Ni que nos vayamos nos podemos ir

Caridad Canelón en una comedia de la Torre del Teatro.

Hace cinco años escribimos esto y ahora lo reiteramos: la realidad de las artes escénicas venezolanas sería otra, si se contara con tres o cuatro mujeres como Lupe Gehrenbeck, de largos cabellos e inmensas ideas originales y prácticas sobre lo que debe ser la dramaturgia y el oficio teatral para los tiempos que se viven. Ella tiene en su computadora no menos de 20 piezas teatrales, de las cuales ha escenificado una quincena. Además de parir sus textos, los produce y los lleva a la escena con sus directrices. No hay, pues, otra teatrera como ella y de ahí nuestra satisfacción de poder saciarme y aplaudir lo que hace. Ella ha elegido navegar entre los apuros de la inestabilidad teatral o desafiar a los vaporones del tráfago tropical, donde la incertidumbre  y/o la nostalgia son los  agridulces olores del éxito colectivo o del fracaso individual. Y ahora está de vuelta, en la Torre del Teatro.

Gehrenbeck -se graduó de bachiller  en 1977- afirma que  el misterio de lo femenino, sí existe y no es un invento de los hombres. Y existe porque empieza en el páncreas, ya que hay una tendencia en la medicina que revela como las vísceras y otros órganos dentro de los seres humanos funcionan distinto según el género. “Es decir, el hígado de la mujer funciona diferente al del hombre y a nosotras nos han curado según el esquema del hígado del varón; por eso ahora hay especialistas en mujeres. Nosotras somos receptoras o contenedoras de ese misterio de la vida y de la muerte. Escribo de lo que me interesa escribir, de lo que tengo por dentro. Y mi condición femenina es algo de la que me siento muy feliz. Me encanta ser mujer. Tal vez por eso mi  obras terminan siendo absolutamente femeninas”.

CUATRO MUJERES DE POSTIN

Y por todo eso es que hemos visto y aplaudido a rabiar su ultra femenina obra  Ni que nos vayamos nos podemos ir , escenificada acertadamente por Oswaldo Maccio y felizmente actuada gracias a Caridad Canelón, Simona Chirinos, Nattalie Cortez y Gladys Seco, quienes disfrutan haciendo temporada en la Sala Experimental de la Torre del Teatro o Torre BOD. Ellas materializan la paralizante urgencia de una “diáspora” creciente que afecta a varios sectores de la familia venezolana –especialmente la clase media, o clase sándwich- de manera inédita, porque son   tema  y   argumento de este nuevo texto de Lupe Gehrenbeck. Todo un melodrama muy sentimental que conmueve, durante los 80 minutos de su performance, porque plantea la compleja situación que se vive cuando la diferencias irreconciliables de puntos de vista surgen entre gente que se quieren pero que ya no se soportan.

Ahí están: Elvira que tiene necesidad de irse del país, pero también sufre sus ganas de quedarse. Forzada a emigrar a sus 65 años, se aferra a sus recuerdos y pertenencias, porque se siente perdida. Sus nietos que crecen en inglés gringo y sin abuelos; la cotidianidad de 68 muertos diarios por la violencia y la polarización política que separa a su gente, son sus razones para irse. Su otra hija se queda en Caracas tratando de construir un país mejor. Pero su hogar, costumbres, vecinos y afectos de siempre, son sus razones para quedarse. Además se acompaña del hermoso fantasma de una mujer o criada o cachifa, un ser fantástico que muestra la dulzura de la buena gente que sirve o trabaja no solo por el mísero sueldo sino porque quiere a su gente.

 Elvira sabe que el precio de vivir sin miedo puede llegar a costarte la alegría de vivir. Y por todo eso es que decide rematar aquellos objetos que no se puede llevar a Miami, como su colección de porcelanas Lladró, cuidada con tanto celo durante tantos años, ya que no le da la seguridad que le daba antaño. Poner todo en venta  le pone valor a su dolor, pues la obliga a asumir una realidad que la castiga como un mal sueño. Pero logra el consuelo de la certeza de que si se va, es para volver. ¡Y se va…porque así son las mujeres cuando deciden algo donde está en juego algo más que sus sentimientos! ¡Se va pero se lleva a su Venezuela adentro cual si fuese una matrioska…criolla, magistralmente corporizada por Caridad Canelón en este caso!

No hay desperdicio en este texto, no hay palabra vacua  ni gesto tonto. La presencia de la criada (maravillosamente resuelta por Simona Chirinos) le da una presencia a la dura realidad de la soledad acompañada, de ese báculo que se requiere para andar en la vida, aunque ya esa persona no exista.

Los espectadores terminarían  en el escenario si las conmovedoras actrices o los patéticos personajes les pidieran que compraran los objetos que están rematando para completar los dólares que se necesitan. Pero el teatro no es la vida, aunque la vida sea teatral siempre.

Un espectáculo sencillo, sin rebuscamientos, solo de actrices y un texto preñado y complejo por todo lo que se dice sobre la Patria y su destino. Ahí Lupe Gehrenbeck demuestra que es toda una mujer intelectual, digna alumna de José Ignacio Cabrujas y sensible, como pocas.

TORRE DEL TEATRO

En el corazón del este caraqueño,  en el cuadrante noroeste frente a la Plaza La Castellana, está la monumental Torre BOD –el vulgo culto la conoce como Torre del Teatro  y con mucha razón por lo que ahí se expende- recibe al visitante ofreciéndole un entorno de sobria arquitectura, bellos jardines y obras de arte que, junto con sus salones e instalaciones, constituyen una de las sedes corporativas y culturales más importantes y activas de la capital. La facilidad de acceso a las  instalaciones del Centro Cultural BOD, especialmente a sus estacionamientos,  son la garantía para la seguridad  de cualquier evento teatral y/o musical que se escenifique en sus espacios: dos salas en el PH,  dos auditorios y una sala experimental. En esos pulcros y bien refrigerados locales hay butacas disponibles para 1600 espectadores. Según estadísticas, no menos de 40 mil personas acuden mensualmente, de lunes  a domingo, en diversos horarios, para ponderar los eventos ahí programados. Las agrupaciones artísticas reciben el 60  por ciento de los ingresos por sus taquillas y el resto es para la institución, que sí apuesta por la cultura, tras las deducciones acordadas y los derechos legales. La teatrera Carolina Rincón es la coordinadora artística de todas esas actividades, salvo las exposiciones de artes plásticas.

Mí Cabrujas

Conocí a José Ignacio Cabrujas Lofiego, vitriólico y original teatrero que amó a esta Tierra de Gracia y quien enseñó las claves de su método para interpretarla. Murió vivo y legó vastísima obra literaria que lo sobrevive, además de su hijo Diego Cabrujas e Isabel Palacios. Nació el 17 de julio de 1937 en Caracas y le falló el corazón en Porlamar, el 21 de octubre de 1995. Lo recordamos para que nadie, inteligente y además patriota,  lo borre de sus agendas y menos en este año cuando se cumplen dos décadas de su desaparición.

