grandes profesionales con los que ha sido un placer crear en conjunto. Y yo, modestamente, puse mis granitos de arena.
-¿Satisfecho de lo logrado con su pasantía?
-Nunca. La conformidad es la muerte del espíritu creativo. Un artista conforme tiende a coquetear con la mediocridad. Estaré satisfecho cuando Venezuela vuelva a ser una de las referencias mundiales del teatro. Creo que Venezuela merece rigor dentro de la escena y los creadores hemos bajado un poco la guardia. Pero igual, no por ello, no seguiremos luchando. Donde esté lucharé por el teatro criollo.
-¿Qué espera  hacer?
-Seguir trabajando. Para el próximo año tengo pensado dirigir  El fantasma de Hiroshima  de Gennys Pérez y  La ópera de tres centavos  de Bertold Brecht, producidas por Rajatabla. Con mi Teatro Forte tengo planes de montar, en el primer semestre del 2015,  Martillo, un proyecto de carácter experimental basado en la Orestiada. 
-¿Se justifica una agrupación como Rajatabla en el teatro venezolano?
-Creo que cada grupo de teatro, sea pequeño, amateur, profesional, experimental, comercial o  etcétera,  es necesario dentro de la escena nacional. Venezuela necesita más y mejor cultura, por lo que son necesarios más grupos y siempre tener los referentes de los grupos de tradición nacional, como el caso de Rajatabla. Espero que por muchos años más siga siendo referencia de la escena criolla.
-¿Para dónde va el teatro venezolano?
-Espero que renazca como el Ave Fénix. El teatro nacional debe ir a nuevos derroteros para volver a ser lo que fue. Debe retomar el riesgo, la fuerza, la capacidad creativa que antes tenía. El venezolano tiende a ser talentoso, pero ese talento sin rigor, sin estudio, sin disciplina, sin riesgo y sin la necesidad de reinvención constante, se convierte en humo en la escena. Si no le damos una vuelta de tuerca y salimos de manera urgente de la zona de confort, nuestra vanguardia se transmutará en un sin número de actos culturales.
Inolvidable Bernarda

 El director Vera se despidió de Rajatabla tras mostrar, su creativa y convincente versión escenica de   La casa de Bernarda Alba,   obra cumbre de Federico García Lorca. Dice que es un texto duro, lapidario donde el poder (tema recurrente en la estética rajatablina) se ve reflejado por una madre que obliga a un luto de siete años a sus cinco hijas. Una casa cerrada, es la metáfora que nos muestra García Lorca para acercarnos al régimen franquista que nacía antes de su asesinato en Granada. Esa sensación de encierro, de carencia de libertad, de fuerza militar que rodeaba a una sociedad, fue la visión escénica que quise retratar en el montaje. Bernarda es una mujer sola en una tierra de hombres y no es cualquier mujer, es una mujer que debe asumir los pantalones de un hombre para valerse y retratar la autoridad de una familia, es una mujer que debe generar respeto y un temor reverencial para su supervivencia y el de su familia. Creo que una de las mejores decisiones que he tomado en mi carrera creativa, fue escoger a una de las fundadoras de Rajatabla (la increíble y admirada Francis Rueda), como la viuda Bernarda Alba. Parte del reto era buscar una visión distinta del clásico lorquiano, una forma de romper el clásico sin perder la fuerza de la poesía del genio granadino. Esa fue el norte de la creación. Conté con un equipo tanto técnico como artístico soñado. El vestuario de Fedora Freites, las luces de David Blanco, el trabajo corporal de Soraya Orta, la dirección musical de Mayra Santos; entre otros, hicieron que estos maravillosos actores entraran en la atmósfera que necesitábamos crear. Fue un trabajo basado en la confianza que me brindó mi equipo de trabajo. Creo que es la obra más cercana al espíritu rajatablino que he realizado. Me siento más que satisfecho”.

