44 premios internacionales para el cine venezolano en este 2016

"El amparo" tambien está en la lista de oro de los premios para el cine criollo

No menos de 22 películas venezolanas han sido premiadas este año en el mundo y el séptimo arte nacional completará a finales de año su participación en 192 encuentros cinematográficos.

Las historias venezolanas han cautivado al mundo cinematográfico con su participación en casi 200 competencias internacionales. 44 son los premios que se han traído a casa las 22 películas galardonadas en lo que va de año.

La ola de reconocimientos para el séptimo arte nacional comenzó en enero con Devuélveme la vida, de Alain Maiki, filme que trajo a Venezuela el premio a la Mejor Película en “Los Ángeles Independent Film Festival Awards”, en Estados Unidos. 

 Desde allá, ópera prima de Lorenzo Vigas es una de las películas más premiadas en 2016, en países como Panamá, República Dominicana, EE.UU., México, Perú y Chile.  Dauna, lo que lleva el río de Mario Crespo, por su parte, cuenta con siete galardones en: Brasil, España, Colombia, EE.UU., Argentina e Italia. También en Francia, Ucrania, Uruguay, Perú, Ecuador, Chile, Colombia, Rumania, India y Argentina, el talento nacional ha dejado constancia de sus avances en la cinematografía, no sólo con películas de larga duración sino también con cortometrajes independientes y de escuelas de cine en el país. 

El realizador Michael Labarca con el corto La culpa, probablemente -tesis de grado de la Escuela de Medios Audiovisuales, de la Universidad de los Andes- se convirtió en el primero de una escuela nacional en llevarse un Premio en la categoría Cinéfondation de la 69 edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, donde obtuvo el tercer lugar. A esta hazaña se le suman otros tres galardones en Ecuador y Rumania.

No sólo las películas son premiadas, el músico merideño Nascuy Linares y el sonidista Marco Salaverría, obtuvieron los reconocimientos a Mejor Música Original y Mejor Sonido en los Premios Platino del Cine Iberoamericano, por su trabajo en la coproducción venezolana  El abrazo de la serpiente , del director colombiano Ciro Guerra. 

 Los guiones también tienen su espacio dentro de las competencias, y Venezuela ganó el Premio de Mejor Guión Latinoamericano de Cortometraje por Los de abajo, de María Ruiz y Pedro Mercado en el 6° Festival Internacional de Cine en el Desierto, de Sonora, México.

 Desde el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) se han postulado obras nacionales a competencias en el exterior, gracias a la Gerencia de Promoción y Divulgación Cinematográfica, a través de la Coordinación de Festivales Internacionales. Desde este departamento se ha confirmado la participación del cine nacional en 192 festivales en el año. 

 Cualquier película venezolana registrada en el CNAC, sea independiente o financiada por la institución, es postulada desde ese departamento a competencias internacionales, dependiendo de la temática de la obra, duración, año de producción entre otros elementos evaluados a la hora de postular los filmes. 

Asi,en medio de las tormentas,el cine vernáculo avanza.

La Garza se muda al teatro Nacional de Caracas

Román Chalbaud verá el quinto montaje de "El pez que fuma" en el teatro de la esquina de Cipreses.

Por quinta vez, en 48 años, se presenta la obra El pez que fuma, de Román Chalbaud, desde el 9 de diciembre en el teatro Nacional. En esta ocasión, la Compañía Nacional de Teatro, que comanda Alfredo Caldera, la produce y la dirige Ibrahim Guerra, quien respondió así a nuestras preguntas:

¿Por qué esta pieza?

Estoy plenamente convencido de que es importantísima para entender el teatro venezolano de todos los tiempos; especialmente, el que Roberto Lovera De Sola denomina la Segunda Modernidad, que, para mí, es la definitiva. Fueron César Rengifo desde la epopeya histórica venezolana, y Román Chalbaud, desde la lacerante realidad de la Venezuela urbana, capitalina, poblada de autopistas, de construcciones arquitectónicas, pero poseedora también de un inframundo en el que la venezolanidad se vio atrapada en involuntarias circunstancias sociales. Por un lado, se confrontó con la opulencia, y, por otro, las hizo propias desde espacios a los que solo llegaba el resplandor de una riqueza inesperada a través de billetes fraudulentos. En El pez que fuma se registra una esencia de permanencia, de resistencia a un presente y a un futuro avasallantes, que arrasaban con todo lo existente. Todo debía cambiar. Las leyes regulares ya no servían para nada. El parasistema se impuso como una necesidad, y funcionaba al margen, pero mejor, que el oficial.   El pez que fuma es un burdel, en el que, bajo el riguroso control de un ente superior, oculto en los cajones electorales, que, desde la oscuridad, maneja con hilos invisibles la conducta de seres proscritos que al desnudo, exponen sin control alguno, todas sus emociones. Es, sin lugar a dudas, una gran pieza de teatro. 

La metáfora escénica presenta a una prostituta, dueña del burdel, acosada por las leyes y por los mismos malandros. ¿Cómo explica esa situación en estos tiempos?

Hay quien dice, por ejemplo, que la contextualización no está en el ambiente del burdel de la obra, sino en la prostituta que lo regenta, la Garza, mujer de sino trágico, que sucumbe a sus propios deseos y a sus pasiones. Vista así, sí podría decirse que es en sí misma un contexto de lujuria, de mando, y, a la vez, que de entrega, de posesión. Regenta, ordena, y a la vez la vencen sus pasiones. Siente pena, pero puede ser dura, severa. Frágil en su piedad, resulta trágica, porque sabe que tiene una finalidad mortal que delimita su existencia. Como el país, y en esto, la pieza es verticalmente venezolana, mezcla de manera imperceptible, el drama, la comedia y la tragedia. Las situaciones pasan vertiginosamente de un género a otro, marcando una dinámica dramática excepcional, desarrollada sobre un lenguaje escénico de gran pureza. Posee una evolución argumental técnicamente impecable. Propio de todas las piezas de Román. 