Imposible evocarlo sin aludir al crítico Leonardo Azpárren  y la escritora Yoyiana Ahumada, quienes rescataron  el legado intelectual de una de las intelligentzias más complejas y brillantes del siglo XX criollo y  analizaron el periplo cultural y humano del autor de  El día que me quieras,  Acto cultural y  Profundo, para citar textos claves de ese mural de la Gran Venezuela que enseñó a conocer y amar.

Con su permanente dialéctica  y su brillante juego paródico, rompió con el modelo del pensador distante del país, del criollo de a pie y se puso de tú a tú con él. Las nuevas generaciones deben estudiarlo para profundizar en los tópicos sobre los cuales se ha construido la idea de la venezolanidad y el porqué de sus taras: la provisionalidad, la distancia entre las instituciones y el individuo; el fracaso de esas propias instituciones, el concepto del Estado Mágico; el país como lugar de paso, la ciudad del “mientras tanto y por si acaso”, el redentorismo entre otras.

Y para los tiempos que vivimos, sin haber pretendido suscitar polémicas, dejó su melodrama  El americano ilustrado  donde metaforiza los intríngulis del conflicto diplomático de Venezuela con el Reino Unido y el nacimiento de Guyana y el burdo escamoteo que se hizo con el Esequibo. Para el crítico Azpárren Giménez esta obra es la coda del conjunto de obras que hicieron de él un dramaturgo indispensable. Es la saga teatral de los hermanos Lander y sus relaciones con Antonio Guzmán Blanco, el Ilustre Americano, que trasciende los enredos de la intriga para presentar el mundo de privaciones, anhelos y frustraciones de los personajes. Arístides y Anselmo Lander no resuelven, al igual que los personajes de obras anteriores, sus incompetencias en sus vidas privadas, en particular las relaciones con la pareja, al tiempo que su proyección pública, uno Ministro de Asuntos Exteriores y el otro Obispo, termina siendo un grotesco lamentable.

Ahí está su capacidad extraordinaria para “historiar” el teatro, de que la historia nacional le sirva como telón de fondo para un argumento es un teatro enraizado en la venezolanidad para hurgar en esa Gran Historia, la de Eduardo Blanco o Gil Fortoul y parodiarla, y decirnos “mira epa no sigas creyendo que somos un país grande”, sino un gran país mediano donde un protocolo, como el de Rojas Freire, borra los 300 mil kilómetros del Esequibo porque se derramó una compota de hicacos como transcurre  en  una  escena clave de  El americano ilustrado.

Cabrujas publicó casi todas sus obras y otros libros, entre ellos recordamos: Fiésole, Una noche oriental, El  autorretrato de artista con barba y pumpá  y  Sonny. Y Latinoamérica inventó la telenovela, libro póstumo, resultado de un taller que dictó sobre “El Libreto de Telenovelas”, en el Instituto de Creatividad y Comunicación (ICREA). ¡No lo olvidemos jamás!

"Elder" le dio dos premios a "Desde allá"

Luis Alejandro Silva debutó con dos premios internacionales

Una convicción arraigada en su pensamiento desde que era tan solo un niño condujo al caraqueño actor Luis Alejandro Silva a un debut protagónico de ensueño. El joven intérprete (22 años) nunca imaginó alzarse con dos galardones internacionales en una semana: en el 63º Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde obtuvo una mención especial; y en el Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz, que lo premió como Mejor actor, ambos por su papel en  Desde allá, filme de Lorenzo Vigas que ya posee en su palmarés el León de Oro de la Biennale di Venezia y sigue su recorrido por el viejo continente.  De algo que sí estaba seguro Silva era que su vena actoral bombearía más algún día, más temprano que tarde. Solo necesitaba una oportunidad. Luego de recorrer varios llamados de casting en Caracas, logró encarnar a 'La Parca' niño en  La hora cero  y hacer de motorizado en una escena de  La distancia más larga . Pero no fue hasta que su camino se cruzó con el del realizador Lorenzo Vigas que obtuvo el chance anhelado para brillar en la gran pantalla En  Desde allá  da vida a “Elder”, un joven delincuente que no da tregua para conseguir sus objetivos, sin importar lo que deba hacer, por las buenas o por las malas. Pura garra y corazón. Necesitado de afecto, víctima de una familia disfuncional, conoce a Armando (Alfredo Castro), figura en la que encuentra una conexión patriarcal que lo ampara y lo conduce a darlo todo, sin medida, provocando un desenlace inesperado. Desde Caracas, Luis Alejandro Silva conversó con el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) y reveló sus próximos pasos para una carrera que promete y está dando de qué hablar en Europa y el mundo -¿Cómo se siente luego de haber sido premiado como Mejor actor del Festival Biarritz de Cine Latinoamericano por su papel en "Desde Allá"?  Estoy muy feliz y contento por todo lo que me está pasando. Estoy agradecido con Lorenzo (Vigas) por haberme dado esa oportunidad y sigo esperando para continuar trabajando. -Anteriormente le otorgaron una mención especial en el Festival de Cine de San Sebastián, ¿Imaginó que conquistaría dos galardones individuales en Europa? Es increíble. Jamás pensé que iba a ganar, para ser honesto. Es algo muy difícil, porque la competencia en estos festivales es bastante ardua. Que me hayan tan siquiera nombrado me hace muy feliz, porque así sé que hice un muy buen trabajo. Eso es algo que me compromete aún más a seguir haciendo cosas buenas.  -¿Cuáles son los próximos pasos que piensa dar en su carrera? Me voy a Estados Unidos a aprender a hablar inglés, porque quiero irme lejos para hacer una mejor carrera. No me conformo con nada. Si llegué a Venecia, San Sebastián, Biarritz, quiero lo máximo. Sé que puedo darlo, porque quiero dejar a mi país bien en alto. En este momento no estoy interesado en hacer películas, porque tengo bien clara mi siguiente meta.  ¿De qué manera se preparó para meterse en la piel de 'Elder'? 'Elder' es un chico que consigue sus objetivos bajo cualquier condición o circunstancia. No le importa lo que tenga que hacer. Es líder de una banda de delincuentes que roba para sobrevivir. Es un ser que necesita mucho afecto. Nunca había tenido un padre para que lo quisiera. Su madre está, pero a la vez no. Entonces llega 'Armando' (Alfredo Castro), quien le ofrece todo lo que le ofrecería un padre, y por eso Elder llega a sentir tantas cosas por él -¿Cuál considera que es el punto clave en la interpretación de éste personaje, un joven delincuente? Le puse corazón y humildad, todo de mí. Entregué en absoluto lo que tenía, porque vi que era mi oportunidad. Soy el tipo de persona que aprovecha al máximo las oportunidades. Cuando me pusieron este personaje tan difícil, decidí afrontarlo, porque sabía que me iba a servir -¿Qué tanto le ayudó el chileno Alfredo Castro a alcanzar el clímax en su interpretación?  Alfredo Castro es un maestro. Me ayudó muchísimo. Todo lo que me está pasando también se lo debo a él. Recuerdo que yo era muy expresivo, entonces Alfredo me decía que no podía seguir haciendo eso. De él aprendí que el verdadero actor no actúa, sino que siente desde adentro sus sentimientos para poderlos expresar en la gran pantalla. .¿Cómo llegó a ser protagonista en la gran pantalla? Acompañé a un amigo a hacer un casting, y él no quedó, pero yo sí (La hora cero). Allí hice de 'La Parca' chico, el recuerdo del protagonista. Después hice otro, en el que me sacaron por no ser una persona de color. Imagino que el productor era racista y tenía esa idea de que todos los malandros tenían que ser como él los imaginaba. Recuerdo que gané el casting, pero finalmente no participé en el filme por eso. También estuve en  La distancia más larga, de motorizado en una escena. Pero nada se compara con 'Elder'. Anteriormente, me daban personajes con los que no me dejaban sacar lo que yo quería realmente, sino todo apegado al libreto. Lorenzo me dio la oportunidad de mostrar mi capacidad. Lo hice lo mejor posible. -El público espera con ansias el estreno de 'Desde allá' en 2016, ¿Qué nos puede adelantar que no esté dentro de la sinopsis? El público se sorprenderá de principio a fin. La espera para el estreno será muy buena. Que se preparen, porque esta película va a conmover al país y ayudar mucho a que socialicemos más con las personas. Generará diálogo, discusión y controversia. Se hizo para que las personas debatan sobre todo lo que sucede en ella. Así ha pasado en todos los festivales donde hemos proyectado  Desde allá . La reacción del público es increíble. Nos han recibido muy calurosamente. En la Biennale di Venezia nos aplaudieron durante 10 minutos. Eso fue inolvidable para mí. Lo mismo en San Sebastián. La gente me abrazaba, aplaudía en las calles. Decían que esperaban verme próximamente en otros largometrajes. -¿Qué tipo de cine disfruta?  Me encanta el drama y la acción, pero no la exagerada y mentirosa. Me gusta Quentin Tarantino, quien siempre hace filmes en los que el espectador no espera conseguir lo que consigue. -¿A quién cita como sus influencias cinematográficas en este momento de su vida? A Edgar Ramírez, porque está dando la cara por Latinoamérica y por Venezuela allá afuera. Quiero ser como él, que me reconozcan internacionalmente como venezolano por mi buen trabajo. También tengo presente a Al Pacino, un duro. Es mi preferido, el que más veo y más me gusta como trabaja, así como Roberto De Niro.