Compra y venta de seres humanos

Un hombre  es negociado entre dos mujeres según sus conveniencias o necesidades. Así termina la temporada 2014 del grupo Rajatabla con Okey, en su sede.  Es una  de las obras más emblemáticas y más representadas de entre la veintena de textos que legó  Isaac Chocrón (Maracay, 1930/Caracas, 2011). El espectáculo, con buena y minimalista puesta en escena, lograda por el director  Pepe Domínguez, cuenta con las valiosas caracterizaciones de Adriana Bustamante, Jean Franco De Marchi y Graziella Mazzone. ¡Auténticas revelaciones en esa prueba de fuego que es el susodicho montaje!
Okey, estrenada por Román Chalbaud en El Nuevo Grupo en la temporada de 1969, es una amarga comedia que muestra las relaciones íntimas de una pareja que permanece junta por miedo a la soledad y por las básicas necesidades de la comida y el techo. Conviven en la azotea de un edificio y son copia de personajes de la vida real. El amor, si lo hubo, es una excusa solamente para que el espejo no refleje una sola cara.
Ella, “Mina”, unos cuantos años mayor que  “Franco”, es una costurera sin trabajo que termina por negociar los afectos y otras cosas más de su amante con una joven viuda millonaria, “Ángela”, quien se prenda de los atributos del joven, un desempleado que ve la posibilidad de mejorar su situación económica.
“Mina· acepta que Franco se ayunte con “Ángela” para que le administre una bomba de gasolina y además respalde a la mujer que necesita de un acompañante, por ahora. Los diálogos, gracias a Chocrón (era un solvente economista graduado en USA), son descarados y descarnados, y ejemplifican como es la transacción entre las dos mujeres para merecer todos los favores y/o beneficios del hombre. No hay nada de amor de por medio sino dinero y la posibilidad de que Franco regrese si la otra se cansa de él o consigue otro…o alquila o negocia otro. ¡Los seres humanos son mercancías…más nada y están en oferta para quien pueda o quiera adquirirlos!
Esta temática y su simple argumentación está presente en otras  comedias de  Chocrón, como La máxima felicidad (un triángulo bisexual: una mujer se reparte entre una pareja gay y sale embarazada) y El acompañante (una cantante retirada busca y consigue un caballero para que cantante arias con ella y haga algunas otras cosas).

Okey fue la pieza que internacionalizó a Chocrón y la que más dólares le dio por derechos de autor, quien además tenía otros bienes de fortuna por su familia. Este dramaturgo, además de excelente gerente cultural y maestro de varias generaciones de teatreros, fue el soporte financiero de El Nuevo Grupo, a lo largo de 20 años, una auténtica institución teatral que catapultó a los mejores dramaturgos  venezolanos del siglo XX: Román Chalbaud, José Ignacio Cabrujas y el mismo Chocrón, además de otros autores venezolanos. 
¡Por supuesto que esa compra y venta es más aguda y asqueante en la vida allende los escenarios!