 ¿Tiene vigencia ese texto o ha sido superado?

La obra ocurre en 1968, y no sé si por estrategia o por picardía dramatúrgica, específicamente, el 10 de octubre, día del nacimiento de Román en Mérida, año 1931. Esto demarca ya de por si un contexto histórico, y, desde luego, social. Pero la obra no habla ni se recrea en la historia patria. Se desarrolla dentro de su propia circunstancia argumental. Esa época, siendo la obra estrictamente criolla, se desarrolla dentro de una Venezuela resplandeciente por el brillo petrolero, que vivía en la abundancia, en la riqueza, en el derroche. Es significativo que a una de las paredes del burdel le hayan crecido hongos. Este y otros detalles hablan claramente de que se trata de una casa gastada, empobrecida y marginal, en medio de ese mundo de oropel. De otro aspecto de esa riqueza bullanguera y trivial de la Venezuela de los sesenta, pero sus personajes no están dentro de esa mecánica oficial, enriquecida, que caracteriza el medio social que los circunscribe. Están marginados, por lo que no es difícil suponer que posean sus propias formas de vida. Conforman una especie de estado paralelo, que tiene sus leyes y normas, y en el que la economía se rige por las cifras escritas en papelitos en los que se anotan los consumos de los clientes del burdel. La Garza, la dueña, los contabiliza y administra. No es una economía formal, es un parasistema administrativo propio, en el que está prohibido que las putas firmen vales, pero, que, sin embargo, y a la usanza del Estado oficial, se hacen, para extraer a escondidas de la dueña, dinero de la caja registradora, valga decir, de las arcas del burdel. Hay muchísimas señales en la pieza, de que pudiera pensarse que se trata de una recreación firme de una situación país. En el tráfico de influencias, en el ejercicio del poder a través del sexo, de las relaciones y tratos sobre colchones desvencijados y manchados de sangre seca. Todas podrían identificar a una Venezuela que luce corrompida, sin historia. En este sentido, si se puede decir que la obra marca un momento histórico.

Doble elenco

“Delicioso, pero sumamente difícil, ha sido trabajar con dos elencos.  La Compañía Nacional de Teatro convocó a pruebas a quienes quisieran participar en ella. Aparte de dos actrices, Aura Rivas y Francis Rueda, quedaron en el elenco estable unas 30 personas.  En este sentido, me tocaba a mí seleccionar a quienes considerara más adecuados para interpretar la pieza de Román. Tomé una decisión drástica, que fue aceptada por los directivos, de que todos la hicieran. Ya yo tenía en mente a Francis para la Garza, a Aura para la Argentina, y a un hombre de teatro que admiro, Antonio Cuevas. A estos tres personajes les cree nuevas circunstancias argumentales para, si cabe, robustecer y afianzar aún más sus discursos dramáticos. Para mí, estos tres intérpretes eran imprescindibles, y, en los tres casos, por fortuna, en el elenco estaban Daifra Blanco, Norma Monasterios y Trino Rojas, que también se encuadran perfectamente  en los personajes. La exacerbada teatralidad de   Andy Pérez, Jesús Hernández y Ludwig Pineda, encajaban perfectamente dentro de lo que me propuse. Citlalli Godoy y Larry Castellanos desarrollaron una dificilísima construcción del Ganzúa. Keudy López fue una verdadera sorpresa, no lo conocía; él, además, es el encargado de realizar los arreglos y de la interpretación al piano de los segmentos musicales del montaje, que dirigen Norma y Jesús. Los acompañan: Francisco Aguana, quien creó una característica para componer el Robín, y Arturo San no solo interpreta varios personajes, sino que, además, me ayuda en la dirección del batallón.  Juliana Cuervo y María Tellis interpretan a la Marlene de la obra. Dentro de la maestría de los actores del elenco, ninguno contaba con las características de pubertad que requieren dos personajes, Juan y Selva María. Citamos a cuatro actores que forman parte del emergente, Ángel Pelay, Nitay La Cruz, Marcela Lunar y Oriana Martins, para escoger a esos dos intérpretes. Los dejamos a los cuatro. Pero la verdadera sorpresa para mí fue Jean Manuel Pérez; si de alguien pudiera decir que es un intérprete integral, es de él. Su larga trayectoria en la danza, en la música, siempre en roles dramáticos, le otorgan las características para interpretar al nada fácil Jacinto, que emblematizó tanto en el teatro como en el cine, el legendario José Salas. Con este doble elenco me siento en mis orígenes”.   

Salvatoris cuida su árbol en la Caja Teatral

Un montaje para todos los públicos.

Salvatoris Sogni es un soñador fiel a sus ideales que se propone convertir el bosque en un espacio para el disfrute y sano esparcimiento de todos los niños, manteniendo siempre contacto directo con la naturaleza. Para materializar este sueño, debe contar con la ayuda de su amiga Panchita Pasa, dueña del bosque y la única capaz de garantizar el destino de ese espacio. En el camino tendrán que lidiar con trampas y tramposos, pero ambos contarán con el apoyo incondicional de sus leales amigos y los animales del bosque para defender su sueño.

Es, pues, Salvatoris Sogni  el protagonista del hermoso cuento teatral El árbol de Salvatoris para todos los públicos, que es presentado por el Grupo Bagazos y la Asociación Venezolana de Conciertos (AVC), a través del Centro de Artes Integradas (CAI), comprometida en desarrollar las artes y la educación en Venezuela, del 5 de noviembre al 11 de diciembre.

"Este espectáculo nace de un deseo de rendir homenaje a Salvador Itriago “quien se aparece en mi vida con el Colegio Integral El Ávila. Era un hombre soñador. Era un hombre activo que admiré y respeté, de quien aprendí valores, su constancia, tenacidad, honestidad y vocación por las artes”, afirma Gerardo Blanco López, creador y director de la obra.