Gremios del cine piden urgencia legislativa a la Asamblea Nacional

Román Chalbaud apoya la segunda reforma de la Ley del Cine

Ajustar el marco legal que rige al cine venezolano a la realidad actual es la finalidad de la Segunda Reforma a la Ley de la Cinematografía Nacional, que de forma parcial, plantea modificar el articulado que la conforma, para puntualizar aún más los logros alcanzados con la Primera Reforma (2005), impulsar el desarrollo de la formación audiovisual en el país, posicionar al séptimo arte criollo y brindar una oferta en cartelera fiel a los principios pluriculturales y multiétnicos que, a través de la gran pantalla, reflejan la cultura del mundo. 

Así lo expresaron los representantes del gremio cinematográfico nacional, reafirmando el carácter evolutivo del documento a los medios de comunicación locales, en una conferencia de prensa realizada la mañana del martes en Caracas, a la que asistieron cineastas como Román Chalbaud, Carlos Azpúrua, Luis Cerasa y Atahualpa Lichy, imforma un boletin de prensa del CNAC:
Iván Zambrano, coordinador del consejo consultivo del Foro del Cine Venezolano; Claudia Lepage de la Asociación Venezolana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (Avepca), Caupolicán Ovalles por la Cámara Venezolana de Productores de Largometrajes (Caveprol) y Mauro Rodríguez de la Asociación Nacional de Autores Cinematográficos (Anac) conformaron el grupo de voceros principales.
“Esta ley ha sido creada por los cineastas directamente. Nace de un sector y ha sido muy beneficiosa. Este es un modelo participativo. A través del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) se ha realizado una gran cantidad de actividades formativas que grupos han desarrollado en todo el territorio nacional. En esta etapa se han conformado estructuras como las Redes Populares de Cine y Audiovisual en 22 estados. También nació el Sistema Nacional de Festivales y Muestras de Cine en Venezuela. Todo apunta hacia un desarrollo grandioso”, sentenció Zambrano.

 Desde la creación de la Ley de Cine en 1994 hasta el 2004, 45 obras fueron estrenadas, registrando 3 millones 323 mil 374 boletos vendidos, recaudando 4 millones 719 mil 621 bolívares en taquilla. A partir de que entró en vigencia la Primera Reforma a la Ley de Cine, en 2005, hasta 2015 se han estrenado 171 películas venezolanas, registrando 17 millones 356 mil 920 boletos, recaudando 647 millones 552 mil 171 bolívares. Esto representa un incremento del 522,7% de espectadores, y 380% en cuanto a películas estrenadas, evidenciando la óptima efectividad de la primera modificación a la Ley.Respecto al Fondo de Promoción y Financiamiento del Cine (Fonprocine) se propone incrementar las alícuotas de los contribuyentes especiales para la producción de obras audiovisuales y así impulsar los fondos regionales de cinematografía, para alcanzar una distribución equitativa de los ingresos destinados a la realización audiovisual criolla.
El director de cine y líder gremial, Carlos Azpúrua, destacó el compromiso de la Comisión de Cultura y Recreación de la Asamblea Nacional para que la Segunda Reforma sea aprobada: “La expectativa es grande. Tenemos todo lo que entendemos dentro de un criterio de pluralidad, democracia y valoración de lo que ha sido este trabajo participativo y extraordinariamente fecundo para crear esta propuesta, desligada de prejuicios ideológicos. Nos encontramos dentro de nuestra tradición histórica para mejorar al cine. Ahora está en el terreno que se va a discutir”.
Sobre el aporte e incorporación de las empresas privadas en el proceso de financiamiento, Iván Zambrano explicó que, en la Segunda Reforma, se incluye un artículo que suministra mecanismos en los que éstas compañías pueden coproducir películas mediante la inversión. “Hay un estímulo que indica que si alguna empresa tiene la obligación de pagar a Fonprocine, eso sería contablemente asignado como un gasto, pero tienen la posibilidad de que un porcentaje de ese gasto, se convierta en una inversión destinada hacia algún proyecto cinematográfico. Para el impuesto sobre la renta, también se indica que cierta cantidad de lo que se tenga que cancelar en este impuesto, pudiera ser invertido en el cine, y puede realizarlo cualquier tipo de empresa, no solo los contribuyentes de Fonprocine”, dijo.

Así, el planteamiento refiere un conjunto de especificidades legales que buscan fortalecer la Ley de Cine vigente y consolidar la cinematografía nacional, incorporando en su actividad creativa a realizadores, empresas privadas, contribuyentes, distribuidores, exhibidores, productores, espectadores y demás representaciones vinculadas al séptimo arte venezolano, impulsado la identidad de un imaginario colectivo propio que cada vez toma más fuerza, aquí y más allá de nuestras fronteras.