sábado, diciembre 06, 2014

La bicha también hace teatro

La popular periodista Berenice Gómez asalta el escenario de la sala Teatrex del Bosque  para mostrar su espectáculo  Los cuentos de la Bicha, desde este domingo a las 5PM:
-¿Qué hace una fablistana como usted en estos bretes del teatro?
-Resulta que he sido una exitosa reportera, ancla radial y televisiva, con excelentes sueldos, seguros, posibilidades de viajar al exterior, premios… hasta que cerraron RCTV, por lo que perdí casi todo, menos el amor de mi familia, la salud y la alegría de vivir. Por diversas razones terminé viviendo en la casa materna, gracias a la solidaridad de mi hermana, Maricela y la de mi mamá…habitamos con mi hija dos veces parida y botada de la Cancillería, quien también perdió todo después de esa destitución no peleada.
 Agrega que “estábamos viviendo literalmente de la pensión de vejez y de una cuña que comparto con la radio y la mitad con mi hermana Eréndira, una excelente periodista que es mi co-ancla en nuestro programa,  La Bicha y La Cuaima  por RCR 750 AM, a las 11 am de lunes a viernes, muy escuchado y muy poco apoyado con cuñas, por el santo culillo de los anunciantes y los pocos presupuestos para publicidad que tienen las pocas empresas que aún se sostienen en este país”.
-Mi hermana dijo hace cuatro años,  “hermana vamos a colgar  los títulos universitarios y cocinemos para la calle y allí nacieron nuestras hallacas, bollitos, polvorosas de pollo, pastel de cucho, tortillas españolas con chorizo carupanero, carpacho de vegetales y de llaullau… ensaladas, platos navideños, comida Thai y arroces, que son mi especialidad. Con eso pagamos las deudas, los servicios, las escuelas de mis nietos…”.
Berenice subraya que está cansada de estar en modo mendigo, “harta de pelar bolas y la cabeza no me daba para meterme en otro oficio, hasta que mi hija, Berenice me dijo “¿tú no te has dado cuenta de que eres una marca...? Yo te voy a managear… tienes que escribir un stand up comedy”. Y santa palabra,  eso lo hice con Napoleón Rivero, un notable actor cómico que me imita desde La Rochela en RCTV para acá, hicimos unas pruebas en el restaurant de un amigo  en el Hatillo. Ya vamos por cinco presentaciones en El Hatillo, una en Valencia,   más tres que hicimos en Miami… de mi monólogo que presentaré en Caracas para el año que viene...y ahora debutaremos en Teatrex de El Bosque...con este exitoso Los cuentos de La Bicha".
 -¿Cómo es el formato de su espectáculo?
-Es un tríptico, donde se lucen Napoleón Rivero y una brujita, Carolina Isava en esta oportunidad, y donde espero lucirme hablando de mí…un tipo conversatorio con el público y al estilo acostumbrado de mi programa de RCTV cuando estoy sola en escena y al de la Radio Caracas Radio cuando comparto escenas con mi elenco.
-¿Cómo es su personaje?
-Yo mismita soy. ¿Quieres venir a conocerme?
 -¿Quién es el autor del guión y de la puesta en escena?
-El guión o el libreto es de Napoleón Rivero, Dios y yo....por aquellas partes donde el público participa que es impredecible. La producción es original de mi equipo de trabajo anterior, pero la adaptación al teatro está a cargo de Williams Villamizar.
- ¿Por dónde van los tiros en la temática del montaje?
-Contar quien soy, informar noticias con humor y exclusivas de la actualidad sin censura, leerle las cartas al país y satisfacer un poco la incertidumbre del público con las predicciones esotéricas. Mientras convertimos las tragedias en chistes, como buenos venezolanos.
-¿Los periodistas ahora se suben a los escenarios?
-Si ya no quedan medios independientes con honrosas excepciones como La Voz o RCR 750… ya lo hicieron en el Berlín de los café concert entre la Primera y la Segunda Guerra Mundiales, pues nosotros le agarramos el testigo y nos encaramaremos en las tablas a hacer periodismo... Reto aceptado.
- ¿Qué planes hay con este montaje?
-Hay todos los planes posibles: Caracas, Venezuela entera... pasando por Nueva York, Bogotá, Panamá, México, Houston, Holanda…y hasta donde nos hale el público y, por lo pronto en febrero de 2015 vamos al Teatrex de El Hatillo y vienen sorpresas con otros teatros de la Gran Caracas y el interior del país.
 - ¿Cuántas funciones tendrá por este año en Caracas?
-Solo tres.
- ¿De dónde sacó el apodo de La Bicha para su personaje? 
-Cuando escuché a Hugo Rafael Chávez Frías  llamar a la Constitución de la República Bolivariana de Venezuela como la Bicha, me dije “se la sacaré de la boca” y lo logré, jugué con mi prestigio llamándome Bicha y amplié el significado de la palabra, antes peyorativa, ahora la gente me dice que “está embichada”, me llaman “mi bichi bella”… o sea  todo un éxito.
Un show versátil

  Los cuentos de la Bicha  es un show versátil que se estará presentando en Teatrex El Bosque, a las 5:00 pm de   los días: domingo 07, sábado 13 y domingo 14 de diciembre de 2014. Se trata de un conversatorio con Berenice Gómez, quien así comparte un ameno rato lleno de humor, noticias y anécdotas. Es un encuentro creativo, donde participan: Napoleón Rivero, reconocido humorista que se destaca por sus geniales personajes cómicos para deleite del público, así como también y por supuesto, una de las "las brujitas de La Bicha y La Cuaima" con sus predicciones, quien no podía faltar a este convite de “La Bicha” con el público, ofreciendo una opción única que liga la comedia con la libertad de expresión, matizando así los  espacios  comunicacionales y recreacionales.Es una  nueva  y  diferente  posibilidad,  donde la popular Bicha  desarrolla un conversatorio sobre su vida y lo que acontece en el país, haciendo que cada show sea distinto, según las noticias del momento y la interacción con el público; desarrollándose así una especie de simulación del antiguo programa de RCTV ligado al estilo actual del programa de RCR, salpicado con las ocurrencias de la maestra del humor que caracteriza a la “antigua Bicha” y por las predicciones de "las brujitas”, en este caso: Carolina Isava, quien también, es seguida por sus acertados vaticinios y rituales de sanación.