Salvador Itriago fue un gran gestor cultural y un gran visionario. A lo largo de su vida se desempeñaría como abogado, diplomático, promotor y gerente cultural, llegando a ser el primer gerente general de la Fundación Teresa Carreño. Su más grande sueño y que también logró hacer realidad, fue fundar y poner en marcha el Centro de Artes Integradas.

El próximo año, 2017, se cumplirán 100 años del nacimiento de Salvador Itriago  y El Árbol de Salvatoris  es un agradecimiento y homenaje de Gerardo Blanco López a este gran venezolano.

El árbol de Salvatoris cuenta con la actuación de la primera actriz Gladys Prince, Halsyn Ortiz, Rosana Mottola, Manuel Gerdel, Aurelia De Freitas, Cipriano Castro Flores y Silvia Otero. Música de Daniel Atilano; el diseño de vestuario está a cargo de Carolina Rodríguez; el diseño gráfico es de Hernán Cordido; el diseño de Iuces, de Valentina Sánchez; el diseño y elaboración de la escenografía es de Rafael Sequera; restauración y montaje de escenografía: Oriely Brizuela, y con el apoyo técnico de Eduardo González.

La dirección y producción de video es de Claudio Sesti; coordinador musical: Daniel Atilano; letras: Gerardo Blanco López; coros y voces: Neleb García; grabación: Enrique Bravo; coreografía: Vanessa Bolívar; asistencia de producción: Carolina Rodríguez, Cipriano Castro y Rosana Mottola; operador técnico y asistente de dirección: Carolina Rodríguez. Dirección y producción general: Gerardo Blanco López.

Trina Itriago de Vallenilla, directora ejecutiva y secretaria permanente de la AVC y el CAI, e hija de Salvador Itriago, afirma que “para nosotros es primordial apoyar y difundir el arte nacional e internacional en todas sus expresiones y corrientes. Agradecemos a Gerardo Blanco López, al Grupo Bagazos porque esta obra nos llena de gran orgullo y nos reafirma que la visión de nuestro fundador es hoy una realidad y que su futuro es muy grande”.

El Grupo de Teatro Bagazos surge hace 37 años para hacer del teatro un vehículo de aprendizaje. Atesora casi cuatro décadas de exitosos montajes de dramaturgos venezolanos, obras premiadas de su taller de dramaturgia, montajes infantiles y talleres de actuación montaje. Hoy, Bagazos continúa su camino haciendo del teatro un sueño posible, logrando sus objetivos y como dice su director Gerardo Blanco López “dar vida a un sueño, es siempre un momento insustituible y un honor para los artesanos que lo propician. Bagazos quiere abrir ventanas, porque para volar sólo se necesita cielo”, y es así como conjuntamente con el Centro de Artes Integradas, la Asociación Venezolana de Conciertos , en su sede, La Caja Teatral en la Montaña Creativa, está a la cabeza del proyecto de la Escuela de Formación Teatral.

El árbol de Salvatoris. Dirección: Caja Teatral. Centro de Artes Integradas, entrada izquierda Universidad Metropolitana, Terrazas del Ávila. Temporada: Del 5 de noviembre al 11 de diciembre. Horario: Sábados y domingos, 3:00 p.m. Las entradas para esta obra, están disponibles en www.ticketmundo.com. Para mayor información teléfono: 0414 – 323.40.84.

En el occidente venezolano gritan y hacen teatro

"Peludas en el cielo" presente en la fiesta teatral del occidente venezolano.

En Guanare ya arranca la cita teatral del 10 al 19 de noviembre. Este año, el Festival de Teatro de Occidente (FTO) arribará a su trigésima cuarta edición con una programación de 50 espectáculos con distinguidas agrupaciones de diferentes regiones de nuestro país.
Con la intención de inaugurar la fiesta teatral más importante de la región occidental, está previsto que este jueves,10 de noviembre, a partir de las 5:30 PM, se realice el “El Grito de Occidente”, un singular desfile donde participarán todas las agrupaciones de la Red de Danza, Teatro y Circo del Municipio Guanare, para invitar durante su recorrido a todo el pueblo guanareño a las Salas de Teatro del Complejo Teatral Herman Lejter y disfrutar así de buen teatro de la mano de las mejores agrupaciones del país. Al finalizar, la Compañía de Danza Contemporánea de la Fundación Teresa Carreño y la pieza  El solar de los aburridos ,  los espera en el Complejo Cultural Tomas Montilla.
El solar de los aburridos es un espectáculo del maestro Félix Oropeza. Surge de la investigación vinculada con el juego, el espacio ritual y de realización sociocultural y las ceremonias de los autores Eduardo Galeano, Julio Cortázar, Julio Garmendia, José Roberto Duque y Salvador Garmendia.
Es la primera coreografía original dirigida por Félix Oropeza para Teresa Danza Contemporánea. Es una composición y creación colectiva con la participación de sus 14 intérpretes-creadores, inspirada en los lugares de encuentro de los pueblos venezolanos y barrios caraqueños, donde se concretan nuevas formas de vivir lo público y lo privado, y la solidaridad y el amor dan sentido común político a la vida cotidiana.