Ruedan "La familia" de Gustavo Rondón

En Lomas de Urdaneta se hace cine criollo,además,

Andrés  es un padre cuarentón que vive con su hijo  Pedro, de 12 años. Ambos se tienen únicamente el uno al otro. Su relación se ve distanciada entre el vértigo de la constante búsqueda del sustento para sobrevivir, rodeados de un barrio que propaga una violencia inclemente, desde los más chicos hasta los más longevos. 
Mientras su padre agobiado por la miseria emplea más de dos trabajos, Andrés deambula entre los bloques de su vecindario, paseándose por patios, ranchos y veredas. Un día, el destino trágico embarga su vida inesperadamente, poniendo a prueba su ira y provocando una huida sin tregua que a su temprana edad lo hace cuestionarse entre la cobardía y la gallardía de la temprana juventud. 
Así, el largometraje  La familia, ópera prima del cineasta Gustavo Rondón, inició su rodaje en los barrios de las Lomas de Urdaneta, en Caracas, localidad que el realizador identificó y sintió propicia para impregnar una atmósfera de naturalidad capitalina a su obra, un drama que mostrará su visión de lo que puede llegar a significar el sentido de las relaciones interpersonales entre seres que llevan en sus venas la misma sangre. 

“El tema de la familia como tal siempre ha sido recurrente en mi obra. Parto desde que la familia no es algo que escogemos, sino que se impone. Hay muchas a las que les va de maravilla, y tienen la fortuna de transcurrir en su día a día de manera armoniosa. Pero, también hay otras que no. Eso siempre me ha generado angustia, las relaciones distanciadas que parecieran muchas veces no tener solución. En concreto, no estoy buscando esa solución. Realmente es solo una exploración”, comentó Rondón al Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) luego de dar la voz de 'corte' en el primer día de filmación del largometraje. 
Como autor del guión de esta historia, decidió dejarlo abierto para incorporar, mediante avanza el proceso del rodaje, elementos que refuercen la trama, que filmará en orden cronológico, paseándose por el pánico, la incertidumbre y el caos, reflejando una dualidad entre un escape intrigante para evitar caer en la desgracia a través de una posible venganza y una mirada intimista a la convivencia imperativa entre padre e hijo.

 “Filmar en cronología ha implicado complicaciones para la producción, pero están todos dispuestos a experimentar este modo de rodar. El guión lo desarrollé en diferentes escenarios, pasando por Amiens, Francia; por la Fundación Carolina en Madrid y también Cannes. Esto nos ayudó a suministrar elementos más universales a la historia”.

 La luz natural juega un importante rol en la estética visual del filme. El proceso de realización es 'elástico', según describe Rondón. A él le gusta narrar con poco, más imágenes y menos palabras. Con los actores decidió trabajar sobre la marcha, más que apegarlos al libreto, pues comenta que “la complejidad de un largometraje es exponencial”. 
El actor venezolano Giovanny García interpretará a  Andrés, mientras que el pequeño Reggie Reyes, de 12 años, se meterá en la piel de  Pedro. El objetivo de la producción es dejarse sorprender con nuevos métodos. El equipo lo conforma Luis Arteaga en la dirección de fotografía, Matías Tikas en la dirección de arte, Natalia Machado en la producción ejecutiva y Marcos Salaverría en la dirección de sonido.

 Las locaciones de la película incluyen la parroquia San Juan, Centro y Este de Caracas, y el pueblo Pedregal, de Falcón, donde filmarán una etapa cumbre y final de la obra. “Los personajes principales, Andrés y Pedro, atraviesan una confrontación íntima cuando se ven juntos bajo un mismo techo, algo que hace rato no pasaba entre ellos. Así se dan las unidades espaciales que cada set contiene, muy amplio cada uno, porque pese a que son pocas locaciones, tienen muchos escenarios distintos”, agregó Rondón. 
Matías Tikas destaca la esencia del arte de la película: la naturalidad, que “se verá reflejada en el sitio, los colores, las formas y las texturas que hay. Vamos a utilizarlos a favor del fin que queremos y eliminar tonos muy fuertes, para no distraer. He realizado filmes en lugares parecidos, dentro del mismo contexto de los barrios, pero siempre hay cosas nuevas que aprendo y mejoro. Siempre me auto crítico. La aspiración es plasmar la teoría que nos planteamos en las imágenes. Es la primera vez que trabajo con Gustavo (Rondón) y también mi primera vez en una filmación que transcurre en orden cronológico. Pienso que es positivo y contribuirá mucho a mi experiencia”, puntualizó el director de arte de títulos como  Pelo malo,  3 Bellezas  y Desde allá. 
La familia recibió financiamiento del CNAC en la modalidad 'Largometraje de ficción', seleccionado en la Recepción Permanente de Proyectos Cinematográficos, RPPC II 2013. Tendrá una duración aproximada de 90 minutos. 

Ruedan "Hijos de la tierra" de Jacobo Penzo

Jacobo Penzo otra vez  creando buen cine

El filme que cuenta con financiamiento del CNAC y el respaldo de la Villa del Cine  está dirigido por Jacobo Penzo y cuenta en su reparto con los actores Pedro Lander y Manuel Salazar. La inmensidad y belleza del mar en las costas de Todasana, un pueblito ubicado en la Parroquia Caruao del estado Vargas, sirvieron como escenario para el grito de acción que dio inicio al rodaje del largometraje de ficción Hijos de la tierra, dirigido por el cineasta y escritor Jacobo Penzo.  La explotación petrolífera en Venezuela ha sido siempre un tema que inquieta al realizador Jacobo Penzo, quien también tiene en su filmografía títulos como  Cabimas, donde todo comenzó  y  En territorio extranjero, que tienen este tema en común.  Hijos de la tierra  presenta un drama ubicado un poco antes de la década de los veinte, en la que noticias dispersas, relatos y rumores difundían la presencia de una nueva riqueza, haciendo sospechar que un gran cambio está por producirse. Las grandes potencias mundiales se interesan en un país, que pobre y diezmado por las enfermedades, apenas emerge de las guerras civiles del siglo diecinueve. El país campesino sometido a la dictadura de Juan Vicente Gómez se moviliza para protagonizar la que será la mayor transformación social y económica que sufrirá la sociedad venezolana en el siglo veinte. Pescadores margariteños, jornaleros andinos y empobrecidos habitantes de la Sierra de Coro se dirigen a las costas del lago de Maracaibo. Dicha transformación ya se había iniciado en 1914 con la perforación del pozo Zumaque en la zona de Mene grande, pero en 1922 nuevos hallazgos vendrán a impulsar aún más la presencia del país como potencia petrolera. La historia la conforman aquellas pequeñas y grandes tragedias que expresan el esfuerzo colectivo, mientras los poderosos del mundo y sus agentes en Venezuela se afanan por lograr también sus objetivos. En suma, la aparición del capitalismo moderno impactando sobre la frágil estructura de un país agrario devastado por los conflictos del siglo diecinueve y acosado por el hambre y la dictadura. Hijos de la tierra continuará su rodaje durante 9 semanas con locaciones en las ciudades de Caracas, Mérida, Valencia y Maracay, esperando ser estrenado para el segundo semestre de 2016.  Ficha técnica: Dirección: Jacobo Penzo. Jefe de Producción: Beatriz Aranguren. Dirección de Arte: Diego Risquez. Director de Fotografía: Cezary Jaworski. Jefa de Vestuario: Felia Torres. Dirección de Casting: Luis Miguel Sánchez