La última encomienda de Chávez

Roberto Moll desafió a la muerte y culminó rodaje de "La planta insolente"
La última encomienda del presidente Hugo Chávez para el cineasta Román Chalbaud (Mérida, 10 de octubre de 1931) fue hacer, con toda la urgencia requerida, una película sobre el general Cipriano Castro. Así se lo pidió, tras el  estreno de su filme Zamora, tierra y hombres libres, en el teatro Teresa Carreño, en la noche de aquel 18 de septiembre de  2009.
 Chalbaud aceptó y desde en entonces ha trabajado, con un gran equipo artístico y técnico  de la Villa del Cine  para hacer posible ese encargo: La planta insolente, cuyos procesos de producción y postproducción están culminados, sin embargo el cineasta alista un viaje a Buenos Aires para el próximo 28 de enero. 
Ahí    evaluará los importantes efectos digitales que se  requieren, porque es una película de época,  y será así que traerá la copia  final que le permitirá al músico  Federico Ruiz definir la pista o el sound track de  ese encargo que le hiciera Chávez  y cuyo estreno sería para el primer trimestre de 2015.
Chalbaud  puntualiza que La planta insolente ha sido “una película compleja y difícil, no solamente era difícil realizarla, sino que tuvimos problemas ajenos al rodaje. Nuestro protagonista, Roberto Moll, tuvo una bronconeumonía faltando tres semanas de rodaje. Estábamos haciendo una toma finales en Coro. Todos tuvimos que examinarnos, y en el caso de   Moll, tuvimos que llamar a  su familia, que estaba en Canadá. El médico nos lo aconsejó. Fueron meses muy duros. Nuestro actor se  salvó, pero había adelgazado 20 kilos, le habían cortado su barba como Cipriano Castro…y  tuvimos que esperar siete meses para comenzar a rodar un número pequeño de escena, pero vitales”.
Informa que La planta insolente “es un largometraje  venezolano con el mayor número de efectos digitales que hemos en nuestro país Venezuela, pero como aquí no tenemos un laboratorio adecuado para esos efectos, tuvimos que hacerlo  en Buenos Aires. Eso ya está listo, los he chequeado por la computadora, pero debo estar allá para revisar, finiquitar  y recibir ese trabajo”. 
Chalbaud subraya que el guión, creación de Luis Britto García, “cuenta todo los hechos históricos, con pelos y señales. Lo malo y lo bueno del personaje. Como debe ser. Hay poesía. Hay humor. Hay realismo mágico. Y Luis Britto Garcia refiriéndose al pasado no deja de recordarnos el presente. Delicado equilibrio de sabiduría más inspiración. La película durara alrededor de una hora y cuarenta y cinco minutos”. 
HISTORIA
Chalbaud explica que en el transcurso de la película se tocarán diversos puntos álgidos como lo ocurrido en 1902 cuando se propició la invasión de los acorazados ingleses, alemanes, holandeses e italianos que bombardearon a La Guaira, Maracaibo y Puerto Cabello, por una deuda externa que tenía el país. Allí se destaca la actitud nacionalista de Cipriano  y su famoso discurso: “¡Venezolanos! ¡La planta insolente del extranjero ha profanado el sagrado suelo de la patria!”. Fueron esas palabras expresadas por Castro en su proclama, las cuales han trascendido como una denuncia antiimperialista; además de ser un llamado a la conciencia nacional para el resguardo de la patria.
FILMOGRAFIA
Román Chalbaud comenzó su  carrera como director de cine a los 28 años y ahora, cuando está culminando La planta insolente, hay que recordar que antes entregó: 
 Días de poder (2011).
 Zamora, tierra y hombres libres (2009). 
  El Caracazo (2005). 
  Pandemónium, la capital del infierno  (1997).
 El corazón de las tinieblas (1990). 
  Cuchillos de fuego 1989).
 La oveja negra (1987).
 Manon (1986). 
  Ratón de ferretería (1985).
 Cangrejo (1984). 
La gata borracha (1983).
Cangrejo (1982). 
 Bodas de papel (1979). 
 El rebaño de los ángeles  (1979).
 Carmen la que contaba 16 años (1978).
 El pez que fuma (1977).
 Sagrado y obsceno  (1975).
  La quema de  Judas (1974).
  Cuentos para mayores (1963).
 Caín adolescente (1959).