DATOS PARA LOS CURIOSOS
Este FTO se desarrollará en los Estados Barinas, Yaracuy, Lara, Cojedes y Portuguesa y se exhibirá así para los habitantes de siete municipios y cinco bases de misiones. Son 45 agrupaciones artísticas con sus 50 espectáculos  que se mostrarán en 80 funciones, con no menos de 150 artistas, creadores y el indispensable personal técnico.
Este evento se realiza porque lo auspician el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, el Centro Nacional de Teatro, y la gobernación del Estado Portuguesa. Y, por supuesto, el musculo organizativo del evento es la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa, con su director Carlos Arroyo y toda una valiosa generación de relevo.
Entre algunos grupos y espectáculo podran apreciar: La Chamba Teatro : Mi Compadre el Alcalde  (Caracas), Actividades Alternas:  Purgatorio privado con aroma a café  (Caracas), Caballo Teatro con  La Celada (Caracas), Teatro San Martin:  Lirica  (Caracas), Teatrela: Donde caerme viva (Caracas), Danzata: Rio enlucerado (Mérida),T eatro Coordinación: Los practicantes, un vuelo, la mujer  (Yaracuy), Dionisiacas Producciones: El largo camino del edén  (Caracas), La Compañía Nacional de Teatro:  Peludas en el cielo  (Caracas), Compañía Regional de Teatro de Portuguesa y su pieza Hecho en Venezuela  (Guanare).
El FTO, es una vitrina de referencia para las grandes figuras del teatro de América Latina que han pasado por estos escenarios. Si bien, Guanare es una ciudad pequeña, la constancia, el sacarle provecho a las dificultades y el gran equipo humano, de hombres y mujeres que han fundado este espacio, ha convertido a nuestro festival en tradición, se cuenta con un público que nos acompaña permanentemente, que disfruta de funciones a precios accesibles, que se deleita con presentaciones regionales, nacionales e internacionales; esto gracias al mismo entusiasmo que produce el FTO, al número de experiencias que los espectadores han vivido previos al espectáculo. Se logró un hábito, una rutina y sobre todo una conexión con el teatro que se hace en la región.
Así son y así trabajan los artistas venezolanos y solo esperan la respuesta del público, porque sin espectadores no podría realizarse tan magna competencia cultural.

Bollywood se mudó a España

Doriam Sojo ahora cine en España.

Tras obtener la Mención Especial del Jurado en el Indian International Cine Film Festival de Bombay y triunfar en la sección “Castilla y León en Largo” de la prestigiosa SEMINCI, la 61ª Semana Internacional de Cine de Valladolid,  Bollywood made in Spain  se estrena el próximo viernes 11 de noviembre en salas de cine de toda España, distribuida por Proyecfilm.

Bollywood made in Spain,  el primer largometraje de ficción de Ramón Margareto, Goya al Mejor Cortometraje Documental 2011 por  Memorias de un cine de provincias, está  inspirado en hechos reales y  es una romántica historia de amor musical, intercultural y espiritual protagonizada por la bailarina Leyla Zurah y el actor y dramaturgo  venezolano Doriam Sojo.

Bollywood made in Spain narra la historia de la bailarina española Leyla Zurah, quien emigra a India, se convierte al hinduismo y aprende las danzas del país asiático, desde las más tradicionales de Rajastán, hasta las más contemporáneas como la Bollywood Dance. Por su parte, el actor Doriam Sojo, después de intentar sin conseguirlo un trabajo estable en la industria cinematográfica de Bollywood, viaja a España soñando encontrarlo en La Ciudad de la Luz, los mayores estudios cinematográficos de Europa. El destino hace que sus caminos se crucen.

Ramón Margareto es director, guionista y pintor. En su filmografía destacan, además, el largometraje Salamandras y salamandros y el mediometraje La silla eléctrica   (todos ellos estrenados en Seminci); así como los cortometrajes premiados en festivales nacionales e internacionales Amor digital, Dolorosa, Clarísimas y Memorias de un cine de provincias. Respecto a su obra pictórica (Abstracción Geométrica & Pop Art), cabe señalar sus recientes exposiciones en el Círculo de Bellas Artes y el Ateneo de Madrid. Asimismo, cabe destacar que Margareto ilustra la mayoría de los números musicales de Bollywood made in Spain.

Según Ramón Margareto, Bollywood made in Spain surge de su admiración por la industria cinematográfica de India, por la brillantez, el colorido y la alegría de sus números musicales, y por mi compromiso personal con la interculturalidad. “Es una historia de amor musical, intercultural y espiritual entre Oriente y Occidente”.

Bollywood made in Spain está producida por Vicente Seva, fundador de la compañía Futura Films Producciones y creador del Festival de Cine de Alicante, certamen que dirige desde hace 13 años. Seva es, además, director y guionista de los cortometrajes Hablando con la pared, Un dulce despertar, La culpa todita del tío Esteban, Carne tierna y Fisio; y ha dirigido videoclips para el grupo Guaraná y para el bailarín Antonio Canales.

Opiniones importantes

Para el venezolano Doriam Sojo este Bollywood made in Spain es un proyecto mágico, fuera de lo común. Aunque contiene una historia de amor digamos “convencional”, el subtexto va mucho más allá, es muy plástico, muy de formas, muy de sentir, muy íntimo. “Creo además que el público se va a sentir muy identificado con el personaje protagonista masculino, pues es un pequeño héroe, con grandes ideales y valores, que lucha por conseguir sus objetivos. Además, el hecho mismo de bailar siempre te llena de buena energía. Es un proyecto muy humano que conectará con el público”. El productor Vicente Seva considera que en Bollywood made in Spain la banda sonora es un protagonista más. “El gran compositor alicantino Luis Ivars y su equipo han hecho un trabajo excepcional. Creo sinceramente que la música de esta película está a la altura de cualquier gran producción de Bollywood”. Mientras que el compositor Luis Ivars considera que Ramón Margareto ha creado una historia transfronteriza que nos vino muy bien para ampliar la mente a la hora de componer música, por la danza, la estética, el vestuario. “Es una excusa fantástica para trabajar en otras esferas que normalmente no se tocan. Ha sido muy excitante buscar, investigar, encontrar y descubrir que se pueden decir las cosas de otra manera. Manuel Ortega -mi mano derecha en todo el proyecto de esta banda sonora- y yo estamos muy satisfechos con el resultado. Nuestro objetivo no sólo fue crear música hindú, clásica o moderna, sino que esta tuviera también un toque español, porque la película se titula Bollywood made in Spain. Ramón Margareto me contó una historia que no tenía muchos recursos, pero sí mucha intención. Leí el guión, me entrevisté con él y surgió el feeling. Es un director con una idea muy clara, muy atrevida y todo muy definido. Sabe cómo contarla, la narrativa que quiere utilizar, la gama de color. Veo sus pinturas, sus obras, me informo un poco y enseguida nos ponemos a trabajar” Y para el director de fotografía Oscar Montesinos, “la verdad es que Bollywood made in Spain es un cuento con mucho carácter, con mucha personalidad. Hoy en día hacer cine prácticamente mudo es muy atrevido y muy valiente. Creo que Ramón ha dirigido un proyecto muy interesante y espero haberle ayudado con todas mis fuerzas… La idea fue rodar de una manera muy estática jugando mucho con la simetría, potenciar el color, forzar el tema del cuento, enmarcarlo y hacerlo todo un poco mágico porque, al final, estamos contando una romántica historia de amor”.