Vuelo sobre ti con Zapato 3

El rock venezolano estalla en la gran pantalla con  Vuelo sobre ti , ópera prima de Luis Soles, una exploración al género documental con matices musicales mediante un retrato de la banda Zapato 3. El joven realizador  se fue de gira con la agrupación que marcó una importante etapa de la década de los años 90, y fue a los escenarios del tour 'La última cruzada' como un miembro más del crew, que reencontró a Carlos Segura, Álvaro Segura, Fernando Batoni, Diego Márquez y Jaime Verdaguer luego de casi 13 años separados.  La noticia subió como la espuma en 2012: 'Zapato' se juntaría de nuevo. Los vestigios de 'Pantaletas negras', 'Uñas asesinas', 'Antonin Artaud' y 'Azul azul' nunca desaparecieron por completo. Quedaron impregnados en el recuerdo de sus aficionados, quienes colmaron las principales ciudades del país para ver de nuevo a sus ídolos serpentear los acordes que marcaron una generación con letras seductoras, sexuales e irreverentes, y luego renacer de las cenizas, como el fénix, que formó parte de la imagen de su reunión. El episodio no pasaría desapercibido para Luis Soles, un fiel seguidor del grupo, que no dudó en tomar su cámara y acompañarlos día a día en una bitácora cargada de rock que lo llevó a capturar testimonios de los seguidores en ciudades como Maracaibo, Caracas, Barquisimeto, San Cristóbal, Valencia, Mérida, Puerto la Cruz, Puerto Ordaz y Punto Fijo. Este elemento lo fusionó con una especie de 'diario de gira', en el que se muestra a los miembros de la banda tal y como son, sin tapujos, 'chalequeando' y hasta degustando un servicio de carne en vara en un restaurante de carretera. Luego, la música toma protagonismo con un sonido “crudo y de ambiente, alejado de la frialdad del pregrabado”, como lo describió Soles, quien conversó con el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía sobre el estreno de su película, que llegará a las salas comerciales de cine del país el viernes 2 de octubre, 25° estreno venezolano del 2015. -¿Cómo se siente al ver 'Vuelo sobre ti' como un sueño realizado en la gran pantalla?  Estoy muy emocionado. Ya empecé a recibir el feedback de la gente que ha visto la película en las muestras previas. Pero verlo en la gran pantalla, a oscuras, con un gran sonido, es un sueño. Siento que el público venezolano lo va a apreciar mucho. Mis expectativas de taquilla son muy honestas, entendiendo que Venezuela no es un país rockero, pero esto es una muestra de la diversidad de opciones que hay para ir al cine a divertirse. -¿De qué manera decidió llevar al cine el reencuentro de Zapato 3?  Yo diseñé y levanté el proyecto de una manera muy artesanal y simple. A la vez, tiene una estética muy bonita, una fotografía muy curada, movida por el corazón, por el amor hacia los planos que estaba haciendo. Más que una historia que contar, quería hacer un seguimiento, para que la gente viviera lo emotivo que fue el reencuentro de Zapato 3 con su público, luego de casi 13 años de ausencia. En el proceso de edición de tres años, me di la posibilidad de mostrar algo nuevo. Quise hacer un aporte, pues tiene varias presentaciones en vivo. También muestro la emoción del público al ver a su banda favorita tocando temas que los marcaron durante muchos años.  -Usted habla de innovación, ¿Cuál considera que es su aporte con este filme?  Mi aporte pienso que es llevar la modalidad concierto al cine en Venezuela. Este es una especie de regalo, porque los espectadores venezolanos no están acostumbrados a los documentales, sea cual sea el tema. Esto viene a oxigenar un poco lo que es la alternatividad de un material de este tipo. Son 85 minutos de diversión y paz dentro de una sala de cine. Desde chamo soy fanático de los audiovisuales, y siempre veía conciertos de bandas extranjeras en película. Ahora, lo tenemos con Zapato 3, nuestra banda. -¿Qué significa Zapato 3 para usted como aficionado del rock venezolano?  Para mí, Zapato 3 es una banda muy honesta que le regaló una vanguardia musical y estética al país en una época en la que no había un público que se volteara a ver el rock nacional. Su música mutó y evolucionó en base al espíritu que tienen de una manera grandiosa. Eso desembocó en un público que tiene mucho amor por ellos. Ya esto no es moda, es un culto que ha pasado de generación en generación, ya casi tres. En la película se ven muy honestos y cierra ese reencuentro del grupo en pantalla gigante, para que vengan nuevas cosas de Zapato 3. -¿Ya los integrantes de la banda vieron el largometraje? ¿Qué les pareció? Ya todos la vieron. Están muy emocionados, sintiendo en su piel quedar inmortalizados en un documento que podrá ser revisado por otras generaciones en el futuro. Siento su agradecimiento. Ahora son mis amigos y este tipo de cosas tienen que seguir pasando. Hay que homenajear a nuestros héroes del rock. -¿Cómo valora el resultado de haber realizado prácticamente solo una película?  Trabajé solo en esta película. Camarógrafo, director de fotografía y editor. Vengo del mundo de la publicidad. Disfruté mucho el proceso de filmación. Es un proyecto muy personal, que lo seguirá siendo. Llega a la cartelera con el sello de una sola persona, y espero que esto les sirva a los chamos para que no busquen excusas para no hacer películas con nuevas herramientas. Ahora se puede obtener material de alta factura en poco tiempo, así que estoy feliz por ello. Queremos que esto siga pasando, hacer ruido para que la gente mire otras cosas que existen, que están allí, y aquí tienen una película de rock. Esperemos que se regalen los minutos de ir al cine a vacilarse ésta. Vuelo sobre tí se proyectará en las siguientes salas comerciales de cine del país: Caracas: Cines Unidos (C.U.) El Marqués, C.U. Avila, C.U. Paraíso, C.U. Millennium, Cinex Victoria Plaza, Cinex El Hatillo, Cinex Tolón, Teatro Ayacucho y Cine Cipreses (del 6 al 29 de octubre, de martes a jueves). Maracay: C.U. Las Américas y Los Aviadores.La Victoria: CineCity. Valencia: C.U. La Granja y C.U. Metrópolis.Barquisimeto: C.U. Trinitarias y Cinex Metrópolis.Porlamar: Parque Costa Azul.Puerto La Cruz: C.U. Regina.Barcelona: Puente Real.Puerto Ordaz: C.U. Orinokia.Maracaibo: C.U. Sambil. Ciudad Ojeda: Cinema Ojeda.

Cine que exhibe y habla en venezolano

Ha escrito el crítico Rodolfo Izaguirre que nuestra cinematografía comenzó a vislumbrar su modernidad con el advenimiento del cine sonoro en la Venezuela de 1928. “Un año importante porque ese año también el país comenzó a hablar cuando lo hicieron los jóvenes estudiantes de la llamada generación del 28. Algo que jamás ha ocurrido en ninguna otra cinematografía. Que hable el cine pero que al mismo tiempo hable un país”, puntualiza este célebre investigador.