El rock de Rodolfo Santana Salas

No se olvidaron del autor altamente comprometido con su su pueblo.

El cuarto año del mutis del dramaturgo Rodolfo Santana Salas (Caracas,24.10.1944/Guarenas, 21.10.2012) no pasó desapercibido para los teatromaníacos caraqueños, pues en el Teatro Nacional se presentaron sendas producciones de sus obras Tiranicus y Rock para una abuela virgen: una farsa sobre las nefastas consecuencias del mal gobierno de un tirano y una comedia sobre los cambios de las conductas sociales como consecuencia del paso del tiempo. Esperabamos algo más trascendente en cuanto a la calidad global de esos dos montajes pero no se dio, salvo el espectàculo de El Animador que trajo desde Guanare -para la sala Rajatabla- la gente de Carlos Arroyo con los actores Anibal Grunn y Wilfredo Peraza, centrado en un tragicòmico secuestro que cuestiona las perversidades de la television comercial. Un memorable trabajo de la Compañia Regional de Portuguesa.
Hoy reseñamos Rock para una abuela virgen, según dirección y actuaciones que adelantaran Jennifer Morales y los artistas Adriana Bustamante, Nuvia González, Luis Ernesto Rodríguez, Dennys Licett y el trompetista Johangel Graterol. Esta compleja comedia fue estrenada por José Domínguez durante la temporada 1988 del Ateneo de Caracas  y Olegario Barrera la llevó al cine, en 1998. Sin lugar a dudas que tiene sus atractivos para los teatreros.
No es una comedia fácil porque su carga humorística desacraliza varios dogmas de la Iglesia Católica, pero termina siendo una gran humorada sobre como han cambiado las relaciones interpersonales en la sociedad venezolana, en menos de un siglo, especialmente en lo referente a las conductas eróticas de hombres y mujeres.
En este nuevo montaje hay que resaltar la pulitura actoral del elenco ahí reunido, especialmente con los roles desempeñados por Adriana y Nuvia, los verdaderos motores del montaje que se desarrolla a lo largo de 70 minutos. Creemos que el espectáculo merece más cuidado en la producción, ya que la plantilla actoral es buena, pero evitando que la versión escénica ampute algunos chistes claves para degustar más el rock de la obra

El Cascanueces cumple 20 años en el Teatro Teresa Carreño

Veinte años con el ballet para la Navidad de los venezolanos.

Celebrando las navidades del año 2016, el Gobierno Bolivariano, a través del Ministerio del Poder Popular para la Cultura y La Fundación Teatro Teresa Carreño trae al público el espectáculo más esperado en la época decembrina, el ballet que ha hecho historia en la sala Ríos Reyna y que celebra su cumpleaños número 20: El Cascanueces, con coreografía del maestro Vicente Nebrada y música de Tchaikovsky, regresa de la mano del Ballet Teresa Carreño junto a la Orquesta Sinfónica de Venezuela.

En esta oportunidad, la responsabilidad de la reposición coreográfica que ejecuta el Ballet Teresa Carreño, recae sobre el cuerpo colegiado de maestros, conformado por tres ex bailarines integrantes del elenco original del año 1996. Fabiola Fazzino, Javier Solano y Adriana Estrada, quienes trabajaron directamente con el coreógrafo, manejando a la perfección el estilo característico de Nebrada. Junto a ellos también trabajarán Claudia Olaiz, Walter Castillo y Arturo Vela.

La Orquesta Sinfónica de Venezuela ha acompañado esta producción del Teatro Teresa Carreño durante 18 temporadas de las 20 ejecutadas y en esta oportunidad volverá a interpretar la partitura que Tchaikovsky compusiera entre los años 1891 y 1892 para la producción original estrenada en el Teatro Mariinski de San Petesburgo el 18 de diciembre de 1892.

En el año 1996 el Maestro Vicente Nebrada decide montar su versión de El Cascanueces, donde el entonces Ballet Nacional de Caracas Teresa Carreño presentaría esta nueva producción, que desde el inicio estuvo pensada como un espectáculo de alto entretenimiento, en donde, al ritmo de la partitura de Tchaikovsky, los elementos escenográficos entraran, salieran, subieran y bajaran, donde los efectos especiales dieran el toque final a un espectáculo lleno de magia y fantasía.

Los integrantes del Ballet Teresa Carreño que integraron el elenco del estreno, se destacan: Fabiola Fazzino como Clara, Luis Serrano como El Cascanueces, Daniel Hohagen como Herr Droselmeyer, Héctor Sanzana como el Abuelo de Clara, Teresa Padrón y César Urrieta (+) como la Reina y el Caballero de las Nieves, Elsy Barrios como la Gota de Rocío, Rolando Troconis junto a Barrios en Danza Árabe, Luis Penso como Madame Cicogne, Mónica Montego en la danza de los Mazapanes y Javier Solano junto a Montego en el Pas de Deux Hada de azúcar.

Con un impecable equilibrio el maestro Nebrada unió la música, la escenografía, los movimientos escénicos y efectos especiales con la coreografía que ejecutan más de 60 bailarines en escena y que además involucra a un enorme equipo entre los departamentos de vestuario, peluquería, zapatería, carpintería, pintura, utilería, herrería, audio, tramoya e iluminación del Teatro Teresa Carreño.

No pierdas la oportunidad de ver este clásico navideño celebrando sus 20 años, desde el 9 al 22 de diciembre, con un valor que oscila de 900 bs hasta 3.500 bs. Los boletos pueden adquirirse a través de la página web www.teatroteresacarreno.gob.ve o en taquillas del teatro.

El teatro venezolano se cita en Guanare

Una radiografia de como esta el teatro venezolano.

En Guanare ya arranca la cita teatral de Occidente del 10 al 19 de noviembre. Este año, el Festival de Teatro de Occidente (FTO) arribará a su trigésima cuarta edición con una programación de más de 50 espectáculos con distinguidas agrupaciones de diferentes regiones de nuestro país.

Como es costumbre, el FTO comprende espectáculos dancísticos, infantiles, teatro de calle, salas, talleres, circo y más. Además de que permite la inclusión de sectores menos beneficiados por la actividad teatral, proponiendo alternativas de funciones comunitarias; entre las cuales destacan: Base de misiones Brisas del Este, Negro Primero, Libertad de los Cocos, Barrio Unión, Monte Sinaí, entre otras, en donde agrupaciones teatrales de la localidad llevaran alegría a los más pequeños.

Al menos unas 80 funciones se efectuarán a lo largo de diez días, entre programación de sala, funciones comunitarias, teatro de calle, talleres y la perra que llora, con los más prestigiosos grupos teatrales, entre los que se encuentran:

La Chamba Teatro  con “Mi Compadre el Alcalde” (Caracas), Actividades Alternas con “Purgatorio Privado con Aroma a Café” (Caracas),Caballo Teatro con “La Celada”, (Caracas),Teatro San Martin con “Lirica” (Caracas), Teatrela: “Donde Caerme viva” (Caracas), Danzata: “Rio Enlucerado” (Mérida),Teatro Coordinación con “Los practicantes, un vuelo, la mujer” (Yaracuy),Dionisiacas Producciones nos visitan con “El Largo camino del Edén” (Caracas),La Compañía Nacional de Teatro con “Peludas en el Cielo” (Caracas),Compañía Regional de Teatro de Portuguesa y su pieza “Hecho en Venezuela”  (Guanare).Todo esto gracias al auspicio del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, Misión Cultura, el Centro Nacional de Teatro, Gobierno Socialista del Estado Portuguesa, Instituto de Cultura del Estado Portuguesa.

Las mismas se realizaran en el Centro   Teatral de Occidente y será extensivos a las co-sedes en los Estados Barinas, Yaracuy, Lara desde del 10 al 19 de noviembre. La inauguración está prevista para el día jueves 10 con un Desfile denominado “El Grito de Occidente”, donde participaran todas las agrupaciones de la Red de Danza, Teatro y circo del Municipio Guanare, con un recorrido desde la Plaza Andrés Bello hasta el Complejo Cultural Tomas Montilla, finalizando con la Compañía de Danza Contemporánea de la Fundación Teresa Carreño y la pieza “El Solar de los Aburridos”, que es una puerta abierta a formas auténticas de moverse en el escenario.

Además en esta edición se contara con un espacio para los emprendedores de la región artesanos, artistas plásticos, entre otros en donde puedan ofrecer al público  el trabajo que realizan en el denominado “Mercado Cultural”.

El FTO, es una vitrina de referencia para las grandes figuras del teatro de América Latina que han pasado por estos escenarios. Si bien, Guanare es una ciudad pequeña, la constancia, el sacarle provecho a las dificultades y el gran equipo humano, de hombres y mujeres que han fundado este espacio, ha convertido a nuestro festival en tradición, se cuenta con un público que nos acompaña permanentemente, que disfruta de funciones a precios accesibles, que se deleita con presentaciones regionales, nacionales e internacionales; esto gracias al mismo entusiasmo que produce el FTO, al número de experiencias que los espectadores han vivido previos al espectáculo. Se logró un hábito, una rutina y sobre todo una conexión con el teatro que se hace en la región.

NUEVA PELÍCULA VENEZOLANA Finalizó La noche de dos lunas

Pakritti Maduro ahora trabajó con Miguel Ferrari

El cineasta venezolano Miguel Ferrari, ganador del Premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana por su ópera prima Azul y no tan rosa, un melodrama gay en la Venezuela contemporánea que dejó buena taquilla y muchos aplausos, culminó la filmación de su segundo largometraje de ficción, La noche de las dos lunas, después de ocho semanas de rodaje.

La película realizada en coproducción con España, cuenta con las actuaciones de Prakriti Maduro, Mariaca Semprún, la española María Barranco (Mujeres al borde de un ataque de nervios), Luis Gerónimo Abreu, Albi De Abreu y las actuaciones especiales del español Juan Jesús Valverde (Azul y no tan rosa), María Cristina Lozada, Sócrates Serrano, Aminta de Lara, Hilda Abrahamz, Nohely Arteaga, Orlando Delgado, Carolina Torres y Héctor Manrique. La producción ejecutiva estuvo a cargo de Claudia Lepage (La distancia más larga), la fotografía es de Alexandra Henao (Azul y no tan rosa) y la dirección de arte es de Matías Tikas (Desde allá y Pelo Malo).

En La noche de las dos lunas, Federica (Prakriti Maduro) al tercer mes de embarazo se realiza una prueba de diagnóstico prenatal y descubre que el bebé que crece en su vientre no contiene su material genético. El bebé no es por tanto, su hijo biológico.

En relación a este nuevo trabajo cinematográfico, Ferrari señala que siempre le ha interesado el tema de la familia y cómo ha evolucionado este concepto con el transcurrir de los tiempos. Su intención con La noche de las dos lunas, es acercarse a una reflexión sobre las relaciones humanas y que el espectador encuentre elementos que susciten interrogantes en torno a la descendencia y los lazos afectivos. A Ferrari le interesa ir más allá de la anécdota y contar la historia desde el mundo interior de los personajes, sin trucos ni artificios y que permitan ver a estos personajes en su justa dimensión humana. Es por ello que se centró en la exploración de las emociones que invaden a los personajes y el efecto que estas emociones provocan en sus relaciones cotidianas. Esta búsqueda confrontará a los espectadores ante ambas posturas: la biológica y la afectiva.