Y esa modernidad del cine criollo, que le hable a su país, como  lo  resalta Izaguirre, no solo fue en el siglo XX ni tampoco pretende dejar de hacerlo en lo que va del XXI, especialmente cuando produce y presenta docenas de peliculas, y además obtiene premios internacionales, como lo hicieron los films    Azul y no tan rosa   de Miguel Ferrari (2012),   Pelo malo   de Mariana Rondón (2013), y ahora   Desde allá   de Lorenzo Vigas (2015), un fantástico triángulo de oro cultural y mediático  contra una de las más feroces discriminaciones: la homofobia, enfermedad psicosocial que se caracteriza por tener una profunda aversión hacia los homosexuales, otra más de las manifestaciones del fascismo.

VENEZUELA EN ESCENA Mientras llega el momento para que los venezolanos veamos  Desde allá, el primer  filme venezolano  -y por ende latinoamericana- que gana el premio León de Oro, del afamado  Festival de Cine de Venecia, hay que advertirle al público que ahí se plasma la relación de interdependencia entre dos personajes muy distintos, un acomodado homosexual que se dedica a reparar dentaduras postizas y un joven de la calle que terminará sintiendo afecto por ese hombre taciturno y algo paternal.

Pero el director Lorenzo Vigas no se quedó ahí: con  Desde allá logró que fuera un retrato certero de la actual situación del país, sacudido por grandes diferencias sociales. Al recibir el León de Oro, ha dicho esperar que el premio tenga efectos en esa fractura social. “Hacer una obra de arte es una responsabilidad. No hice esta película para que gustara a todo el mundo, sino para que la gente pudiera hablar de problemas sociales, políticos y económicos muy graves que tenemos en Venezuela, y que también compartimos con otros países latinoamericanos”, declaró el cineasta.

Viga apuesta por un cine que abogue por el compromiso, aunque no cree que esa sea su única función. “El cine puede servir para eso y también para entretener, pero si vienes de un país o de un continente con problemas fuertes, es una responsabilidad crear debate sobre esos problemas. El cine de entretenimiento también es importante, porque a veces hay que ir al cine para olvidar esos problemas, pero yo he hecho esta película, Desde allá, para crear discusión”.

ESTRENO DEL 2016 Dijo que no hizo un filme "para que le gustara a todo el mundo", pero espera que  Desde allá  invite a sus compatriotas a dialogar, "que es lo que realmente necesita el país. No es un secreto. En Venezuela hay una gran tensión en este momento. Estamos atravesando una crisis económica y ha habido en los últimos años una separación entre varios sectores de la sociedad. Esto es algo transitorio y justamente todos tenemos la responsabilidad de aportar un poquito para empezar a dialogar entre las clases y entre los líderes. Es una responsabilidad de todos e incluyo las instancias  que están en el poder en este momento".

Ante la "falta de diálogo", explica Vigas, el arte tiene como función polemizar, poner el dedo sobre temas complejos, pero justamente con la intención de que todos opinen. "Mi responsabilidad como cineasta es hacer eso posible y pienso que lo estoy haciendo con esta película".

Será durante el primer trimestre de 2016 cuando  Desde allá  sea exhibida en los cinematógrafos venezolanos, mientras tanto nos corresponde reseñar o informar sobre su periplo de exhibiciones en los festivales más importantes del mundo, donde es posible que conquiste otros galardones.

INCAPAZ DE AMAR Desde allá, protagonizada por  el chileno Alfredo Castro y el venezolano Luis Alejandro Silva, pone en escena la extraña relación que surge entre Armando, homosexual adulto, incapaz de amar, que ofrece dinero a jóvenes caraqueños a cambio de que le sigan a casa y se desnuden para él, y Elder, un delincuente de poca monta que ve en ese hombre maduro y taciturno al padre que nunca tuvo. Crecerá entre ellos unos vínculos de interdependencia, fundamentados primero en el dinero y después en la carencia afectiva. La película admite lecturas freudianas, pero también funciona como retrato de las profundas diferencias de clase que sacuden Venezuela y el resto de América. Para algunos críticos, Desde allá  sobrepasa la homosexualidad como tema principal. No se queda en lo romántico y prefiere inspeccionar profundamente lo social en un complejo contexto. La película habla también de supervivencia cotidiana, de cómo un gran sector de jóvenes, e incluso adultos y ancianos, tiene que sobrevivir, más que vivir.  Para Vigas, su película no es sobre la homosexualidad, es una película más sobre la paternidad, que es un tema que sí le obsesiona.

TRILOGÍA Lorenzo Vigas (Mérida, 1967), unigénito del célebre artista plástico Oswaldo Vigas, es un biólogo que devino en cineasta.  Desde allá, es la segunda entrega de una trilogía que inició con el corto Los elefantes nunca olvidan (2004) y que culminará con su próxima película de ficción, a la cual ya ha bautizado como La caja. Una trilogía en la que explora el tema de la paternidad, explica, sin saber aun exactamente por qué. “Dicen que uno no escoge sus obsesiones, sino que las obsesiones lo escogen a uno. Y en mi caso, hasta ahora sólo he contado historias relacionadas con la paternidad. En Los elefantes hay un padre terrible y abusador, pero eso no ocurrió en mi vida. Al contrario, yo tuve una relación muy afectiva y cariñosa con mi papá. Una relación en la que él estuvo muy presente desde el punto de vista emocional. Así que creo que esa obsesión tiene más que ver con la figura arquetipal del padre. Yo le digo a la gente que está empezando que todo es posible. Trabajé muy duro en este proyecto. Lo que uno se imagine, eso puede ser posible. Esto me da ganas de filmar rápidamente. Tenemos ya  el guion  de  La caja, coescrito con Paula Markovitch, autora y directora argentina residenciada en México, que está casi terminado y que espero poder rodar pronto”.

 

"El estado de sitio" en Caracas

El teatro político tiene todavía cultores en Venezuela

Albert Camus estrenó en París (1948) su drama El estado de sitio y mostró así su metáfora sobre la dictadura del Caudillo de Dios, Francisco Franco, la cual propuso como advertencia para los habitantes del mundo que podrían afrontar situaciones similares ante el desfile de totalitarismos militares o de civiles disfrazados y complacientes que pulularían en las décadas posteriores. El dramaturgo francés, de 47 años, pereció en trágico accidente (1960) y legó un balsámico legado literario y filosófico para los oprimidos, mientras que el invencible general hispano falleció en su cama (1975), dejando una herencia social-política-económica bien atada que todavía gobierna, especie de guante de hierro con forro de armiño.

Ahora ese incendiario y legendario evento El estado de sitio está en la sala Anna Julia Rojas (Unearte) de Caracas, porque el director Dairo Piñeres y su agrupación Séptimo Piso lo han producido por sus 20 años de labores. Un bien concebido espectáculo de estremecedor teatro político, ese que pocas veces se exhibe, porque algunos productores decretaron que los criollos deberían solo reír y tener orgasmos visuales. Pero un puñado de inconformes jugó la carta de la protesta y lograron realizarla.

En versión de Piñeres, este inesperado El estado de sitio  sucede en Cádiz y plasma a una comunidad pintoresca, gobernada por unos privilegiados, que acepta las desigualdades sociales abismales y donde la pobreza pasa a ser asumida como algo inevitable, decisión de  la voluntad divina, con la complicidad de la ignorancia y la salsa del miedo. Pero todo cambia con un nuevo gobierno que irrumpe, más despótico, tiránico y criminal, el cual utiliza  el miedo y el odio para alimentar un régimen que se apodera  de todo y restringe además sus libertades, hasta que germina una revolución y ahí el escritor deja un océano de posibilidades e interrogantes a la audiencia, que estos artistas venezolanos han glosado satisfactoriamente, pero podrían haberlo hecho mejor.