Por su parte la actriz Prakriti Maduro, una de las protagonistas del film, sobre su experiencia actoral relata: “Ha resultado de las experiencias más satisfactorias de mi carrera.  Sabiendo que el guión está minuciosamente cuidado, que el director tiene clarísima la película en su cabeza y que conoce profundamente el oficio del actor, me sentí en total confianza para lanzarme de clavado en el mundo de Federica. Disfruté cada día uno de los días de rodaje. Y estoy segura de que logramos una bellísima película. Muero de ganas de verla ya estrenada”.

La noche de las dos lunas, se filmó íntegramente en Caracas y es una producción de Plenilunio Films (Venezuela) y Malas Compañías (España) en coproducción con Tres Cinematografía (Venezuela), REC 2010 (Venezuela), Revels Movies (España) y Carlos Films (España). La película está financiada con fondos privados y cuenta con el apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) de Venezuela y la Embajada del Reino de España en Venezuela.

Actualmente, Miguel Ferrari se dedica al proceso de edición y posproducción del film y luego preparará su recorrido en festivales internacionales antes de su estreno comercial en las salas de cine de Venezuela (2018) de la mano de Cines Unidos.

Volvió "Escrito y sellado" para recordar a Isaac Chocrón

A 23 años de su estreno ha regresado la pieza mas chocroniana.

A cinco años de su mutis es conveniente abrir una reflexión entre amigos, alumnos y la familia elegida para que en un futuro mediato se tenga el mayor número de historias o análisis sobre su personalidad y su obra cultural, toda una honesta memoria colectiva de quienes lo conocieron.  Hombre que amó y nunca se ocultó tras puertas, alcabalas ni closets. Como sabía cuál era el valor del legado literario que dejaba y también conocía de la ingratitud de muchas memorias oportunistas, organizó la puesta en marcha de una fundación, que llevaría su nombre, y se dedicaría a estimular el arte teatral para artistas y formación del público, organismo que actualmente preside el actor Javier Vidal Prada.

 Nos referimos al dramaturgo Isaac Chocrón Serfati (Maracay,25.09.1930/ Caracas, 06.11. 2011), venezolano, de origen judío, que pudo vivir y disfrutar todo lo que eligió. Tenía una esmerada capacitación profesional y sólidos soportes económicos, pero, gracias a su conducta humanista, escogió el apostolado cultural y trabajó para el desarrollo artístico de las nuevas generaciones desde las cátedras universitarias que regentó y los institutos que comandó. Intelectual de obra propia, como pocos, y nada egoísta con los demás.

Él, sin asumirse como discípulo de Jean Paul Sartre, hizo suyo aquello de que el dramaturgo contemporáneo tiene que escoger, entre sus situaciones límites, precisamente aquella que pueda expresar mejor sus preocupaciones y presentarlas de tal manera al público como “amenazas” a algunas de sus libertades, porque “solamente así el teatro reencontrará la resonancia que ha perdido, solo así se podrá unificar a los públicos diversos que hoy en día lo frecuentan”. Dicho en palabras coloquiales, decidió que su teatro debía estar conectado con lo que ocurre o sucede en el país donde se le produce y representa, y que su actualidad debía ser el norte de sus creadores. Y fue otro convencido cómplice en aquello de lo que debe ser el teatro en los tiempos modernos o sobre lo que deben hacer sus escritores al pergeñar sus obras, precisamente ahora cuando el peligro que se cierne sobre la libertad de los seres humanos para amar en toda su intensidad posible no ha menguado y ha terminado por ser una pandemia mundial, como es el caso del Sida, que ha dejado mortíferas secuelas desde mediados de los años 80 del siglo pasado.

SIDA EN VENEZUELA

Aquí en Venezuela, a lo largo de los años 90 de la centuria pasada, Elio Palencia, Marco Purroy, Johnny Gavlovski y David Osorio Lovera e Isaac Chocrón se fijaron en ese tema del Sida, lo amaron y optaron por escribir sus textos: Anatomía de un viaje, Habitación independiente para un hombre solo, Hombre, El último brunch de la década y Escrito y sellado. Añadieron, pues, a la larga lista de personajes del prototipo venezolano, a seres nunca antes vistos en la escena o morando entre los libros, como son: Gabriel, Héctor, Bruno, Esteban, Marco, Nico, Santy, Luis y Saúl (Isaac), además de Sara y Miguel, entre otros individuos de conductas homosexuales, bisexuales o heterosexuales infectados por el retrovirus del Sida, el cual puso en peligro a la humanidad entera, sin distingos de costumbres amatorias y/o sexuales.

Y eso era y sigue siendo una novedad en el teatro venezolano, para no citar al de otros países, donde sus dramaturgos escriben sobre el temible VIH. Ellos son pioneros de una dramaturgia criolla sobre problemas tan inherentes a la vida y la libertad humanas, como los provocados por el Sida, los cuales pueden afectar a todos los humanos, sin que incluso haya mediado cualquier tipo de relación sexual.

Con la pieza Escrito y sellado (1993), que dirigió Ugo Ulive y protagonizaron Fausto Verdial, Luigi Sciamanna y Gonzalo Velutini, Isaac Chocrón dejó atrás a sus predecesores en el teatro del Sida. Su texto levanta el espíritu y arrincona sentimentalismos y lloriqueos. No es un panfleto sobre el VIH ni tampoco muestra aspectos de la enfermedad. Exhibe y hace énfasis en cómo se puede manejar tal flagelo de manera positiva. Contribuye a disminuir el tabú hacia el Síndrome y enfrenta a la pandemia como una enfermedad más, como fue el cáncer en su momento. Recomienda asumir actitudes honestas y sinceras, para que los seropositivos, o portadores sanos del VIH, y los que han vivido alrededor de familiares o amigos infectados, puedan manejar mejor su situación. Busca reflejar como la muerte de un ser humano no significa su desaparición, significa algo más allá; es el alma que queda, su ánima en la memoria de los seres queridos.