Este venezolano El estado de sitio, con varias decenas de actores y aprendices, poquísimos elementos escenográficos  y una música de discoteca gringa, además de un vestuario a lo punk, requiere de más ensayos y de una mínima depuración, para que sus  contenidos  lleguen con menos “ruidos”  al público y se dé la necesaria catarsis.

No estamos seguros, pero El estado de sitio nunca antes se había mostrado en Caracas, al menos en este siglo XXI, lo cual se la agradece a Dairo Piñeres porque ayuda a escribir la historia multisápida de las artes escénicas criollas.

Mientras el director Piñeres alista su segunda temporada de El estado de sitio, con las depuraciones estéticas apropiadas, recordamos al equipo artístico y técnico, además del elenco que lo acompaño:

El equipo artístico y técnico está conformado por  Yovanny Duran y Carlos Díaz en el vestuario, Patricia Amenta en la escenografía, Daniel Herrera en la música en vivo y original, Marcos Rivas en el diseño gráfico, Marcos Mancera en la fotografía, Janset Rojas en la asesoría actoral, Jean Marco Bello en la asistencia de dirección y  Carlos Chacón en la producción.

Las actuaciones son de  Moisés Berr, José Manuel Suarez, Ysabel Nieto, Gonzalo Guerrero, Reinaldo González, Ana Casadiego, Sergio Pérez, Carlos Alvarado, Gabriela rodríguez, Nelsy Avile, Jobana Ramírez, Luis rodríguez, Anthony Bracamonte, Jhon Galvis, Miguel Alejandro Rosales, Carlos Torres, Christopher Hernández, Bárbara Mijares, Laura Bandez, Carlos Dimas, José Angarita, Jair Díaz Díaz, Gerardo Sorondo, José Antonio Jiménez, Adriana Mederos, Yalismar González y Jonathan Contreras, entre otros.

Aprobaron 33 proyectos cinematográficos

 César Rengifo está en el imaginario de las nuevas generaciones de creadores

El arte y la cultura criolla se desarrollan a través del programa Fondos Concursables del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), que en el área audiovisual, a través del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), impulsará un total de 33 proyectos ganadores de 142 recibidos, provenientes de 17 estados del país.

 La amplia diversidad de disciplinas artísticas que arropa el fondo incluye a agrupaciones emergentes y de trayectoria, organizaciones y fundaciones legalmente constituidas, artistas, creadores y cultores que recibirán un financiamiento para realizar sus obras en aras de innovar y fortalecer la identidad de nuestro pueblo.
De la Región Estratégica de Desarrollo Integral (Redi) de Los Andes, conformada por Táchira, Mérida y Trujillo, fueron seleccionados en la modalidad 'Desarrollo de guión' los proyectos  Manos a la tierra  de Alejandra Acuña; Stercus demonis (El estiércol del diablo) de John Toro Caballero;  Los pastores del niño de San Miguel de Boconó  de Patricia Villegas;  Amalivaka la creación  de Manuel González,  La isla de nácar  de Gerardo Camacho y  De la tradición oral al audiovisual  de José Ángel Mora, mientras que  Cine en las aldeas. Creación de modelos para la formación de públicos audiovisuales en las comunidades rurales del estado Mérida, de Víctor Alfonzo, participará en la modalidad Investigación audiovisual.

Adicionalmente, en 'Desarrollo de guión', por Redi Oriental (Nueva Esparta, Sucre, Bolívar) triunfaron en la convocatoria  ¡Abre cancha, jevito! de Pedro Salima;La política del artista revolucionario vol. II  de Gabriel Serrano;  Caminos de arcilla  de Patrik Leal;  Piar, mil rostros... un pueblo  de Alejandra Laprea y  Crónicas del subdesarrollo  de Juan Salazar.

 Mientras llega el comunismo  de Arminta Beleño Gómez;  En la cola  de Rodolfo Márquez;  Dimensiones del pensamiento de Simón Rodríguez  (mediometraje) realizado por Christian Barrios;  Los rumbos del olvido, homenaje a César Rengifo , desarrollo de guión para animación, de Raúl Peña;  Objetos perdidos  de Arnoldo Rangel y  Fotografía itinerante de Cruz de Mayo a San Juan  de José Colls, en el renglón Museo y diseño serán realizados por la Redi Central, que incluye a los estados Carabobo, Aragua, Distrito Capital y Miranda.

 También Jarmil Romero con Una mirada desde la comunidad Leoncio Martínez a nuestra Venezuela  -en artes visuales-;  Una piscina en mi cuadra  de Elio Palencia;  Mi arte, mi cultura voy sembrando, por la Productora Cultural Universitaria de las Artes y Yulika Hernández; Cubagua, quinientos años de olvido de Rolando Chávez y  Difusión de la cultura a partir de tecnologías accesibles, investigación de la Fundación Proyecto Sentido Común.
La convocatoria nacional estuvo abierta desde el 16 hasta el 30 de agosto, obteniendo la participación de 1.648 postulaciones a nivel nacional. Los proyectos fueron evaluados por 54 jurados, distribuidos por Redi y disciplinas. Se seleccionaron 389 proyectos, con el fin de ampliar e impulsar el desarrollo de las artes audiovisuales del país, apoyando obras de impacto comunitario que refuerzan nuestra identidad a través de la diversidad artística del talento criollo.

Desde Redi Llanos fueron aprobados  Motoristas, el arte de la navegación fluvial  de Miguelangel Díaz;  El Mawari y otros encantos  de Francisco Sanquinetti;  Apure en un viaje  de María Alejandra Marchena (mediometraje);  Una parte de mí  de Marelis Rodríguez (cortometraje) y  La batalla de Guasdual  de Alex Yépez, todos en 'Desarrollo de guión'

Coro-nial (Coro Colonial) de Ulises León Lotero;  Repensando los sones negros y/o el tamunangue  de Lourdes Morales (investigación); Heroínas falconianas  de Cynthia Urbina; Nigale' de Patricia Ortega y El pájaro serrano de Alberto Jiménez son los seleccionados por la Redi Occidental, en 'Desarrollo de guión'.
El jurado que deliberó en la selección de los proyectos audiovisuales estuvo conformado por Manuel Delgado (Trujillo), José Dávila (Mérida), Tibisay Maldonado (Distrito Capital), Vidal Zabala (Falcón), Régulo Rincón (Zulia), Elías González (Lara), Ynmaria Castro (Nueva Esparta), José Barceló (Bolívar), Edson Acero (Delta Amacuro), Orlando Zarramera (Guárico), Yazael Bastidas (Barinas), Carlos Gómez de la Espriella (Guárico), Rafael Angulo (Vargas), Laura Antillano (Carabobo) y Luis Cerasa (Distrito Capital).

COSTOS PROMEDIOS

En reunión de Comité Ejecutivo N° 35-15 del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), celebrada el 30 de septiembre del presente año, se aprobaron los Costos Promedios de Producción de Obras Cinematográficas Nacionales de 2015 en virtud de los diferentes parámetros establecidos en el artículo 49 y de los criterios señalados en el artículo 51 del Reglamento Interno de Estímulo y Fomento a la Creación y la Producción Cinematográfica (RIEFCPC).  Para Largometraje de ficción se estableció un costo promedio de producción de Bs. 28.674.502,08; Cortometraje de ficción Bs. 1.771.845,00; Largometraje documental Bs. 10.139.250,00; Mediometraje documental Bs. 5.576.587,50 y Cortometraje documental Bs. 1.295.570,83.  Los resultados toman en consideración un conjunto de variables, tales como la duración de los proyectos, la cantidad de semanas de preproducción y cierre, el número de semanas de rodaje locales y no locales, el tiempo de postproducción y la posible combinación de secuencias de ficción, documental o animación en una misma propuesta. De este modo, el CNAC inició la aplicación de las disposiciones contenidas en el citado reglamento, publicado en la Gaceta Oficial número 39.882, de fecha 13 de marzo de 2012, que regula todo lo concerniente a los procesos de entrega, recepción, evaluación, aprobación y ejecución de los proyectos cinematográficos nacionales.

"Lo que lleva el río" compite por el Goya 2016

El río hecho cine se encauza en aguas internacionales, y es que el largometraje dirigido por Mario Crespo  Lo que lleva el río  ha sido seleccionado para representar a Venezuela en los Goya, Premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.
El jurado, que por unanimidad decidió seleccionar a  Lo que lleva el río  para representar a Venezuela en el Premio Mejor Película Iberoamericana de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, en su entrega número 30, estuvo integrado por Román Chalbaud, Luis y Andrés Rodríguez, Gustavo Michelena, Miguel Ferrari (Ganador del primer Goya para Venezuela) y Marilda Vera.

 Lo que lleva el río  es una película universal que nos habla de la utilidad del conocimiento cultural heredado y la necesidad de evolucionar, al hacerla crecer al ritmo de los tiempos, sin olvidar, ni despreciar, aquello que los hizo como son y que los une, en su diferencia, con el resto del mundo. Tomando lo mejor de una cultura para enriquecer la propia.

 Dauna (interpretada por Yordana Medrano) es una mujer warao transgresora, que rompe con las tradiciones del pueblo, enfrentando un dilema vigente entre el amor y la vocación, para explorar el mundo de conocimientos fuera de la comunidad. Poniendo en relieve la necesidad del diálogo intercultural, en un mundo que sigue siendo violentado por la intolerancia y el desconocimiento del otro, situación que la involucra en una amenaza a parte de su familia.

Venezuela obtuvo su primer Goya a la Mejor película iberoamericana en 2014 con  Azul y no tan rosa , ópera prima de Miguel Ferrari, aquella noche de febrero del 2014, donde se impuso ante  Wakolda , de Lucía Puenzo (Argentina); la chilena  Gloria, de Sebastián Leilo; y  La jaula de oro , de Diego Díaz-Quemada (México), marcando un importante hito en el cine venezolano.
 Lo que lleva el río  tuvo su estreno mundial en la Berlinale 2015 y ha sido admitida en la 39° edición del Festival des Films du Monde de Montreal, en Canadá; en la sección Focus on World Cinema; en el 1º Festival Internacional de Cine de Fusagasugá, Colombia, en la Competencia Oficial de Largometrajes Hechos de Mujeres; y en el 9° Trinidad y Tobago Film Festival.

"3 bellezas" ganó Festival de Cine de oriente

Este festival de cine venezolano realizado en Lechería destacó el nuevo cine y a los realizadores regionales en su quinta edición, celebrada del 21 al 26 de septiembre. El Festival de Cine entre Largos y Cortos de Oriente 2015 (ELCO) tuvo como protagonista el largometraje 3 bellezas, dirigido por Carlos Caridad Montero, que convenció al jurado y se llevó 9 estatuillas en las categorías Mejor largometraje, Mejor ópera prima, Premio del público, Mejor dirección, Mejor dirección de arte (Matías Tika), Mejor guión, Mejor actriz (Diana Peñalver) y Mejor actriz de Reparto (Fabiola Arace). Lo que lleva el río no se quedó atrás y conquistó los galardones a Mejor dirección de fotografía (Gerard Uzcátegui), Mejor producción (Isabel Lorenz) y Mejor sonido (Gustavo González y Lino Ocando); mientras que Paquete #3 triunfó con la Mejor banda sonora, Mejor tráiler y Mejor póster. El evento reunió los trabajos de productores, directores, estudiantes y noveles talentos que inician su carrera en el campo audiovisual. Compitieron en las diversas categorías de la gala: Opera Prima, Largometrajes y cortometrajes de ficción, animación, documentales, nuevo cine, regionales y universitarios, exhibidos de forma gratuita para el público asistente durante toda la semana. La interpretación magistral y psicótica de Frank Spano en  KM 72  le valió el premio a Mejor actor, compartido con Alberto Alifa, quien hizo lo suyo en el rol protagónico de El infierno de Gaspar Mendoza. El actor merideño Leónidas Urbina conquistó la categoría Mejor actor de reparto, luego de meterse en la piel del Subteniente Montilla en El desertor. En la categoría de cortometrajes, Neverson, del director Raúl Simao, se impuso como Mejor corto y Mejor corto de ficción nacional. Este último lo compartió con la obra Cenizas de la memoria. Buscando a Memo obtuvo un Reconocimiento especial por el manejo del tema, así como Redención por su trabajo de producción y por el manejo de la fotografía y del sonido. La quinta edición del Festival de Cine entre Largos y Cortos de Oriente colmó de séptimo arte criollo al estado Anzoátegui, del 21 al 26 de septiembre, proyectando una amplia selección de obras nacionales en las salas de cine de Lechería. Las proyecciones a cielo abierto para todo público se dieron con la animación de Meñique-coproducción cubana, española y venezolana-, escrita y dirigida por Ernesto Padrón, que inició el recorrido visual con la intención de llevar distracción a los más pequeños. “Tuvo un escenario al aire libre en la Plaza Puerto Príncipe, acompañado de colchones inflables y diversión para los niños. El cine es un medio de convivencia y en ELCO lo quisimos llevar a todo el público”, destacó Hernán Troconis, director del evento cinematográfico. “ELCO busca resaltar la parte social con las denominadas Zonas Elco, es decir, llevar cine a lugares con bajos recursos. Sitios como Conoma, Guanta y espacios de Lechería han sido beneficiados con proyecciones gratuitas para alcanzar este fin”, agregó. Cortos documentales, regionales, universitarios y de ficción se apoderaron de las salas, mostrando obras fuera de competencia como Reverón, Brecha en el Silencio, Azú y Pelo Malo, ganadoras en ediciones pasadas. Los talleres y conversatorios gratuitos se realizaron los días 23 y 24 de septiembre. Adicionalmente, este año, los participantes tuvieron el reto de llevar a la realidad el filme animado Taxi killer de Paolo Cogliati, en 24 horas, mediante el Desafío Remake. “Después de cuatro años de festival, teníamos que ponerle una bien difícil y divertida a los competidores y lanzamos el desafío”.