“No hay que morir a causa de ella, si no vivir con ella”, ha escrito Chocrón al tiempo que reconoció que Escrito y sellado es quizás una de sus piezas más autobiográficas, “ya que ahí el personaje Luis es Luis Salmerón que fue mi gran amigo, y es un homenaje que yo le hago al escribir esa pieza, y el personaje Saúl soy yo”.

EN ESCENA

Desde el 28 de octubre, en el espacio Alterno del Trasnocho Cultural, se puede ponderar el montaje que Javier Vidal ha logrado con Escrito y sellado, a 23 años de su estreno. Ahora los intérpretes son Gonzalo Velutini, Juan Carlos Ogando, Theylor Plaza, Gladys Seco y Diana Díaz. Ellos hacen posible que Isaac, un profesor judío viaja a Albuquerque para dar un curso sobre Shakespeare. En el transcurso se encuentra con el ex actor Miguel, un viejo amigo que se hizo sacerdote católico para poder superar la muerte de Luis, un joven de quien estaba profundamente enamorado y que sale entre escenas deambulando y penando su muerte. En la soledad penetrante que exhala Nuevo México el profesor encontrará algo muy importante para vivir: el sentimiento de la otredad. Esta obra es un fiel reflejo de la vida de Chocrón, cuenta muchas incertidumbres, dudas e inconsistencias de esas que se tienen en la vida.  Su texto más honesto y autobiográfico, donde muestra y demuestra que la amistad y el amor son los únicos sentimientos nobles del ser humano, el principio y el fin, además de razones para vivir.

Un espectáculo que no supera los 90 minutos y se convierte en una comunión entre público y actores y personajes, para llegar a la conclusión que el amor  y la amistad  son  los únicos sentimientos  que justifica la vida misma, aunque el amor  y la amistad sea esquivos y hasta torpes en sus elecciones. Una puesta en escena que nos remite al esquema de la gran obra La muerte de un viajante, de Arthur Miller, gran padre del teatro estadounidense, donde los muertos conviven con los vivos y donde el tiempo y el espacio son una sola dimensión, como lo descubrió ese otro gran judío, Albert Einstein.

El espectáculo es “minimalista”: todo se realiza en un espacio a la isabelina, y tiene como utilería una silla playera, una mesa y cuatro butacas, además de unas luces adecuadas y una interpretación musical en piano. Es un montaje de maletín, de esos que se lleva fácilmente a cualquier parte, como lo exigen los tiempos actuales.

Las actuaciones son conmovedoras por el verismo de las mismas, desde el deambular fantasmal de Theylor (Luis) hasta la pesadez graciosa y el ballet de las manos de Ocando (Isaac), además de las conmovedora entregas de Velutini (Miguel, el sacerdote que también es portador del Sida) y Sara, la mujer sin sexo de Isaac (trabajó 47 años en su casa), que estaba ahí gracias a Seco.

Ahora la última palabra la tiene el público, para quien se ha trabajado pulcramente.

Película "El amparo" ganó dos premios en Brasil

Más galardones para el nuevo cine venezolano

El cine venezolano  vuelve a triunfar en una prestigiosa competencia internacional,  como ha ocurrido con la película El Amparo,   la cual recibió hoy el Premio al Mejor Guión y Mejor Película en la 40 Mostra de Cine de Sao Paulo.

 La ópera prima del director Rober Calzadilla  se estrenó en festivales luego de ser seleccionada para abrir el AFILatin American Film Festival en Washington, participó en la sección Horizontes Latinos, del Festival de  San Sebastián recibiendo las mejores críticas de la prensa especializada y una ovación de más de cinco minutos  el día de su exhibición, ganó el Premio del Público  en el Festival de  Cine de Biarritz, después participó en el Festival Internacional de Cine de Bogotá y  fue seleccionada por el público entre 90 películas para entrar en competencia en la 40 Mostra Internacional de Cine de Sao Paulo

El Amparo es el primer largometraje producido por “Tumbarrancho Films”, productora audiovisual nacida de la agrupación teatral homónima y “Películas Prescindibles”. El guion de Karin Valecillos es una adaptación de la obra Sobrevivientes 29/10/88, inspirada en los hechos del Amparo sucedidos en el estado Apure- Venezuela en octubre de 1988. 

El Amparo  es una producción de Marianella Illas y Rubén Sierra, quienes tienen varios años posicionando proyectos venezolanos en los mercados y festivales más importantes del mundo.

 En la película destacan las actuaciones de Giovanny García, Vicente Quintero, Samantha Castillo, Rossana Hernández, Aura Rivas, Pancho Salazar, Luis Domingo González, Vicente Peña, Jesús Carreño, Tatiana Mabo, Patrizia Fusco, Dixon Dacosta, Ángel Pájaro, Jesús Delgado, Diego Guerrero, Roso Arcia, Sainma Rada. La misma,  fue filmada en El Yagual, Estado Apure y contó con el apoyo y la participación activa de sus pobladores, quienes también actúan en el film.  La dirección de fotografía es de Michell Rivas, la edición de Gustavo Rondón, la dirección de Arte de Matías Tikas y en el sonido Francisco Toro y Marcos Salaverría, recientemente galardonado con el Premio Platino por su trabajo en  El abrazo de la serpiente . Se espera su estreno en Venezuela para el 2017.

 El reconocimiento del público es la muestra de la consolidación de nuestra cinematografía, luego del impulso logrado por sus antecesoras  Azul y no tan rosa , Pelo malo y Desde allá . En los últimos años, se ha formado un equipo de trabajo integrado por profesionales interesados en intercambiar ideas, opiniones y apoyar cada una de las iniciativas que ahora son una realidad. Encontrando a base de trabajo un espacio tanto en el cine latinoamericano, como mundial mostrando nuestra realidad desde lo humano, demostrando que tenemos buenas historias para contar, recibiendo así el interés en lo que se está haciendo en nuestro país.